Первоначально заложенный в VI веке до н. э., театр Диониса претерпел несколько дополнений и реконструкций, включая установку многоярусных каменных сидений, которые, как полагают, вмещали примерно
17 000 зрителей в IV веке до н. э. Сиденья в первом ряду представляли собой изысканные троны с резными ножками и подлокотниками; на каждом сиденье было написано имя зрителя, для которого они предназначались.
Искала медь, а нашла золото. Пожалуй, одна из лучших книг, среди прочитанного мной за год. Как по мне, несмотря на место и время действия, она останется актуальной на все времена. Потому что увы, войны никогда не кончаются. И всегда будут пленные, и потребность в мести. Но и сострадание, дружба и любовь к искусству, будут тоже. И это - утешает.
V век до нашей эры. Сиракузы. Идет Пелопонесская война, и сотни афинян после неудачного наступления на Сиракузы оказываются в плену. Их держат в карьере, они гибнут от голода,
жажды, болезней. Иногда, к ним приходят. Любопытные, или жаждущие мести. За мех с вином или несколько монет, спуститься в карьер может любой. И конечно, никто из охраны не станет разбирать, для чего. Ведь, фактически, эти люди, хоть ещё дышат и чувствуют - мертвы.
Два сиракузянина, безработные гончары Гелон и Лампон, решают поставить силами пленных афинян спектакль — “Медею"..
Знаете, сколько лет назад родился знаменитый древнегреческий комедиограф Аристофан? В этом году ему исполнилось бы 2470 лет (если бы Зевс даровал ему бессмертие). Кстати, почему никто не отмечает очередной его юбилей? Ведь он же гений, отец всей легкой литературы, которая сегодня так популярна.
Интересно, как бы он сейчас себя проявил? Наверняка легко бы заткнул за пояс весь “Камеди клаб”. Кучу нехитрых приемчиков для высмеивания оппонентов он сам и придумал.
Помните, например, этот классический троллинг Еврипида в “Лягушках”?
Еврипид – это явный антагонист Аристофана. Они были современниками, а значит, волей-неволей соперниками, хотя работали в абсолютно разных жанрах. Аристофан писал искрометные комедии, а Еврипид – совершенно надрывные драмы, переворачивающие всю душу. Оба страшно талантливые.
При этом Аристофан был моложе Еврипида лет на тридцать с лишним. И чувствовал себя, как и положено молодому поколению, этаким ниспровергателем авторитетов. А главным авторитетом на тот момент был именно Еврипид.
А почему не Софокл или Эсхил, спросите вы?
Что ж, Эсхил, конечно, был глыбой, но на тот момент он давно пребывал в Аиде. Аристофан его вообще не застал, так как родился уже после смерти Эсхила. Софокл был еще жив, он вообще прожил очень долго. Но он был очень стар. Когда родился Аристофан, ему уже перевалило за полвека.
К тому же, Софокл, в отличие от Еврипида, обладал очень легким и веселым характером, несмотря на то, что писал трагедии. В общем, Аристофан в нем антагониста совсем не видел.
Так что да, главным соперником был Еврипид. И вот Еврипид умирает. А спустя год Аристофан пишет комедию “Лягушки”, в которой вытаскивает его из царства мертвых. Его и Эсхила.
По сюжету бог Дионис, покровитель театра, спускается в Аид, потому что Афинам нужен трагик, а все великие трагики к тому моменту покинули мир живых. Он находит там Эсхила и Еврипида, после чего встает перед дилеммой – кого из них вернуть. Решить это должно состязание между обоими драматургами.
Это состязание великолепно описано в “Лягушках”. Оно полно разных подколок, оно содержит немало политизированных выпадов. А еще там есть сцена с бутылочкой.
Смысл в следующем. Эсхил заявляет, что в грош не ставит стихи Еврипида, поскольку в них везде можно влепить бутылочку. Еврипид, ничего не понимая, начинает произносить один пролог за другим, но каждый раз все действительно заканчивается бутылочкой.
Еврипид (читает)
«Египт, который, славясь многочадием,
С пятьюдесятью сыновьями корабли
Направил в Аргос…».Эсхил
Потерял бутылочку.
Дионис
При чем же здесь бутылочка? Не клеится!
Другой пролог начни нам! Поглядим еще!Еврипид (читает)
«Бог Дионис, который, тирс в руке подъяв
И шкурою покрывшись, в блеске факелов
У Дельфов пляшет…».Эсхил
Потерял бутылочку.
Дионис
Ой-ой, опять побиты мы бутылочкой.
Еврипид
Пустое дело! Я другой пролог прочту.
К нему уж не приклеится бутылочка.(Читает.)
«Не может смертный быть во всем удачливым:
Один, достойный, погибает в бедности,
Другой, негодный…»Эсхил
Потерял бутылочку.
Дионис
Эй, Еврипид!
Еврипид
Ну, что тебе?
Дионис
Беда идет. Опасною становится бутылочка.
Еврипид
Клянусь Деметрой, не боюсь ни чуточки.
Его обезоружу я немедленно.Дионис
Так начинай сначала, без бутылочки.
Еврипид
«Могучий Кадм, великий сын Агенора,
Сидон покинув…»Эсхил
Потерял бутылочку.
Дионис
Чудак, пусть он продаст тебе бутылочку,
Пока прологи в порох не истер твои.
Это называется – затроллил. Греки такого слова еще не знали, но суть явления от этого не меняется. Зрители просто покатывались со смеху. Особой изюминки добавляло то, что в слове “бутылочка” тогдашние греки четко улавливали фривольный подтекст. Речь тут скрытым образом шла еще и о мужской силе, которая все время терялась. Да, шутка грубоватая. Но мы вам не зря про “Камеди Клаб” напомнили. Сейчас точно такие же остроты тоже заходят на ура, зритель по большому счету не изменился.
В итоге пьеса “Лягушка” побила все рекорды популярности. На дионисийском празднике Ленеи, проводившемся в Афинах, именно она завоевала первое место.
Этично ли было писать и ставить такое практически сразу после смерти Еврипида? Трудно сказать, насколько современные нормы морали применимы пятому веку до нашей эры. Грекам, как видите, все вполне зашло.
Источник: Литинтерес (канал в ТГ, группа в ВК)
В 6 веке до нашей эры в Афинах начался греческий театр с постановки трагических пьес на религиозных фестивалях. Этот жанр вдохновил на создание Греческой комедии. Оба типа театра - греческие трагедия и комедия были чрезвычайно популярны, и их представления распространились по всему Средиземноморью, оказывая влияние на Эллинистический и Римский театры.
Произведения великих драматургов, таких как Софокл, Еврипид и Аристофан, сыграли ключевую роль в формировании основ современного театра. Архитектура Древнегреческого театра до сих пор вдохновляет дизайнеров и архитекторов современных театров.
Театр Греции, зарожденный в открытом театроне с превосходной акустикой, показывал свои представления с середины 5 века до нашей эры, и был открыт для мужчин (присутствие женщин оспаривается). Вход на спектакли был бесплатным. Сюжеты трагедий почти всегда черпали вдохновение из греческой мифологии, часто связанной с греческой религией. В результате серьезности темы, часто затрагивающей моральные дилеммы и трагические ситуации, насилие на сцене было запрещено, а смерть персонажей должна была быть услышана, но не видна.
В ранних трагедиях был только один актер, выступающий в маске, изображал богов. Возможно, это отсылка к религиозным обрядам, где священник мог играть ключевую роль. Впоследствии актеры часто выступали совместно хором, группой из 15 актеров, которые пели и танцевали, но не произносили реплик. Это нововведение приписывают Теспису около 520 года до н.э. (отсюда происходит слово "театральный"). Актеры также меняли костюмы на сцене, используя небольшой шатер за сценой, который позже стал монументальным фасадом, и таким образом разбивали представление на эпизоды. Это впоследствии превратилось в музыкальные перерывы. В конце концов, на сцене могло быть только три актера, но не более, чтобы поэты могли соревноваться на равных. Однако в спектакле могло быть столько неговорящих исполнителей, сколько нужно, чтобы создать более впечатляющее представление. Из-за ограниченного числа актеров каждый из них играл несколько ролей, что делало использование масок, костюмов, голоса и жестов крайне важным.
Одно из наиболее известных театральных соревнований проходил в рамках весеннего фестиваля Диониса Элевтерия, организованного в театре Диониса в Афинах. Этот фестиваль привлекал большое внимание, и архонт, влиятельный чиновник города, имел решающее слово в выборе пьес для конкурса и актеров для ролей. Он также финансировал постановку спектаклей, в то время как государство оплачивало гонорары поэту и ведущим актерам.
Каждый из отобранных поэтов представлял три трагедии и одну сатирическую пьесу, которая представляла собой короткую пародию на тему из мифологии с хором сатиров, диких последователей бога Диониса. Оценкой представлений занималась коллегия судей, а наградой для победителей такого конкурса, помимо почета и престижа, часто становился бронзовый треножник-котел. С 449 годом до н.э. были установлены призы и для ведущих актеров.
Драматурги, регулярно участвующие в этих конкурсах, стали известными личностями, среди них наиболее успешными были Эсхил (ок. 525 - ок. 456 гг. до н.э.), Софокл (ок. 496-406 гг. до н.э.) и Еврипид (ок. 484-407 гг. до н.э.). Эсхил известен своими инновациями, включая второго актера и большего числа диалогов в пьесе, а также созданием продолжений постановок. Софокл добавил в спектакли третьего актера и заботился о декорациях. Еврипид прославился своими остроумными диалогами, реализмом и способностью задавать сложные вопросы, заставляя зрителей размышлять над общими темами. Их пьесы стали популярны и широко издавались для массового чтения и изучения.
Вопросы о начале греческой комедии окутаны тайной доисторических эпох. Первые намеки на подобные выступления в греческом мире относятся к керамике, где в 6 веке до нашей эры изображения актеров, одетых в костюмы лошадей, сатиров и танцоров в вычурных нарядах, были обычным явлением. Другим ранним источником комедии являются поэмы Архилоха (7 век до н.э.) и Гиппонакта (6 век до н.э.), содержащие грубый и откровенный сексуальный юмор. Третьим источником, на который указывает Аристотель, являются фаллические песни, исполнявшиеся во время дионисийских празднеств.
Несмотря на различные инновации, комедийная пьеса придерживалась традиционной структуры. Первая часть представления, известная как "Парадос", начиналась с выхода на сцену Хора, состоящего из 24 исполнителей, которые исполняли несколько песен и танцевальных номеров. Их экстравагантные костюмы, предназначенные для впечатления публики, могли изображать все, начиная от гигантских пчел с огромными жалами и заканчивая рыцарями, верхом на человеке, который изображал лошадь. Во многих случаях сама пьеса получала название от Хора, например, "Осы" Аристофана.
Вторая фаза выступления представляла собой "агон", который часто включал остроумные словесные дуэли или дебаты между главными персонажами с фантастическими элементами сюжета и быстрыми сменами сцен, иногда с некоторой импровизацией. Третьей частью был "парабасис", когда Хор обращался непосредственно к зрителям и даже выражал мнение от имени поэта. Завершением комедийного спектакля был эпилог, когда Хор исполнял еще одну песню и танцевальный номер.
Как и в трагических пьесах, все роли исполнялись мужчинами, включая певцов и танцоров. Один актер и два других исполнителя играли все говорящие роли. Иногда допускался четвертый актер, но только если он не участвовал в развитии сюжета. Комедийные пьесы позволяли драматургам более прямо обращаться к современным событиям, чем формальный жанр трагедии.
Самыми известными комедийными драматургами были Аристофан (460-380 гг. до н.э.) и Менандр (ок. 342-291 гг. до н.э.), которые также побеждали на фестивалях, как и великие трагики. Их произведения часто критиковали политиков, философов и различных художников, некоторые из которых могли даже присутствовать на спектакле. Менандр также считается одним из отцов основателей Новой комедии (противопоставляемой Старой комедии), в которой было больше сюжетных поворотов, сюжетного напряжения и внимания к повседневным проблемам обычных людей.
Постоянное написание и постановка новых пьес продолжались и с формированием актерских гильдий в III веке до нашей эры, а также с возрастанием мобильности профессиональных трупп. Греческий театр продолжал распространяться по всему Средиземноморью. Театры становились обычным элементом городского ландшафта от Великой Греции до Малой Азии. В римском мире греческие пьесы переводились и имитировались на латыни. Этот жанр стал отправной точкой для новой формы искусства в 1 веке до нашей эры - пантомимы, которая черпала вдохновение в изложении и сюжете у греческой трагедии.
Театр прочно закрепился как популярная форма развлечения, и его влияние прослеживается до наших дней. Даже оригинальные пьесы 5 века до нашей эры продолжают удивлять современных театральных зрителей своим вечным рассмотрением универсальных тем. Эти произведения регулярно переиздаются по всему миру, иногда даже на оригинальных театральных сценах древней Греции, например, в Эпидавре.
Больше интересных фактов об истории на нашем Дзене!
Вы когда-нибудь задумывались о том, как собирают эти огромные декорации для Большого Театра?
Однажды я задался этим вопросом, потому что просто не понял, как их можно затащить в этот зал. Неужели каждый раз их собирают и разбирают на месте? Наверняка, это было бы большой морокой. К счастью, совсем недавно наша компания поставила покрасочную камеру для Большого театра, что позволило нам поподробнее узнать о том, как выглядит этот процесс. Сейчас и вам расскажем!
Когда мы смотрим на грандиозные постановки, мы редко задумываемся, насколько большая работа проделывается за кулисами театра. Тем не менее, команда, которая занимается подготовкой декораций, зачастую не меньше, чем та, что участвует в самой постановке. И работа этой команды не менее важна. Сейчас мы поподробнее поговорим о том, как выглядела и оформлялась сцена в разные эпохи театра. Начнем с Древней Греции.
Театр Диониса в Афинах в римское время
Центральным местом театра была орхестра — круглая площадка для выступлений артистов.
Позади орхестры находилось помещение для актеров, называемое скеной. С усложнением архитектуры греческих театров роль скены возрастала. К ней пристраивали параскении — специальные сооружения для улучшения акустики. Передняя часть скены служила для крепления декораций. На ней рисовали фасад античного храма для трагических постановок или жилой дом, если ставили комедию.
Актеры комедии носили яркие костюмы и маски, хор часто изображал животных. Одежды и декорации в комедийных постановках были нарочито нелепы, ведь каждая деталь должна вызывать смех.
С падением Римской империи и расцветом христианства лицедейство начнет порицаться. В течение Средневековья актеры объединялись в бродячие труппы, чтобы выступать на ярмарках и фестивалях. Тем временем в противовес язычникам церковь начинала развивать жанр литургической драмы. Так назывались службы, где посредством диалога представлялись сцены из священных писаний. С развитием жанра театр стал неторопливо возвращаться в общество.
Средневековый театр на "паперти". В 1210 литургические драмы изгнали из церкви, но не запретили. Поэтому драмы показывали на площадях.
Театр в прежнем виде вернулся в эпоху Ренессанса, как придворные постановки. В Италии переводят античные пьесы и пытаются в прежнем виде возродить амфитеатры.
В то же время в Англии в 1558 году Елизавета I приходит к власти и издает указ, согласно которому бродячие актеры теперь должны обязательно стать участниками труппы под покровительством знатных людей. Таким образом, театры "легализуют". В 1599 году строится театр "Глобус", где ставит постановки труппа Шекспира.
«Глобус» и остальные публичные театры выглядели как круглые или восьмигранные башни. Внутри была овальная площадка, на которой располагалась сцена на высоких подмостках.
Из этих подмосток в зависимости от сюжета появлялись привидения (вспоминаем Гамлета и дух его отца). Этот помост также подразумевал ад, куда попадали грешники. Сама сцена интерпретировалась, как земная жизнь, а балкончик над ней — небеса. Позади помоста располагались двери и лоджия. Они также использовались для мизансцен, например, когда Ромео приходит к балкону Джульетты. Еще одной особенностью общественных театров является отсутствие крыши. Актеры всегда выступали днем (примерно в 12-13 часов), потому что им требовалось естественное освещение.
Мизансцена в театре "Глобус". Декорации отсутствовали, поэтому место действия обозначали с помощью "титлов" - табличек с обозначением места.
В публичных театрах не было занавеса или кулис. В трагедиях Шекспира нередко кто-то умирал. Как убрать со сцены труп? Для этого драматург добавлял специальные реплики героев или действия, чтобы под таким предлогом унести «мертвого» персонажа со сцены.
Ближе к 19-20 веку театры выглядят примерно также, как и сегодня. Постановки, а, следовательно, и технологии, усложняются. Чтобы постановка удалась за сценой трудятся огромное количество людей: художники-модельеры, декораторы, костюмеры, реквизиторы, машинисты и т.д. Не стоит думать, что все это бесславная, механическая работа, в отличие от актера, танцовщика или оперного певца. Многие знаменитые художники в разное время занимались тем, что рисовали декорации для театра.
Например, Пабло Пикассо создал декорации к знаменитому балету «Треуголка». Кстати, хореографом балета был Леонид Мясин, бывший танцовщик Большого Театра, а на тот момент популярный на западе балетмейстер. Что интересно, в последствие балет так сильно повлиял на Пикассо в, что позже он в своем творчестве ушел от минимализма и увлекся театральностью. То есть не только знаменитый художник может повлиять на театр, но и наоборот, театр на художника.
Пикассо и Мясин
Также известным декоратором в свое время был Сальвадор Дали. Эта сфера так увлекла его, что в конце концов он занялся уже непосредственно созданием балетных постановок совместно с Леонидом Мясиным. Одну из постановок - "Вакханалия" - репетировали в Париже в самом начале Второй Мировой Войны. Эскизами костюмов занималась Коко Шанель. Коко спешила, но немцы на фронте, видимо, спешили сильнее.
Так выглядела "Вакханалия" Дали
Труппа, в итоге, выступала в костюмах Барбары (Варвары) Каринской, российской художницы костюмов, которая позже станет лауреатом премии "Оскар" за лучший дизайн костюмов к фильму "Жанна Д'арк".
На данный момент декорации для Большого театра делаются в действующих мастерских.
В одну из таких мастерских нам удалось попасть
Процесс изготовления декораций начинается с художника и режиссера. Именно они придумывают концепцию спектакля. Так получается эскиз. Это может быть, как компьютерный макет, так и уменьшенная натуральная копия будущих декораций. После материал передается художникам, конструкторам и технологам. Весь процесс производства делится на составляющие части. Здесь решается, как и из чего будут делаться декорации, создаются габаритные и конструктивные чертежи.
Затем начинается сам процесс изготовления. Для этого существуют несколько цехов: живописно-декорационный, слесарный, столярный и бутафорский. Это основные площадки. Также есть цех цифровой и 3д-печати.
Большинство декораций собираются из металла. После того, как металлические конструкции сварили, их отдают в бутафорских цех на техническую окраску. После окраски их отдают в столярный цех, где металло-каркасы обшивают фанерой либо сотовым поликарбонатом. Он широко используется, потому что у него маленький вес.
Так металло-каркасы выглядят при сборке, еще до обшивки
Потом все декорации возвращаются в бутафорский цех, где идет противопожарная обработка, оклейка тканями, шпаклевка, нанесение фактуры. В самом конце художники-бутафоры уже расписывают изделие в тот вид, в котором он будет существовать на сцене.
Параллельно с этим существует декорационный цех, который, как и 30 лет назад, традиционно занимается тем, что "пишет" мягкие декорации, классические задники.
Такое пробовали делать с помощью цифровой печати, с помощью принтеров. Но результат оказался не таким, каким хотелось бы. Поэтому живые художники без работы не остались.
Позже декорации прибывают в Большой театр, где ожидают своего момента на складах. Для этого од землей располагается еще шесть подземных этажей. Перед показом декорации на лифтах поднимаются прямо на сцену.
Кстати, мы спроектировали и поставили Большому Театру складную покрасочную камеру, с помощью которой красят конструкции для декораций! Подробнее о том, как декорации собирают и окрашивают, можно узнать в ролике о нашей поездке в мастерскую Большого Театра:
Античный театр возле города Таормин, которому больше двух тысяч лет с видом на дымящийся вулкан.
В Греческом театре соединились история, искусство и захватывающий природный вид. Этот театр - второй по величине на Сицилии, его диаметр 109 метров. Место было выбрано гениально. Со зрительных рядов можно любоваться видами залива Наксос и вулкана Этна - это самая живописная точка Таормины. Однако современным видом театра мы обязаны скорее не грекам, а римлянам. Во время римского господства над Сицилией театральные постановки пришли в упадок и их заменили более жесткие зрелища. Судя по оснащению театра, в Таормине главной темой стали гладиаторские бои против диких животных. Первые ряды театра были снесены, чтобы расширить арену. Орхестра была обнесена кирпичной стеной, чтобы защитить зрителей от диких животных. На пике свое расцвета театр Таормины вмещал 10 000 зрителей.
Оцените спектр эмоций.
