У моего поколения эта песня была популярна.

Но многие ли знают, что первоначальный текст включал в себя еще один куплет?

Не подумай, что я
Написал эти строчки с обидою,
Ты считай, что мы просто
С тобой по душам говорим.
Мне сейчас нелегко,—
Но, пойми, я ничуть не завидую
Незнакомому парню,
Который стал мужем твоим!

Кому-то показалось, что есть некое несоответствие между словами и смыслом. Как написал один критик, "обозвал непонятно как и считает, что что разговор по душам!". Мол, не завидую я парню, который стал твоим мужем!

Просто кто-то кого-то не понял.

Ахой, уважаемые меломаны! Спасибо, что заглянули на ОколоМузыки! Сегодня мы будем препарировать не просто хит, а целый культурный код. Мы поговорим о песне «Не дано» группы Hi-Fi.

Не знаю, как вам, но мне всегда казалось, что в этой песне идеально все, но больше всего цеплял именно текст: образный, мудрый, глубокий и заставляющий думать. Поэтому свое исследование я начала именно с автора текста (Эрик Чантурия) и погрузилась в такие интересные глубины российского шоу-биза рубежа 1990-х и 2000-х, что еще долго ходила под впечатлением.

Итак сегодня у нас песня, написанная буквально за два дня «на коленке». И все же она стала философией. Сегодня мы снимем розовые очки и отбросим ностальгию, чтобы понять: почему нас так цепляет история о ветре, жестоких детях и Боге, оставившем нам слишком много «почему»?

Архитектор тишины и его «маски»

Чтобы понять суть «Не дано», нужно перестать смотреть на Hi-Fi как на группу в классическом понимании. Hi-Fi - это спектакль, концептуальный проект, где роли были распределены с хирургической точностью.

Главный идеолог и архитектор звука — Павел Есенин. Рожденный 10 декабря 1971 в Новосибирске, этот человек с ранних лет был одержим музыкой.

Фортепиано, работа ди-джеем, опыт в Германии — Павел прошел школу «высокого звука», прежде чем решил штурмовать столицу. Он был не просто музыкантом, он был инженером эмоций. Его студийная работа отличалась невероятной дотошностью: каждый сэмпл, каждый мелизм выверялся до миллиметра.

Да и сейчас его имя на слуху. Он написал музыку к таким фильмам, как «Духless», «Ёлки», «Обратная сторона Луны», «Мажор», «Мост» и другим. Он также является автором мелодии вечерней версии часов «Первого канала».

А еще его постоянно называли «тенью» великого поэта — Сергея Есенина, ведь в мире искусства случайности часто становятся мифами. В конце 90-х, на фоне столетия со дня рождения поэта, это сравнение стало неизбежным. «Ты ведь тоже певец, тебе слабо?» — этот немой (а иногда и очень даже прозаичный) вопрос всегда присутствовал в жизни музыканта. В итоге Павел Есенин создал проект, который по своей сути оказался глубоко есенинским — «певец уходящей Руси», только в 90-х годах.

Сергей Есенин был «беспризорником» по духу, человеком без своего угла, живущим «на чемоданах». Павел Есенин, переезжая из города в город, из страны в страну, тоже нес в себе этот код неприкаянности. Песня «Беспризорник» у Hi-Fi — это, возможно, прямое посвящение поэту, отражение той же боли, того же отсутствия дома, того же «ветра с юга».

История творческого тандема Павла Есенина и автора текста Эрика Чантурии началась еще в Новосибирске. Павел создал музыкальную студию и занимался сочинением композиций, а Эрик отвечал за тексты, участвовал в вокальных партиях и курировал организационные вопросы.

Однажды к ним пришёл 14‑летний Саша Медведев и уверенно заявил, что станет суперзвездой. Его амбиции оправдались: под псевдонимом Шура он завоевал широкую известность благодаря эпатажному исполнению песен Есенина и закрепился на московской сцене.

Вдохновлённые успехом, Есенин и Чантурия тоже перебрались в столицу.

Но ни Павел, ни Эрик не хотели быть фронтменами. Сцена - это изнуряющий труд, требующий иной энергии. Им нужен был «проводник». И здесь появляется Митя Фомин, который и стал идеальным сосудом для музыки Есенина.

В 1998 году Митя Фомин приехал в Москву. Выпускник мединститута, планировавший поступать в театральный вуз. Есенин увидел в нём идеального кандидата для воплощения своего музыкального замысла и не ошибся. К тому же имелись и другие, прозаичные "рычаги давления" на смазливого паренька.

Митя столкнулся с серьёзной проблемой: за обучение по программе второго высшего образования вуз установил высокую плату - 2000 $ за семестр. В этот непростой момент Фомину неожиданно поступило предложение от продюсера группы Hi‑Fi Эрика Чантурии. Был заключён актёрский (да, да, на сцене он сам не пел) контракт, и даже выдан аванс - это стало настоящим спасением для Мити.

Нашли еще двух приличных музыкантов и вокалистов - Тимофея Пронькина и Оксану Олешко. И хотя они были способны на "лайв", выступали на сцене под фонограмму, то есть в качестве танцоров и аниматоров. За бэк-вокал всегда отвечала жена Павла Есенина - Юлия Лисеева, хотя на сцену она никогда не выходила, но мы слышали ее вокал. А Фомин и вовсе "пел" голосом Павла Есенина. Это можно уловить, когда они выступают в прямом эфире: у Мити заметно отличается тембр и манера исполнения.

Такое положение вещей даже спасло Митю. На сцене он мог свободно и энергично танцевать, не переживая о проблемах с дыханием или вокалом. Дело в том, что у Мити был логоневроз: в те годы он довольно сильно заикался, особенно когда уставал или волновался - это отчётливо проявлялось в интервью.

Официально группа была основана 2 августа 1998 года - в день съёмок клипа «Не дано». Однако творческое сотрудничество Есенина, Чантурии и Фомина зародилось ещё в 1994 году в рамках проекта «Orbita». Некоторые мелодии, созданные тогда, позднее вошли в репертуар Hi‑Fi.

Многие до сих пор воспринимают всю группу как один большой обман, но давайте посмотрим на это другими глазами. Артист на экране — это всегда актер, который говорит словами сценариста и поет голосом профессионала (вспомните хотя бы озвучку фильмов). Митя знал, на что идет. Он был театральным актером, который разыгрывал роль звезды.

Его логоневроз в те годы был личной драмой, которую он успешно «скрывал» за энергией движений. А еще был Тимофей Пронькин — не просто «декорация», а краснодеревщик и философ, чей вокальный потенциал раскрылся гораздо позже. Вся эта команда сибиряков — Есенин, Чантурия, Фомин — это был «десант» талантов, который навсегда изменил российскую сцену.

Разбор смыслов: экзистенциализм на танцполе

А теперь давайте вчитаемся в текст. А посмотреть есть на что, ведь слушатели не на пустом месте всегда относились с текстам Эрика Чантурии с особым трепетом - для российской поп-сцены рубежа 90-х и 00-х такой уровень лирики был редким исключением.

«Нам не дано с тобой понять,

Чему так радуется ветер

И почему от доброты

Бывают так жестоки дети...»

С точки зрения философии — это тривиальный, но пронзительный экзистенциализм. «Жестокие дети» — это метафора целого поколения, которое выросло на "руинах" прошлого режима, отвергло старые идеалы и, возможно, предало саму «доброту», которая их взрастила. Это драма 1917-го и драма 1991-го года, сплетенные в одну строчку.

А «ветер»? В творчестве Сергея Есенина ветер — это вечно странствующая, неспокойная стихия. В песне Hi-Fi это символ непознаваемого будущего, которое мы пытаемся укротить танцем.

Зачем кому-то умирать,
Чтобы он нами был замечен...
День уходящий не вернуть:
Не торопись пройти свой путь...

А это, конечно же, про самого Есенина, который погиб в 30 лет.

Ну и конечно же потрясающий второй куплет, который дарит свет, надежду, покой и веру в любовь. У меня всегда мурашки, когда его слушаю. Такие простые слова, но как много смысла без так модного сейчас пафоса и отсылок.

Но всё же солнце дарит свет
А ночь покоем укрывает
Заботы тянут новый день
И тополь головой качает
Весь этот мир и этот свет
Всё то, что ветер напевает
Немного стоят без любви
И ты и я об этом знаем

Строчка «заботы тянут новый день» - это метафора сизифова труда, но в хорошем, спасительном смысле. Когда человек сталкивается с экзистенциальным кризисом («нам не дано понять...»), именно простые бытовые заботы заставляют его вставать по утрам и продолжать жить.

Если в первом куплете «ветер» - это пугающая, радующаяся непонятно чему стихия, то здесь его «песни» обесцениваются, если в уравнении нет человека и его чувств.

А еще люди подмечали, что это, возможно, прямая отсылка к Первому посланию к Коринфянам (Глава 13), где звучит знаменитое: «Если имею дар пророчества, и знаю все тайны, и имею всякое познание и всю веру... а не имею любви, — то я ничто». Автор сводит всю масштабную философию вселенной (ветер, солнце, мир) к одной простой истине: без любви вся эта грандиозная декорация мертва и бессмысленна.

Техническая магия:

Почему песня звучит так «архетипично»? Есть теория, что Павел Есенин заложил в нее некий акустический код. Мелодия вступления, мандолиновые переборы - они будто стучатся в подкорку. Исследователи даже находят в ритмическом рисунке финала некое подобие азбуки Морзе, где зашифрована фамилия «Есенин». Фантастика? Возможно. Но композиторы знают: музыка - это математика. И эта «математика» работает на нас уже 30 лет.

Клип как манифест эмиграции

Видеоклип на «Не дано», снятый Алишером, сегодня читается как фильм об эмиграции. В 90-е годы страна жила в состоянии перманентного «выхода». Люди бросали институты, профессии, семьи и уезжали в «никуда».

Достаточно взглянуть на образы, и все становится ясно:

• Пустырь: место, где встречаются те, кому больше некуда идти.

• Мосты и железные дороги: символы границ.

• Коридоры: бесконечный транзит, аэропорты, ожидание новой жизни.

• Побег невесты: отказ от предначертанного «лектором» сценария.

Герои клипа — это современные бременские музыканты, которые сбросили одежды старой жизни и вышли на поиски другой жизни. Это не просто поп-клип, это визуальная летопись эпохи, когда каждый из нас чувствовал себя немного «на чемоданах».

Подводя итог...

«Не дано» — это песня, которая обманула время. Она пришла из эпохи, когда музыку создавали «на коленке» в тесных студиях, а клипы снимали как короткометражные драмы о поиске себя. Теперь кажется, что Павел Есенин, Эрик Чантурия, Митя Фомин и Тимофей Пронькин были лишь инструментом в руках какой-то высшей творческой силы, которая диктовала им эти ноты.

А теперь я хочу спросить вас.

Когда вы впервые услышали эти строки, вы чувствовали, что это просто «танцевалка», или в вас тоже замирало сердце от вопроса: «Чему так радуется ветер?» Какая из теорий — о зашифрованном есенинском коде или о клипе как манифесте эмиграции — кажется вам наиболее близкой? Помните ли вы, где были, когда эта мелодия впервые прозвучала из динамиков?

Как всегда, спасибо, что дочитали до конца! Отдельно мерси за ЛАЙК и подписку. Низкий поклон за донаты!

Ахой, уважаемые меломаны, меня зовут Анна! Спасибо, что заглянули на ОколоМузыки!Предлагаю заняться рассмотрением очередного шедевра от группы Deep purple.

"The Gypsy" ► "Цыганка" - восьмой трек с девятого студийного альбома Deep Purple "Stormbringer" ► "Буревестник" (1974). Именно этот студийник подарил миру такую культовую вещь, как "Soldier of Fortune" ► "Солдат удачи" (пост об этой рок-балладе выйдет совсем скоро).

Так вот, песня "Цыганка" на пластинке звучит как раз перед "Солдатом удачи", и я даже вижу в этом некий смысл, который поясню чуть позже.

Если бы меня спросили, что главное в песне, я бы ответила: конечно же крутецкий, качающий рифф! Он начинает звучать с первых секунд и буквально цепляет внимание, а затем красной нитью идет через всю композицию.

Трек невероятно гармоничен: он даже написан в миноре, что подчеркивает сюрреализм происходящего, а последние две минуты песни - это просто квинтэссенция чистого удовольствия, так как заполнены они классическим соло Ричи Блэкмора, летящего поверх многократно повторяющегося риффа.

О чем песня:

Уже из названия ясно, что речь в песне пойдет о мистике: гадании на хрустальном шаре, колдовстве и бессмертии. Главный герой обращается за помощью к цыганке, как к символу всего магического.

Из текста мы понимаем, что прежде бессмертный человек снова стал смертным, и теперь отчаянно пытается узнать свое будущее, просит цыганку заглянуть в хрустальный шар, ведь силы оставили его, и он уверен, что умирает.

Скорее всего, автор песни хотел передать свой внутренний надлом, отсутствие желания жить. Такую песню мог бы написать человек, находящийся в глубокой депрессии. Вечная жизнь - это, скорее, символ внутренний силы, воли к жизни, а вот близящаяся смерть - это метафора уязвимости человека в целом.

Мода на цыган?

Вообще романтичный образ цыган - людей вольных и свободных, внутренне и внешне, свойственен лирике Deep purple. Вспомнить хотя бы песни Anya, Call of the Wild, A Gypsy's Kiss. Вряд ли это просто случайность.

Во-первых, в одном из интервью мистер Блэкмор заявил, что его мать - цыганка. А во-вторых, как раз в 60-х и 70-х годах в Англии набирала обороты мода на все цыганское: чопорные англичане были зачарованы кочевым образом жизни, мерой внутренней свободы и культурой цыган. Эта мода была составной частью субкультуры хиппи, возникшей в Америке в 60-х годах.

Даже американец Джими Хендрикс назвал свой первый концертный альбом после роспуска The Jimi Hendrix Experience "Band of Gypsys" ► "Цыганский оркестр".

И действительно, многие молодые и ярые меломаны в 60-х и 70-х годах не сильно отличались от цыган. Они следовали за своими любимыми группами по всей стране или миру, ведя образ жизни, не далеко ушедший от обычаев кочевого народа: жизнь сегодняшним днем, воровство или производство чего-то на продажу, лишь бы свести концы с концами.

Когда слушаешь Deep purple, воображение рисует образ чарующей черноглазой красавицы в ярких одеждах. Ее душа - загадка, рожденная в слиянии культур сотен стран, которые ее предки исколесили за долгие века своего существования. И везде они впитывали что-то новое.

Русские и западные цыгане

А с чем у русского человека ассоциируется образ цыганки? Длинные юбки, чумазые дети, втирание туфты на рынке и гадание по руке, как символическая "плата" за выпрошенные деньги? Лично я такими запомнила цыган времен СССР.

В России к бродячему народу относились по-разному: то принимали, то преследовали. До революции цыганам жилось неплохо, отчасти благодаря Пушкину, который воспел цыганский дух. Цыгане стали обязательной частью шумных праздников даже самых что ни на есть аристократов.

А вот с советской властью отношения цыган складывались не лучшим образом. Их пытались привязать к земле, но "профессиональные бродяги" не собирались меняться. Отсюда и романтичные образы цыган в советских фильмах: "Табор уходит в небо", "Неуловимые мстители", Будулай – "Цыган". В жизни все обстояло, конечно, куда прозаичнее.

Как то раз подруга пришла ко мне мне вся в слезах, рассказав, что добрая на вид цыганка подловила ее в подъезде и буквально загипнотизировала. Пообещав предсказать судьбу, она потребовала снять золотые серьги, пояснив, что они нужны для гадания... Считать энергетику... Через несколько минут цыганки и след простыл, а подруга была в недоумении, даже не помнила, что произошло.

Вот такой реальный случай. С тех пор я стараюсь стороной обходить цыганские кварталы. Я конечно не думаю, что все цыгане обладают гипнотическим даром, да и человек должен быть "податливым". Но все же, береженого Бог бережет.

Трактовка смысла:

Но вернемся к песне "Цыганка". Помните я говорила, что вижу смысл в том, что она предшествует песне "Солдат удачи"? Так вот, в "Soldier of Fortune" герой поет о том, что отчаялся, опустил руки. Он уже не верит в то, что когда-то обретет любовь или свободу творческого самовыражения.

Так вот в "Цыганке" будто бы тот же самый персонаж появляется в цыганской палатке, чтобы рассказать, что он сдался: любо его спасет чудо, либо он умрет (то есть окончательно потеряет веру в себя, в смысл жизни).

Причем, из второго куплета мы узнаем, что герой когда-то уже был у цыганки, и она произнесла заклинание, которое "освободило его". Я думаю, здесь автор подчеркивает мистическое свойство своего дара, вдохновения, которое он когда-то имел, а теперь утратил, поэтому он не в силах жить дальше. Теперь годы стали тянуться невыносимо долго.

Сюрреализм происходящего подчеркивается даже тем, что песня написана не обычным восьмистишием, а септимой или семистишием. В поэзии это вещь редкая сама по себе, так как писать стихи из семи строк было просто не принято. А вот цыгане с их свободолюбием могли легко решиться на такое. Из русской поэзии ярким примером семистишия является "Бородино" Лермонтова.

Кстати, вот и живое выступление!

А теперь предлагаю перейти к переводу и прослушиванию трека. Приятного погружения в атмосферу волшебства!

Как всегда, спасибо, что дочитали до конца! Отдельно мерси за ЛАЙК и подписку. Поблагодарить автора символической суммой тоже можно, что что вам низкий поклон.

Все это — чтобы показать, насколько яркими и живыми могут быть цвета, как выглядит глубокий черный и на что способна встроенная акустика. Над экранами разместили большие художественные полотна, которые продолжали происходящее на дисплеях.

Новые модели от Hisense

На презентации продемонстрировали несколько моделей новой линейки — UR8S, UR9S и флагманский Hisense 116UX.

Особенность новинок — технология RGB MiniLED. Теперь телевизор точнее управляет цветом и светом, поэтому изображение выглядит ярче, контрастнее и естественнее.

Менеджер по продуктам ТВ- и аудиокатегории Hisense Шон Ли:

«Запуск технологии RGB Mini-LED на российском рынке является новым этапом в развитии Hisense. Мы задали новый стандарт визуального опыта, который уже получил признание на глобальном уровне».

Больше всего внимания собрал Hisense 116UX. Это телевизор с трехметровой диагональю. На таком экране особенно хорошо заметны детали: яркие сцены остаются насыщенными, темные — глубокими, а изображение выглядит объемным и живым. За качество картинки отвечает фирменный процессор Hisense, а встроенная многоканальная акустика создает эффект домашнего кинотеатра без дополнительных колонок.

Вместо лекций — живое общение

Для любителей игр организовали отдельную зону. К телевизорам подключили консоли, чтобы гости могли проверить, как новинки ведут себя в динамике.

Организаторы отказались и от длинных технических презентаций. Гости переходили между зонами, сравнивали модели, задавали вопросы специалистам и тестировали телевизоры в удобном для себя темпе.

Линейка уже поступила в продажу. Доступны модели UR8S в нескольких размерах экрана, серия UR9S и флагманский 116UX. Телевизоры можно приобрести у крупных российских ритейлеров и на популярных маркетплейсах.

Ахой, уважаемые меломаны! Спасибо, что заглянули на ОколоМузыки!

Сегодня у нас на повестке дня еще одна культовая песня от группы Металлика, которая, как белая ворона, выделилась из всего начального творчества коллектива, ведь это был первый "не тяжелый" трек группы. Песня была записана для второго студийного альбома "Ride the Lightning" (1984) и стала прародительницей еще одной легендарной баллады "Nothing Else Matters". Конечно же я говорю о "Fade to Black" ► "Сгинуть во мраке, умереть".

"Fade to Black " - это одна из самых удивительных и невероятных песен, которые я когда-либо слышала, мой любимый трек с альбома и одна из лучших песен группы. Акустическое вступление - это что-то божественное и, пожалуй, лучшее акустическое начало в метале. Умудриться открыть песню невероятно красивым гитарного соло - за такие находки нужно выдавать премию!

Кстати, именно здесь можно наблюдать профессионализм Хэммета, как соло-гитариста, ведь его, порой, обвиняют в том, что он только и может, что "шреддить", то есть играть очень быстро, не делая передышек, не создавая мелодичную гармонию. Так послушайте начало "Fade to Black" и вам станет ясно, что эти обвинения беспочвенны. А в конце песни нас, конечно же, ждет второе, классически-скоростное и пробирающее до костей соло, которое заняло 24 место в списке "Лучших гитарных соло по версии читателей журнала Guitar World".

Записав "Fade to Black", музыканты пошли на риск, так как баллада в трэше - это что-то новенькое, а изобретения не всегда получают радушный прием. Но это как раз тот случай! Так что Metallica показала всему музыкальному миру, что не стоит зацикливаться на стереотипах. Хотя были и преданные трэшеры, которые кричали: "Продались!".

Банды как Exodus и Slayer не делают баллад, но они застряли в том положении, в котором мы никогда не хотели быть; самоограничение для ублажения аудитории - это дерьмо собачье." - сказал Джеймс Хэтфилд в одном интервью.

Если попытаться описать смысл баллады в одном предложении то, можно сказать так: это песня о потере желания жить. Кстати, в альбоме этот трек идет сразу за "For Whom the Bell Tolls" ► "По ком звонит колокол". Это глубоко антивоенная композиция, так что от бессмысленности войны мы логически переходим к бессмысленности жизни как таковой.

Текст песни полон безысходности, ее герой не может смириться с тем, что всё вокруг него изменилось, и он сам не стал исключением. Все потеряно и больше незачем жить. Рассчитывать на помощь тоже не имеет смысла. Он решает убить себя и попрощаться с миром.

Музыканты рассказывали, что Хетфилд написал песню в минуты полнейшего отчаяния: у группы угнали грузовик, в котором было все их оборудование, в том числе уникальный усилитель “Marshall amp”, замену которому банде пришлось искать на двух континентах.

После кражи у музыкантов не было денег, чтобы вернуть технику, они действительно были "убиты" этим событием и не знали, что делать дальше. Вот еще один случай, когда из трешовой ситуации рождается шедевр (помните, как появилась легендарная песня Deep Purple про "Дым над водой"?)

Ох, что-то вступление затянулось, так что предлагаю перейти к переводу текста. Приятного погружения!

Хетфилд лишился всего оборудования, которое давало ему возможность творить, выражать себя и отдавать себя людям ( more to give ). Музыка была единственной вещью, которая у него оставалась, последним стимулом к жизни ( will to live). Его единственного родного человека - матери, не стало несколько лет назад, так что теперь он чувствовал, что у него нет абсолютно ничего и никого ( nothing more for me ). Единственный способ освободиться от страданий ( set me free ), как ему казалось - покончить с жизнью ( Need the end ).

Если трактовать слова песни в более широком смысле, то они эти явно о том, что рано или поздно к каждому человеку приходит понимание неизбежности смерти, потери любимых и близких. Когда случается беда, человек не хочет жить дальше без того, кого любил, ведь это означает постоянно испытывать почти невыносимую боль. Кажется, что эта боль никогда не пройдет.

Именно это состояние описывал ныне покойный вокалист группы Linkin Park Честер Беннингтон, когда его попросили описать, что такое депрессия. И на его примере мы можем видеть, что далеко не все выбираются из объятий подобных чувств.

И вовсе необязательно быть одиноким человеком: так у Честера была жена, трое родных детей и двое приемных. За день до кончины он весело проводил время в кругу семьи. Вот такая депрессия - самая страшная, ведь ее никто не замечает.

Missing one inside of me ► "исчезло что-то или кого-то внутри". Вероятно, эта фраза символизирует веру в Бога. Джеймс Хэтфилд вырос в очень консервативной христианской семье, о которой он часто говорил в интервью. Его мать отказала от лечения рак, веря, что Бог спасет ее, но чуда не произошло.

Депрессия, в которую музыкант попал, сидя без дела, могла стать последней каплей, которая убила в нем веру. Теперь он смертельно потерян, настолько, что ему проще покончить с этими муками, умерев. He’s gone ► его не стало также может означать потерю рассудка.

"Смерть тепло встречает меня, а я лишь хочу сказать "Прощай"" ► на мой взгляд, одна из самых сильных строк Металлики. Именно здесь они приближаются к шекспировской эпичности. "Смерть" - это мысль о самоубийстве, которое встречает Джеймса с распростертыми объятиями, и он, принимая приглашение, машет всем нам "До свидания". Он буквально физически ощущает тепло и умиротворение, которое может принести смерть.

Эта строка написана так красиво, что каждый раз, когда я думаю об этом, меня пробирает озноб. Хорошо что задуманное не осуществилось и Джеймс нашел в себе силы жить, воодушевив тем самым, миллионы людей по всему миру.

И это не голословное утверждение: музыканты получали письма от фанатов, которые благодарили Металлику за то, что эта песня заставила их отказаться от мыслей о самоубийстве и вернула желание жить. Кстати, окончание песни - диминуэндо (постепенное уменьшение силы звука) говорит о том, что судьба героя пока неизвестна и, возможно, он еще передумает сводить счеты с жизнью с собой только потому, что не видит выхода, ведь все может измениться. А время, как известно, лечит.

Как всегда, спасибо, что дочитали до конца! Отдельно мерси за ЛАЙК и подписку. Низкий поклон тем, что захочет поблагодарить автора символической суммой.

Ахой, уважаемые меломаны, а скорее, битломаны. Спасибо, что заглянули на мой канал! Сегодня предлагаю пристальнее взглянуть на невероятно красивую песню группы Битлз, которая даже вдохновила популярного японского писателя Харуки Мураками написать роман с одноименным названием. Вы, наверное, уже догадались, что речь пойдет о композиции "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)".

Как только не переводили словосочетание "Norwegian Wood"! И Норвежское дерево, и Норвежский лес (роща), и Норвежские дрова, и Норвежская мебель, и даже Норвежский офорт (разновидность гравюры).

Но, как по мне, люди спорят зря, и любой перевод можно обосновать, разве "гравюра" - совсем не в тему)). Однако, есть вариант, который мне лично нравится больше всего, хотя его невозможно увидеть "невооруженным глазом". Возможно, эта трактовка удивит даже заядлых битломанов, а может быть, это я "была в танке", а все все уже знали...

Как раз эту трактовку я и попытаюсь обосновать, а заодно посмотрим, имеют ли право на жизнь вышеуказанные версии перевода. Для этого нужно рассмотреть следующие темы:

Кто автор песни? Леннон или Маккартни?

Эта акустическая баллада вышла на шестом студийном альбоме "Rubber Soul" ► "Резиновая душа" или "Резиновый соул" в 1965 году. История авторства довольно туманна: в 1970-м Леннон заявлял, что среднюю часть песни написал Маккартни, но уже в 1980 отказался от прежних слов и назвал композицию полностью своим творением.

Что касается Маккартни, то он вообще считал, что написал чуть ли не половину песни последние строки, которые вызвали наибольшее число споров. Когда журналисты спросили о их смысле, музыкант заявил, что это он придумал "сжечь все к чертовой матери". Поясню...

О чем песня?

В песне поется о любовной интрижке, которых в ту пору у Джона Леннона было немало. Общепринятая трактовка композиции такова: это рассказ незадачливого молодого человека, который не смог реализовать свой любовный интерес с девушкой, которая привела его в свою квартиру. Обиженный парень решает отомстить довольно экстремальным (и социопатическим) способом - поджигает апартаменты ускользнувшей пассии.

Конечно же, Леннон ничего в реальной жизни не поджигал, а пожар - это аллегория, чтобы выразить... А вот что именно Леннон прятал за словами про огонь, мы попробуем разобраться, когда будем переводить песню. Вариантов куча и все кажутся довольно правдоподобными.

Доподлинно известно,что когда Леннон сочинил "Норвежскую рощу", он был женат на Синтии Пауэлл и позже признался, что всеми силами старался завуалировать в песне свои походы на сторону. Вот, что он сам говорил на этот счет:

"Она [песня] об одной интрижке, которая у меня была. Я был очень осторожным... я не хотел, чтобы моя жена, Син, знала, что кое-что действительно происходит вне дома. Но я не припомню никакой конкретной женщины, о которой идёт речь в этом случае[песне]."

Есть версия, что песня была данью уважения немке по имени Сонни (Sonny). Она и ее муж жили на первом этаже дома, где Джон с женой жили до 1964 или 65 года в Лондоне. Ее квартира была почти полностью отделана деревом (норвежской сосной), а о своем происхождении девушка любила говорить - "Я - норвежка".

Позже мистер Джордж Мартин (продюсер группы) частично подтвердил эту историю. Если верить этому, то название песни можно перевести, как "Норвежские "дровишки"", подразумевая девушку - "топливо", которое так и не удалось разжечь или обстановку в ее комнате. Но это лишь одна из многочисленных трактовок.

Но вернемся к переводу названия! "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)"

Вообще путаница в осмыслении этой замечательной песни начинается именно с него! Слово "Norwegian" - с ним нет проблем. Поэтому рассмотрим возможные варианты перевода слова "Wood".

Wood ►дерево ( в то время вошел в моду дешевый отделочный материал, который внешне очень походил на дорогое дерево. Это была норвежская сосна. Питер Эшер (брат девушки Пола) только что отделал свою комнату таким манером.

А еще можно представить, что Леннон настолько ассоциировал небогатый внутренний мир девушки-простушки с модным, но дешевым декором, что смело мог дать своей пассии кличку "Норвежское дерево", согласны? "Эй, Джон, с кем это ты ушел вчера вечером?" - "Ааа, так, с этим Норвежским деревцом", помнишь? Вполне могу представить такой диалог!)

Wood ► лес (этот вариант лично мне нравится меньше всего. Но можно пофантазировать и представить, что квартира девушки подвыпившему (а может, и курнувшему) парню кажется таинственным и загадочным лесом, особенно, если стены деревом обшиты)

Wood ► роща ( вариант похож на лес, только более поэтичный. Вообще, его предложил читатель моего канала - "a_python@mail.ru" Почему «Роща»? Он сказал, что песня написана Полом в Кенвуде. Название усадьбы можно перевести, как «Кенвудская роща». Но как быть с тем, что основу песни придумал Леннон и она в целом о нем? Пришлось мне отказаться от этого варианта.)

Wood ► мебель (есть мнение, что Norwegian Wood - это не дешевая отделка стен, а, напротив, дорогая мебель. Поэтому Джон, которому всегда претило поклонение материальным ценностям, решил уничтожить этот оплот мещанства, если не в голове девушки, то хотя бы в реальности. Но Битли пели, что в комнате не нашлось даже стула или кресла, куда можно было присесть! Поэтому данная версия кажется шаткой)

Wood ► дрова (об этом я уже писала выше, помните, норвежка "девушка-растопка"? А еще Леннон мог назвать всю квартиру девушки "дровишками". А может быть, это отсылка к временам бедности в художественной школе, когда он со Стюартом топили камин мебелью?)

А теперь обещанная необычная и моя любимая интерпретация:

Есть версия, которая мне очень даже нравится, так как она объясняет смысл песни и текста лучше, чем все другие: если проговорить название песни "Norwegian Wood" на английском, оно очень созвучно фразе “Knowing she would” ► "Зная, что она сделает [это], не откажет".

Посмотрите, насколько хорошо подходит эта фраза по смыслу: парень приходит в квартиру, не просто надеясь на интрижку, а точно уверенный в успехе! К тому же это еще лучше объясняет конкретные слова "Norwegian" и "wood" в названии: юноша пришел в гости, увидел отделку квартиры, модную среди девушек вольных нравов, и сразу понял, что у него все "выгорит".

Тогда строчки из песни "Isn't it good, Norwegian wood?" можно перефразировать как "Isn't it good, Knowing she would?" ► "Разве это не прекрасно? Знать, что девушка согласна?" Их можно даже пропеть и получится похоже! К тому же Джон сам говорил, что старался, как мог, завуалировать намерение изменить.

Комментарий в скобках "This Bird Has Flown" особых вопросов не вызывает и переводится, как "Эта птичка упорхнула", где птичка - это девушка, а упорхнула - упущенная возможность (для интрижки).

Вообще, Джон не любил, когда его песни пытались подвергнуть глубокому анализу, "так учителя разрушают нашу любовь к литературе" - говорил он. Вот как он прокомментировал "Norwegian Wood":

"Это песня-абсурд. Обычную любовную историю я поставил с ног на голову. У меня тогда был период увлечения абстрактной поэзией Дилана. Такая неоднозначная, на первый взгляд, непонятная лирика. Берешь слова, лепишь их друг к другу, а потом смотришь, есть ли в этом какой-нибудь смысл. Фокус в том, чтобы не прямо рассказывать о событии, а передать только впечатление о нем. Пусть остальные что хотят, то и домысливают. В «Norwegian Wood» неплохо получилось."

Посему, если сам Джон хотел, чтобы его творения воспринимали легко и максимально образно, предлагаю переводить название как: "Норвежские дровишки" или даже "Норвежская интрижка", "Легкая интрижка". А можно воспользоваться той созвучной фразой-маскировкой и получим "Зная, что девушка согласна!"

Переводом самого текста песни, который не менее интересен, предлагаю заняться в следующей статье, иначе выпуск получится громоздким. Надеюсь,я не обидела чувств Битломанов, если что, заранее прощу прощения. Любая критика и мнения приветствуются!

Ахой, уважаемые меломаны! На связи Анна. Сегодняшний пост о музыке на этом канале я просто обязана посвятить великим и ужасным The Rolling Stones. С какой песни начать? По-моему, тут и думать нечего.

Встречайте — легендарный хит британских бунтарей и культовая «открывашка» с их четвертого лонгплея Aftermath 1966 года: «Paint It Black» ► «Закрась чёрным». Едва выйдя на сингле, эта вещь мгновенно оккупировала вершины чартов по обе стороны Атлантики.

Слушатели буквально провалились в это психоделическое марево: мрачная лирика, драйв и, разумеется, те самые мистические переборы ситара Брайана Джонса. Именно они стали той роскошной «вишенкой на торте», которая сделала звучание по-настоящему магическим.

О чем песня? (полный перевод ждет вас в конце статьи, а пока давайте разберемся со смыслом)

Если не вслушиваться в текст, можно ненароком подумать, что перед нами вполне себе бодрый боевик. Высокий темп и бешеный ритм отлично маскируют депрессивный настрой героя. Но давайте на минуту представим, что мы понимаем каждое слово. Что же там открывается?

На первый взгляд, сюжет кажется простым: перед нами парень, раздавленный потерей любимой девушки.

Словно капризный подросток, он требует перекрасить весь мир в траурный цвет, лишь бы реальность снаружи хоть немного совпала с той кромешной тьмой, что поселилась у него в душе.

Красная дверь здесь — не просто деталь интерьера, а явный кивок в сторону англиканской церкви, ведь в Британии их традиционно красили именно в алый. И когда наш герой жаждет закрасить этот символ черным, мы понимаем: парень окончательно разуверился в Боге.

Эта тяга к абсолютной, беспросветной мгле достигает своего пика в финале, когда вокалист впадает в настоящую ярую истерику. Ему мало закрашенных стен — он требует вычеркнуть само солнце с небосвода! Он буквально грезит о том, чтобы мир погрузился в апокалиптическую тьму библейского размаха.

Он буквально кричит о том, что катафалк увозит не только тело близкого человека: в этом черном ящике уезжает и душа того, кто остался на земле. Жизнь продолжается, но внутри — лишь выжженная пустыня, лишенная чувств и способности любить. И, если честно, каждый куплет только подкрепляет эту теорию.

Однако давайте попробуем копнуть глубже и поискать то самое «второе дно». Тем более что сами роллинги так ни разу и не признались, что же на самом деле скрывается за этими строчками, оставив завесу тайны плотно закрытой.

Второе дно.

Существует и другая версия, согласно которой за этими строчками стоит глубочайшее опустошение солдата, только что вернувшегося из пекла Вьетнамской войны.

После всех тех ужасов и смертей, что он повидал на фронте, вид обычной мирной похоронной процессии становится для него последней каплей. И та самая любовь, с которой он мечтает смеяться, глядя на солнце, — это вовсе не конкретная женщина. Это сама его человечность, способность чувствовать и любить, которую он навсегда оставил там, в джунглях, среди боли и хаоса.

И ведь статистика — вещь упрямая: с полей Вьетнама вернулось такое колоссальное количество парней с поломанной психикой, что медикам пришлось в срочном порядке вводить в обиход новый термин — «посттравматическое стрессовое расстройство», тот самый ПТСР.

Но не одним Вьетнамом жили бурные 60-е: в то же время вовсю набирало обороты движение за гражданские права темнокожих. С этим связан один курьезный, если не сказать провокационный факт: на обложке сингла в названии по ошибке влепили лишнюю запятую. Получилось «Paint It, Black» (что можно перевести как «Закрась это, черный»), — эдакий невольный и довольно едкий намек на принудительный ручной труд чернокожих.

Эту лишнюю запятую позже убрали по инициативе лейбла Decca Records, но слово не воробей: случайная пунктуационная ошибка успела добавить песне новый, остросоциальный и даже расовый подтекст. А ведь композиция и без того была до краев наполнена намеками на проблемы общества тех лет.

Дно номер 3.

Согласно еще одной версии, перед нами — история о зависимости от запрещенных вещества. И тут уж спорить трудно: сам Мик Джаггер признавал, что всякого рода дурманы "приложили руку" и к этому хиту, и ко всему творчеству группы в тот период.

«Тогда повсюду было полно кислоты. А еще в этой песне есть ситар», — лаконично вспоминал Мик.

Вполне вероятно, что наш герой видел в зависимости ту самую спасительную соломинку, попытку заглушить невыносимую боль и хоть на мгновение вернуть себе способность радоваться жизни. Как ни крути, тема зависимости была одной из самых болезненных и центральных для бунтующего поколения 1960-х.

Ветераны Вьетнама и матери, оплакивающие сыновей, бунтующая молодежь из контркультурных тусовок и темнокожие американцы, отстаивающие свои права... В этот список можно смело добавить каждого, кто задыхался от тревоги и разочарования в эпоху политического хаоса и экономической зыбкости. Для многих из них наркотики стали единственным билетом в один конец подальше от реальности.

Что касается меня, я всё же сторонница первой версии. Она самая простая, но при этом самая глубокая и понятная любому сердцу — история о внезапном уходе любимого человека. А какая трактовка ближе вам? Поделитесь в комментариях!

Погружаемся в перевод глубже

А теперь предлагаю вам еще раз прочувствовать всю магию этого шедевра. Я подготовила для вас перевод в карточках — листайте, кликайте для увеличения и погружайтесь в сумеречный мир The Rolling Stones! Приятного прослушивания и чтения! Авторы: Keith Richards, Mick Jagger