Эмо (от англ. emotional — «эмоциональный») — молодёжная субкультура, образовавшаяся на базе поклонников одноимённого музыкального стиля и родственных ему.
Представителей субкультуры называют «эмо-кид» (emo-kid — ребёнок-эмо), «эмо-гёрл» (emo-girl — девушка-эмо) или «эмо-бой» (emo-boy — парень-эмо).
Причёски — в основном выпрямленные волосы, крашенные в чёрный цвет, и длинная чёлка, частично закрывающая глаза. Часто стиль дополняется прядями особенно яркого цвета, например розового или фиолетового.
Одежда — узкие джинсы, облегающие футболки с принтами групп, полосатые гетры, кеды Converse или Vans.
Аксессуары — массивные ремни с шипами, напульсники, сумки-почтальонки, а также пирсинг (особенно популярны были тоннели в ушах).
Макияж — густая чёрная подводка для глаз у обоих полов, иногда нарочито «небрежная», будто от слёз.
Доминируют чёрный и розовый цвета — по задумке, символизируют депрессию и чувственность.
Низкая культура коллекционирования проявляется в поверхностном подходе к самому объекту – будь то монета, банкнота, марка или предмет искусства. Вместо того чтобы углубиться в историю выпуска, тираж, технологию чеканки или художественные особенности, люди нередко ориентируются исключительно на потенциальную прибыль. Это сведение всего к спекуляции - ценность предмета определяется не его уникальностью или редкостью, а тем, насколько легко и быстро можно «сбросить» его дальше по цепочке.
Такая стратегия позволяет удовлетворить «низшие» потребности – безопасность (быстрые деньги как финансовая опора) и физиологические потребности (купить что-то вдруг захотелось прямо сейчас).
Однако коллекционирование традиционно связано с потребностями более высокого порядка: познанием, эстетическим наслаждением, чувством принадлежности к сообществу и самореализацией. Когда эти уровни оказываются вытеснены желанием «легкой наживы», пропадает интерес к углублённому изучению, перекупке предшествует минимальная оценка подлинности, часто возникают ошибки или мошенничество.
Последствия такого «быстрого» подхода:
Падение доверия в среде коллекционеров. Новички, обманутые низкокачественными подделками или завышенными ценами, уходят из хобби, подрывая общий рынок.
Недооценка культурной и исторической ценности. Редкие экземпляры остаются неоценёнными, поскольку для большинства важнее краткосрочная прибыль, а не наследие, которое они могут передать дальше.
Рост краткосрочных спекулятивных пузырей. Сообщество привыкает к постоянным «скачкам» цен, что отталкивает серьёзных коллекционеров и специалистов, готовых инвестировать время в исследования.
Чтобы повысить культуру коллекционирования, необходимо:
Образование. Публикации, лекции и мастер-классы от признанных экспертов помогают новичкам отличать подлинник от фальшивки.
Сообщество. Платформы и клубы, где ценится обмен знаниями, а не только сделками. Совместные выставки, тематические конференции и онлайн-форумы усиливают чувство причастности.
Прозрачность рынка. Регистры подлинных лотов, отчёты о проведённых экспертизах, история предыдущих сделок – всё это снижает риски и стимулирует интерес к «длинной игре».
В итоге подлинное коллекционирование должно быть не столько источником лёгкого заработка, сколько способом прикоснуться к истории, культуре и искусству, обеспечить глубокую интеллектуальную и эмоциональную отдачу. Именно эти «высшие» потребности делают хобби долгосрочным и устойчивым, в отличие от мимолётной жажды быстрой прибыли
* господь наш создал человецех по своему подобию, се есть аксиома всех религий\вер\ересей и проч.
Посему обнаженное тело изображать на грех — бо то есть СУТЬ БОГА В ВОПЛОЩЕНИИ ЕГО. Такожде секты, отрицающие наготу человеческого тела, паче его изображения в хотя бы бодхисаттвы, АКА Будды — есмь богомерзкие отродье сатаны, буде то муслимы, православны, либо другие конфессии.
Да прокляты будут отродья сатаны. Аминь, исполать, во языцех реки истина сея .
Когда мы говорим про эстетику, в первую очередь мы должны дать себе отчет, что есть эстетика? в чем она заключается? Какой мы вкладываем смысл в это слово. Эстетика у всех народов разная, и у всех она своя. Что в эстетическом плане принято в Индии как верх эстетики, в Европе было бы не приемлемо, так же и эпоха и веянея играют свою роль в нашем восприятии эстетики. Как Борокко и викторианский стиль был верхом эстетики в свою эпоху, сейчас выглядит крайне вычурно и неуместно.
А так же утверждения автора, что японская архитектура и эстетика более сдержана и менее пестрая чем китайская, конечно же ошибочны, давайте приведу пример, и проведу небольшой исторический экскурс, и расскажу что к чему, и как Китай дошел до нас в том виде, в котором многие его знают.
Начнем с эпохи Тан(618г — 907г), золотой век Китая. Многие противники повержены, тюрки подчинены, китайский имепратор получил титул Кагана, идет рассвет культуры, архитектуры, искусства и военного дела. Всего этого становится настолько много- что Китай начинает экспортировать свою культуру в соседние страны, одни из этих стран это Корея, а из Кореи, китайская культура просочилась в Японию.
Японская архитектура представляла собой в основном такие вот домики и землянки.
Когда как в Китае, в столице династии, городе Чанъане уже было центральное управление по городскому планированию, и архитектуре.
И вот в этот период, Япония начала активно копировать Китай во всех возможных аспектах, начиная с письменности, заканчивая архитектурой и религией. К слову о религии, те же знаменитые синтоистске врата тории, родом из Танской династии, просто видоизмененные, и сильно упрощенные в виду того- что в Японии не было достаточно квалифицированных плотников.
Сверху Китайские 衡门 Хэнмен. Снизу Тории
Даже изогнутый главный вход, который обывательь считает отличителььной чертой только Японии родом из Китая.
И вот, спустя время, династии, войны, интервенции и прочее, китайская культура постоянно претерпевала изменения, и преобретая новые формы. Если Японию называют холодильником китайской культуры, так как с эпохи Тан почти ничего не изменилось, в Китае за этот период сменилось множество династий, было две не китайских, и это оставило след в их культуре. И тут мы подходим к главному, новое время, то как мы воспринимаем Китай.
У огромного числа людей, традиционный Китай изображен как человек, с выбритой головой, и длинной косичкой. Одет в красный колпак, и чанпао. Это не далеко от истины, но только для последней династии, самой ненавистной китайцам, и самой мало приятной в плане современной эстетики людям. Да, я про маньчжурскую династию Цин.
Это династия завоевателей династии Мин, некогда кочевое племя спустя два поколения полностью утратила свои корни, и смешавшись с ханьсской культурой стала такой какой мы знаем династию Цин.
Именно эта династия и оставила отпечаток и представления о Китае и китайцах. Начиная с причесок, заканчивая утварью, предметами искусства и архитектурой
Прически от Ся до Мин, и от Цин до Республики. Можно заметить что у Цин был странный вкус в прическах.
Хотя на кое что другое любители эстетики не обращают внимания.
Почти все ханьфу были запрещены, прически тоже, многие ритуалы и традиции поводились тайно, и тому подобное, были попытки замещения ханьской культуры маньчжурской.
Чанпао династии Цин. От этих образов появились знаменитые Цзянши
Если красиво все приподнести, то даже такие одежды могут выглядеть красиво в современной попкультуре.
Запрещенные в те годы Ханьфу династии Мин
Мебель Мин. Эргономика и минимализм
Мебель Цин. Монуметнализм и сложность форм.
И все бы могло так и закончиться для китайской культуры, если бы не имератор Канси. Во время его правления, ханьцам было разрешено сохранять и развивать свою культуру, традиции, и носить традиционную одежду, которая считалась важной частью их идентичности. За что он считается самым любимым императором династии Цин для ханьцев
Кроме того, Канси поддерживал развитие конфуцианства, важной части культурного наследия ханьцев, а также привлекал в администрацию ученых и чиновников из их среды, что способствовало укреплению единства империи и доверия к власти.
Период Канси:
Эстетикой императора Канси считается причудливый стиль литераторов, он любил простые цвета и простой декор, и в то же время изучил западный стиль Баранта, который делал фарфор периода Канси одновременно свежим и элегантным.
Период Юнчжэн:
Эстетика императора Юнчжэна тяготела к минимализму, он предпочитал монохромный глазурованный фарфор и особенно хорошо демонстрировал минималистскую эстетику на сплошной глазури, используя такие цвета, как лунный белый, чернильный алабал, зеленый бамия, сливовый зеленый и т. д., с яркими цветами и простотой.
Период Цяньлун: Эстетика императора Цяньлуна, как правило, была чрезвычайно максимальной, он любил смешивать различные элементы и цвета вместе, делая фарфор периода Цяньлун великолепным, а эстетика стиля «фермерский дом» широко обсуждалась, но также есть мнения, что это воплощение богатой и благородной эстетики императора Цяньлуна.
И вот эстетика Цзянлуна и закрепилась у последующих 5 императоров(Хорошо это или плохо, решать вам) Но именно максимализм и детальность Цзянлуна, отразились на будущих постройках, мебели, и прочих элементах Китайской культуры, которая дошла до нас в 19-20 веках.
И тут пошло поехало
Эстетика Сянфэня.
И вот мы подобрались к главному, наши дни. Хоть в Китае и множество элементов последней династии, так как по времени она ближе всего, но молодежь все активнее возвращается к эстетике минимализма Мин, Тан, Сун.
Так что, пройдет время, и эстетика Сянфэня в будушем будет чем то модным, на что люди будут обращать внимане, как это сейчас происходит с минимализмом.
Начав копаться в истории той или иной вещи в обиходе японцев стал замечать, что многие предметы, архитектурные особенности там родом из Китая. Иногда тяжело понять, например, вон тот низкий стол он японский или всё же китайский? А фонарь? А узор на перегородке? Как ни японисту, ни востоковеду, вообще отличить архитектуру японского храма от архитектуры храма китайского?
На самом деле вопрос не в этом, а в том: Если исток того, что нам нравится в визуальном стиле Японии - на 70-80% слизан с Китая, то почему интерес пропадает ровно там где начинается на 100% тема китайской культуры? Почему японский кавер на китайскую культуру интереснее оригинала? Только ли в синдроме утёнка дело? 🍡🥠
Балет — это великолепная симфония движения и чувства, в которой в течение столетий переплетались традиции, инновации и культурные влияния. С начала XVIII века, когда русский балет был впервые представлен в Санкт-Петербурге, до завораживающих постановок XX века, наша страна подарила миру величайшие представления.
Появление балета в России, первые постановки
Балет, несмотря на свои французские и итальянские корни, был усовершенствован в России, куда он попал в 1700-х годах. Это произошло благодаря реформам Петра I, заменившим традиционные народные танцы на балет.
В период правления Екатерины Великой популярность этого вида искусства значительно возросла, а русская аристократия, включая Павла I, активно участвовала в танцах на придворных мероприятиях. Правители начали активно поддерживать балет, приглашая иностранных мастеров и артистов для создания балетных школ в Санкт-Петербурге и Москве. Многие танцоры происходили из бедных семей, часто даже были сиротами.
Первая балетная школа была основана в 1734 году, а полноценная балетная труппа появилась в 1740-х годах в Императорской школе балета в Санкт-Петербурге. Таким образом, балет, ставший символом русской культуры, получил развитие и поддержку благодаря инициативам правителей и привлечению талантов из-за границы.
Выход русского балета на международный уровень.
Влияние итальянских и французских танцовщиков на ранний русский балет было значительным, но в XIX веке начались заметные трансформации. Известный балетмейстер, Иван Вальберх, стал интегрировать элементы русского народного танца в классические постановки. Это способствовало формированию уникального русского стиля, который развивали как иностранные, так и местные артисты и педагоги.
Перемены в европейском балете произошли с назначением Ивана Хлюстина, танцовщика и хореографа из Большого театра, балетмейстером Парижской оперы, что привлекло внимание к России как к центру балетного искусства.
В результате этого на свет появился «Русский балет Дягилева», основанный в 1909 году Сергеем Дягилевым и собравший лучших композиторов и танцовщиков, таких как Джордж Баланчин и Бронислава Нижинская. Труппа, действовавшая из Парижа, гастролировала по всему миру. Это привело к тому, что Россия начала оказывать уникальное влияние на развитие балета на международной арене.
Советский союз и Россия
После революции власти Советского Союза внедрили строгий стиль социалистического реализма в искусство. Это предписывало создание произведений, соответствующих идеологическим требованиям, что повлияло на репертуар театров, включая балеты.
В 1960-х годах многие танцовщики Большого театра, стремясь к творческой свободе, начали покидать страну. Их эмиграция способствовала распространению уникального русского балетного стиля на международной арене. Творцы, уехавшие за границу, внесли значительный вклад в мировую культуру, популяризируя и развивая традиции русского балета вне Советского Союза.
С распадом СССР и началом перестройки Россия начала открываться миру, что привело к возрождению интереса к российскому балету на международной сцене. Даже неудачные гастроли Большого театра в 1990-е годы собирали много зрителей.
Классический русский балет и современная хореография вновь стали важными компонентами мировой танцевальной культуры, а фестивали стали основным способом международного взаимодействия, демонстрируя лучшие образцы хореографии и способствуя новым коллаборациям.
