Иллюстрации Виолетты Лопес (Violeta López) к книжке «At the Drop of a Cat», где шестилетний мальчик рассказывает о своем дедушке-эмигранте по имени Луис, с которым он проводит время в саду и узнает от него названия растений и птиц.
Очень здорово, что довольно прямая визуальная метафора — изображение человека как отдельного, сложного и насыщенного мира, где сам человек является только слабым обрамлением — тут работает сразу на нескольких уровнях.
Во-первых, этот прием хорошо передает детское восприятие реальности, когда всё вокруг кажется ярким и сказочным, и все вещи связаны друг с другом пока еще не совсем рациональными связями.
Во-вторых, точно показывает отношение ребёнка ко взрослому, который видится ему гигантом настолько огромным, что воспринимается скорее как одушевленное пространство, вмещающее в себе и самого маленького человека.
И еще это отлично передаёт характер и буквально — внутреннее содержание героя (деда Луиса). Его особое отношение к миру, любовь и непосредственную связь с природой, в которой постепенно растворяется жизнь стареющего человека.
Многослойность смыслов рифмуется с многослойностью изображения. Ну и классно всё нарисовано конечно.
(Да-да, я уже вижу ваши удивленные брови: «Что это за Баба-Яга тут блог завела?» Почти угадали, но я пока только учусь варить зелья… то есть печатать кукол! 😉)
«От Лешего до Златоглазки: как я загорелась идеей оживить мифы в 3D»
Всем привет! Меня зовут Dettdiva, и я чудачка, которая решила, что древнерусские духи заслужили быть не только былины, но и крутыми 3D-куклами с огоньком в глазах! 🌟 Представьте: Лешёнок с корнями вместо шнурков, Водяница с волосами-водопадом, а Кикиморка… о, она точно будет красть ваши носки из стиральной машины.
Но вот загвоздка: мой энтузиазм пока сильнее, чем навыки в Blender. 🙈 Поэтому зову вас в свою магическую мастерскую — здесь будет:
📖 Мини-истории (спойлер: Морозко тает от комплиментов, а Огнекрыл учится не жечь скатерти),
🎨 Концепты (смотрите, как Полуночник из каракулей превращается в крутого теневого хищника),
🖨️ Боли и победы печати (спасите, у Златоглазки опять глаза как у инопланетянина!),
💬 И ваши советы, потому что без вас мои куклы рискуют превратиться в «лесных чудищ с кривыми ногами»! 🌿😅
Давайте дружить, ругаться над кривыми полигонами и смеяться над тем, как Кикиморка снова всё испортила! (А если серьёзно — ваша поддержка станет той самой «живой водой» для этого проекта. Ну или хотя бы кофе, пока я ночами скроллю туториалы. ☕)
Пока я только учусь строить мини-истории, рисовать комиксы и разбираюсь в Blender (Правда, пока что у меня получаются больше «кубики с глазами», чем куклы 😅). Но первый концепт — Веснянка с цветами вместо веснушек — уже в мыслях! Скоро покажу, как она из «кучи треугольников» станет почти богиней. 🌸 А вы подписывайтесь, а то она обидится и заморозит блог. (Шучу. Или нет?)
Привет! Я Света, я художник-керамист. Я очень люблю всякое сказочное и лесное, и мне давно хотелось сделать набор в таком волшебном и немного детском стиле. Я думала про разные сказки типа "Матушка Гусыня" и "Лягушка-путешествнница"...и вот так потихоньку лепила и расписывала. Показываю, что у меня получилось)
Неожиданно для себя обнаружила, что рисовать зверушек во всяких модных шмотках - весьма занимательное и приятное занятие. Впрочем, антропоморфы сегодня в моде, можно сказать, что я поддалась этому тренду.
На фото выше - фильтр-кофе с петушком. И как человек, который любит кофе, но сам его никогда не варит, я немного промахнулась с диаметром воронки - он маловат. Ну что делать, учту.
Я расписывала изделия ангобами (это такие пигменты перемешанные с глиной). Ангобы ведут себя не так, как привычные нам краски, а текстура черепка сильно отличается от бумаги или холста, так что процесс занимает больше времени, чем обычное рисование на бумаге. Сделать такой рисунок занимает где-то 2 часа через увеличительное стекло:
В самом конце я подчеркнула некоторые детали препаратом жидкого золота. На фото ниже рамочка, например.
Надеюсь, это было кому-то интересно. По ссылкам в шапке профиля можно увидеть больше моих работ, а интересующихся "гончарной кухней" приглашаю почитать другие мои посты, где я рассказываю о материалах и технологической стороне работы керамиста. Спасибо за внимание!)
Привет! Я Света, я художник-керамист. Сегодня хочу поделиться результатом работы над новым чайным набором по мотивам моей любимой поттерианы. На видео ниже можно увидеть процесс нанесения ангобов (пигментов).
Интересующихся "гончарной кухней" приглашаю познакомиться с парой последних постов, там я подробно рассказываю о материалах и разных этапах работы.
Эффект глянцевой, почти стеклянной поверхности достигается путем нанесения глазурей, обожжённых при температуре 1200 градусов. Они же обеспечивают водонепроницаемость изделий.
Набор выполнен в лоскутном стиле. Мне хотелось, чтобы с любого ракурса было интересно рассмотреть и найти какую-то неожиданную деталь.
Каждое изделие прошло 3 обжига. Керамика, пигменты, глазури.
Надеюсь, это было кому-то интересно. Узнать больше о моей работе можно по ссылкам в шапке профиля. Спасибо за внимание!
Существует множество популярных теорий, почему художник Винсент Ван Гог писал такие кричаще яркие картины. То ли с головой у него не всё было в порядке, то ли со зрением, то ли краски плохие, дешёвые… бедный же! А на самом деле всё просто.
Но сначала разоблачим миф о Ван Гоге – «бедном художнике», не признанном буржуазной публикой и продавшем при жизни одну-единственную картину («Красные виноградники в Арле»).
Винсент Ван-Гог. Красные виноградники в Арле
Да, Ван Гог никогда не роскошествовал; как у всякого, у него были тяжелые периоды в жизни, но и бедным его назвать нельзя. И краски у него были отнюдь не дешёвые. Брат художника, торговец искусством (или, как сказали бы сегодня, арт-дилер) Тео Ван-Гог снабжал его качественными красками и выплачивал ежемесячное содержание в размере 220 франков. Много это или мало? Для сравнения: почтальон Жозеф Рулен, которого биографы часто изображают одним из покровителей «нищего художника», получал вдвое меньшее жалование – и содержал на него жену и троих детей (а Ван-Гог жил один).
Винсент Ван-Гог. Портрет Жозефа Рулена
Ван Гог регулярно участвовал в престижных выставках «Салон независимых» и «Свободный театр» в Париже, и картин только по документам продал 14 штук. (На самом деле, конечно, больше, – просто сохранилось 14 кýпчих.) А почему молва приписывает честь единственной проданной Ван-Гогом картины именно «Красным виноградникам в Арле»?
Потому что эта работа была продана (с выставки в Брюсселе в 1890 году) за весьма и весьма приличную сумму 400 франков; это был прорыв художника в коммерческую «высшую лигу» – на рынок серьёзных цен... К несчастью, летом того же года Ван-Гог застрелился, так что на этом всё и закончилось. Но застрелился художник уж никак не от непризнания и нищеты.
Строго говоря, причина самоубийства неизвестна; существует версия, что выстрел произвел не он, а его знакомый – подросток, часто сопровождавший художника. Возможно, тот просто баловался с револьвером, который Ван Гог носил с собой – якобы для того, чтобы отпугивать ворон, докучающих ему во время работы. Пуля не задела никаких жизненно важных органов, и Ван-Гог смог самостоятельно дойти до дома, после чего заявил о попытке самоубийства, чтобы его предполагаемый спутник избежал наказания за преступную неосторожность. Умер художник от последствий кровопотери.
Вороны над пшеничным полем. Последняя картина Ван-Гога. (Вот этих ворон он и распугивал из того самого, ставшего роковым, пистолета)
Так почему же картины были такими яркими? У Винсента и Тео был «бизнес-план». Они считали, что средний класс охотнее покупает яркие картины в светлых тонах. Именно поэтому Винсент уехал из пасмурной Голландии, где писал вот так…
…на Юг Франции, где в городках Арль, Овер, Сан-Реми и написал самые знаменитые свои произведения. То, что он здесь увидел, его поразило. Красные виноградники? А как, вы думаете, они выглядят на самом деле? Смотрим современные фотографии:
Кстати, красный цвет виноградной листве придает пигмент антоциан, который обычно начинает синтезироваться осенью. Зачем растение тратит энергию на синтез нового пигмента в листьях, которые все равно скоро опадут, неизвестно. Для красоты?
Давайте теперь сравним фрагмент картины с красками самой матушки-природы. У кого ярче?
Как показала жизнь, расчёт оказался верен: всего через десять лет после того, как Винсент (тоже в прошлом торговец живописью) впервые взялся за кисти, к нему пришёл большой успех. Но...
Люсьен Писсаро. Братья Винсент (слева) и Теодор (справа) Ван-Гоги
А откуда же взялась легенда о нищем художнике и непризнанном гении? Её сочинил немецкий искусствовед Юлиус Мейер-Грефе – по тем же причинам, по которым Тео и Винсент сделали ставку на яркие краски: романтические истории о непризнанных гениях лучше продаются...
Версию немца подхватил французский популяризатор истории искусства Анри Перрюшо, и с тех пор так и повелось: «страдающий гений»!.. «гениальный безумец»!
Надгробия Винсента и Теодора на кладбище Овер-сюр-Уаз в 30 км от Парижа
Итак, миф первый – нищий; миф второй – безумный, миф третий – самоубийца.
Добавим, что слово "миф" вовсе не означает "враньё". Научное определение мифа – "структурный элемент коллективного сознания". Говоря проще – воодушевляющий либо легкодоступный для понимания домысел.
Кстати, уважаемые друзья, у нас есть подробная, "на пальцах", статья, объясняющая, что такое мифы, как они возникли, для чего служили и как трансформировались в религию, искусство и науку. Дети в "Лучике" прочли с удовольствием. А вы хотите?
Нашим любимым местом для игр было огромное поле на краю микрорайона. Там росла просто замечательная полынь. Она была в рост взрослого человека, нам же казалась непроходимыми джунглями. Мы пробирались индейскими тропами, устраивали засады на бледнолицых, строили вигвамы. Однажды под вечер, уже возвращаясь домой, заметили на холме художника с мольбертом. Поднялись посмотреть. Детишками мы были воспитанными, поэтому лишь молча стояли сзади, воздерживаясь от критики. А поржать то там было над чем. Дядька оказался вовсе не художником: потыкав кисточкой то в одну кучку краски на палитре, то в другую, он ляпал по холсту, прищуривался, и замирал, всматриваясь в лежащее внизу поле. На картине же творилось нечто невообразимое. Зелено-серо-бурый сумбур хаотичных мазков. Постояв какое-то время, и решив, что дядя немного поехавший кукухой, мы двинули вниз. Не помню, что меня подтолкнуло оглянуться и бросить прощальный взгляд на картину. Там было поле. Наше поле. Казалось бы, как можно изобразить ровную площадку поросшую травой, вид сверху, на которой кроме этой травы и нет то ничего? Зеленым квадратом Малевича? Но там были и возвышенности, и понижения. И волны колышущейся под ветром полыни. И над всем этим висело сизое вечернее марево, подсвеченное лучами заходящего солнца. Я вернулся. Видение исчезло - опять мешанина зеленого цвета. Отошел - поле. С тех пор я точно знаю, художники - это чуть-чуть волшебники.
Когда в 1874 году французский художник Клод Моне представил на выставке свою картину «Впечатление. Восход солнца», она показалась многим зрителям «возмутительной мазнёй».
Клод Моне. «Впечатление. Восход солнца». 1872 г.
По-французски название картины звучит так: «Импресьóн. Соле́ левáн». И вот один журналист назвал её придуманным словечком «импрессионизм» – то есть «впечатлизм».
Но Клод Моне и его товарищи не обиделись. «Импрессионизм? Отлично! Значит, будем импрессионистами!» Так появилось название этого нового необычного направления живописи.
Кстати, давайте заодно посмотрим на картину англичанина Уильяма Тёрнера, написанную в 1833 году, за сорок лет до Моне. Правда, они похожи?
Уильям Тёрнер. «Город и река на закате». 1833 г.
Почему же тогда первым импрессионистом считают Клода Моне? Потому что Тёрнер был уникумом, одиночкой. (Разве что у его современника Джона Констебла можно найти что-то похожее...) А импрессионисты ворвались в искусство целой группой. Чтобы получилось «направление в искусстве», одного человека мало. Один в поле не воин.
Джон Констебл. «Дом, радуга, мельница». 1837 г.
Кто-то может сказать: «Этиимпрессионисты были просто лентяями. Неохота им было тщательно детали выписывать!» Однако дело совсем в другом...
Почему они так пишут?
В 30-е годы XIXвека была изобретена и начала очень быстро развиваться фотография. К тому времени, когда появились импрессионисты, фотография уже сильно потеснила живопись. Ведь не нужно было тратить время и силы на то, чтобы запечатлеть какой-нибудь дом или улицу – фотограф сделает это быстрее и точнее. И портреты людям хотелось заказывать фотографические. Не надо долго неподвижно сидеть, позируя художнику, – раз и готово!
Так на глазах менялось искусство фотографии
Конечно, художникам было обидно… А теперь – внимание, вопрос. Чего недоставало фотографии по сравнению с живописью? Что у живописи было такое, чего у фотографии пока не было?
Цвет! У фотографии не было цвета! И художники-импрессионисты решили «поднажать на цвет». Не для того, чтобы победить фотографию, – они понимали, что это невозможно: между искусством и техническим прогрессом люди всегда выбирают технический прогресс.
Они решили так: «У нас, художников, глаз более острый, чем у обычных людей. Там, где обычный человек видит один цвет, мы видим огромное множество оттенков и переливов. И мы заставим вас тоже это увидеть! Мы будем это изображать!»
В самом деле, если раньше художник, чтобы добиться нужного оттенка зелёного цвета, смешивал на палитре определённое количество жёлтой и синей краски, то импрессионист брал жёлтую и синюю краски в чистом виде и клал рядом на холст так, чтобы зелёный цвет возникал прямо в глазу зрителя!
Видели старый цветной телевизор? Если посмотреть на его экран с расстояния в несколько сантиметров, можно увидеть, что всё цветное изображение складывается из крошечных точек красного, жёлтого и синего цвета. Точек другого цвета на экране нет! Но, когда смотришь на экран с нормального расстояния, видишь и розовый, и фиолетовый, и коричневый – все цвета, какие нужно. Все они складываются из так называемых «основных цветов» – красного, жёлтого и синего. Причём «сложение» происходит именно в глазу зрителя!
Так выглядит изображение на экране цветного телевизора при сильном увеличении
Кстати, точно так же устроены и экраны современных телевизоров, и экраны смартфонов, просто точек там больше и они мельче – не разглядишь.
Ну вот, а теперь рассмотрим картину художника-постимпрессиониста Жоржа Сёрá «Воскресный день на острове Сен-Жатт». Мы выделили один её фрагмент красным прямоугольником:
Жорж Сёрá «Воскресный день на острове Сен-Жатт»
Какой цвет в прямоугольнике внизу? Тёмно-зелёный? А теперь давайте посмотрим на выделенный нами фрагмент поближе:
Цвет становится зелёным, потому что фиолетовый смешивается у нас в глазу с оранжевыми точками, когда мы смотрим на картину издалека! Вся картина состоит из десятков тысяч нанесённых на холст разноцветных точек!
Фрагмент этой же картины с подписью художника
А хотите ещё фокус? Отойдите от экрана на пару шагов и внимательно посмотрите на следующую картинку… Что видите?
Кружочки? А что ещё? Напишите, пожалуйста, в комментариях! Ждём ваших ответов!
Развиваем воображение
Конечно, не все импрессионисты стали рисовать «точками». Но главный принцип – «изображение должно возникать не на холсте, а в глазу и в воображении зрителя» – соблюдали все. Например, посмотрим на картину Камиля Писсарó«Праздник Марди-Гра на бульваре». Видите прохожих, всадников на лошадях?
Камиль Писсарó. «Праздник Марди-Гра на бульваре»
А на самом деле – мы их не видим – мы их воображаем! Художник ЗАСТАВИЛ нас увидеть прохожих и всадников там, где на самом деле изображены просто пятна и закорючки:
Это наше воображение достраивает их до образов людей и лошадей!
Может, художник просто лошадей рисовать не умел? Нет, просто для него, как и для других импрессионистов, «чтобы было похоже» – не главное. «Похоже» теперь любой фотограф сделает. А для импрессиониста главное – передавать те состояния природы, которые недоступны для фотографии. В первую очередь – передавать так называемую «освещённость» – неуловимую быстро меняющуюся игру света в природе.
Камиль Писсарó. «Белая лошадь на лугу»
Именно поэтому они очень любили рисовать в утренние и вечерние часы, когда освещённость быстро меняется. Разумеется, рисовать надо было не «по памяти», в мастерской, а только с натуры – «на пленэре» (то есть на свежем воздухе), стоя или сидя перед маленьким походным мольбертом или этюдником.
Клод Моне. «Пленэр» (фрагмент)
Моне, например, написал огромную серию «Руанских соборов» – один и тот же фасад собора в городе Руане, но в разное время суток, в разную погоду и в разное время года. То есть – при разном освещении!
А в старости он уже не мог путешествовать, да к тому же заболел артритом и не мог держать в руках кисти (при этой болезни пальцы плохо сгибаются). Он просил, чтобы ему привязывали кисти к рукам, и с утра до вечера писал (в смысле рисовал) пруд с лилиями неподалёку от своего дома…
Серия «Руанских соборов». (Здесь далеко не все!)
Различаем оттенки!
Живопись импрессионистов развивает не только фантазию, но и наблюдательность, чуткость к природе, к её видимым, зримым состояниям. А в конечном итоге – развивает ум!
Можно всех рыб называть словом «рыба», а можно различать карасей, уклеек, сазанов, ёршиков, окуньков, тунцов, барракуд… Чем больше ты различаешь «оттенков рыб», тем больше у тебя знаний, верно? Это правило касается всего. Например, надо уметь различать больше оттенков настроений у себя и у других людей. «Грустный» и «печальный» – уже не совсем одно и то же. А ещё есть «меланхоличный», «тоскливый», «элегичный», «задумчивый», «тревожный», «мятущийся», «смятённый», «депрессивный»… Чем чутче ты определяешь настроение человека (или своё собственное), тем лучше понимаешь, как себя с ним вести, что с собой делать.
Клод Моне. Лилии
Чем, например, отличаются «печальный» и «грустный»? Вопрос на засыпку!
Грусть – состояние более острое, но быстрее может пройти, а печаль мягче, но длится дольше. Грустным человек бывает по какой-то причине и обычно знает, почему ему грустно. А вот печальным можно быть и без причины – непонятно почему. Вот просто накатило такое настроение, и всё!
В природе тоже надо уметь различать оттенки. У многих ведь людей как? Солнышко – жёлтое, трава – зелёная, стволы деревьев – коричневые. Какой карандаш есть в коробке, такого цвета пусть и будут. А природа – не коробка с карандашами! В ней цветов гораздо, гораздо больше!
Клод Моне. Лилии
Может возникнуть вопрос: разве до импрессионистов художники не знали всего этого?
Разумеется, знали. Но они не делали это знание достоянием публики. Это был их секрет. Они смешивали на палитре краски, какие надо, и получалось «похоже». А импрессионистам не надо было делать «похоже» (за них это уже фотографы делали), и они решили показать зрителям, что происходит у художника в голове. Как возникают цвета и формы…
Вовлечь в процесс творчества, а не показать его результат:
Значения слов в языке со временем изменяются. Латинское слово «сlassicus» («образцовый», «являющийся примером для подражания»), произошло от «classis» («группа населения»). А «classis» произошло от глагола «calare» – «созывать».
«Эй, патриции налево, плебеи направо! По группам населения стройся!»
А где строиться-то? Каждая группа должна быть на своём месте. Обведём это место чертой – и получится площадка, квадратик – «классик», как в игре в классики...
Впрочем, нам достаточно просто знать, что «классический» – значит «образцовый». Какое же искусство считается «образцовым», а какое нет?
Давайте посмотрим на изображения куроса (юноши) и коры (девушки). Это древнегреческие скульптуры периода архаики (древности). Так древние греки изображали людей в VII веке до новой эры.
Курос и кора. VII в. до н.э.
Сравним куроса и кору с мужским и женским скульптурными портретами работы древнегреческого скульптора Поликлета. Это уже и есть так называемый «период классики» – V век до новой эры. Сравните их с архаическими изображениями!
Древнегреческие скульптуры "классического периода", V в. до н.э.
Сравнили? А теперь посмотрим на два ещё более поздних скульптурных портрета классической эпохи. Сравните их с работами Поликлета! Что меняется?
Архаические портреты вообще мало похожи на живых людей, а у Поликтета весьма похожи! Но, если сравнивать Поликтета с более поздними портретами, то видно, что поздние натуралистичнее, как-то живее, что ли… Говоря научным языком, в них меньше условности.
Скульптурные портреты позднеклассического стиля
Поликтет словно изображает «людей вообще» – красивых, образцовых, но вместе с тем чуточку условных, обобщённых людей. А более поздние портреты максимально приближены к живой натуре, индивидуальны.
А теперь давайте посмотрим на работы современных скульпторов… Что мы видим?
Современные скульптуры
Снова больше условности! Это уже больше на архаичных куроса и кору похоже, чем на живых людей!
Вот где-то между древним и современным искусством, «в золотой середине», и находится то искусство, которое принято называть классическим.
Классическое изображение – это такое, в котором ничего «ни убавить, ни прибавить». А в «не классическом» всегда нужно что-то домысливать (добавлять) или, наоборот, хочется убрать что-то мешающее, даже раздражающее…
Но следует помнить, что у разных эпох были свои классики и свои представления о классическом. Об этом мы будем рассказывать в следующих выпусках. Следующая статья будет посвящена Эпохе Возрождения.
