Ария
Послушал сегодня песню "Небо тебя найдёт", переместился в Южный и в 2003 год одновременно.
0 просмотренных постов скрыто
Когда рок-группа меняет вокалиста: конец истории или начало новой?
Доброго времени суток!
Часто, делая посты о рок-группах, я получаю комментарии из серии: «Вот с этим вокалистом было круче», «После его смерти группа для меня умерла», «Без него это уже не та музыка».
Сегодня я решил поставить точку в этой теме. Всех, кто любит поспорить, что Гиллан круче Ковердейла или что без Кипелова «Ария» умерла, приглашаю вместе разобраться в этом вопросе.
Ну что, погнали?
Начать хочу с одного уточнения. К сожалению, из-за разницы менталитетов мнения на Западе и в России сильно различаются. Как мне кажется, мы привыкли видеть лицо группы, верить именно этому человеку и очень болезненно воспринимаем любые перемены. Возможно, это связано с тем, что за XX век нашей стране пришлось пережить слишком много потрясений, и нелюбовь к изменениям у нас уже где-то на уровне подсознания.
На Западе ситуация несколько иная. Там люди гораздо спокойнее относятся к переменам. Если им удобнее жить с новой женщиной — они уходят к ней. Если больше нравится новая машина — продают старую и покупают другую, не испытывая особой ностальгии по своей «первой ласточке». Общество потребления там развито гораздо сильнее.
Поэтому разговор начнем именно с западных коллективов, а затем посмотрим, как обстоят дела у нас.
AC/DC
Начнем с моего любимого примера.
Первый вокалист AC/DC, Бон Скотт, трагически погиб в 1980 году. Вместе с ним группа выпустила семь студийных альбомов, среди которых легендарные T.N.T. и Highway to Hell. Именно с Боном коллектив получил мировое признание и превратился в одну из главных рок-групп конца 70-х.
Его смерть поставила под вопрос дальнейшее существование AC/DC. Найти нового вокалиста было лишь половиной задачи. Гораздо сложнее было заставить поклонников принять нового человека.
Однако группа рискнула.
Новым фронтменом стал Брайан Джонсон, и уже первый альбом с его участием — Back in Black — оказался настоящей сенсацией. Сегодня он остается одним из самых продаваемых альбомов в истории музыки и регулярно входит в тройку мировых лидеров по продажам.
Согласитесь, результат впечатляет.
Что говорили критики о Боне Скотте?
За что его хвалили
Невероятную харизму и индивидуальность. Многие музыкальные журналисты называют Бона одной из самых ярких личностей рок-сцены 70-х.
Его тексты. Они были ироничными, остроумными и очень жизненными. Бон был скорее рассказчиком историй, чем просто вокалистом.
Блюзовую манеру исполнения. Его голос не поражал диапазоном, зато обладал характером и тем самым «грязным» звучанием, которое идеально подходило AC/DC.
Именно он сформировал первоначальный образ группы — смесь блюза, хард-рока, уличной романтики и фирменного австралийского юмора.
Что критиковали
По вокальной технике Бон никогда не считался выдающимся певцом.
На концертах его голос иногда подводил, особенно во время продолжительных туров.
Что говорили о Брайане Джонсоне?
За что его хвалили
Мощнейший, узнаваемый вокал.
Высокий хриплый тембр идеально подошел более тяжелому звучанию группы.
Самое главное — он не пытался копировать Бона. Вместо этого Джонсон создал собственный стиль, благодаря чему AC/DC не превратились в пародию на самих себя.
Что критиковали
Многие считают, что тексты песен стали проще.
Некоторые критики отмечали, что после 1980 года творчество AC/DC стало более предсказуемым и начало строиться по проверенной формуле.
Есть одна фраза, с которой я согласен на все сто процентов:
Бон был душой группы, а Брайан позволил этой душе жить дальше.
На мой взгляд, лучше сказать невозможно.
Iron Maiden. Победа хэви-метала над панком
Первым вокалистом Iron Maiden был Пол Ди'Анно. Именно с ним группа записала свои два первых альбома, которые до сих пор считаются классикой раннего британского хэви-метала.
Но человеком Ди'Анно был, мягко говоря, непростым. Алкоголь, наркотики, проблемы с дисциплиной, постоянные конфликты — все это постепенно стало мешать работе коллектива.
Кроме того, его музыкальные взгляды все сильнее расходились с идеями басиста и главного автора группы Стива Харриса.
Харрис хотел сделать музыку Iron Maiden масштабнее: длинные композиции, сложные аранжировки, исторические сюжеты, более высокий уровень вокала.
Ди'Анно же тяготел к панку, прямолинейному хард-року и более простому материалу. В итоге в 1981 году было принято непростое решение — расстаться с Полом.
Его место занял Брюс Дикинсон, выступавший до этого в группе Samson. Именно с ним Iron Maiden превратились в мировую легенду. Но среди поклонников споры не утихают до сих пор.
Сторонники Ди'Анно говорят:
«Именно он дал Iron Maiden грязь, опасность и панковскую энергию. После его ухода группа потеряла часть своей уличной агрессии.»
Поклонники Дикинсона отвечают:
«Без Брюса Iron Maiden никогда не стали бы великой стадионной группой. Он вывел коллектив на совершенно другой уровень.»
Что хвалили критики в Поле Ди'Анно?
Грубый, панковский вокал, идеально подходивший раннему звучанию группы.
Настоящую уличную агрессию и ощущение опасности.
Исполнение, прекрасно сочетавшееся с быстрыми и прямолинейными песнями первых альбомов.
Многие музыкальные обозреватели отмечают, что первые две пластинки Iron Maiden гораздо ближе к панк-року и классическому хард-року, чем к тому эпическому хэви-металу, который позже стал визитной карточкой группы.
Что критиковали
Ограниченный вокальный диапазон.
Недостаточную выразительность при исполнении сложных мелодий.
Нестабильные концертные выступления, связанные с образом жизни и отсутствием дисциплины.
Даже Стив Харрис позже признавал, что талант Ди'Анно был огромным, но ему не хватило желания поддерживать профессиональный уровень, необходимый группе.
Что говорили критики о Брюсе Дикинсоне?
За что его хвалили
Один из лучших вокалов в истории хэви-метала.
Огромный диапазон.
Великолепную технику.
Театральную подачу.
Харизму на сцене.
Именно с Дикинсоном группа начала создавать длинные, сложные и по-настоящему эпические композиции, которые сегодня считаются классикой жанра.
Что критиковали
Недостатков называли значительно меньше, но иногда отмечали:
чрезмерную театральность;
потерю части той самой панковской «грязи» ранних лет;
в середине 90-х некоторые альбомы звучали слишком перегруженно.
Но факт остается фактом. Если бы Ди'Анно остался в группе, далеко не факт, что Iron Maiden стали бы теми Iron Maiden, которых сегодня знает весь мир.
Хотя история, как известно, сослагательного наклонения не терпит.
Black Sabbath. Пинок под зад Принцу Тьмы
Говоря о вокалистах, которых выгнали из собственной группы за разгильдяйство, нельзя не вспомнить великого и ужасного Оззи Осборна.
Для большинства поклонников Black Sabbath имя Оззи и название группы — практически синонимы. Именно его голос звучит на первых восьми альбомах, именно он стал лицом коллектива и одним из символов всего хэви-метала.
Однако была и другая эпоха — эпоха Ронни Джеймса Дио.
И вот здесь начинается один из самых интересных споров в истории рок-музыки. Сравнивать Оззи и Дио невероятно сложно, потому что они были совершенно разными исполнителями.
Оззи никогда не считался выдающимся вокалистом с технической точки зрения. Его сила была совсем в другом. Он создал тот самый образ безумного рок-фронтмена, соединив в музыке мистику, мрачную атмосферу, чувство тревоги и тексты, которые казались по-настоящему пугающими.
Именно первые альбомы Black Sabbath заложили фундамент дум-метала и оказали огромное влияние практически на весь тяжелый рок.
Но затем в группе появился Дио.
И вместе с ним изменилось само настроение музыки.
Если Оззи пел о страхе, безысходности и внутренней тьме, то Дио принес в Black Sabbath героическое фэнтези, эпические сюжеты и настоящий пауэр-метал еще до того, как этот жанр окончательно сформировался.
Во многом именно благодаря ему появился альбом Heaven and Hell, который сегодня многие критики и поклонники считают одной из сильнейших пластинок в истории группы.
Что говорили критики об Оззи?
Хвалили:
уникальную манеру исполнения, которую невозможно спутать ни с кем;
способность создавать ощущение тревоги буквально одной интонацией;
огромную харизму;
тот факт, что именно Оззи стал лицом зарождавшегося хэви-метала.
Критиковали:
весьма ограниченный вокальный диапазон;
не самую сильную вокальную технику;
зависимость от студийной обработки и нестабильные живые выступления в последние годы перед увольнением.
Что говорили о Дио?
Хвалили:
великолепную вокальную технику;
мощнейший диапазон;
практически идеальную работу в студии и на концертах;
способность вывести музыку Black Sabbath на совершенно новый уровень.
Критиковали:
для части поклонников он оказался «слишком правильным»;
его стиль казался менее мрачным и более классическим металлом;
многие считали, что с Дио это уже была совсем другая группа.
И вот здесь, пожалуй, критики сформулировали самую интересную мысль.
Оззи создал образ Black Sabbath.
Дио доказал, что этот образ можно развивать дальше, не превращая группу в собственную копию.
Но лично мне все же ближе другая аналогия. Black Sabbath изначально собирались не вокруг одного человека. Это был организм, который годами учился играть вместе, гитара Тони Айомми, бас Гизера Батлера, ударные Билла Уорда, голос Оззи.
Представьте себе человека. Если ему отрубить голову и пришить другую, останется ли он тем же самым человеком?
Наверное, нет.
Именно поэтому многие поклонники так и не смогли принять Дио, каким бы великим вокалистом он ни был.
Deep Purple. Когда проиграли все… и выиграли тоже все
Еще один вечный спор рок-сообщества — Йен Гиллан или Дэвид Ковердейл?
Для большинства поклонников классический Deep Purple — это именно Гиллан.
И неудивительно.
Именно с ним появились Child in Time, Highway Star, Smoke on the Water, Space Truckin' и десятки других песен, без которых сегодня невозможно представить историю рока. Это был тот самый состав, где удивительным образом совпало абсолютно все. Гитара Ричи Блэкмора, орган Джона Лорда, бас Роджера Гловера, ударные Иэна Пейса, голос Йена Гиллана.
Такое сочетание рождается раз в жизни.
Поэтому многие поклонники искренне считают, что именно этот состав и есть «настоящий» Deep Purple.
Но затем произошли перемены.
В группе появились Дэвид Ковердейл и Гленн Хьюз и музыка стала совершенно другой. Исчезла часть агрессии. Зато стало больше блюза, соула, грува и американского влияния.
И знаете что?
Это тоже сработало.
Альбом Burn сегодня считается одной из лучших пластинок группы и до сих пор регулярно попадает в списки величайших альбомов хард-рока.
Что говорят поклонники Гиллана?
Для них аргументы просты.
Именно с ним группа записала:
лучшие песни;
лучшие концертные альбомы;
самые узнаваемые хиты;
именно он сделал Deep Purple мировой легендой.
Вершиной творчества они называют:
Machine Head;
Made in Japan.
И спорить с этим крайне сложно.
А что отвечают поклонники Ковердейла?
Их главный аргумент звучит примерно так:
«Burn — один из самых недооцененных альбомов в истории хард-рока.»
Они отмечают:
более зрелое звучание;
великолепный вокал Ковердейла;
фантастическую связку с Гленном Хьюзом;
огромное количество блюзовых элементов, которых раньше в музыке группы практически не было.
И знаете, что удивительно?
Обе стороны по-своему правы.
Потому что сравнивать Гиллана и Ковердейла — это примерно то же самое, что спорить, какая эпоха Pink Floyd лучше: психоделическая или прогрессивная.
Это просто две совершенно разные группы под одним названием.
Именно поэтому спор длится уже почти полвека и, скорее всего, никогда не закончится.
А мы тем временем возвращаемся домой и посмотрим, что происходило со сменой вокалистов уже на отечественной рок-сцене.
А что же на отечественной рок-сцене?
Если на Западе существует немало примеров, когда смена вокалиста не только не погубила группу, но даже помогла ей выйти на новый уровень, то у нас все гораздо сложнее.
Во многом потому, что отечественные рок-группы всегда строились вокруг личности фронтмена. Очень часто вокалист был не просто человеком у микрофона, а автором песен, идеологом коллектива и тем самым человеком, с которым слушатели ассоциировали всю группу.
Поэтому практически любая замена воспринималась болезненно.
И первым на ум, конечно же, приходит...
Ария
Валерий Кипелов → Артур Беркут → Михаил Житняков
Честно говоря, мнение критиков здесь меня интересует гораздо меньше. Куда важнее то, что думают сами поклонники.
А мнения у них складываются примерно так.
Эпоха Кипелова
Практически для всех фанатов именно она считается золотой.
Именно с Кипеловым были записаны альбомы, ставшие классикой отечественного хэви-метала, а его голос для многих до сих пор остается главным символом «Арии».
Артур Беркут
Когда он пришел в группу, его встретили крайне настороженно.
Но время расставило все по своим местам.
Альбомы «Крещение огнем» и «Армагеддон» постепенно убедили многих поклонников, что Беркут не пытался стать вторым Кипеловым, а принес в группу что-то свое.
Сегодня даже многие из тех, кто поначалу критиковал его, признают, что это была достойная эпоха в истории коллектива.
Михаил Житняков
И вот здесь споры вспыхнули с новой силой. Да, у него великолепная вокальная техника. Да, на концертах он практически безупречен. Да, он обладает очень сильным голосом. Но большая часть поклонников считает, что вместе с этим группа потеряла ту самую эмоциональность и надрыв, которыми всегда славилась «Ария».
Слишком чисто.
Слишком правильно.
Слишком академично.
Именно это чаще всего можно услышать в разговорах старых поклонников.
Хотя, конечно, у Житнякова уже давно появилась собственная аудитория, которая познакомилась с группой именно благодаря ему.
Черный Обелиск
Еще один пример, который невозможно обойти стороной.
После смерти Анатолия Крупнова многие были уверены, что история «Черного Обелиска» закончилась навсегда.
Все-таки Крупнов был не просто вокалистом. он был лицом группы, ее голосом, ее характером. Однако произошло то, во что поначалу мало кто верил.
Группа смогла вернуться.
Конечно, старые поклонники по-прежнему считают эпоху Крупнова непревзойденной, но даже они чаще всего признают, что Дмитрий Борисенков сумел сохранить дух коллектива и написать немало достойных песен.
На мой взгляд, это один из самых удачных примеров возрождения отечественной рок-группы после смерти ее лидера.
Мастер
С «Мастером» история совершенно другая.
За годы существования группы через нее прошло несколько вокалистов. И что удивительно — каждый из них оставил свой след. У поклонников, конечно, есть любимые эпохи, есть любимые голоса, но практически никто не говорит, что очередная смена вокалиста уничтожила группу.
Наверное, именно поэтому «Мастер» остается одним из немногих отечественных коллективов, который сумел пережить постоянные кадровые перестановки и при этом сохранить свое лицо.
И все-таки кто прав?
Вот мы и добрались до самого главного вопроса.
Можно ли вообще заменить вокалиста? Мне кажется, ответ одновременно и простой, и сложный. Можно заменить голос, можно найти человека с похожим тембром можно даже найти исполнителя с лучшей вокальной техникой, но невозможно заменить личность. Невозможно заменить годы, проведенные группой вместе. Невозможно заменить те эмоции, с которыми поклонники впервые услышали любимые песни.
Именно поэтому одни слушатели продолжают жить прошлым, а другие принимают новую эпоху.
И знаете что?
Правы и те, и другие.
Одни любят воспоминания, другие готовы открыть для себя что-то новое.
Это абсолютно нормально.
На мой взгляд, новый вокалист вообще не должен пытаться стать копией своего предшественника. Потому что песни писались под другой голос, под другой характер, под другую манеру исполнения.
Попытка скопировать оригинал почти всегда выглядит искусственно.
Новый фронтмен должен быть собой.
Только тогда у группы появляется шанс не превратиться в собственный трибьют.
А споры...
Споры будут всегда. Кто-то до конца жизни будет доказывать, что настоящий AC/DC закончился вместе с Боном Скоттом. Кто-то не признает Iron Maiden без Пола Ди'Анно. Кто-то уверен, что Black Sabbath — это только Оззи. Кто-то до сих пор считает, что без Кипелова «Ария» умерла.
И знаете, что самое интересное?
Все они по-своему правы.
Потому что рок-музыка — это не математика, где существует один правильный ответ.
Это эмоции.
А эмоции у каждого свои.
И именно поэтому спустя сорок, пятьдесят, а иногда и шестьдесят лет мы продолжаем спорить о тех, чьи голоса однажды заставили нас влюбиться в музыку.
Ну а на сегодня все, спасибо за внимание и помните:
Не используйте музыку, чтобы возвысить себя — позвольте ей возвысить вас.
Показать полностью
9
Ответ на пост «Russtone Orbiter - бас с обложки "Кровь за кровь" Арии»2
Рассказывает наш барабанщик Владимир Прокофьев:
"В начале 90-х в составе кумертауской группы "ЭДС" я записывал альбом на студии Арии. И после записи их басист Валерий Ампилогов купил у Дубинина бас.
Ехать домой было немного стыдно. Я не пью, а они накидались и на весь вагон хвастались, мол, вот смотрите, Ария с басом, а вот мы с этим басом."
конец цитаты.
Позже из-за пьянства группа ЭДС всё проебала и бас был в Кумертау. Как он попал в Красноярский край бес его знает.
Бас поучаствовал в фотосессии и в клипе
Показать полностью
1
1
Ответ на пост «Russtone Orbiter - бас с обложки "Кровь за кровь" Арии»2
И где тут одинаковый рисунок?
Показать полностью
2
Russtone Orbiter - бас с обложки "Кровь за кровь" Арии2
Сразу сниму потенциальные обвинения в кликбейте, хотя и разрушу тем самым интригу. Это действительно бас, который на известной фотосессии группы «Ария» к буклету диска «Кровь за кровь» — в руках у Виталия Дубинина. Не похожий, не такой же, а именно этот.
Именно этот бас
Тем забавнее тот факт, что при его покупке ни я, ни продавец об этом не имели ни малейшего представления (иначе, полагаю, продавец бы выставил слегка иной ценик). Но обо всем по порядку.
Общий вид
Покупал я его как рядовой Orbiter. Просто увидел объявление — Красноярский край, продаётся бас Russtone, — списался, договорился, деньги ушли, инструмент поехал. Никакого второго дна на тот момент не существовало. Ну, точнее как «рядовой». Для меня все коллекционерские объекты не являются прям «рядовыми», но в данном контексте, не предполагалось, что это бас «с историей». Просто Орбитер, который когда то уехал в небольшой город ок в Красноярском крае, а теперь едет в мой гарем мою коллекцию. Шестиструнный Orbiter у меня к тому моменту уже был, давно хотел добрать и басовую версию — вот и добрал.
Рассказ про этот бас на благонадежной ру-трубе (для ценителей запрещеночки с ты-трубы - вот ссылка)
Через пару дней, когда бас был уже в пути, на одном коллекционерском ресурсе, в теме про Russtone, человек пишет, мол смотрите, на Авито продавался бас, как у Дубинина на фото. Как у Дубинина. На фото. Я даже не знаю, что за фото и прошу показать.
Фото с той же сессии но из какого-то журнала
Тут надо честно сказать, что фанатом «Арии» я никогда не был. Хотя, что забавно, именно с «Арией» связано тако важное для любого мальчика эротическое событие, как первый поцелуй. У меня это случилось где-то, наверное, в 1993 году (вот тут могу ошибиться — даты помню плохо, может это был и 1992 год, но вот хорошо помню обстоятельства). И в момент моего познания сего таинства из магнитофона звучал «Торреро», текст которого по официальной версии написала не Маргарита Пушкина, а Федерико Гарсиа Лорка. Хотя к делу это отношения не имеет, тем более, что на басу там все равно ещё играл Грановский.
Вид сзади
В общем, не фанат «Арии». Слушал, периодически по настроению слушаю и сейчас из ностальгии, но диска «Кровь за кровь» у меня нет, и этой фотографии из буклета я раньше в глаза не видел. Так что открывал я скан не с трепетом, а из спортивного любопытства. Посмотрел фото. Ну, да, действительно похож. Но мало ли в Бразилии донов Педро и диких обезьян?
Тоже из буклета, чуть вытянутое нейросетью
Продолжил ждать. И вот, собственно, бас ко мне приехал. И вот тут уже стало прям интересно.
Тоже с той же фотосессии
Качество скана из буклета — так себе, 1991 год, полиграфия соответствующая. Но на инструменте в руках Виталия Дубинина виден рисунок дерева. Такая своеобразная ёлочка. Вот я тогда же его обвел.
Вот это фото (с обводкой) я отправил Виктору Григорьеву со словами "WTF?"
И на уже моём басу — не «очень похожий» рисунок, а прямо такой же. Дальше я полез уже не любопытства ради, а всерьёз. На том же ресурсе сидит Виктор Григорьев — сборщик Russtone из ранних, с самого начала и примерно до 1993-го, который регулярно дает консультации коллекционерам типа меня про ранние Русстоуны. Ему и задал вопрос. А это точно такой же бас или это один и тот же инструмент?
Григорьев ответил однозначно. Это именно тот . Аргументов у него было три. Первое — рисунок дерева, совпадающий до жилки. Второе — расположение колков на голове. Они односторонние, но разнесены на две разные стороны, чего у Orbiter в норме не бывало (сам Григорьев считает это косяком сборки, хотя, если вспомнить кое-какие ESP тех лет, подобное разнесение делали и специально, как фичу). Третье — сама форма головы, очень ранняя, не та, что ставили на абсолютно подавляющее большинство «орбитеров» (у гусаров стандартная голова вызывает некоторые весьма двусмысленные предположения). Тем более что ранний Russtone был не столько серийным, сколько мастеровым производством, где сочетания элементов гуляли от гитары к гитаре. А тут совпало разом всё.
Ранняя голова грифа
До того как сам Дубинин в одном из своих видео ответил на мой вопрос про этот бас, основная моя версия была несколько иной, чем оно было на самом деле. Дело в том, что Виктор Григорьев вел тетрадь (которая сейчас считается «библией коллекционеров»), в которую записывал все выпускаемые кооперативом экземпляры. Т.е. прям совсем все. И для гитар, сделанных для известных музыкантов обязательно это фиксировал. Серийный номер и кому он был сделан. И мой Орбитер-бас (серийник 9015306) не имеет никаких специальных пометок.
Отсюда изначально моя версия заключалась в том, что фотосессия к «Крови за кровь» — отчасти рекламный ход Стоуна. Учитывая что на той же фотосессии Холстинин тоже со своим салатовым Russtone Classic, я предположил, что Дубинина, скорее всего, просто попросили сняться с этим басом (или свой он в тот день не привёз — кто теперь скажет). И эту версию я даже озвучил на видео, которое успел снять для своего канала (его и прилагаю).
А потом на вопрос ответил Дубинин. В целом я был близок к истине, но Виталий басом действительно владел, а не просто взял подержаться для фото. Тогда Russtone делали гитары для многих известных музыкантов, включая и Холстинина и Маврина. И по словам Дубинина, Холстинин уговорил его заказать у Русстоуна бас. Бас делал лучший матер Russtone — Юрий Захаров (индивидуальный номер 15, серийный номер Русстоунов расшифровывается как 90 — год, 15 — мастер, 306 — номер инструмента, изготовленный мастером с начала года). Однако после некоторого времени использования Виталию это бас «не зашел» и он его продал. Как уж дальше он добрался до Красноярского края история уже умалчивает.
Серийник
Ну и теперь, после истории о том, как этот бас попал сначала ко мне, а затем к Виталию Дубинину (или наоборот?) забудем про этот его исторический статус, а рассмотрим в отрыве от предыдущих и нынешних владельцев. И начнем с того, что разберемся в том, что такое Russtone. Я рассказывал на прошлой неделе, но вряд ли кто-то сейчас побежит смотреть, поэтому вкратце повторю.
Кооператив с таким названием в 1988-м зарегистрировал московский гитарный мастер Евгений Берёза — это было первое в стране по-настоящему профессиональное производство электрогитар. Формально история началась ещё раньше — примерно в 1984-м, но на тот момент это было… скажем так — не слишком законно (гуглим «цеховики«). Первые пару лет Береза работал самостоятельно в своей квартире, а через пару лет — примерно в 1986 появился коллектив единомышленников, который по сути и стал Russtone, хотя на тот момент это по-прежнему было не особо законно. И делали они в то время преимущественно копии западных брендов, которые были очень востребованы советскими музыкантами.
Наконец, принятый в мае 1988 года закон «О кооперации в СССР» наконец то позволил легализоваться, и именно тогда появилось окончательно название Russtone (Russian Tone).
Момент выбрали безошибочно. Страна сидела в остром дефиците нормальных инструментов, и спрос до середины девяностых стабильно обгонял возможности мастерской, где работало до тридцати человек. На «стоунах» тогда играли, кажется, все, кто гремел: «Ария», «Мастер», «Ва-Банк», «Алиса», «Коррозия Металла», «Тайм-Аут». Владимир Холстинин из той же «Арии» про свои первые гитары и про кооператив рассказывал отдельно — тем, кому интересно копнуть, стоит поискать документальный фильм «RUSSTONE made in USSR» Макса Власова и Влада Селиванова, там первые лица и говорят.
Дальше — как у многих в девяностые.
Вид со стороны головы грифа
С 1995-го пошла чёрная полоса. Пожар, два переезда, деньги, а рынок к тому времени уже заваливало импортом. Производство скукожилось, часть людей во главе с Александром Шамраем ушла делать Shamray Guitars, к началу нового века электрогитары под маркой Russtone перестали выпускать вовсе. Затем права на марку купила «Гранд Мистерия», и с тех пор Russtone — это Индонезия, Тайвань и стандартный OEM-овский суповой набор модельного ряда, который выпускают мегатоннами для распространения по всем у миру и по желанию заказчика на голове грифа напишут хоть матерное слово. К красному дереву и оборонному заводу из моей истории всё это уже отношения не имеет.
Саму модель Orbiter разработал упомянутый Юрий Захаров, «русстоуновский Страдивари» — лучший мастер кооператива и автор дизайна почти всех ключевых моделей. Выпускалась она в разных конфигурациях — со сквозным грифом, с вклеенным, с грифом на болтах, или вот в басовом варианте, ещё как-то.
Корпус
Форма — фирменная «орбитеровская», ни на что толком не похожая.
Корпус — красное дерево, покрашенное в матовый бордовый. Матовый — но не везде: место, куда ложится предплечье, за годы игры заполировалось до глянца само собой. Там же, правда, и скол — но это уже как есть.
Корпус сзади
Гриф — цельный кусок клёна, без отдельной накладки: накладка тут — это просто передняя часть самого грифа. Анкер заложен с тыльной стороны, через так называемую холку бобра (не буду рассказывать историю про то как Лео Фендер придумал такой способ закладки анкера, и так уже много получается), пуля анкера выходит в голову.
Гриф
Приехал бас с солидным прогибом, но анкер живой — покрутил, всё выправилось. Крепится гриф четырьмя шурупами через пятку, на которой выбито клеймо «Russtone» и серийник. 24 лада, закатанные аккуратно, с лёгкими следами игры на первых позициях. Маркеры круглые, точечные, боковые — чёрные, и только двадцать четвёртый с торца никак не обозначен, будто на нём закончилось терпение.
Разметка грифа
Колки это копии Schaller, снятые один в один — размеры сняли, повторили, но с определенным нюансом, и нет, это нюанс не как обычно в СССР «хотели как лучше, а получилось как всегда», а ровно наоборот.
Сняли и повторили, по рассказам Григорьева, на оборонном заводе, который вообще-то делал спутники военного назначения, и повторили за несколько бутылок водки. Плановая экономика в лучшем своём проявлении. За пол-литра получить фурнитуру из материала долговечнее, чем у оригинала. По внешнему виду, конструкции, передаточному числу — обычный Schaller, по железу — лучше него. Убить эти колки невозможно в принципе.
Колки
Порожек латунный, но, похоже, неродной, ибо в прорези небольшой зазор, порожек чуть уже грифа, а Григорьев вспоминал, что латунные порожки у них в ходу меняли по эксплуатации. Так что «на ощупь и по зазору — заменённый», врать про заводскую комплектацию не буду.
Бридж
Бридж — массивный, литой или фрезерованный, из реально серьёзного металла, с подпружиненными сёдлами и широким диапазоном отстройки мензуры. Скорее всего — на том же спутниковом заводе, что и колки и из тех же материалов. С чего срисован — не скажу, может, и собственная разработка Стоуна. Тут Виктор не рассказывал, а если и рассказывал, то я слушал (читал) невнимательно. Работает без единого вопроса.
Вид на корпус под углом
Схема датчиков — классический PJ. Пресижновский сплит в неке, джазовый сингл у бриджа. А электрика — радикальный минимализм. Одна ручка громкости и трёхпозиционный переключатель на выбор датчиков. Джек — с торца. Всё.
Ни темброблока, ни отсечек катушек, ни переключения фаз — ничего из того, что я лично, как записной извращенец по части лишних тумблеров, обычно люблю. Здесь же все не для извращенцев, а для музыкантов. Ничего не крутишь — просто играешь то, что можешь сыграть.
Вид на корпус сзади под углом
Крышка темброблока вырезана из оргстекла и закрашена с изнанки чёрным — стандартный дедовский способ получить чёрный пластик, когда пластика нет. За тридцать с лишним лет дерево чуть повело, и крышечку слегка выгнуло. Заменить, конечно, можно — но зачем менять оригинал. Антабки фрезерованные, из крепкого металла (видимо, все того же, что и остальная фурнитура), но шляпка у них небольшая, поэтому ремень держится, но даже при небольшом усилии соскальзывает, так что я на всякий случай подстраховался резиновыми фиксаторами.
Про звук по традиции ничего утверждать не буду — на вкус и цвет все товарищи разные. Сам я так то не музыкант (много раз об этом говорил), а коллекционер, оборудование и руки у меня соответствующие, так что не рекомендую делать выводы о звучании по моему исполнению, ибо известно, что в порядке уменьшения значимости на звук влияют сначала руки играющего, затем звукоусиливающее оборудование и только затем все остальное. Когда первые два пункта — такие себе, ну… В общем, не будем о грустном.
Ну и чтобы резюмировать, как коллекционный экземпляр он ценен (для меня в первую очередь, фанат «Арии», наверное, со мной не согласится) не тем, что им когда-то владел Дубинин. Ранних «орбитеров», тем более басовых, тем более с вот такой кривоватой ранней головой и с оригинальной ранней «спутниковой» фурнитуроу, сохранилось всего ничего. То, что один из них когда-то на пару кадров попал в руки басиста «Арии» — приятный бонус, повод для истории. Но это в первую очередь история отечественного гитаростроения, и только во вторую (если не в третью) кому он там принадлежал.
PS. автором фотографий самого баса являюсь я, все это хозяйство размещено на моем сайте, являющемся представительством моей коллекции в этих наших интернетах. Сама статья изначально написана мной для него же (с небольшими отличающимися деталями) и тут опубликована для более широкого круга читателей, если таковые найдутся.
Я планирую продолжать тут, на Пикабу публиковать рассказы о гитарах из своей коллекции, коих у меня пара сотен и они преимущественно тематические (производства стран соцлагеря), но с вкраплениями инструментов из других стран. Так что если вам эта тема относительно интересно - подписывайтесь. В планах публиковать по два поста в неделю (вторник-четверг), но зависит от времени.
Показать полностью
18
1
Как выглядели в детстве известные отечественные рок-музыканты и их первые шаги на сцене. Часть 2
После этого моего поста, возникло бурное обсуждение. Кого-то я не упомянул, кого-то упомянул, но зря... по крайне мере по мнению некоторых комментаторов.
В комментариях накидали своих вариантов звезд достойных поста... А поскольку русский рок мне таки не чужд, было принято решено запилить вторую часть. Сразу предупреждаю, далеко не все исполнители упомянутые в посте являются тру-рокерами. В СССР с тру-рокерами вообще было грустно. Но тем не менее , в той или иной степени все эти исполнители в свое время исполняли рок. Я их слушал, я их помню, я их люблю.
Предлагаю и Вам окунуться в ностальгию и немного вспомнить как это было. Будет много букв.
Поехали?
1. Петр Мамонов (14.04.1951- 15.07.2021, место рождения Москва)
Детство провел в Большом Каретном Переулке дом 17, в том же дворе где жил Владимир Высоцкий. Отец был инженером, мать — переводчицей со скандинавских языков.
В детстве и юности отличался бунтарским характером: его отчисляли из двух школ за эпатажные выходки (например, за инсценировку взрыва в кабинете химии). В старших классах собрал дворовый ансамбль «Экспресс», который исполнял каверы на хиты The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin. Позже познакомился с западной музыкой (Рэй Чарльз, Майлз Дэвис) благодаря отчиму друга, который работал переводчиком у Брежнева.
В начале 1980-х начал активно писать песни. В 1983 году основал рок-группу «Звуки Му». Сначала коллектив выступал на квартирниках, а после успешного выступления на фестивале «Рок-лаборатория» (1987) получил официальный статус и начал гастролировать. В 1988 году вышел дебютный альбом «Простые вещи», а в конце 1980-х британский продюсер Брайан Ино помог выпустить альбом Zvuki Mu в Лондоне — после этого последовали масштабные туры по Европе и США. Позже Мамонов распустил группу, но периодически собирал новые составы. В конце 1990-х сосредоточился на сольной карьере.
В кино дебютировал в 1988 году (фильм «Игла»). Широкую известность принесла роль в картине Павла Лунгина «Такси-блюз» (1990). Одна из самых значимых работ — роль юродивого старца в фильме «Остров» (2006): за неё Мамонов получил премии «Ника» и «Золотой орёл». Также снимался в фильмах «Царь» (2009), «Шапито-шоу» (2011) и других.
В поздние годы пережил серьёзный духовный перелом: пришёл к православному христианству. С 1995 года жил в деревне Ефаново под Вереей.
2. Жанна Агузарова (07.07.1962, место рождения Тюменская область)
Семья много переезжала. Большую часть детства провела в Новосибирской области (посёлок Колывань, село Боярка), где мать работала фармацевтом. В школе участвовала в самодеятельности, шила необычные костюмы.
После школы пыталась поступить в театральные училища (в Ростове-на-Дону, Новосибирске, Свердловске), но не получилось. В 1982 году приехала в Москву. Чтобы получить место в общежитии, поступила в ПТУ на маляра. Параллельно влилась в богемные круги, где представлялась под псевдонимом Иванна (Ивонна) Андерс (из-за отсутствия собственного паспорта).
В 1983 году познакомилась с гитаристом Евгением Хавтаном, который искал вокалистку. Название группы, по некоторым версиям, придумала сама Агузарова. 18 марта 1984 года во время концерта в ДК «Мосэнерготехпром» музыкантов задержали. У Жанны нашли поддельные документы. Её отправили в следственный изолятор, затем в Институт судебной психиатрии имени Сербского (где признали вменяемой), а после — на полтора года на принудительные работы в леспромхоз в Тюменской области. В 1985 году вернулась в Москву, продолжила работу в группе. В 1986 году «Браво» выступили в телепередаче «Музыкальный ринг», а песня «Чудесная страна» в исполнении Агузаровой вошла в саундтрек фильма «Асса». В 1988 году певица ушла из группы и начала сольную карьеру.
Агузарову часто называли «королевой эпатажа» и «богиней эпатажа» за эксцентричные образы и заявления о внеземном происхождении.
В 1990 году выпустила «Русский альбом». В начале 1990-х уехала в США: пела в ресторанах, работала диджеем, сотрудничала с эмигрантскими музыкантами. В 1993 году записала англоязычный альбом Nineteen Ninety's с Василием Шумовым. В 1996 году окончательно вернулась в Россию. Периодически давала концерты, в том числе с «Браво». В 2000-х годах популярность пошла на спад. В 2010-х годах появились признаки возвращения: в 2013 году она стала хедлайнером «Пикника „Афиши"», в 2015-м появилась в «Вечернем Урганте». В октябре 2025 года дала большой сольный концерт в московском зале «Москва» с программой «Королева рок-н-ролла».
3. Сергей Курёхин (16.06.1954 - 09.07.1996, место рождения Мурманск)
Появился на свет в семье военного (капитана второго ранга) и учительницы математики. В четыре года начал играть на рояле. Детство и школьные годы провёл в Евпатории. В 1971 году семья переехала в Ленинград. Попытался учиться в Институте культуры имени Н. К. Крупской сразу на нескольких отделениях (дирижёрском, фортепианном, оркестровом), но его несколько раз отчисляли, и в итоге он оставил учёбу. Подрабатывал аккомпаниатором. В Ленинграде познакомился с поэтом Аркадием Драгомощенко, который ввёл его в богемную среду. Стал завсегдатаем кафе «Сайгон», участвовал в концертах импровизационной музыки, играл на клавишных в группе «Пост». Позже выступал с рок-группами «Большой железный колокол», «Гольфстрим».
В конце 1970-х увлёкся фри-джазом и познакомился с саксофонистом Анатолием Вапировым — играл в его квартете.
В 1981 году в Великобритании вышел его первый сольный альбом фортепианной музыки The Ways of Freedom, что принесло ему известность за рубежом. В 1984 году основал ансамбль «Поп-механика». Это был непостоянный состав: в выступлениях участвовали музыканты из разных жанров (рокеры, джазмены, фольклористы, академические исполнители), а также цирковые артисты, художники, иногда даже животные. Перформансы носили эклектичный, пародийный характер.
Активно сотрудничал с рок-группами: участвовал в записи альбомов «Аквариум» («Треугольник», «Табу», «Радио Африка»), «Кино» («Начальник Камчатки»), «Алиса» («Энергия») и других.
Писал музыку к фильмам (всего к 21 картине), среди них «Господин оформитель», «Над тёмной водой», «Три сестры». Снялся как актёр в нескольких лентах («Лох — победитель воды», «Два капитана 2», «Комплекс невменяемости»).
Был известен как искусный автор розыгрышей и мистификаций. Большой резонанс вызвала его телемистификация «Ленин — гриб» (1991, совместно с журналистом С. Л. Шолоховым) в программе «Пятое колесо».
В начале 1990-х ненадолго уезжал в Германию, где изучал культурологию. Позже занимался издательской деятельностью. В 1995 году вступил в Национал-большевистскую партию.
В память о Курёхине в Санкт-Петербурге ежегодно проходит Международный музыкальный фестиваль SKIF, а с 2009 года вручается премия его имени в области современного искусства
4. Найк Борзов (23.05.1972, Московская область)
Родители были хиппи и увлекались музыкой — отец прививал сыну вкус с детства. Интересно, что до трёх лет мальчика звали просто «малыш», а потом отец придумал имя Найк (по его словам, оно означает «звезда»). В паспорте и свидетельстве о рождении он записан как Найк — распространённая версия про Николая Барашко не соответствует действительности.
В 14 лет создал панк-группу «Инфекция». Коллектив несколько раз распадался и собирался вновь, но в начале 90-х записал два студийных альбома: «Онанизм» (1990) и «Отверстие для пупка» (1992). На стиль повлияла «Гражданская оборона». starhit.ruru.wikipedia.org*svpressa.ru
В 1992 году начал сольную карьеру — вышел альбом «Погружение».
Позже стилистика изменилась: от панка к психоделическому року, инди-року и балладам. Второй альбом «Закрыто» (1994) критики сравнивали с The Cure.
Широкую известность принёс альбом «Головоломка» (1997) и хит «Лошадка». В песне была строчка про лошадку, везущую кокаин, из-за чего на некоторых радиостанциях её временно снимали с эфира. Борзов объяснял, что это метафора: человек сам загоняет себя в рамки. Позже слово «кокаин» заглушили, и трек вернулся в ротацию.
Настоящий прорыв случился в начале 2000-х с альбомом «Супермен» (2000). Песни «Верхом на звезде» и «Три слова» стали хитами, а радио Maximum и газета «Известия» назвали Борзова исполнителем года.
Позже выходили и другие альбомы («Заноза», «Изнутри» и др.). В 2020 году вместе с музыкантами группы «Рада и терновник» создал проект «Торнадо». Также пробовал себя в кино: в 2001 году написал песню для фильма «Даун Хаус», а в 2023-м сыграл отца главной героини в картине «Тайное влечение».
5. Алексей Вишня (18.09.1964, Ленинград)
Родители с конца 1950-х до начала 1960-х работали в Латинской Америке и привезли обширную коллекцию виниловых пластинок. Они поощряли увлечение сына музыкой, покупая ему аппаратуру. В 12 лет Вишня заинтересовался кинематографом и записался на курсы киномехаников и фоторепортёров, параллельно посещая кружок акустики и звукозаписи. Весной 1980 года его преподавателем стал Андрей Тропилло, который начал превращать кружок в студию. Тропилло взял Алексея под своё покровительство: он познакомил его с Владимиром Леви (группа «Тамбурин») и Борисом Гребенщиковым. Те дали Вишне уроки игры на гитаре и позволили работать в студии самостоятельно.
«Яншива Шела» — это анаграмма имени «Алёша Вишня».
Дебютировал как самостоятельный звукооператор под присмотром Тропилло — участвовал в записи альбома группы «Мираж» (160-я школа). Позже собрал собственную группу «Сантименталь» и в феврале 1982 года вступил с ней в Ленинградский рок-клуб, но дальше домашних репетиций дело не пошло. Ассистировал Тропилло и Гребенщикову при записи альбома «45», где познакомился с группой «Кино». После распада оригинального состава «Кино» летом 1983 года Вишня пытался объединиться с Алексеем Рыбиным и первым барабанщиком группы Олегом Валинским, но проект остался на уровне идей. В тот же период он в одиночку вступил в рок-клуб. Осенью 1983 года, используя два бытовых магнитофона, записал свой дебютный студийный альбом «Последний альбом», который имел успех в Ленинграде и Москве.
Поздние годы. В 1990-х и позже Вишня продолжал работать как звукорежиссёр и иногда выступал с концертами. В последние годы он также занимается литературной деятельностью. Его песни неожиданно обрели популярность в TikTok.
В 1984 году Вишня начал самостоятельно записывать знакомых музыкантов в своей квартире на Охте. НазваниеОн записывал альбомы бесплатно, как и его наставник Тропилло. Среди работ того периода: альбом «Балет» группы «Кофе» (осень 1984), акустические записи Александра Башлачёва («Третья Столица») и группы «Акустическая комиссия» («Инородное тело»), альбомы группы «Кино» «Это не любовь» (1985), «Объект насмешек» («Смеётся ОН — он смеётся последним», 1986), «АВИА» («Жизнь и творчество композитора Зудова», 1986), «Тест» («Не прощу», 1987). В 1986 году вместе с Тропилло он продюсировал альбом группы «Ноль» «Музыка драчёвых напильников». Во второй половине 1980-х Вишня регулярно участвовал в программах «Поп-механики» Сергея Курехина и стал звукорежиссёром его альбома «Введение в Поп-механику» (1987).
6. Майк Науменко (18.04.1955 - 27.08.1991, Ленинград)
Настоящее имя — Михаил Васильевич Науменко. Увлёкся музыкой после того, как услышал The Beatles. Позже на его творчество повлияли Боб Дилан, Чак Берри, Лу Рид и другие. Первую гитару ему подарила бабушка. Писать песни начал ещё в школе — сначала на английском (он учился в спецшколе, где и получил прозвище «Майк»).
В 1972 году под влиянием Бориса Гребенщикова стал экспериментировать с текстами на русском. Также увлекался авиамоделизмом, переводами с английского.
После школы по настоянию отца поступил в Ленинградский инженерно-строительный институт, но после четвёртого курса оставил учёбу. Работал звукорежиссёром в Большом театре кукол, позже — сторожем. При этом продолжал заниматься музыкой, играл на бас-гитаре в малоизвестных ленинградских группах. В 1977–1979 годах сотрудничал с «Аквариумом» как приглашённый гитарист. В 1978 году вместе с Гребенщиковым записал акустический альбом «Все братья — сёстры» (запись прошла на берегу Невы на магнитофон «Маяк-202»). Позже выступал сольно.
В 1980 году при поддержке Гребенщикова и гитариста Вячеслава Зорина записал сольный альбом «Сладкая N и другие» (в него вошли хиты вроде «Пригородный блюз», «Дрянь», «Сладкая N»).
В 1981 году основал группу «Зоопарк». В том же году коллектив приняли в Ленинградский рок-клуб. Майк был автором большинства песен группы. Среди известных работ — альбомы «Уездный город N» (1983), «Белая полоса» (1984), а также сольный альбом LV (1982). «Зоопарк» активно гастролировал.
Майк Науменко считается одной из ключевых фигур ленинградского рок-н-ролла 1980-х. Его тексты отличались бытовым реализмом: героями песен становились обычные горожане, жители коммуналок.
7. Диана Арбенина (08.07.1974, Воложин Минская область)
При рождении — Диана Сергеевна Кулаченко. Родители были журналистами. Когда Диане было три года, семья переехала в Борисов, а позже — на Крайний Север (Колыма, Чукотка, Магадан). Там она окончила школу и получила музыкальное образование. В 1992 году поступила в Магаданский государственный педагогический институт на факультет иностранных языков, проучилась год. В 1994 году переехала в Санкт-Петербург и перевелась на отделение «русский язык как иностранный» филологического факультета СПбГУ, который окончила в 1998 году.
Начало творчества: писать песни начала в 1991 году. Среди ранних работ — «Рубеж», «Тоска», «Вечер в Крыму».
В августе 1993 года в Санкт-Петербурге познакомилась со Светланой Сургановой. Вместе они создали акустический дуэт, который позже превратился в группу. В 1998 году вышел дебютный альбом «Капля дегтя / В бочке меда». В 2002 году Сурганова покинула коллектив, и Арбенина осталась единственной солисткой. Группа активно гастролировала, в том числе за рубежом.
Арбенина пишет не только песни, но и стихи (которые сама называет «антипеснями»), выпускает книги (сборники «Катастрофически», «Дезертир сна», «Колыбельная по-снайперски» и другие). Также она занимается живописью — в 2016 году в Центральном доме художника прошла её выставка. Участвовала в телепроектах (например, «Две звезды», «Битва талантов», «Ты супер!»).
8. Николай Фоменко (30.04.1962, Ленинград)
Отец — физик-метролог, мать — балерина. С детства занимался музыкой (играл на скрипке) и спортом — получил звание мастера спорта по горным лыжам. В 1983 году окончил Ленинградский институт театра, музыки и кино (ЛГИТМиК, мастерская Игоря Горбачёва). По распределению попал в Александринский театр, но через три месяца ушёл в армию. В войсках стал вокалистом Ансамбля песни и пляски Ленинградского военного округа и записал первую пластинку — «Песни Соловьева-Седого».
После службы вернулся в театр, однако вскоре снова его покинул — ради создававшейся тогда группы «Секрет». В коллективе был бас-гитаристом, вокалистом, автором музыки и слов многих песен. Группа добилась большой популярности в СССР. Фоменко покинул «Секрет» в 1996 году, но позже группа собиралась для юбилейных концертов.
Звания и награды: заслуженный артист РФ (1999).
9. Александр Манякин (14.03.1966, Александров Владимирская область)
Интерес к музыке появился в детстве: в шесть лет он услышал группу «Весёлые ребята» и загорелся желанием играть на барабанах. В третьем классе учитель пения помог ему развить талант — вскоре Александр стал барабанщиком школьного ансамбля, а позже играл в ансамбле Дворца культуры Александрова «Лучшие годы». После школы (в 1980 году) присоединился к коллективу «Проект» (руководитель — Валерий Шишаков, позже звукорежиссёр «Арии» и «Кипелова»). Репертуар состоял из танцевальной музыки и каверов на «Аракс», «Карнавал», «Круиз». Группа выступала на городских дискотеках и иногда ездила на концерты в столицу. В этот же период Манякин два года учился во Владимирском культпросветучилище. Параллельно около пяти лет в середине 80-х работал обувщиком на рынке (сначала ремонтировал, потом шил обувь) — ради записи в трудовой книжке.
Осенью 1988 года давний друг Сергей Степанов (тогда звуковой техник «Арии») сообщил, что группа ищет нового ударника. Манякин прошёл прослушивание, сыграл ряд основных партий группы и был принят. Поначалу «Ария» параллельно репетировала с прежним барабанщиком Максимом Удаловым, но при поддержке Валерия Кипелова и Сергея Маврина Александр вскоре стал полноправным членом коллектива.
В «Арии» он играл 14 лет: участвовал в записи всех альбомов группы с 1989 по 2001 год, а также в проекте Виталия Дубинина и Владимира Холстинина «АвАрия». Среди альбомов этого периода он особенно выделяет «Генератор зла». В 1998 году музыкант получил тяжёлую травму в ДТП и пропустил тур, но вернулся к финальному концерту в «Лужниках».
В 2002 году во время раскола в «Арии» Манякин поддержал решение Валерия Кипелова уйти и стал ударником в новом коллективе — «Кипелов». С 1 сентября 2002 года он в этом составе.
По состоянию на 2026 год Александр Манякин продолжает быть действующим барабанщиком группы «Кипелов».
10. Сергей Галанин (16.11.1961, Москва)
Родители были из рабочих семей, но очень любили музыку: мать играла на пианино, отец — на мандолине (оба были самоучками). Когда Сергею было шесть лет, родители развелись; суд оставил его с отцом, но позже мальчик жил на две семьи. В школьные годы увлёкся музыкой, слушал The Beatles, отрастил волосы и создал самодеятельный ВИА. Для себя он самостоятельно сделал гитару, а для коллектива — барабанную установку.
После школы поступил в Московский институт инженеров транспорта (факультет «Мосты и тоннели»). На геопрактике познакомился с Евгением Хавтаном (будущим участником «Браво»). После вуза работал в центральной лаборатории «Мосметростроя». Параллельно, во второй половине 1980-х, заочно окончил Липецкое областное культурно-просветительное училище по классу оркестрового дирижирования. Там же познакомился с Гариком Сукачёвым.
В 1983–1986 годах играл в рок-группе «Гулливер». Из-за упоминания в эфире зарубежной радиостанции «Гулливер» внесли в чёрный список Минкультуры СССР, а в 1986 году коллектив распался из-за творческих разногласий.
В декабре 1985 года вместе с Сукачёвым основал группу «Бригада С». Был её участником до 1989 года, затем вернулся в 1991–1993 годах. Среди известных песен того периода — «Чертополох».
В 1993 году записал сольный альбом «Собачий вальс» (среди треков — «А что нам надо», «Кончилась война», «Тёплый воздух от крыш»).
В 1994 году создал группу «СерьГа». Название появилось из-за серьги в ухе (друзья так его прозвали) и первых букв имени и фамилии. Первое выступление прошло в Ростове-на-Дону вместе с «Алисой» и «Чайфом».
Выступал в качестве саунд-продюсера трёх альбомов группы «Чайф». Снимался в кино (например, в сериале «Кости», фильме «Шаг», мюзикле «Красная шапочка»). Вёл телепередачи (в том числе «Музыкабельный телефон» с Евгением Маргулисом, «Рок-н-ролл ТВ», «Кома» на антинаркотическую тематику).
11. Эдмунд Шклярский (26.09.1955, Ленинград)
По национальности наполовину поляк, с детства свободно говорил на русском и польском. По вероисповеданию — католик. Отец — Мечислав Феликсович, горный инженер (лауреат Госпремии СССР). Мать — Ирина Сергеевна, преподавала фортепиано в консерватории.
Провел детство в коммунальной квартире в доме сотрудников Горного института. Учился в музыкальной школе (фортепиано, затем скрипка), но академическую карьеру не продолжил — увлёкся рок-музыкой (The Beatles, The Rolling Stones, The Animals) и взял в руки гитару. После школы поступил в Ленинградский политехнический институт (электромеханический факультет, специальность «электрическая часть атомных станций и установок») — отчасти под влиянием отца. В студенческие годы создал группу «Удивление», которая получила приз на фестивале «Весенние ритмы». Также состоял в ансамбле «Лабиринт» и ненадолго репетировал с «Аквариумом», но в итоге выбрал собственный путь.
В 1981 году присоединился к группе «Орион» (создана в 1978 году), которая позже сменила название на «Пикник». С его приходом коллектив начал обретать уникальный стиль. 7 марта 1981 года «Пикник» выступил на открытии Ленинградского рок-клуба. В 1982 году вышел первый альбом «Дым», а в 1983-м группа стала лауреатом первого фестиваля Ленинградского рок-клуба. В последующие десятилетия «Пикник» активно гастролировал, записывал альбомы («Иероглиф», «Родом ниоткуда», «Харакири», «Немного огня» и другие). Концерты группы всегда были яркими перформансами: Шклярский создавал сложные сценические конструкции (например, «живую виолончель», «новоегипетский инструмент»), использовал пиротехническую гитару.
Помимо музыки, Шклярский занимается живописью. Его работы сочетают абстракцию и символизм с элементами сюрреализма. В 2018 году в Санкт-Петербурге прошла его персональная выставка. Также он автор музыки и заглавных песен к сериалам «Королевство кривых» и «Закон мышеловки».
12. Андрей Свин Панов (23.03.1960 - 20.08.1998, Ленинград)
Родился 23 марта 1960 года в Ленинграде в семье артистов балета. В детстве мать часто брала его с собой на репетиции — позже он вспоминал, что сидел за кулисами и «наблюдал почти голых женщин». После восьми классов он поступил сначала в медицинский техникум, потом в медучилище — там, по воспоминаниям матери, он начал пить. Позже мать помогла ему поступить в театральный институт (на одном курсе с Николаем Фоменко и Максимом Леонидовым), но Андрей стал первым студентом в истории заведения, который добровольно подал заявление на отчисление.
Он перепробовал разные профессии: работал санитаром, разносчиком газет, фрезеровщиком, продавцом пластинок. Именно работа с музыкой вдохновила его создать свою группу. На деньги, которые присылал отец (к тому времени ставший успешным балетмейстером в Европе), Андрей купил музыкальные инструменты и оборудовал место для репетиций у себя в комнате. r
Летом 1979 года он основал группу «Автоматические удовлетворители» (АУ) — одну из первых панк-групп в Ленинграде и СССР. Первое публичное выступление состоялось 23 марта 1980 года в питерском кафе «Бриг». В 1987 году группа вступила в Ленинградский рок-клуб. Составы менялись, но Панов оставался единственным постоянным участником. Он также участвовал в сторонних проектах — например, в 1988 году в проекте «600» (с музыкантами из «Нате!», «Фронта», «Беглеца», «ДДТ»). В середине 1990-х запустил проект «Аркестр АУ», где исполнял песни в более сложной аранжировке — с духовой секцией, а также пробовал диско и ска. При этом сам Панов, несмотря на имидж, не причислял своё творчество строго к панк-року: он характеризовал его как «анархический рок». Среди музыкантов, с которыми он сотрудничал или чьё творчество пересекалось с его путём, — Виктор Цой и Алексей Рыбин.
Андрею Панову посвящены документальные фильмы («Сон Свина», 2010; «НАТЕ!», 2018), а также он стал прообразом персонажа Панка в художественном фильме Кирилла Серебренникова «Лето» (2018).
Умер 20 августа 1998 года в Санкт-Петербурге после неудачной операции по поводу перитонита. Его мать утверждала, что врачи допустили ошибку — не проверили пациента на аллергию перед общим наркозом. Поминки прошли в закрытом рок-клубе на Рубинштейна, 13, который специально открыли на один день. Похоронен на кладбище Петербургского крематория. Позже, 6 сентября 1998 года, в клубе «Полигон» прошёл концерт памяти Свина — все вырученные средства передали Ольге и новорождённой дочери.
13. Светлана Сурганова (14.11.1968, Ленинград)
Биологическая мать отказалась от девочки сразу после рождения, и до трёх лет Светлана воспитывалась в доме малютки. Затем её удочерила Лия Давыдовна Сурганова (кандидат биологических наук, пережившая блокаду Ленинграда), а помогала воспитывать ребёнка бабушка — Зоя Михайловна (врач-фтизиатр).
Окончила музыкальную школу по классу скрипки, затем медицинское училище №1 и Санкт-Петербургскую педиатрическую академию. При этом с детства увлекалась музыкой: начала писать песни в 14 лет (среди ранних работ — «Дождик», «22 часа разлуки», «Музыка», «Время»). В 9-м классе создала первую группу «Камертон», позже была группа «Лига» (участвовала в студенческих фестивалях). В медицинском училище познакомилась с Петром Малаховским — вместе они основали коллектив «Нечто иное». Также в этот период Светлана сотрудничала с поэтессой Светланой Голубевой.
19 августа 1993 года Светлана познакомилась с Дианой Арбениной, и они создали группу. Сначала это был акустический дуэт (Арбенина играла на гитаре, Сурганова — на скрипке), позже коллектив расширился до электрической рок-группы. В составе «Ночных снайперов» Сурганова участвовала в записи нескольких альбомов («Капля дёгтя в бочке мёда», «Детский лепет», «Алмазный британец», «Рубеж», «Живой», «Цунами» и других). В конце 2002 года она покинула группу — по решению Арбениной, из-за творческих разногласий.
«Сурганова и оркестр»: После ухода из «Ночных снайперов» Светлана некоторое время выступала с акустическими концертами, а в апреле 2003 года стала лидером собственного коллектива. Группа выпустила множество альбомов («Неужели не я», «Возлюбленная Шопена», «Соль», «КругоСветка» и другие). В 2005 году Светлана озвучивала мультфильм Тима Бертона «Кошмар перед Рождеством». Также она участвовала в театральных постановках и входила в состав жюри театральных конкурсов.
14. Сергей Паук Троицкий (29.05.1966, Москва)
После окончания средней школы в 1983 году работал в типографии «Красный Пролетарий» и в редакции газеты «Московские новости».
В 1984 году вместе с Сергеем Высокосовым создал группу «Коррозия Металла», лидером которой остаётся по сей день. В 1989 году основал «Корпорацию Тяжёлого Рока» (КТР), которая объединила многие неформальные рок-коллективы России и проводила фестивали («Железный марш», «Рок против наркотиков» и другие), а также выпускала музыкальные сборники и журналы.
С начала 1990-х годов активно занимался общественно-политической деятельностью. Его кандидатура выдвигалась на пост мэра Москвы в 1993 году (выборы были отменены), он баллотировался в Государственную думу в 1998 году, в 2007 году выиграл выборы мэра посёлка Запрудня, но отказался от должности, в 2012 году участвовал в выборах мэра Химок и Жуковского.
В мае 2002 года против Троицкого было возбуждено уголовное дело по статье о возбуждении национальной, расовой или религиозной вражды из-за текстов песен и материалов самиздатского журнала «Бритоголовые идут».
Осенью 2003 года он был направлен на принудительное обследование в Институт судебной психиатрии имени Сербского, где провёл три недели. В ноябре 2003 года его признали нормальным и отпустили.
3 сентября 2016 года Троицкий был арестован в Черногории по обвинению в поджоге дома. Он был приговорён к десяти месяцам тюрьмы, но уже в марте 2017 года освобождён по условно-досрочному освобождению.
15. Анатолий Крупнов (24.03.1965 - 27.02.1997, Москва)
В детстве учился в музыкальной школе по классу скрипки, параллельно занимался лёгкой атлетикой. Самостоятельно освоил гитару (инструмент подарил дед) и играл в ансамбле «Сверчки» при Доме пионеров. После школы поступил в МАДИ, но не окончил — решил посвятить себя музыке. В этот период освоил бас-гитару, которая стала его основным инструментом.
В конце 1984 года начал играть в джаз-рок-группе «Проспект», где писал первые авторские рок-композиции. Позже на базе «Проспекта» создал группу «Чёрный обелиск» (название позаимствовал у любимого произведения Эриха Марии Ремарка). В коллективе был бас-гитаристом, вокалистом и автором большинства песен. В 1988 году «Чёрный обелиск» распался, после чего Крупнов два года играл в группе SHAH (с ней даже записал альбом Beware в Германии). В 1990 году он возродил «Чёрный обелиск», и группа снова стала успешной. В 1995 году коллектив снова распался — тогда Крупнов начал сотрудничать с «Неприкасаемыми» Гарика Сукачёва (играл на бас-гитаре), а также запустил сольный проект «Крупский сотоварищи» (единственный альбом «Чужие песни и несколько своих» вышел посмертно в 1997 году). Кроме того, он участвовал в аранжировках для альбома «Это всё…» группы «ДДТ» и работал с «Воскресением». Также пробовал себя в других сферах: снимался в кино (фильм «Научная секция пилотов», 1996), играл в спектакле «Контрабас» в Театре имени Рубена Симонова, вёл на «М-Радио» антинаркотическую передачу.
27 февраля 1997 года Крупнов скончался от сердечного приступа в музыкальной студии во время записи. Похоронен на Введенском кладбище в Москве.
Память о музыканте жива: после его смерти вышли посмертные релизы (например, «POSTАльбом» в 2000 году), а группа «Чёрный обелиск» в 2005 году записала песню «Тебя больше нет» в его честь.
16. Сергей Маврин (28.02.1963, Казань)
В 12 лет переехал с родителями в Москву. Официального образования нет — играл на гитаре и клавишных по самоучителям. В детстве увлекался рок-музыкой (среди любимых групп называл Led Zeppelin, Nazareth, Queen, Pink Floyd). В армии играл в военном оркестре.
После службы в 1985 году присоединился к группе «Чёрный кофе». Позже основал собственный коллектив «Металлаккорд».
В 1987 году вошёл в состав группы "Ария" (на место Андрея Большакова). Участвовал в записи альбомов «Герой асфальта», «Игра с огнём», «Кровь за кровь». В начале 90-х по приглашению немецкого продюсера работал в Германии над проектом Lion Heart. В 1994 году из-за кризиса после неудачных гастролей ушёл вместе с Валерием Кипеловым. Позже вместе с Кипеловым создал проект «Назад в будущее», который распался спустя полгода. Затем работал в коллективе Дмитрия Маликова (1996).
В 1997 году вместе с Кипеловым записал альбом «Смутное время». На его основе в 1998 году основал группу «Маврик» (по прозвищу). Позже название сменили на «Сергей Маврин», а в 2009 году сократили до «Маврин». Выпустил множество альбомов в жанре хеви-метал. В 2023 году группа прекратила существование. С 2024 года выступает с проектом MavrBand.
С 2000 по 2008 год вёл на радио «Юность» передачу о рок-музыке «Железный занавес». Также написал несколько учебников по игре на гитаре.
Маврин разработал особый стиль — touch-style («стиль касания»). Его особенность в том, что правую руку он использует для звукоизвлечения, а левую — для глушения струн (в некотором смысле one-handed tapping). Благодаря этому достигается очень быстрая и «широкая» фразировка, характерная для клавишных.
17. Александр Маршал (07.06.1957, Краснодарский край)
Настоящее имя - Александр Витальевич Миньков. В семь лет переехал с семьёй в Тихорецк, там учился в музыкальной школе по классу фортепиано. Позже самостоятельно освоил гитару. В 15 лет, переехав в Сальск, создал свой первый ВИА «Степняки» — группа выступала на свадьбах и танцах.
В 1974 году поступил в Ставропольское высшее военно-авиационное училище лётчиков и штурманов (специализация «штурман боевого управления»). Проучился два года, но понял, что его тянет музыка, и оставил учёбу. После училища год служил оператором радиолокационной станции, затем работал матросом-спасателем в Крыму и механиком.
«Маршал» — так его прозвали курсанты в училище из-за крепкого телосложения. Позже это стало его сценическим псевдонимом. Среди друзей-музыкантов его также называли «Минор».
В 1980 году переехал в столицу. Играл в группах «Аракс» и «Цветы» Стаса Намина. В 1987 году Намин пригласил его в новую группу «Парк Горького» (Gorky Park) бас-гитаристом. В 1990 году, после ухода вокалиста Николая Носкова, Маршал стал солистом. Группа добилась международного успеха: синглы попадали в чарты Billboard и MTV. Несколько лет Маршал жил в США. В конце 1990-х вернулся в Россию и начал сольную карьеру.
Но уже весьма далёкую от рока...
18. Сергей "Чиж" Чиграков (06.02.1961, Дзержинск)
Играть на гитаре его научил старший брат Владимир , собственно и прозвище «Чиж» изначально было у Владимира, а потом перешло к Сергею.
Окончил музыкальную школу по классу аккордеона. Затем поступил в Дзержинское музыкальное училище, но был отчислен за прогулы. Позже восстановился и окончил его. В 1982 году поступил в Ленинградский государственный институт культуры им. Н. К. Крупской (кафедра оркестрового дирижирования и народных инструментов). После института недолго работал в культпросвете, затем был призван в армию. Служил в танковых войсках в Вентспилсе (Латвия). Даже в армии продолжал играть на гитаре и писать песни — например, «ОК». После демобилизации перевёлся на заочное отделение ЛГИКа и параллельно учился в джазовой студии Ленинградской консерватории по классу барабана. Вернувшись в Дзержинск, работал учителем музыки и пения в школе № 33 — этот опыт позже лёг в основу песни «Вечная молодость».
Снялся в роли самого себя в фильме Алексея Балабанова «Брат» (1997). Его музыка звучит в картине «Чек» (2000).
В 1986 году присоединился к дзержинской группе «Группа продлённого дня» (ГПД). В 1989 году переехал в Харьков и вошёл в состав харьковской «ГПД», которая позже стала называться «Разные люди». Сначала группа исполняла в основном песни Александра Чернецкого, но когда тот серьёзно заболел, фронтменом временно стал Чиграков. Позже они с Чернецким стали делить репертуар поровну. В 1993 году в Санкт-Петербурге записал первый сольный альбом «Чиж» при поддержке Бориса Гребенщикова. В 1994 году собрал собственную группу «Чиж & Co», где остаётся вокалистом, гитаристом и автором большинства песен. Среди известных композиций: «Вечная молодость», «Дверь в лето», «Дорожная №2», «Рождён, чтобы бежать», «Фантом». Также участвовал в проектах «Полковник и однополчане», «Шива».
19. Жан Сагадеев (08.07.1967 - 02.06.2009, Москва)
Увлечение музыкой началось ещё в школе: он слушал AC/DC, Kiss и классику рока. В 9 классе познакомился с братьями Андреем и Виктором Гернеза — они показали ему несколько аккордов на гитаре. Родители не поддерживали интерес сына к року, поэтому инструменты и аппаратуру Жан покупал на свои деньги.
В 1986 году вместе с братьями Гернеза основал группу «Э.С.Т.» (расшифровывается как Electro Shock Therapy — «Электросудорожная терапия»). Жан был вокалистом, автором песен и музыки.
В 1991 году в России выпустили диск «Проба пера» — он разошёлся тиражом более 200 тысяч экземпляров. В том же 1991 году группа выступила на фестивале Monsters of Rock на Тушинском поле вместе с AC/DC, Metallica и Pantera. Всего при жизни Сагадеева вышло 7 альбомов группы. Последним прижизненным стал «Подъём!» (2005), посмертный — «Чёрная Гвардия» (2013).
Похоронен на Красногорском кладбище по мусульманским традициям 6 июня 2009 года, рядом с матерью.
2 июня 2009 года его тело обнаружили в квартире на юго-западе Москвы. По официальной версии — самоубийство (музыкант повесился на кабельном шнуре, прикреплённом к дверной ручке). Однако родные и друзья склонялись к другой версии — об убийстве (на теле нашли следы борьбы: царапины, гематомы, отбитые почки).
20. Евгений Маргулис (25.12.1955, Москва)
В детстве пытался учиться играть на скрипке, но не получилось — инструмент даже выбросили в окно. Позже его вдохновили Владимир Трошин, Чабби Чекер, Александр Галич и The Beatles. Во дворе играл на гитаре блатные песни. В 15 лет решил связать жизнь с медициной, поступил в институт, но в итоге оставил учёбу ради музыки.
В 1975 году, в 19 лет, присоединился к группе «Машина времени» (заменил Алексея Романова). В 1979 году ушёл вместе с барабанщиком Сергеем Кавагоэ — так появилось «Воскресение». Позже играл в «Араксе», создал собственный проект «Наутилус» (не путать с группой Бутусова) и участвовал в «Аэробусе» (аккомпанировал Юрию Антонову). В 1988 году запустил сольный проект «Шанхай» в полубардовском стиле. В 1990 году ненадолго вернулся в «Машину времени», но вскоре снова ушёл к «Воскресению».
В конце 90-х окончательно сосредоточился на сольной карьере. Выпустил альбомы «7 + 1» (1998), «Евгений Маргулис» (2001), «Best» (2002), «45 лет» (концертный, 2004) и другие. Среди известных песен — «Мой друг лучше всех играет блюз», «Когда ты уйдёшь», «Таня — дура!», «Шанхай блюз». Также писал саундтреки к фильмам («Поцелуи падших ангелов», «Стерва для чемпиона»). Участвовал в рок-опере «Иисус Христос — суперзвезда» (роль Ирода). В 2018 году совместно с Алексеем Романовым основал «Группу выходного дня».
Пы.Сы. Бонусом, группа "Вепри суицида"!!! Есть даже сочиненная информация, что у них выходил целый альбом под названием "Стальная Сука". И все это звучит невероятно мощно, особенно для ребят с макияжем Любовь Михайловны из бухгалтерии.
Группа на фото реальна и она из белорусского города Бреста. Только нет никаких "Вепрей Суицида", а существовал коллектив с достаточно адекватным название для хард-рок коллектива. Встречаем: Группа "Удар" (1987 -1990)
По составу: Роберт Буров - вокал, бас Юрий Колычев, гитара Слава Стрижак, барабаны Гена Люлькевич, гитара Валера Сучёк, гитара, Анатолий Свирский - звукорежиссер
И выпустили они действительно только один альбом, но тоже под иным названием - "Не Убей":
Откуда пошла легенда про Вепрей сейчас уже вряд ли можно узнать... Но!
«Вепри суицида» («Вепри суицыда» в титрах) — экспериментальный фильм режиссера Евгения Юфита, снятый в 1988 году.
Фильм состоит из двух сюжетов, разделенных кадрами документальной хроники с летящими самолетами и физкультурным парадом. В первом сюжете главный герой добровольно подвергается обливанию кипятком, во втором — происходит убийство с помощью предмета, напоминающего трезубец. Работа носит антимилитаристический характер.
Может это как-то связано. А может и нет...
Показать полностью
43