Продолжаю свою рубрику, посвящённую присвоению Омску культурной столицы России. Сегодня расскажу про омскую художницу Ксению Романенко - график, член Союза художников России, преподаватель и автор необычных линогравюр.
Ксения - выпускница ОмГПУ. Сейчас она преподаёт в студии «Север»: рисует с детьми и лепит из глины. Сама она тоже в последние годы увлекается керамикой ю и считает это настоящей арт-терапией. А её работы уже хранятся в музеях «Либеров-центр» и «Искусство Омска»Графика в её исполнении - это не просто рисунок, а целая история. Ксения работает в технике линогравюры: изображение вырезается на линолеуме, наносится краска, и получается оттиск на бумаге. Это кропотливый ручной труд, требующий точности и терпения... ещё я бы добавил немного грубой силы, так как пресс у неё весьма тяжёлый, а банки с краской порой присыхают намертво.
В общем я тут покопался в интернете и выяснил, что одна из самых ярких её работ последних лет - это серия линогравюр «Сказка про дураков». Ксения взяла за основу одноимённый фольклорный текст из сборника «Сказки Омского Прииртышья» 1973 года. Сюжет, записанный от местной жительницы в Большеуковском районе, показался ей не просто смешным, а философским: в нём люди сами придумывают себе сложности, а главный герой терпеливо помогает им, учась принимать мир таким, какой он есть. Сначала Ксения сделала чёрно-белую серию, а потом дополнила её синим цветом — как символом мудрости и разума. Выставка проходила в Омской Арт-резиденции и произвела впечатление на зрителей. У меня кстати есть одна из работ этой серии (8 фото). Вот думаю оставить её себе или устроить розыгрыш?
PS: ещё фотографии с Ксенией можно посмотреть тут: альбом
Все знают "Чужого". Ну или хотя бы знают, как он выглядит - вытянутая башка. Зубы внутри зубов. Хвост. Кислота вместо крови. И общее ощущение, что эволюция где-то свернула не туда и больше не вернулась. Причём даже если вы вообще не смотрели фильм Ридли Скотта 1979 года, ксеноморфа вы всё равно наверняка видели. На футболках, татуировках, обложках, в играх, мемах и, возможно, в детстве — в виде той самой штуки, которую вам почему-то разрешили посмотреть родители. Но вот человека, который всё это придумал, знают уже сильно хуже. А зря.
Ксеноморф из фильма "Чужой". Дизайн и работа Х.Р. Гигера
Биография Ханса Руди Гигера сама по себе местами выглядит как происхождение суперзлодея. Или, скорее, как происхождение человека, которому однажды скажут:
— Нам нужен самый страшный инопланетянин в истории кино.
А он ответит:
— Ну наконец-то.
Началось всё с мумии. Гигер родился в 1940 году в швейцарском городе Кур. И неподалёку от его дома находился музей. В музее была выставка Древнего Египта. А в подвале лежала мумия. Настоящая. Маленький Гигер однажды туда пришёл, посмотрел на неё и, как нормальный ребёнок, испугался. А его сестра, тоже как типичный ребенок, тут же его затролила за это. И тут у Гигера включился режим: "Мы еще посмотрим, кто тут трус". После этого он начал приходить в музей постоянно. Каждое воскресенье. Пока остальные дети шли в церковь, Гигер шёл смотреть на мёртвую женщину, которая лежала в подвале и была старше всей их страны и постепенно смерть перестала его пугать. Напротив, он начал находить в ней что-то красивое.
Х.Р. Гигер в детстве
Потом отец подарил ему человеческий череп. Настоящий человеческий череп. Не игрушечный. Не пластиковый. Не «вот тебе набор юного археолога». Череп. Реального. Человека. Что сделал маленький Гигер? Привязал его к верёвке и начал таскать за собой по улице. Как собаку. Представьте себе Швейцарию. Маленький спокойный город. Аккуратные дома. Где-то люди пьют кофе. И по улице идёт ребёнок. За ребёнком на верёвке волочится человеческий череп.Вот примерно с такого уровня странностей начинается история человека, который потом создаст "Чужого".
Потом он построил собственный "ад". Дома Гигер делал всякие страшные штуки из проволоки, гипса и всего, что попадалось под руку. Скелеты. Монстров. Какие-то ворота в ад.А потом собрал собственный мини-поезд ужасов. Соседские дети могли заплатить и прокатиться через весь этот кошмар. То есть пока другие дети во дворе играли в войнушку, Гигер уже потихоньку строил собственный парк развлечений имени травмированной психики.
Взрослым Гигер заново сделал такую железную дорогу.
Позже у него появилась так называемая Чёрная комната на чердаке родительского дома. Там он рисовал.Там же тусовался. Там же репетировал. Кстати, Гигер ещё играл на саксофоне и пианино. Да, именно так.Человек, который потом подарит миру самого известного инопланетного паразита, ещё и джазовал. В общем, парень был разносторонний.
И тут начинается биомеханика. Потом Гигер пошёл учиться. Причём не просто "рисовать красиво". Он изучал промышленный дизайн и дизайн интерьеров. И вот это, кажется, одна из самых важных деталей во всей истории, потому что Гигер умел не просто придумать странную штуку. Он понимал, как эту штуку построить, как она будет выглядеть в пространстве, как сделать интерьер, как превратить рисунок в скульптуру. Гигер мог сделать так, чтобы человек не просто посмотрел на твою работу, а буквально оказался внутри неё. Постепенно у Гигера сформировался свой стиль. Человек, машина, кость, металл, трубы, сухожилия, секс, смерть - сё это он перемешивал в одну большую биомеханическую кашу. Причём самое неприятное — у него часто невозможно понять, где заканчивается человек и начинается машина.Вот вроде бы позвоночник, а вот вроде бы труба. Вот вроде бы череп, а вот уже какая-то деталь двигателя.И ты смотришь на всё это и понимаешь, что мозг вообще-то пытается классифицировать увиденное, но классификация закончилась примерно три минуты назад.
Сегодня такой визуальный язык кажется привычным. Мы его видели уже тысячу раз: в играх, в кино, на татуировках, в дизайне. Но тогда это выглядело так, будто какой-то человек заглянул в будущее, увидел там очень плохие вещи и решил их нарисовать.Ну или будто ему снятся ужаснейшие кошмары и он смог перениести их на полотна.
А потом случился 1978-ой и Ридли Скотт увидел одну картину Гигера. Она уже была опубликована в сборнике работ "Некрономикон" - картина Necronom IV. Вот её-то и увидел Ридли Скотт. В этот момент он работал над фильмом, который позже станет «Чужим». Причем режиссёр сказал, что не хочет от Гигера нового дизайна - Necronom IV идеальное воплощение того образа, который был нужен для этого кино. Ксеноморф одновременно был и отвратительными и красивыми. И, что самое неприятное - слишком человечный.
Necronom IV
Но Гигер работал не только над самим ксеноморфом. Он создавал яйца, работал над Космическим жокеем, участвовал в создании окружающего пространства. Возможно поэтому "Чужой" до сих пор выглядит настолько цельно. Там нет ощущения, что есть обычный космический корабль, а в него случайно посадили страшную тварь. Нет, там всё какое-то неправильное. Коридоры напоминают внутренности, механизмы выглядят почти живыми, корабли похожи на гигантские организмы. И в какой-то момент ты уже не понимаешь, что здесь построено, а что выросло. Гигер буквально сделал мир, где биология и техника перестали различаться. И посреди этого мира живёт существо, которое размножается, откладывая яйца в людей.
Гигер работает над созданием ксеноморфа
Да, если подумать, для массового кино 1979 года это вообще довольно бодрая заявка. А "Чужой" - это ещё и очень странный фильм про рождение. Самая знаменитая сцена фильма — когда Чужой появляется из груди Кейна. И если убрать на секунду весь ужас, кровь и крики, получится довольно любопытная штука. В "Чужом" постоянно всё связано с рождением: яйца, имплантация, беременность, роды. Только всё пошло настолько не по плану, что вместо ребёнка у тебя из грудной клетки вылезает инопланетная тварь. И вот эта смесь рождения, секса и смерти была для Гигера вообще родной темой. Он постоянно к ней возвращался. У него многие работы одновременно вызывают два ощущения.
Первое:
— Фу, что это вообще такое?
Второе:
— Блин, но красиво же.
Грудолом из фильма "Чужой"
И вот именно в этом, наверное, и был его главный талант. Гигер не просто рисовал ужасное. Он делал ужасное эстетически привлекательным. Что, если честно, довольно опасный навык. После «Чужого» он не остановился Получив «Оскар» за работу над визуальными эффектами «Чужого», Гигер, конечно, не сказал:
— Ну всё, пацаны, я сделал своё.
Он продолжил заниматься кино - делал скульптуры, интерьеры, мебель, работал с музыкантами, создавал обложки, проектировал целые пространства. В какой-то момент ему стало мало просто рисовать мир. Он захотел, чтобы в этот мир можно было зайти. Так появился музей Гигера в Грюйере. А рядом с ним — знаменитый Giger Bar. И вот если вам интересно, как выглядел бы бар, если бы его проектировали инженеры с космического корабля «Ностромо», то примерно вот так.
Бар Гигера в Швейцарии
Позвоночники превращаются в элементы интерьера. Стулья выглядят так, будто у них есть собственное мнение о вашем существовании, колонны напоминают кости, и всё вокруг выглядит настолько гигеровски, что кажется: сейчас из туалета выйдет ксеноморф и попросит не шуметь.
И самое интересное: мы до сих пор живём в мире Гигера. Вот тут начинается самое любопытное: Гигера уже давно нет, он умер в 2014 году, но его визуальный язык никуда не делся. Посмотрите на современные игры, на биомеханические татуировки, на дизайн монстров, на хорроры, на научную фантастику, на все эти картинки, где человеческая кожа разорвана, а под ней вместо мышц — провода, механизмы и какая-то технологическая дичь. Всё это так или иначе идёт оттуда.От человека, который однажды решил, что машина и живое существо могут выглядеть как одно целое.
Из игры Scorn
Гигер придумал эстетику, которая оказалась настолько мощной, что пережила и его самого, и эпоху, в которой он работал. И, возможно, поэтому «Чужой» до сих пор выглядит лучше огромного количества современных монстров. Потому что его не проектировали по принципу: "Надо сделать страшного инопланетянина".
А как вам вообще эстетика Гигера?Для вас она всё ещё жуткая — или уже настолько растащена играми, татуировками и современным дизайном, что перестала работать? И отдельно интересно: что страшнее — сам ксеноморф или вот эти огромные биомеханические пространства, которые Гигер придумал вокруг него?
А может самое стремное это то, что происходит внутри головы человека, который придумал это все?
Думаю, пора начинать работать под Бени Бенаси. Просто представьте: 6 утра, солнце ярко печёт, большинство людей ещё спят, а я в лучших традициях полощу свою бумагу в растворах под:
Push me, and then just touch me, 'til I can get my satisfaction
Ладно, звучит это всё сомнительно, пожалуй, оборву полёт фантазии.
Так вот, сегодня в пять утра я была уже на ногах. И даже не превратилась в принцессу Брюзгильду, потому что успела позавтракать и выпить огроменный стакан холодного чёрного кофе.
Но приступая к работе, я была очень настороженна.
Сегодня я намеревалась создать новую серию цианотипий на бумаге 60-х годов, но в этот раз — на бумаге Сокольского бумажного комбината.
Я уже давно выяснила, что бумага 50–60-х годов имеет свойство давать реакцию на раствор цианотипии даже в темноте. Это связано с тем, что в составе такой бумаги, особенно произведённой в середине XX века, используются растительные волокна и примеси, которые со временем окисляются и становятся чувствительными к щелочной среде реагентов. По сути, даже без воздействия ультрафиолета эти волокна вступают в реакцию с химическим составом, запуская процесс проявления цвета.
Вот намазали вы бумагу, аки летучая мышь на ощупь, и решили выйти на свет. Пока дверь открывали, упал небольшой лучик солнца внутрь кабинета — и всё, бумага уже синеет. Эта бумага исключением не стала. Даже больше — она начала давать реакцию, которая следовала по пятам за кистью. Так что даже превращение из мыши летучей в мышь обычную, которая кралась на корточках и носочках за дверь, чтобы ничего не дай бог не засветилось на бумагу, не помогло.
Интересное номер два: бумага даёт очень красивый пудровый цвет даже при увеличении времени засвета. Итог получается очень красивым и изящным, я бы даже сказала — кинематографично нуарным. Что интересно — бумага хорошо впитала раствор и не выдала каких-либо намёков на масла, так что цвет лёг ровно и хорошо.
И последнее: бумага выдерживает все стадии промывки, хотя, казалось бы, плотность у неё не больше 50 грамм на метр. А вот сохнет быстро! Требует практически моментального закрытия пресса, иначе сразу идёт волнами и раскисает.
Я результатом очень довольна и показываю его вам, задрав нос. По-моему, прекрасно, атмосферно и великолепно.
Произведения 1882–1898 Варианты Что такое искусство? Первая редакция * № 3 (рук. № 10). ...Но, как это бывает и с отдельными людьми и с обществами людей, одни теоретические учения усваиваются предпочтительно перед другими не потому, что они истиннее, а потому, что они оправдывают существующее положение.
* № 4 (рук. № 10).
...Выяснено еще со времен Баумгартена, что искусство в противоположность деятельности ума и воли есть деятельность чувства, выяснено Кантом, что главным признаком искусства есть то, что оно нравится без помощи понятий и вызывает удовольствие без желания пользы.
* № 5 (рук. № 3). ...Но мало того, что то, что безнравственно и просто гадко, перестает быть таковым, как скоро на него наложено клеймо искусства, произведения прямо скучные и часто для многих (для огромного большинства) отталкивающие, как например, для самого огромного большинства поемы Виргилия, Данта, Таса, Мильтона, большая часть драм Шекспира, большая часть сочинений Гёте, последние произведения Бетховена, часть сочинений Баха, картины <изображающие мадонн и распятий>.......... признаются обязательно для всех хорошими, как скоро они причислены к искусству.
Кто из нас в молодости не испытал тех мучений и сомнений, когда трудился найти удовольствие в чтении Данта, Шекспира и слушании Бетховена, Баха и т. п., не испытывал мучений и сомнений подобных тому, когда под видом пищи попадает в рот то, что не вызывало слюны и не входило в горло. Одни в этих случаях потихоньку выплевывают в платок и незаметно выкидывают, не признавая, что поданное за кушанье нельзя есть; другие проглатывают и этим приучают проглатывать неудобоваримое. В обоих случаях трудно.
Так что большинство людей поставлено в дилемму: признать себя непонимающим высокого искусства или то, что скучно и просто гадко, признать прекрасным. Обыкновенно избирается последнее, и скучное, и отталкивающее признается прекрасным, потому что это искусство.
Казалось бы, покупатель только что отдал миллион за работу, а получил лапшу из бумаги. Но испорченную картину переименовали в «Любовь в мусорном баке», а через несколько лет перепродали уже за 18,5 миллиона.
Наверное, это самая короткая версия всей истории Бэнкси.
Анонимный вандал рисует на чужой стене. Владельцы стены хотят всё закрасить. Искусствоведы объявляют рисунок важным произведением. Арт-дилеры вырезают стену. Коллекционеры платят миллионы. А сам художник смотрит на этот цирк откуда-то из темноты и, возможно, смеётся.
Так Бэнкси - Робин Гуд в мире искусства или хайпажор, который придумал идеальный способ превратить анонимность в деньги?
Как рисунок на стене перестал быть просто рисунком на стене
Современное граффити выросло из тегов, которыми в 1960-1970-х покрывали Филадельфию и Нью-Йорк.
Сначала это были простые подписи из категории «я здесь был». Потом начался бомбинг - попытка оставить своё имя везде, где только можно. Вагоны метро оказались настолько плотно покрыты тегами, что городские власти развернули целую кампанию по их очистке.
Метро отмыли, но граффити никуда не исчезло. Оно просто вышло на улицы.
Заодно граффити стало частью хип-хоп-культуры и способом высказаться для людей, чьего мнения обычно никто не спрашивал.
Бэнкси позднее написал:
«Граффити является одним из немногих средств выражения, если у вас ничего нет. И даже если вы не создадите рисунок, который избавит мир от бедности, вы можете заставить кого-то улыбнуться, пока он мочится».
Граффити при этом оставалось незаконным. В большинстве стран рисовать на чужой стене без разрешения - порча имущества.
Но постепенно возникла странная ситуация.
Работы Кита Харинга продаются за миллионы. Работы Жан-Мишеля Баския - за десятки и сотни миллионов. Граффити оказывается в музеях и крупнейших аукционных домах.
Работа Кита Харринга
Баския и его работа.
Получается, если неизвестный Вася рисует на стене - это вандализм. Если то же самое делает знаменитый художник - владельцу здания внезапно очень повезло.
Бэнкси придумал идеальную технику для нелегального художника
Трафареты использовались в стрит-арте и до Бэнкси. Например, французский художник Blek le Rat рисовал с их помощью чёрных крыс на стенах Парижа.
Бэнкси эту технику не придумал, но использовал максимально эффективно.
Трафарет позволяет заранее подготовить сложное изображение, быстро приложить его к стене и нанести краску. Для художника, который работает без разрешения и не особенно хочет встретиться с полицией, скорость имеет значение.
У Бэнкси появились крысы, полицейские, солдаты, дети, обезьяны, протестующие и люди, обнимающие бомбы.
Он критиковал войну, полицию, правительство, потребительство, рекламу и сам мир искусства.
В 2003 году, на фоне вторжения в Ирак, Бэнкси раздавал участникам антивоенных протестов плакаты со своими работами. Тогда же он устроил в Восточном Лондоне выставку «Война за территории».
Там были королева в образе обезьяны, свиньи, раскрашенные под полицейские машины, и вооружённые ангелы со смайликами вместо лиц.
На выставку пришла пресса. Бэнкси дал интервью, но спрятал лицо.
«Ты не можешь быть настоящим граффити-райтером и в то же время выходить в свет».
Примерно тогда анонимность перестала быть просто способом не попасться полиции и превратилась в часть его искусства.
Как Бэнкси самовольно добавлял свои работы в музеи
Музеи и галереи Бэнкси тоже не особенно любил.
Но вместо того чтобы просто написать очередной гневный текст о зажравшихся искусствоведах, он начал самостоятельно добавлять свои работы в коллекции известных музеев.
Бэнкси покупал старую картину, дорисовывал на ней что-нибудь своё, готовил табличку в музейном стиле, проносил всё внутрь и приклеивал на стену.
В Тейт Британия он повесил классический сельский пейзаж, поверх которого была нанесена полицейская лента.
«Crimewatch UK испортил сельскую местность для всех нас».
В Музее естествознания Бэнкси установил чучело крысы с баллончиком, микрофоном, рюкзаком и цепочкой как у рэпера.
Рядом висела совершенно официально выглядевшая табличка, сообщавшая о новом виде — Banksus Militus Vandalus. Эти крысы якобы эволюционировали под воздействием нездоровой еды, радиации и хардкорного городского рэпа, стали невосприимчивыми к современным средствам борьбы с вредителями и начали метить территорию сложными знаками.
В Британский музей он принёс кусок «древнего» камня. На нём в стиле наскальной живописи был изображён первобытный человек с тележкой для покупок.
Работа некоторое время провисела в музее, прежде чем сотрудники поняли, что она не является частью коллекции.
В Лувре Бэнкси разместил Мону Лизу со смайликом вместо лица.
10 ебучих шакалов из 10
Его сестра якобы выбросила детские рисунки будущего художника со словами:
«Ну, вряд ли их когда-нибудь повесят в Лувре, не так ли?»
В итоге повесили.
Правда, без разрешения Лувра.
В какой момент незаконное граффити становится собственностью на миллион?
И вот тут начинается самая интересная часть истории.
Допустим, Бэнкси ночью нарисовал работу на стене вашего здания.
Юридически стена принадлежит вам. Рисунок сделан без вашего разрешения. Значит, вы можете его закрасить.
Но что, если этот рисунок стоит миллион?
В 2012 году в Лондоне исчезло граффити Бэнкси «Рабский труд». На нём был изображён маленький мальчик, шьющий гирлянду из британских флажков.
Работу вырезали из стены, а позднее выставили на продажу.
Бэнкси денег не получил.
Подобное происходило и с другими его работами. Владельцам зданий предлагали продать участок стены. Арт-дилеры организовывали демонтаж, перевозку и торги, получая свой процент.
То есть художник незаконно рисует на чужом здании. Владелец здания незаконным художником недоволен. Потом узнаёт, сколько стоит рисунок, и уже не вызывает маляра, а вызывает арт-дилера.
Некоторые владельцы поступали иначе: закрывали граффити защитным стеклом и использовали его как достопримечательность. Рядом появлялись туристы, рос поток посетителей и дорожала недвижимость.
Однажды Бэнкси опубликовал письмо жителя лондонского района Хакни.
Автор просил художника больше не рисовать на их улице. Он писал, что из-за граффити район стал считаться модным, туда приехали обеспеченные студенты и яппи, цены на жильё выросли, а местные жители больше не могут позволить себе купить дом там, где родились.
Получается довольно красивая ирония.
Художник критикует капитализм - и одним рисунком повышает стоимость квадратного метра.
Как вообще понять, что работу сделал Бэнкси?
Анонимность создаёт ещё одну проблему.
Любой человек может нарисовать крысу с баллончиком и объявить:
- Поздравляю, у вас на гараже новый Бэнкси.
Сначала художник подтверждал авторство, публикуя фотографии работ на своём сайте.
Позднее появился Pest Control Office - «Офис по борьбе с вредителями». Это единственная официальная организация, которая подтверждает подлинность работ Бэнкси.
На сайте Pest Control регулярно появляются предупреждения о выставках, к которым художник не имеет никакого отношения.
Формулировка примерно такая:
«Эта выставка Бэнкси не является выставкой Бэнкси. Художника не спрашивали, он в ней не участвовал и не вернёт вам деньги, если вам не понравится».
Но как может существовать выставка Бэнкси без Бэнкси?
Очень просто.
Кто-то вырезал его работы из стен. Кто-то купил принты у ранних владельцев. Кто-то собрал произведения у частных коллекционеров. Затем организатор арендует помещение, вешает имя Бэнкси огромными буквами и продаёт билеты.
Формально работы могут быть настоящими.
Но сам художник выставку не организовывал, не одобрял и денег с неё не получает.
Авторское право, конечно, для неудачников. Но деньги почему-то любят все.
Зарабатывал ли сам Бэнкси?
Разумеется.
Бэнкси продавал картины, принты и другие работы, которые изначально предназначались для продажи.
На его выставке в Лос-Анджелесе работы покупали Кристина Агилера, Брэд Питт и Анджелина Джоли. Владельцами его произведений становились и другие знаменитости.
Он участвовал в выставках, где продавались доступные по меркам арт-рынка принты.
Правда, цены довольно быстро перестали быть доступными.
Логика была простой:
- Купили за 500? В следующий раз поставим 1500.
- Купили за 1500? Значит, есть деньги и на 3000.
- Купили за 3000? А, чёрт с ним. Теперь стоит 15 тысяч.
Но иногда Бэнкси демонстративно ломал собственный рынок.
В 2013 году неизвестный мужчина продавал в нью-йоркском парке подписанные работы Бэнкси по 60 долларов.
Никакой толпы коллекционеров рядом не было. Обычный столик, обычный продавец, картинки по цене сувенира.
За весь день купили лишь несколько работ.
Позднее выяснилось, что они были настоящими. Теперь каждая оценивается в сотни тысяч.
Получается, стоимость искусства определяется не только тем, что изображено на холсте. Важно, где работа висит, кто её продаёт, кто подтвердил авторство и знают ли покупатели, что перед ними настоящий Бэнкси.
Без имени это картинка за 60 долларов.
С именем - четверть миллиона.
Иногда он действительно отдавал деньги тем, кому они были нужны
Однажды Бэнкси купил за 50 долларов старую картину в благотворительном магазине, помогавшем больным СПИДом.
Он добавил к пейзажу нацистского офицера, сидящего на скамейке, вернул работу в магазин и подтвердил авторство на своём сайте.
После этого картину выставили на аукцион. За неё предложили сотни тысяч долларов.
В другой раз Бэнкси создал в Бристоле граффити «Мобильные любовники» на двери здания, где находился молодёжный клуб.
Затем он написал владельцам клуба, подтвердил своё авторство и разрешил использовать работу для сбора денег.
Правда, местные власти заявили, что здание принадлежит им, а значит, и дверь тоже принадлежит им.
Потому что даже когда анонимный художник пытается помочь молодёжному клубу, где-то обязательно появляется чиновник с документами на дверь.
Почему его до сих пор не раскрыли?
Свои первые работы Бэнкси создавал по ночам.
Кроме того, он работал не один. Команда могла отвлекать внимание, следить за улицей и закрывать художника от прохожих.
Один из описанных способов выглядел так: несколько человек держат возле стены большой матрас, будто помогают кому-то с переездом. За матрасом в это время появляется трафарет.
Позднее команда занялась организацией выставок, продажами, общением с прессой и подтверждением работ.
Версий о личности Бэнкси было много. Его называли участником группы Massive Attack Робертом Дель Ная, бристольским художником Робином Ганнингемом, группой разных людей и чуть ли не целой арт-организацией.
Но, кажется, большинство людей уже не особенно хочет знать правильный ответ.
Как только Бэнкси станет конкретным человеком с паспортом, возрастом, семейным положением и фотографиями из супермаркета, значительная часть магии исчезнет.
А ещё могут появиться вопросы от владельцев стен и полиции.
Поэтому анонимность — это одновременно защита, художественный образ и лучший маркетинговый ход в истории современного искусства.
Так кто он всё-таки: Робин Гуд или вандал-хайпажор?
Бэнкси не придумал граффити. Не придумал трафареты. Не был первым художником, который рисовал крыс или критиковал власть.
Но он показал, насколько громким может стать голос человека, имени и лица которого никто не знает.
Он помог превратить стрит-арт из «рисунков хулиганов» в полноценную часть большого искусства. После него уличные работы начали обсуждать музеи, коллекционеры и крупнейшие аукционные дома.
Одновременно он стал частью того самого рынка, который постоянно высмеивал.
Его искусство протестует против капитализма, пока коллекционеры платят за него миллионы.
Он рисует на чужих стенах, а деньги получают владельцы этих стен.
Он уничтожает собственную картину, а она становится в несколько раз дороже.
Он прячет своё имя от мира, но это имя знают почти все.
Поэтому, возможно, вопрос поставлен неправильно.
Бэнкси вполне может быть одновременно талантливым художником, вандалом, политическим активистом, коммерческим гением и человеком, которому просто очень нравится наблюдать, как богатые люди платят миллионы за издевательство над богатыми людьми.
А вы бы стали сохранять работу Бэнкси, если бы она появилась на стене вашего дома?
Или закрасили бы её, потому что нечего рисовать на чужой собственности?
И пошли бы вы на выставку Бэнкси, зная, что сам Бэнкси не имеет к ней никакого отношения?
Полная версия истории с изображениями работ, музейными подменами и историей картины со шредером — в видео:
Можно ли отказаться от сторонней работы, не писать картины на заказ — и при этом обеспечивать семью живописью?
Это откровенный разговор с художником Ильёй Чируном. Несколько лет назад он решил полностью поставить на собственное творчество: открыл галерею, начал самостоятельно искать коллекционеров и постепенно собрал вокруг себя команду.
Но мне было интересно не только то, как он пишет картины. Гораздо интереснее — как устроена жизнь художника, когда искусство становится единственным источником дохода
Полный разговор получился примерно на час. Обсудили:
— сколько может зарабатывать профессиональный художник; — как формируется цена картины; — зачем открывать собственную галерею; — где искать коллекционеров; — почему вдохновения недостаточно; — как семья переживает решение отказаться от стабильной работы.
