Тарантино снимает стильное кино. В этот раз он снял кино про стиль.
Когда ты включаешь такого Тарантино, ты попадаешь в кинотеатр, которого больше нет. Шершавый экран, потертые цвета, обрезанные кадры, будто кто-то монтировал на коленке во время курсов по панк-режиссуре. И где-то на заднем ряду сам Квентин. Пьёт пиво, пялится на женские ноги и хихикает от собственной наглости.
«Доказательство смерти» — это не совсем кино в тарантиновском стиле. Это и есть его стиль. Чистый и кристаллизированный. Тарантино здесь как счастливый ребёнок, который дорвался до монтажки. Он выкидывает сцены, дублирует трюки как Джеки Чан, разрушает четвёртую стену и делает кино, которое тебе не должно быть удобно смотреть. Но, если честно, удобно просто скучно. Ведь перед тобой киноприкол. Постирония уровня «я знаю, что вы знаете, что я делаю это специально». И если ты в этот вайб попал, то получишь удовольствие с первых минут. Если нет, сорян, быстро заскучаешь.
Но! Есть важное но. За этим флёром балагана, стилизации и голых пяток кроется кое-что другое. Структура и искренний посыл. Фильм буквально делится на две половины. Первая, как плохой сон. Девушки из нулевых в объективе 70-х, которых ты не знаешь, но которых жалко. Маньяк, который сначала кажется забавным, а потом страшным. Всё кончается трагедией не в пользу первых.
Вторая часть — пробуждение и деконструкция. Там снова девушки, но другие. Они не жертвы. У них есть юмор, характер и (что важно) оружие и умение делать ментовский разворот. И когда эти женщины за рулём, становится ясно: да, теперь кино не про него и не про страх. Это кино про разрушение шаблона. Фундаментального шаблона «мужское зло против красоток».
Это фильм о том, как меняется оптика. О том, как стиль может быть оружием. О том, как один и тот же сюжет разворачивается иначе, если у женских персонажей не просто блестят губы, но и сжаты челюсти. Ведь все мужчины здесь либо хотят женщин, либо хотят убить их, либо настолько ленивы и глупы, что помочь не могут.
И вот ты смотришь финальную сцену. Две машины, каскадёрша на капоте, боевой танец победы. И думаешь: «А ведь он сделал это кино не только для себя». Он сделал его для нас. Для тех, кто любит, когда режиссёр балуется, но говорит о важном: женственном и сильном. Кто понимает, что за каждым кадром не только стиль, но и душа. И если душа Тарантино правда выглядит вот так — изношенной, полной сильных женщин и машин без тормозов, то, будем честны, это чертовски трогательно.
8 из 10.
За идеально неидельное кино, в которое кто-то по-настоящему влюблён. И в данном случае этим влюблённым оказался Квентин Тарантино.
Давайте честно: Тарантино — это уже давно не просто режиссер. Это целый стиль жизни, особый “кинороман” на миллион фанатов по всему миру. Такой себе свой парень из Лос-Анджелеса — любит старые фильмы, тащит винил, может зацепиться за мечту и сделать из неё свою реальность.
Казалось бы — “какая разница”, сколько таких людей ещё ходит по улицам? Но вот парадокс... Проходит 30 лет, а мы до сих пор смотрим его фильмы на перемотке, цитируем диалоги и под саундтрек из "Мисирлу" вспоминаем первую любовь и свои двадцать лет.
Квентин Тарантино
Почему же именно Квентин завладел сердцами миллионов? Как его дерзкий стиль, странные герои и нелинейные истории стали нашими любимыми “вечными” фильмами?
Устраивайтесь поудобнее — сейчас всё разложу по полочкам 😉 Обещаю: будет интересно, немного забавно, ну и без спойлеров — куда ж без них при обсуждении Тарантино.
🎬 Первая волна: “Бешеные псы” и “Криминальное чтиво”
Начнём с нуля. Год — 1992, весь Голливуд живёт по законам блокбастеров и экшенов. И тут, БАМ! — “Бешеные псы”: бюджет крошечный, актеры неизвестные... Зато накал страстей, диалоги на грани нерва, а сцены настолько жёсткие, что народ чуть ли не из кинотеатров выбегал.
Бешеные псы
Многие до сих пор думают:
а что там такого особенного было?
Но дело не только в крови и перестрелках, а в умении Тарантино говорить “о простом” так захватывающе, как будто на кону стоит жизнь всей планеты.
Через пару лет выходит “Криминальное чтиво” — это уже не просто шок, а перепрошивка всего мирового кино 😲
Вспомните сцену с уколом адреналина — кажется, дышишь синхронно с экраном! Каждый диалог — настоящая мини-пьеса, где детали работают лучше любого спецэффекта. Харизма героев, нелепые и одновременно гениальные разговоры про чизбургеры — всё это мы до сих пор вспоминаем и обсуждаем везде: дома, на кухне, в маршрутке.
Криминальное чтиво
Вот так с двух фильмов Тарантино сразу заявил:
“Я буду делать, как хочу. Смотрите, запоминайте!”
И мы запомнили.
🎞 Мудрость и стиль: “Джеки Браун” и “Убить Билла”
Потом наступил более спокойный, если это вообще возможно, период. “Джеки Браун” — фильм для ценителей и перфекционистов. Темп неспешный, персонажи сложные. Здесь уже нет такой прямолинейной жести, зато есть эмоции, почти бытовые диалоги и свежий взгляд на то, как можно рассказать про любовь, измену и второе дыхание в жизни.
Но главное — героиня Джеки Браун. “Старая школа”, которая даёт сто очков вперёд молодым качкам из боевиков!
Джеки Браун
А вот “Убить Билла” — это другая крайность. Тут режиссёр устраивает настоящее комбо из восточных боевиков, комиксов и кровавых разборок. Прямо фейерверк экшена! Главная героиня — Ума Турман — сама по себе стала иконой. “Не мешайте маме мстить!” — кажется, это лозунг каждого, кому кто-то испортил жизнь 😁
“Убить Билла” — именно тот фильм, где каждый эпизод — отдельный короткометражный шедевр, чтоб разбирать на цитаты и пересматривать с друзьями.
🌀 Жанровое безумие и новая история: “Джанго”, “Бесславные ублюдки” и “Однажды в… Голливуде”
Дальше — круче. Тут Тарантино уже не просто режиссёр, а прям полноценный “именитый балагур” и историк. “Бесславные ублюдки” — “давайте представим, что у нацистов всё пошло совсем не так”.
Убить Билла
Историки в шоке, а зрители хлопают стоя! А как же иначе? Весь зал переживает, когда герои зачитывают манифест мести…
“Джанго освобожденный” — новый взгляд на вестерн, только теперь в центре — парень, которого при других режиссёрах и на порог бы не пустили. Но Тарантино умеет ставить всё с ног на голову: и тут уже бывший раб “делает” больших злодеев на раз-два, да ещё с острым юмором!
А “Однажды в… Голливуде” — просто любовь с первого взгляда для всех, кто обожает атмосферу старого Лос-Анджелеса, хот-доги, машины, рекламу на радио, кино и... капельку грусти. ДиКаприо и Питт — как два брата, которых мы встречаем в конце долгого дня. С самого начала кажется: вновь будет трагедия.
джанго освобожденный
Но нет! Тарантино смело переписывает историю — и все на экране уходят в закат с улыбкой.
👀 Пьесы на экране: “Омерзительная восьмерка” и “Доказательство смерти”
Ближе к финалу своего “десятилетнего марафона” Квентин вдруг берёт и снимает почти театральные вещи. “Омерзительная восьмерка” — весь фильм почти в одной комнате! Но эти диалоги, взгляды, напряжение… Сидишь, потеешь от тревоги, будто сам отвечаешь на те же вопросы, что герои за столом.
Бесславные ублюдки
Саундтрек от Морриконе — тоже отдельная история. Каждая нота будто крутит винтик вашего внутреннего напряжения. Уже не знаешь, кто опаснее — музыка или эти персонажи!
“Доказательство смерти” — вообще чистая отсылка к трэш-кино, где девушки побеждают даже самых опасных злодеев. Смотрится на одном дыхании, и ты понимаешь: стиль Тарантино не подражаем.
🌟 “Однажды в… Голливуде”: итог и начало?
И вот — КУЛЬМИНАЦИЯ! “Однажды в… Голливуде” — не просто взгляд на уходящую эпоху, это большая заявка: кино для себя, про себя, ради себя. Атмосфера? Стильно! Герои? Супер! Ностальгия? Через край!
Однажды в… Голливуде
А финальная развязка дает нам надежду: где-то там, далеко, плохие парни всё-таки получат по заслугам, а доброта и искусство спасут мир.
Здесь Тарантино словно подводит итог — но, согласитесь, есть ощущение, что это не конец… Может, наоборот, начало чего-то нового?
💡 В чём же весь секрет Тарантино?
Всё просто, друзья: — ОЧЕНЬ крутые диалоги, — Легендарные саундтреки, — Необычные жанровые миксы, — Герои, в которых узнаёшь себя (или не себя — но очень хочется быть похожим!), — И главное: неожиданный, свой, честный взгляд на мир.
Омерзительная восьмерка
Тарантино не просто снимает кино. Он делится эмоциями, переживаниями, как старый друг на кухне за крепким чаем в полночь. Он не боится ломать правила, а нам даёт почувствовать себя настоящими “героями большого экрана”.
Делитесь в комментариях, какой из фильмов у вас любимый?
Для начала стоит уточнить для кого данный текст. Все мы смотрим кино, все мы думаем, что разбираемся в кино и все мы думаем, что видели одну и ту же картину. Но на самом деле нет. Как минимум из-за такого явления как дубляж.
Ведь действительно, люди, которые смотрят фильмы в дубляже, искренне верят, что видели тот же фильм, что и режиссёр на финальном монтаже. Чёрт возьми, какое же это сильнейшее заблуждение.
Сравните две интерпретации одной и той же сцены.
Оригинал показывает зрителю барьер в коммуникации между разными людьми помимо их социального статуса:
- И ты должна знать русский, правильно?
- Нет, я не говорю по-русски, но знаю русский.
- В смысле?
- Я могу говорить по-русски, но предпочитаю этого не делать. Но ты можешь говорить по-русски. [Бьет пальцем у виска/у уха] Я пойму.
Тем временем дубляже это превратилось в плоскую чепуху из фильмов Сарика Андреасяна, где тёлка клеит папика, вешая ему лапшу на уши:
- И тебе типа просто в кайф со мной общаться?
- Ага, такие как ты мне очень нравятся.
- О чем ты?
- Мне нравятся красивые и амбициозные парни, и ты один из них. [Бьет пальцем у виска/у уха] Я сразу поняла.
В рунете фильм повсюду клеймят позорищем, но вот где на самом деле позорище. Что работа дубляжистов, что зрителей, не способных выявить подмены, но открыто бравирующих своё мнение после просмотра какой-то несвязной чепухи в дилетантском переводе.
Яркой аналогией можно привести песню Тату, которая является ключевым эмоциональным якорем душевных терзаний главной героини.
Известная ещё с молодости песня сразу начинается с агонии:
Тем временем продюсеры, увидев потенциал песни, решили выпустить её на всю планету, поэтому подготовили версию на английском, только смысл получился уже другой:
All the things she said | Все, о чем она говорила Running through my head | Крутится у меня в голове
All the things she said | Все, о чем она говорила
Running through my head | Крутится у меня в голове
All the things she said | Крутится у меня в голове
История вроде та же, но будем честны, накал страстей в русской версии сильнее, а кавайные корейские девочки, фанатеющие от Тату даже не в курсе, что там у девочки в буквальном смысле слова крыша едет в нервном срыве с первых же секунд песни. Кстати, в 2023 году Billboard включил песню в список 500 лучших поп-песен за историю поп-музыки. "All the things she said" заняла 423 место.
Так для кого данный текст?
Для тех, кто смотрел "Анору" в оригинале и солидарен с мнением автора, что фильм не так однозначен, как его хают в рунете.
Для тех, кто солидарен с мнением автора и иногда приходится объяснять, почему фильм достоин внимания.
Соответственно для тех, кого попросили ознакомиться с материалом данной статьи в ходе холивара.
Ну и если вы готовы перейти чуточку дальше от стереотипного мнения толпы про заговоры и открыты к новому.
Будем честны, картина получилась прямо как квадрат Малевича — настолько резко поделилась аудитория на восторженную и резко негативную. Мы не будем обсуждать все аспекты фильма, актёров, историю, только сценарий (да, история и сценарий — две совершенно разные вещи).
В чем же новшество сценарной работы Аноры?
Фильм берёт максимально живой подачей и её главная фишка, что в течение просмотра она выглядит поверхностным лёгким фильмом, но именно концовка обрушивает всю глубину истории, пробивает эмоциональное дно, которого так не хватает в течение всего фильма и этот контраст хронометража между двухчасовой комедией и мгновенной драмой в конце вынуждает мозг восстановить пропорциональный баланс драмы и комедии и пересмотреть всю историю заново уже с нового ракурса. А там фрактально открываются миллионы тем:
Отцы и дети. "С понедельника пойдёшь на работу" — говорит отчаянно отец Вани, сам не зная как сделать из избалованного долбоёба человека.
Тяжёлая судьба Аноры, которую в 90-ые будучи ещё в детстве перевезли в другую страну, где ни образования, ни культуры не смогли привить родители и она нашла хоть какой-то способ выжить в этом мире.
Капризный характер, который формирует гипер-материнская любовь у ребёнка, который тоже в каком-то смысле, как и Анора, жертва окружения и обстоятельств.
Где больше любви и душевной близости — в бесконечных потрахушках с Ваней в трипах или искренним, но нищим Игорем, отражающим жизнь, от которой она бежит.
Этика и культура жизни секс-работниц и прочих уязвимых слоёв населения, которых за людей и не держат, но они часть нашего общества и они среди нас.
Сколько мы готовы заниматься самообманом, чтобы добиться цели любой ценой, хотя изначально здравый смысл подсказывал, что всё это фарс.
Один из главных вопросов фильма, который поднимается в последнюю минуту: героиня правда жертва обстоятельств или она сама привела себя к этой жизни?
И таких тем полно в фильме, они стары как мир, но обычно их рассказывают так душно, что уже через 40 минут просмотра зритель теряет драйв и интерес. А тут 2 часа динамики (не зря Оскар за монтаж) и неординарной режиссуры, когда вместо банальных эмоциональных качелей большинства режиссеров (весело-грустно-быстро-медленно) история стремительно двигается вперёд ни на секунду ни грузя зрителя и лишь последние 5 минут переворачивают эмоциональное восприятие картины с ног на голову и всё это предельно органично вплетено в историю без выкрутасов с нелинейным повествованием и попыткой запутать зрителя, чтобы удержать его ещё пару минут у экрана.
— Вот раньше Оскар за сценарий давали за Форреста Гампа, вот это кино
Ну да, и с тех пор ничего лучше не придумали в плане повествования. Тупо шатаем эмоции в течение фильма, чтобы зритель как-то досмотрел до конца. Вспомните структуру повествования ваших любимых фильмов. Все они сделаны по шаблону трёхактной структуры:
Даже великий маэстро сценариев Тарантино признаётся, что напряжение долго тянуть не получается, так как в какой-то момент зритель просто перегорает. Его максимум — это 20 минут.
А тут ни с того ни с сего режиссёр, сценарист и монтажёр "Аноры" Шон Бейкер бросает вызов всем киношникам мира и тянет резинку саспенса все 2 часа хронометража и рвёт её лишь в последнюю минуту фильма.
Чувак просто поделил на ноль многовековые каноны сценарного мастерства.
И это удивительным образом работает. Не в последнюю очередь благодаря мультиязычности фильма, чего, конечно, зритель не может почувствовать в дубляже. Тот же Тарантино освоил этот приём в "Бесславных ублюдках", где герои говорят на Английском, Немецком, Французском и Итальянском. Но его таланта хватило только на 20 минут саспенса. У Шона Бейкера же удалось передать одну большую историю одним залпом.
Однозначно сценарно открыт новый уровень: как сделать из комедии сильную драму всего за минуту до окончания фильма. Это безусловное новшество в киноязыке, до которого ещё никто не смог приблизиться. И опять же, поразительно насколько эффектно это работает. Настолько, что все коллеги по киноиндустрии и критики удивились: на какое огромное эмоциональное дно можно бросить зрителя, если беспрерывно накапливать в нём саспенс 2 часа, чего никому до этого не удавалось.
И самое главное — в конце концов это история простых людей, коих миллиарды и о которых часто забывает кинематограф: все мы живём в тех или иных иллюзиях, вопрос лишь в том, как мы переживём момент, когда с нас снимут розовые очки.
И Юра, конечно, великолепен — в самой ответственной сцене передать волнение и симпатию в немой тишине одной лишь дрожью в мимике и глазах — это и есть талант, о котором говорил Роберт Дауни Младший со сцены при вручении Оскара.
Анора — это фильм не о русских, это фильм о стереотипах. Они вокруг нас, они в нас, они формируются хаотично каждый день и нужно приложить достаточно усилий, чтобы выбраться из клетки собственных предубеждений.
Спасибо за внимание. Смотрите фильмы на языке, на котором они сняты.
«Омерзительная восьмёрка» отличается продолжительностью, одной локацией и акцентом на диалогах. Несмотря на сходство с «Бешеными псами», где также ограниченное количество персонажей в замкнутом пространстве, этот фильм длится почти три часа. Фильм вдохновлён классическими вестернами, в частности «Великое молчание» (1968), а также научно-фантастическим хоррором Джона Карпентера. Даже присутствие Курта Рассела создаёт параллели между фильмами. Саундтрек, финал и атмосфера замыкают «Восьмёрку» в рамках стиля Тарантино.
События разворачиваются в 1870-х годах в горах Вайоминга после Гражданской войны. Восемь незнакомцев, объединённых ненавистью, оказываются в отдалённой хижине. Это охотники за головами, преступники, бывшие военные и авантюристы. Их характеры полны жестокости и аморальности, а их взаимодействие — это взрывоопасная смесь подозрений, ненависти и интриг. Главным катализатором событий становится Дэйзи, которую сопровождает Джон Рут (Курт Рассел). Она – мазохистка, преступница, не вызывающая сочувствия, но являющаяся ключевым персонажем истории. Жестокое обращение с ней удивляет даже фанатов Тарантино. В целом, в «Восьмёрке» нет положительных персонажей, а ненависть героев существует без оправданий.
Фильм наполнен диалогами на темы расизма, политики, военных конфликтов и мизогинии. Напряжение нарастает постепенно, дополняясь неожиданными сюжетными поворотами и сценами жестокости. Иронично, что до финала доживают Дэйзи и Уоррен – персонажи, которых общество маргинализировало. Они становятся «союзниками» в борьбе против остальных.
Тарантино использует традиционные приёмы: нелинейный сюжет, деление на главы, постепенное раскрытие мотиваций героев. Первое убийство происходит только через полтора часа – необычно для режиссёра. Однако напряжение и интрига растут, что компенсирует медленный темп.
Аутентичность фильма подчёркивает использование 70-мм плёнки – формата, который почти не применялся с 1960-х. Это создаёт широкоформатный кинематографический эффект с детализированными зимними пейзажами. Съёмки проходили в искусственно охлаждённых условиях для поддержания атмосферности.
Как и в других фильмах Тарантино, здесь есть повторяющиеся детали. Например, постоянное прибивание дверей гвоздями стало комическим элементом, объединяющим героев. Еда также играет важную роль: вторая смерть в фильме вызвана отравленным кофе. В хижине уделено много внимания деталям интерьера, а сцена, где Курт Рассел разбивает гитару, стала неожиданным моментом, поскольку инструмент оказался подлинным музейным экспонатом.
Тарантино остаётся верен своим фирменным приёмам – оставляет тайны для интерпретаций. Как и загадочный кейс в «Криминальном чтиве», здесь есть письмо от Линкольна, подлинность которого остаётся под вопросом до самого финала.
«Омерзительная восьмёрка» – это кровавый вестерн, пропитанный нигилизмом и чёрным юмором. Это не просто история о группе людей в снежной ловушке – это кинематографическая игра, где говорят, убивают и снова говорят.
Кого бы вы назвали самым известными режиссером в мире! Стивен Спилберг, Джеймс Кэмерон — да, это были бы разумные версии. Но есть ли среди вас те, кто является личным фанатом одного из них? Наверное, не очень много. На двоих они сняли около сотни фильмов, и вы точно видели многие из них, но можете ли вы назвать черту, по которой можно понять, что фильм снял тот или другой? Их фильмы не так-то просто узнать, потому что они не имеют ярко выраженного стиля. И это не плохо, у них выходят классные блокбастеры, даже здорово, что все их фильмы не похожи друг на друга. Но сегодня мы поговорим о тех, чьи картины полюбили за ярко выраженный стиль. Фильмы этих режиссеров зачастую можно узнать по одному кадру или прочитав синопсис.
Алехандро Иньярриту
Если вам кажется, что фильм забыли смонтировать, возможно, вы смотрите одну из картин Алехандро Иньярриту. Затяжные планы без склеек — одна из ярких фирменных черт режиссера. Сильнее всего этот прием выделяется в «Бердмане». Почти весь фильм выглядит так, будто снят одним сплошным кадром. Когда фильм вышел на экраны, эту отличительную особенность, кажется, обсуждали даже больше самого сюжета.
к/ф "Бердман"
(Если по скриншотам вам сложно понять о сем речь, можете посмотреть ютуб версию этого поста с видео примерами по ссылке)
Еще один яркий пример — фильм «Выживший». Камера сопровождает героя Ди Каприо через эпические сцены, создавая эффект присутствия.
к/ф "Выживший"
Если в «Бердмане» и «Выжившем» мы фактически ни на минуту не оставляем главных героев, то в других картинах выделяется противоположная яркая особенность его стиля — нелинейное повествование и сложная структура сюжета. В фильме «Вавилон» сюжет разделен на несколько параллельных историй, связанных культурными и языковыми барьерами. А «21 грамм» показывает, как случайная трагедия объединяет незнакомцев и раскрывает их истории через прыжки во времени.
Все это позволяет Иньярриту исследовать, как одна мелочь может изменить целую цепочку событий и судьбы людей.
Ларс фон Триер
Какой странный фильм! Если у вас возникло такое ощущение, в половине случаев вы, скорее всего, включили очередной шедевр Ларса фон Триера.
к/ф "Медея"
Создатель движения «Догма 95», которое пропагандировало аскетизм в кинопроизводстве, многие свои картины снимал с использованием ручной камеры и естественного света. В «Догвилле» его эксперименты с формой дошли до того, что декорации и вовсе были, как в театре, нарисованы мелом на полу.
к/ф "Догвилль"
Добавьте сюда специфический выбор тем — вроде психических расстройств, сексуальной зависимости или жестокости. И все это будет показано с гиперреалистичной натуралистичностью, на грани с документалистикой.
От осознания того, что некоторые сюжеты отражают нестабильное эмоциональное состояние режиссера, и вовсе становится жутковато. Вы вряд ли увидите хэппи-энд или получите ответы на свои вопросы, потому что таков шокирующий, провокационный стиль Ларса фон Триера.
Даррен Аронофски
Рядом с ним в нашей подборке расположился еще один мастер тяжелого, но более философского кино — Даррен Аронофски. Его герои всегда одержимы: наркотиками, успехом, совершенством.
к/ф "Черный лебедь"
Зачастую прослеживаются библейские мотивы, но наиболее узнаваемые детали — это съемочные и монтажные приемы. Самый известный из них — клиповый монтаж, когда крупные планы очень быстро меняют друг друга, и все это сопровождается яркими аудиоакцентами.
к/ф "Реквием по мечте"
Режиссер вообще крайне много внимания уделяет звуковому сопровождению фильма, помогая зрителю войти в необходимое состояние. Это касается как саунд-дизайна, так и фоновой музыки. Признанием его стараний можно считать невероятную популярность главной темы из «Реквиема по мечте».
Другая визитная карточка Аронофски — Snorricam. Это техническое устройство позволяет закрепить камеру на теле актера и зафиксировать в кадре его лицо, как бы погружаясь в его внутренний мир.
к/ф "Пи"
Аронофски вообще часто дает зрителю понаблюдать за героями под необычным углом. Еще один его излюбленный прием — «глаз бога», когда мы смотрим на героев с экстремально верхнего ракурса. Это создает ощущение уязвимости персонажей и предрешенности их судьбы.
к/ф "Фонтан"
Альфонсо Куарон
Если Иньярриту использует затяжные планы для слежения за главным героем, то его соотечественник Альфонсо Куарон, напротив, не привязывает взгляд камеры к кому-то из героев. Мы просто наблюдаем за пространством, в котором происходит некая жизнь. Длинные планы создают ощущение присутствия и не дают зрителю возможности оторваться от происходящего.
к/ф "Рома"
Время в его фильмах зачастую течет очень медленно, а герои разговаривают не красивыми репликами, а как обычные люди. Все это дает сильный эффект реальности происходящего.
к/ф "Париж, я люблю тебя"
Стоит отметить особенное внимание Куарона к цветокоррекции своих работ. Во многих случаях, лишь взглянув на тона, в которые окрашены первые кадры, вы можете предположить, какое эмоциональное настроение вас ожидает. Будь то холодный темно-синий космос с атмосферой изоляции и страха в «Гравитации» или чередование светлых и темных поворотов судьбы в «Роме».
к/ф "Графитация"
Возможно, все эти приемы чуть менее заметны в фильме про Гарри Поттера, но в его более авторских работах вы можете насладиться ими в полной мере.
Хаяо Миядзаки
В мире, и особенно в Японии, производят сотни анимационных фильмов в год, но вы точно не спутаете картины Хаяо Миядзаки ни с одной другой. Они выделяются как визуальным оформлением, так и содержанием.
а/ф "Ходячий замок"
Каждый кадр в фильмах Миядзаки наполнен деталями, которые делают мир живым и реальным. Фоны рисуются с огромной любовью — от деревенских пейзажей до фантастических миров. Обычные вещи (еда, одежда, бытовые предметы) проработаны с исключительной точностью, чтобы зритель мог почувствовать атмосферу мира.
а/ф "Ходячий замок"
В его вселенных обычные люди сожительствуют с мифическими персонажами, которые быстро перестают быть для них чем-то удивительным. В основе фильмов часто лежат проблемы экологии и взаимодействия человека с природой.
а/ф "Мой сосед Тоторо"
Его картины всегда наполнены гуманизмом и добрым юмором. Даже антигерои никогда не бывают однозначными злодеями, всегда имея мотивацию, вызывающую сочувствие. А еще Миядзаки обожает изображать всевозможные сцены полета — вероятно, символизирующие свободу.
Квентин Тарантино
Нетипично длинные диалоги давно стали главной ассоциацией с фильмами Квентина Тарантино. Крайне подробные, иногда абсурдные разговоры — от обсуждения любимых бургеров до моральных дилемм — помогают лучше раскрыть персонажей и создают неповторимую атмосферу.
к/ф "Криминальное Чтиво"
Также Тарантино часто любит разбивать свои фильмы на главы. Так он постепенно погружает зрителя во все необходимые контексты, плавно подводя к финалу.
Еще одна фишка, по которой легко узнать фильмы Тарантино, — особенный подход к сценам насилия. Массовые драки превращаются в хореографические спектакли, а отдельные убийства сопровождаются качественным черным юмором.
к/ф "Убить Билла"
Кристофер Нолан
Ничего не понятно, но очень интересно. Эта мемная фраза как нельзя лучше описывает фильмы Кристофера Нолана. В частности, это выражается в том, что Нолан использует крайне сложные структуры повествования и особенно любит играть с пространством времени.
к/ф "Мементо"
В «Помни» время идет задом наперед, в «Начале» несколько временных уровней существуют параллельно и идут с разной скоростью.
к/ф "Интерстеллар"
Примерно так же время работает в «Интерстелларе». Но про его фильмы мало что можно сказать наверняка. Они всегда оставляют пространство для различных интерпретаций, и открытые концовки, которые регулярно использует режиссер, не помогают найти ответы.
При этом главный создатель кино-головоломок наотрез отказывается пояснять свой изначальный замысел и в подвешенных вопросах видит ключевую ценность своих работ.
Гай Ричи
Гай Ричи выработал настолько узнаваемый стиль, что это фактически стало нарицательным выражением: «Сделаем это в стиле Гая Ричи».
к/ф "Карты, деньги, два ствола"
Британская криминальная эстетика, маленькие закоулки, бандиты и подпольные заведения — вот основа вселенной, в которой создаются его комедийные боевики.
Но проще всего узнать его фильмы по динамичному монтажу, игре с замедлениями и ускорениями, и, конечно, знаменитым стоп-кадрам, которые знакомят нас с персонажами.
к/ф "Роке-н-рольщик"
Тим Бертон
Одни из самых легко узнаваемых фильмов принадлежат Тиму Бертону. Потому что все они сняты в какой-то его собственной вселенной, сочетающей готику, сказочный мир и черный юмор.
к/ф "Дом странных детей мисс Перегрин"
Бертон обожает тёмные, мрачные миры с характерной готической архитектурой, где доминируют острые формы, загадочные тени и мрачные тона. Действие часто происходит в замках, на кладбищах, в тёмных лесах и необычных городских пейзажах.
к/ф "Сонная Лощина"
В визуальной стилистике преобладают контрастные цвета: чёрный, белый, красный, сине-зелёные тона, а в декорациях — неестественные, вытянутые формы и углы, как в мультфильмах.
Отдельно стоит выделить внешность главных героев: бледная кожа, большие выразительные глаза и уникальные костюмы, часто в чёрно-белой цветовой гамме с яркими акцентами.
к/ф "Битлджус Битлджус"
Его фильмы изображают мир, где сталкиваются странное и красивое, а аутсайдеры становятся главными героями. Бертон создал особую эстетическую нишу в кинематографе, черпая вдохновение из фильмов ужасов, комиксов и своего богатого воображения.
Уэс Андерсон
Работу Уэса Андерсона можно узнать, пожалуй, по любому кадру из любого фильма. Уэс Андерсон создал собственный уникальный стиль, основанный на симметрии кадра и насыщенных ярких цветовых палитрах.
к/ф "Французский вестник"
Если другие режиссеры во многом придают цветовое настроение кадру при помощи света и последующей цветокоррекции, то Андерсон буквально окрашивает все окружение, героев и предметы в необходимую палитру. В результате получаются удивительные миры на грани реальности и сказки.
к/ф "Отель Гранд Будапешт"
Кадры в фильмах Андерсона всегда идеально симметричны. Камера часто расположена по центру, а объекты и персонажи выстроены с математической точностью.
Он активно использует прямую перспективу, где линии декораций направляют взгляд зрителя к центру.
к/ф "Поезд на Дарджилинг. Отчаянные путешественники"
Камера всегда двигается предсказуемо и элегантно. При этом можно выделить несколько фирменных приемов: он любит долли-шоты, повороты на 90 или 180 градусов, а также замедления для акцентирования ключевых моментов.
Его стиль можно описать как «визуальную поэзию», где каждая деталь, от декораций до костюмов, продумана до мелочей, создавая ощущение кукольного театра.
В этом ролике вы увидите как студия "Кубик в кубе" и "Яскъер", которые также, как и Гоблин не стесняются использовать нецензурную лексику, справлялись с переводом легендарных и местами сложных для адаптации на русский язык фраз и выражений из этого фильма.
Содержание: 0:00 — Введение 0:09 — Отсылки 02:37 — Продолжение фильма 03:52 — Немного о сюжете сериала и о плюсах сериала 06:52 — СПОЙЛЕР 07:10 — Моё мнение
Момент, когда охотник за головами Маркуйс Уоррен не смог убить главную злодейку Дейзи Домергу в фильме "Омерзительная восьмерка"
Спустя много лет и множества просмотров прекрасного фильма "Омерзительная восьмерка" меня вдруг осенило почему майор Маркуйс не смог убить Домергу! Почему режиссер не дал этого сделать?
Но обо всем по порядку.
Являясь "типичным христианским моралистом", (что было мной подмечено еще в "Криминальном чтиве", а потом услышано от Дмитрия Быкова, известного публициста) Квентин Тарантино всегда наполняет свои фильмы смыслом и образами, которые выдвигают правду на первое место.
Этому режиссеру просто неинтересно снимать кино пустое, не несущее в себе морали. Если вы думаете иначе, то мне вас жаль. Не зря еще приехав в Москву, Тарантино не стал смотреть окрестности, а сразу поехал на могилу еще одного известного моралиста Бориса Пастернака.
Этому режиссеру есть о чем помолчать и поразмышлять, о том, о чем 99 процентов народонаселения даже и не думают, но тем не менее, он не оставляет попыток через "морковку", которым является зрелищное кино, заманить широкого зрителя в канву морали, философии и переосмысления жизни.
Фильм "Омерзительная восьмерка" 2015 года точно не стал исключением. Фильм наполнен смылами и образами куда больше, чем сама съемочная площадка, где он снимался. Действительно, фильм почти театральный. Все действо происходит в небольшой галантерее.
постер к фильму Омерзительная восьмерка.
По сюжету фильма Вешатель Джон Рут везёт преступницу Дейзи Домергу в Ред-Рок, чтоб совершить над ней правосудие и повесить. По дороге он встречает майора Маркуиса Уоррена и предполагаемого шерифа Криса Мэнникса. Все они оказываются в постоялом дворе, где Рут подозревает наличие сообщника Дейзи.
Если вы не смотрели фильм, то не читайте дальше из-за спойлеров.
Дейзи привязана к Руту цепями наручников, и поэтому Рут и Дейзи всегда вместе. Если отношение Рута к Дейзи сначала очень грубое - он бьет ее и затыкает, то далее их отношения становятся мягче, Рут вытирает ей лицо, кормит ее, даже дает поиграть на гитаре.
кадр из фильма.
По итогу Рута отравляют кофе.
Смысл следующий: Дейзи Домергу - само зло, сама преступность. Связь с ней, пусть и через цепи - все равно близость. Пусть Рут - является олицетворением закона, и он честно делает свою работу, но близость с преступностью отравляет твою сущность, что и произошло с Рутом. Именно отравление правосудия хотел показать Тарантино (среди прочего).
Охотник за головами Маркуйс (которого играет С. Джексон) не является олицетворением правосудия, и это хотел подчеркнуть режиссер. Охотники за головами скорее игроки, авантюристы, ими движет жажда денег, а не правосудия. Правосудие для них лишь хорошая база, прикрывающая тыл их любимой работы, но Рут (которого сыграл бесподобный Курт Рассел) является самим правосудием, поскольку именно повесить, то есть совершить, правосудие, для него важнее денег.
Кстати другие герои подмечали (естественно по задумке режиссера) этот факт - почему Рут просто не убьет свою заключенную и не получит деньги? Но ведь не в деньгах смысл! А в правосудии, без которого все катиться в хаос.
Все бандиты, поджидавшие героев в таверне, убившие ее хозяев, и мимикрировавшие под обычных мирных граждан, есть служители преступности. Они и по фильму связаны одной бандой с Домергу.
Их судьба мало волнует режиссера, поэтому режиссер Тарантино без проблем дает убить их самому Маркуйсу, но только не Домергу.
И тут мы подходим к смыслу: почему режиссер не дал убить Домергу Маркуйсу?
Потому что охотник за головами, не являющийся правосудием, не должен быть убийцей или судьей самой преступности. Эмоции, месть, страсть, злость не имеют права от Бога вершить суд. Простой охотник за головами, а вернее охотник за деньгами, не имеет высшей власти по христианскому пониманию Тарантино. Над преступностью должно вершить суд правосудие, вершить суд представитель или служитель правосудия, которым в итоге явился новоиспеченный шериф РедРока Мэникс. Он в итоге ее и повесил.
