В 1982 году Бонни Тайлер в письме подруге рассказала о своей работе в Нью-Йорке:

Сегодня я записала невероятную песню. Проблема в том, что она такая длинная и я не думаю, что кто-нибудь когда-нибудь будет ставить её на радио.

Речь шла о Total Eclipse of the Heart. Сомнения Бонни были напрасны: песня покорила чарты, а самое главное – тронула сердца слушателей. Глубокий кинематографичный трек стал одним из образцов музыкального искусства.

Как же создавался шедевр, превративший Бонни Тайлер из певицы одного хита в легенду и позволивший ей оставить свой след в истории музыки?

Всё началось весной 1977 года в одной больнице.

Часть I. Проклятие или дар?

Пациентка Гейнор Хопкинс, зарабатывающая на жизнь творчеством под псевдонимом Бонни Тайлер, после обследования узнала об утолщениях на её гортани – не самый приятный для вокалиста диагноз. Проблему удалось решить операцией, которая, кстати, прошла успешно. Однако для полноценного восстановления требовалось молчать полтора месяца!

Для молодой, активной и жизнерадостной девушки это было нестерпимо: вынужденное молчание сделало невыносимыми и работу и быт. Устав от такого изнурительного лечения она в один день закричала от отчаяния и сразу же пожалела. Снова больница, снова обследования и теперь врачи назначают полугодовую реабилитацию, а ещё сходятся во мнении, что голос молодой певицы безвозвратно повреждён: у девушки навсегда останется резкий хриплый голос.

Казалось, что мечты Бонни о мировой славе рухнули, её снова ждут маленькие сцены клубов и ресторанов, откуда она не так давно вырвалась. Однако менеджеры решили, что новый голос – это то, что выделяет Тайлер из бесконечного списка одинаковых вокалисток и не отвернулись от певицы.

«Один парень из металлической группы говорил: «Боже, Бонни, какая ты счастливая! Мне перед концертом приходится выкуривать пачку самых вонючих сигарет и полчаса орать, как идиот, стоя перед зеркалом, чтобы охрипнуть, а у тебя все само собой». Когда люди слышат меня в первый раз, они думают, что я сорвала его и концерты будут отменены, но это мое нормальное состояние». Бонни Тайлер

Уже в ноябре 1977 года Бонни вернулась к работе, записала трек It's a Heartache, который вывел её на международный уровень. Критики были благосклонны и хвалили трек, особо отмечая магию хриплого голоса.

Окрылённая успехом, она продолжала работать, но следующие два альбома оказались провальными во всех смыслах. Теперь её ждала чёрная полоса: на неё обрушился шквал критики и ей прочили судьбу артиста одного хита.

Часть II. Audentes fortuna juvat!

Быть исполнителем одного хита – тяжёлое испытание для музыканта. Кто-то пытается повторить успех и не предлагает слушателям ничего нового. Кто-то, наоборот, чрезмерно экспериментирует и не может найти себя. А кто-то готов смириться с клише и довольствуется тем, что имеет. Вырваться из этого замкнутого круга невероятно сложно, но, как известно, фортуна любит смелых.

Бонни решилась на перемены. В то время она увлекалась роком, заслушивалась песнями Мита Лоуфа и однажды заявила своему менеджеру Маффу Винвуду, что намерена стать рок-звездой и для этого ей нужен автор и композитор мирового уровня. По её мнению, это должен был быть Джим Стайнман – автор песен Мита Лоуфа и один из лучших сонграйтеров США. Мафф был, мягко говоря, в шоке от просьбы, ведь именно он отвечал за деловые контакты Бонни. У него была возможность выйти на Стайнмана, однако они вместе с Бонни не были ещё на том уровне, чтобы вести переговоры с продюсером такой величины. Мафф логично предположил: вероятность того, что Стайнман станет сотрудничать с певицей, у которой только что провалились два альбома – ничтожны, а подобная назойливость может повредить карьере Тайлер.

Но Бонни была готова рискнуть, ведь ей уже нечего было терять. После долгих уговоров Мафф отправил Стайнману её демо-записи, а вскоре получил ответ. Бонни и её команду Стайнман приглашал к себе в гости в Нью-Йорк. Такая возможность выпадает раз в жизни.

Яркая и харизматичная Бонни произвела неизгладимое впечатление на Стайнмана. Её рассказы о влиянии его песен на её жизнь растопили сердце одного из лучших сонграйтеров США и он подарил ей две своих песни. С этим материалом можно было работать и даже понемногу мечтать о возвращении на мировой уровень.

Стайнман в это время работал над вампирским мюзиклом «Носферату» и долгое время не мог завершить любовную песню. Под впечатлением от общения с Бонни он завершил трек меньше чем за неделю. Он изменил текст, убрал прямые отсылки на вампирскую тематику и превратил трек в рок-балладу. Песню он озаглавил Total Eclipse of the Heart – Полное затмение сердца.

И решил – это будет его подарок Бонни Тайлер.

«Эта песня о темноте, о силе тьмы, о месте любви в темноте. Это песня, вызов, которую не каждый может спеть. Я люблю песни, которые требуют много энергии. У меня мурашки шли по позвоночнику. Я не мог дождаться, когда же она её запишет и как это будет звучать». Джим Стайнман

Стайнман не находил себе места от волнения и при первой возможности пригласил Бонни с её менеджером к себе в студию. Напустив немного театральности, он позвал Рори Додда – бэк-вокалиста из группы Мита Лоуфа, который сел за рояль и впервые в истории полностью исполнил Total Eclipse of the Heart.

Бонни потеряла дар речи и единственное, что смогла произнести: «Неужели это для меня?!». Пять лет назад она чуть было не лишилась голоса, последние годы критики беспощадно громили её песни и альбомы, за спиной её называли неудачницей и уже навесили клеймо певицы одного хита. А здесь… один из лучших сонграйтеров мира пишет для неё шедевр. Бонни захлестнули эмоции.

Стайнман понимал, что медлить нельзя: первое впечатление пройдёт и трек будет идеально отполированным, а не живым и эмоциональным (привет, кстати, всем AI-музыкантам и тем, кто их защищает). Он настоял, чтобы к репетициям и записи приступили немедленно и предложил Рори Додду исполнить партию бэк-вокала. Сохранилось даже редкое видео того дня (Посмотрите: мне кажется, что Бонни Тайлер, при всём профессионализме и вовлечённости в работу, невероятно волнуется и не до конца осознаёт, что её мечта сбывается прямо здесь и сейчас).

«Хочу сказать, что я вложилась в песню на все сто - просто изливала своё сердце, исполняя её [...] Мы записали её на студии Power Station в Нью-Йорке. Последовательность работы была такая: сначала сделали базовый ритм-трек, это были девять дублей, после чего вместе выбрали лучший. Затем Джим добавил обработку на весь инструментальный трек [...]. Я записала вокал, сделав несколько дублей. Джим дал мне кассету для прослушивания, чтобы я могла в отеле в спокойной обстановке выбрать лучший. В результате мы оба предпочли дубль номер два». Бонни Тайлер

Так появилась Total Eclipse of the Heart. Почти 7 минут пронзительной драмы с необычной для рок-баллады структурой и голосом, придавшем песне предельную степень эмоциональности. Трек выпустили в следующем году на альбоме Faster Than the Speed of Night и отдельно синглом с сокращённым вариантом для радио.

В итоге 1983 год стал триумфом для Бонни Тайлер: Total Eclipse of the Heart получила международное признание и множество наград, а певица возглавила хит-парады по обе стороны Атлантики. Самое важное – она разорвала замкнутый круг и была уверена в будущем, ведь Джим Стайнман после этого сам предложил стать её продюсером.

Но они ещё не знали, что их история уже повторяется. Одним из первых кто услышал Total Eclipse of the Heart по радио был молодой американский сценарист Дин Питчфорд, который влюбился в песню и в голос Бонни и решил добиться того, чтобы она спела в его фильме. Он тоже верил в то, что audentes fortuna juvat! Думаю, вы уже догадались, что речь идёт про песню Holding Out for a Hero. История этой песни заслуживает отдельного лонгрида и о ней скоро выйдет отдельный пост.

А сейчас, когда вы узнали историю создания Total Eclipse of the Heart, предлагаю вам её найти на своём любимом стриминге и насладиться одной из самых красивых песен в истории.

P.S. Ещё больше постов на исторические и музыкальные тематики я публикую в своём телеграм-канале: https://t.me/eettubrut

Всегда рад новым подписчикам!

Всем добра и хорошей музыки!

Предыстория: Давеча, после НГ, сидели с товарищем в местном баре, культурно выпивали. Товарищ как и я, взрослый солидный дядька. Работает директором компании средней руки. Через час к нашей компании присоединился старый приятель моего друга. В молодости, на рубеже 90-х -2000х они вместе играли в какой то местной начинающей панк рок группе. Естественно под стакан текилы начались разговоры про студенческие приключения, тусы и рок концерты. Вспоминали как какой то незнакомый патлатый рокер учил нас в фойе ДК пить самогон, наливая его в целофанку от пачки сигарет, потому как стаканов не было, а пить из горла это моветон. Весьма полезный как оказалось впоследствии, навык при отсутствии посуды.

Вспомнили эти веселые времена когда мы были молоды, бесшабашны, не было супермаркетов, а алкоголь и сигареты продавали без правил, акцизов и лицензий, на каждом углу, на картонной коробке поставленной прямо на землю. Времена когда после 21-00 город пустел почти полностью и походил на брошенный жителями осколок постапокалипсиса. Наверное из-за того что обыватели подсознательно боялись темноты и ужасов на которые можно было нарваться, выйдя за угол соседнего дома.Но мы были молоды и несмотря на это видели ночь, гуляли всю ночь до утра. Потому как мама у нас была анархия а папа стакан портвейна. Чудили мы в то время конечно не по детски. Поэтому нам было что вспомнить под застольную беседу, без посторонних ушей. К счастью для нас, в те времена не было так же и интернета, соц сетей и цифровых снимков. Как и сотовой связи как таковой. Поэтому все наши недоразумения, трагедии, и прочие факапы остались только в нашей памяти. Без материальных носителей наших ошибок и подростковых глупостей.

Для меня музыкальная рок тема тема то же близка, и хоть я и не был участником музыкальных рок групп в которой состояли мои товарищи, но на местные концерты молодых групп панков, рокеров и металлистов хаживал, и естественно то же был в свое время фанатом не попсы и шансона, а различной рок музыки во всех ее ответвлениях.

В общем стали эти взрослые и солидные сейчас дяди с придыханием и прямо таки с божественным восторгом рассказывать что был у них в это время в их молодой панк рок группе советский синтезатор "Поливокс". И что это не просто синтезатор а прямо таки настоящая вундервяфля и трындец какой легендарный девайс, поиграть на котором это прямо таки даже круче чем на оригинальной скрипке Страдивари 17 века изготовления.

Да и вообще. Это настолько крутой прибор что на нем лабали многие западные группы того времени, при чем найти и купить его даже для них было высшим счастьем и большой удачей. Да и именно на нём, по их словам, сделана музыка к легендарной игре "Дум", на нем же играл клавишник "Раммштайн", а группа "Franz Ferdinand" записали на советском синтезаторе полноценный альбом. А так же именно на него создана куча клонов и уже западных аналогов с сохранением оригинального тяжелого и жесткого звука.

В общем это не просто синтезатор а легенда. Как Bugatti Veyron, только в мире музыки. Я как человек далекий от создания музыки и лабания на различных инструментах, эту инфу воспринял как какой то стеб, или дикую студенческую байку из времен когда даже простой видак был атрибутом роскоши, богачества и признаком элитарности. Так как разнообразия, как и денег в тот период не наблюдалось.

На следующий день решил прогуглить эту байку от моих знакомых. Это всё таки искажение молодости или действительно легендарный артефакт созданный еще при СССР?

Давайте разбираться. Где "Поливокс" на самом деле засветился в мировой музыке.

Концерт Мерлин Менсон и Раммштайн. На кадрах у клавишника видно советский синтезатор "Поливокс". Marilyn Manson & Rammstein - The Beautiful People (Echo 2012 - 22/03/2012)

Советский Поливокс в саундтреке к игре DOOM (2016)

Мик Гордон- "Он огромный, тяжелый, переусложненный и весит целую тонну..у него свой характер. Но мне нравится его звук, он звучит по настоящему".

Стоит отметить что за музыку к игре DOOM Гордон получил ряд наград, в том числе D.I.C.E. Awards в категории "Выдающиеся достижения в сочинении музыки", награду фестиваля SXSW Gaming Awards в категории «Превосходство в музыке», награду церемонии награждения The Game Awards, а также номинировался на Премию Британской Академии в области видеоигр в категории «Лучшая музыка».

Также его применяли при написании саундтрека к компьютерной игре Cyberpunk 2077, в создании музыкального сопровождения к которой принимали участие три композитора — поляки Марцин Пшибылович, П. Т. Адамчик и британец Пол Леонард-Морган.

Чтобы создать уникальную звуковую атмосферу Cyberpunk 2077, композиторы отошли от общепринятых стандартов и применили более экспериментальный подход, используя множество необычных инструментов для создания уникальных звуков, которые придают саундтреку неземную атмосферу. «То, что мы сделали, просто нелепо, — объясняет Леонард-Морган. — Такого раньше никто не делал. Мы сочиняли музыку практически без использования программного обеспечения. Всё дело во внешнем оборудовании. Так что это все странные и дурацкие синтезаторы, все эти модульные синтезаторы, которые нужно было записывать и обрабатывать. Эти звуки невозможно воссоздать». «У нас с П. Т. есть свои «Поливокс» советского производства. Мой был выпущен в 1982 году, — говорит Пшибылович. — На моём «Поливоксе» до сих пор висит ценник: 800 рублей, что, я думаю, по сегодняшним меркам составляет 10 долларов.

Прочие Музыкальные коллективы, использовавшие «Поливокс»:

-Агата Кристи (ранее творчество);

-британская инди-рок группа Franz Ferdinand (альбом 2009 года Tonight: Franz Ferdinand);

-британский проект Goldfrapp (альбом 2003 года Black Cherry);

-венесуэльский драм-н-бейс продюсер Zardonic;

-польский трэш-электро проект Crashed Disco Balls[6];

-немецкая метал-группа Rammstein[7];

-российская группа Plane Passenger;

-белорусская арт-рок группа Tonqixod;

-советская/российская электронная группа из Москвы «Биоконструктор» (альбом «Танцы по видео» 1987 год);

-британская рок-группа Bring Me The Horizon (в песне Kingslayer);

-американская индастриал-группа Not My God (Skold \ Nero Bellum) и Psyclon Nine.

В 2015 году Владимир Кузьмин отметил своеобразный юбилей первого выпуска синтезатора, который состоялся 33 года назад. Был издан особенный компакт-диск — сборник 33rd Polivox Anniversary. В него вошли композиции, написанные музыкантами по всему миру с помощью «Поливокса».

История создания "Поливокс":

Поливокс — монофонический аналоговый синтезатор, разработанный и выпускавшийся в СССР с 1982 по 1990 год. Благодаря уникальному звучанию и внешнему виду стал одним из наиболее популярных и известных на Западе советских синтезаторов.

Разработка знаменитого советского синтезатора «Поливокс» началась в 1980 году на уральском заводе «Вектор», устройство создал советский конструктор Владимир Кузьмин. Два года спустя этот электронный музыкальный инструмент пошел в серийное производство. Легендарный синтезатор «Поливокс» производился вплоть до 1991 года, в продаже его легко можно было найти даже до 1993 года.

Само непосредственное производство, осуществлялось на Качканарском радиозаводе «Форманта»[1][2]. Схемотехника синтезатора была разработана ведущими инженерами Владимиром Кузьминым и Юрием Фиофиловым . Ведущим дизайнером была жена Кузьмина Олимпиада[3], черпавшая вдохновение в дизайне советских военных радиостанций. Розничная цена синтезатора составляла 920 рублей.

Точное количество выпущенных синтезаторов неизвестно. В западных источниках оно оценивается в 100 000 штук[2]. По оценке, данной Владимиром Кузьминым, объём производства не превышал 300 штук в месяц[1], что указывает на общее количество не более 32 000.

У «Поливокса» имелся ряд особенностей, встречавшихся не во всех аналоговых монофонических синтезаторах, например, возможность переключения фильтра между режимами полосового фильтра и фильтра нижних частот, или наличие двух генераторов огибающей, которые могли автоматически повторять фазы атаки и затухания.

Благодаря своему уникальному происхождению и сравнительной редкости, а также необычному звучанию и внешнему виду «Поливокс» приобрёл популярность на Западе.

Отличительные особенности:

• применение герконов в контактной группе клавиатуры (что делала клавиши практически "вечными" из-за магнитного бесконтактного датчика);

• поддержка режима двухголосия за счёт слежения первым генератором за самой верхней взятой нотой, а вторым — за нижней;

• отсутствие конденсаторов в схеме управляемого напряжением фильтра за счёт особенностей использованных операционных усилителей (побочным эффектом выбранной схемы фильтра являются повышенные искажения звука, придающие агрессивность звучанию «Поливокса»);

• наличие периодического режима работы генераторов огибающей, позволяющего автоматически повторять фазы атаки и затухания;

• наличие переключателя, подающего сигнал о нажатии клавиши, что позволяет не держать клавишу при исполнении длинных звуков;

• наличие оптронной педали для управления частотой среза фильтра.

• Одно из принципиальных отличий синтезатора в удобстве панели управления, которая разделена на пять секций: модулятор, три генератора, микшер и фильтр усилитель. Благодаря удачному расположению, музыкант мог работать со звуками быстрее. Кроме того, к «Поливоксу» можно было подсоединить и внешние источники звучания — гитары или электрическое пианино — с которыми можно было работать на синтезаторе.

• Главная особенность отечественного синтезатора в его звучании. Как признавался его создатель Владимир Кузьмин, вся советская электроника звучит немного иначе. Но «Поливокс» в особенности. Все дело в схемах, которые не копировались, их разрабатывал лично конструктор, при создании синтезатора он использовал оригинальные модули и блоки, аналогов которым не было в мире. Структура была традиционной, но управление и функции являлись более совершенными.

  Оригинальный фильтр как источник агрессии.

  Среди достоинств поливокса современные музыканты выделяют агрессивное звучание инструмента. Это звучание получается в результате генерирования искажений при работе фильтра. Искажения, в свою очередь, вносятся операционным усилителем, и считались недостатком, побочным эффектом до того, как именитые музыканты не сочли эту особенность уникальным преимуществом. Схема и конструкция фильтра поливокса, в принципе, заслуживает отдельного упоминания. Саму проблему выбора компонентов автор описывает следующим образом: «И в зарубежных синтезаторах такие фильтры уже применялись. Вот только спроектированы они были на одном особом операционном усилителе, легендарном CA3080 – источнике тока, управляемом напряжением. У нас, к сожалению, его аналогов не выпускалось, был только один операционный усилитель К140УД12, током потребления которого можно было управлять по напряжению.»

• Оригинальное схемотехническое решение этого модуля синтезатора не предполагало применения конденсаторов, что было почти не возможным, с учетом используемых разработчиком компонентов. Решение проблемы нашлось неожиданно, при более глубоком изучении операционного усилителя. Выяснилось, что частота среза АЧХ операционного усилителя без обратной связи меняется пропорционально токе управления. При этом:
  

  «… в фильтре переменных состояния именно такое включение микросхем, с разомкнутой обратной связью, то есть это готовый интегратор, да еще с токовым управлением.»

  Получалось, что для упрощённой схемы «с получением 2-х, а не 3-х форм (АЧХ, ФНЧ и ПФ) требовалось две микросхемы, два конденсатора и несколько резисторов, а при использовании УД12, конденсаторы вообще не нужны

Именно этот фильтр и особенности операционного усилителя стали причиной искажений и жесткого, как в последствии выяснится, фирменного звука, особенно в низкочастотном диапазоне. Именно за этот звук поливокс так полюбился рок-музыкантам и экспериментаторам, именно благодаря ему синтезатор внезапно стал популярным через 10 лет после того, как его сняли с производства.

• Почему «Поливокс» называют военным синтезатором? Все из-за внешнего дизайна устройства, которое по мнению его создателей обладает милитаристским стилем. Облик «Поливокса» разрабатывала Олимпиада Кузьмина, супруга создателя устройства. А по мнению самого разработчика синтезатор внешне очень напоминал какой-нибудь советский танк.

Дальнейшая история и клоны:

В последствии одной из западных компаний был создан клон легендарного фильтра, который выпускается под оригинальным названием «Поливокс». Устройство продается с пометкой производителя о том, что это «officially authorized» классический советский аналоговый фильтр, на основе операционного усилителя КР140УД8, спроектированный в сотрудничестве с Кузьминым.

• Латвийская компания Erica Synths выпускает ряд наборов для самостоятельного изготовления модулей в формате Eurorack, построенных на основе схемотехники «Поливокса». Модули включают управляемый напряжением генератор, микшер, модулятор, управляемые напряжением аттенюатор и фильтр, генератор огибающей. В набор входят панель, печатная плата и электронные компоненты. Сборку покупатель должен осуществить самостоятельно[10].

• Американская компания Harvestman выпускает модули формата Eurorack, выполняющие функции генератора, фильтра[11], модулятора, управляемого напряжением аттенюатора и генератора огибающей оригинального синтезатора. Эти модули были созданы с участием разработчика «Поливокса» Владимира Кузьмина.

• Французский сайт Papareil Synth Labs предлагает печатные платы для самостоятельной сборки клона управляемого напряжением фильтра синтезатора «Поливокс»[12].

• Французская фирма Mutable Instruments предлагает печатную плату фильтра, аналогичного используемому в синтезаторе «Поливокс», для собственного синтезатора «Шрути»[13].

• Российская компания «Elta Music» выпускает компактную настольную версию под названием «Поливокс-М». Разработка модуля была выполнена в сотрудничестве с Владимиром и Олимпиадой Кузьмиными. Схемотехника подверглась некоторым изменениям, предоставляя новые возможности по созданию звуков[14].

• В 2021 году Владимир Кузьмин и Behringer объявили о разработке "нового синтезатора Поливокс"[15].

  Пример звучания Поливокс в жанре Drum and Bass (без обработки и прочих добавленных фич, звуков и инструментов)

Программные аналоги:

• В архитектуре VSTi выпущен плагин «Polyvoks Station», имитирующий внешний вид, функции и звучание синтезатора.

• Компанией Red Rock Sound для программы Propellerhead Reason разработан плагин «Ivoks Electromusical Synthesizer» в архитектуре Rack Extension.

• Компанией Image-Line Software разработан программный синтезатор «Sawer», имитирующий «Поливокс».

P/s- Это было интересное время. 90-е.... Мы были молоды, веселы и бесшабашны. Ужасы происходящего во тьме городов были нам не страшны. Всё съезжало с рельсов и катилось под откос. Родители были без денег, работы, зарплаты и перспектив. А мы не понимали что происходит. Нам было весело ехать по этим скрученным и ломающимся рельсам эпохи перемен куда то в пропасть. Ледяной, обжигающий холодом ветер истории, со снегом, бил нам в лицо, но мы были без шапок и касок, и только смеялись ему в ответ. Потому как в его мертвом пронизывающем ветре чувствовали не угрозу а вызов. Многих колеса этого поезда 90-х намотали на свои железные ободы и размазали по шпалам в фарш. Кого то из нашей компании убили в пьяной драке. Кто то спился или сел на героин. О ком то вообще ни чего не известно. Но мы выросли, и остались людьми. Настоящими. Верящими что всё у нас будет хорошо и умеющими наматывать судьбу на кулак когда она смотрит тебе в глаза своими мертвыми безжизненными глазами и уже кажется что нет дальнейшего пути и выхода.....

Арфа и лира – эти древние щипковые инструменты несут в себе отголоски чего-то поистине волшебного, божественного.

Не случайно на старинных фресках и гравюрах мы часто видим ангелов, чьи пальцы порхают по струнам арфы, извлекая мелодии, достойные небес. А легендарный Орфей, чья игра на лире могла околдовать даже диких зверей и заставить камни плакать, – разве не доказательство той силы, что таится в этих струнах?

Хотя арфа и лира относятся к щипковым инструментам, их история полна удивительных поворотов. Так, в суровых землях Скандинавии зародилась смычковая лира – таллахарпа.

Их основа – струны, натянутые на раму, – возможно, берёт своё начало от древнего охотничьего лука. Каждая струна, подобно тетиве, издаёт звук одной-единственной высоты, а вся магия заключается в искусной настройке этих струн в соответствии с определённым звукорядом.

Современная концертная арфа – это настоящее чудо инженерной мысли и музыкального искусства. Музыка, льющаяся из неё, кажется такой естественной, будто рождается сама собой. Но за этой кажущейся лёгкостью скрывается невероятная сложность. Пальцы виртуоза управляют целыми 47 струнами, а семь педалей, приводимых в движение ногами, позволяют перестраивать их, открывая безграничные возможности для создания гармоний.

В середине 3- го тысячелетия до нашей эры на таких лирах играли шумеры.

На мозаике третьего века из Таруса (Турция) изображён Орфей, завораживающий животных звуками лиры. Согласно древнегреческому мифу, певец и музыкант настолько восхитил своей игрой властелина царства мёртвых, что тот согласился вернуть жизнь Эвридике, жене Орфея, умершей от укуса змеи, но при условии, что тот не взглянет на неё на всем пути из преисподней на землю. Орфей нарушил обет и навсегда потерял Эвридику.

Беганна

Шестиструнная лира беганна до сих пор бытует в Эфиопии. Игрой на ней обычно сопровождают декломирование стихов. Беганна устроена так же, как древнегреческая лира. Рычагами расположенными на верхней перекладине, настраивают струны. Внизу размещается обитый кожей резонаторный ящик. На беганне играют плектром (медиатором).

Традиционная ирландская арфа, появившаяся около 1000 лет назад и очень популярная в средние века. Ее особенность - изогнутая колонка.

На снимке ниже: великолепная переносная арфа, изготовленная в 1820 году в Дублине Джоном Иганом, сумевшим возродить в своей стране традицию игры на арфе. Инструмент окрашен в национальные цвета Ирландии - светло-зеленый и золотистый.

Урок игры на арфе

Две дамы учатся играть на концертной арфе (фрагмент картины французского художника, ок. 1790 г.)

О древнем происхождении дугообразной арфы, свидетельствует это древнеегипетское надгробное панно (Фивы около 1400 года до нашей эры).

В форме лодки

Саунг-гаук, бирманский национальный инструмент, изготовленный из древесины и украшен стеклом и позолотой. У него 4 резонаторных отверстия и 13 струн. Музыкант держит арфу на коленях шейкой вперёд. Этот инструмент напоминает древнеегипетскую дугообразную арфу, появившуюся более 4000 лет назад. В Азии и Африке дугообразные арфы с изогнутыми шейками распространены и поныне.

Представьте себе, что скрипка – это не просто кусок дерева, а настоящий живой организм, который умеет петь! Но чтобы он запел, нужно пройти долгий и очень тонкий путь. Давайте разберемся, как это происходит, без всяких сложных терминов.

Как вырезают корпус

Все начинается с дерева. Но не с любого, а с особенного! Мастера ищут лучшие породы, которые обладают нужной "звучностью".

Представьте себе, что древесина для скрипки – это как мышцы и связки музыканта: она должна быть сильной, чтобы держать форму, но и достаточно гибкой, чтобы передавать вибрации. Поэтому для верхней части скрипки, которая "дышит" звуком, выбирают мягкие породы дерева вроде сосны или ели. А для нижней, которая "отвечает" за глубину и резонанс, берут твёрдый клён. Обычно эти части собирают из двух половинок, как будто складывая книгу, с вертикальным "переплётом". Но иногда мастера, словно скульпторы, вырезают деку из одного куска дерева. Сначала по шаблону рисуют будущую форму, а затем, вооружившись острыми инструментами – от пилки до крошечных рубанков размером с ноготок – начинают творить. Это тончайшее искусство, где каждая линия имеет значение для голоса скрипки. Важно, чтобы дека была немного выпуклой в центре, и ровной у краёв, чтобы звук рождался правильно.

Доводка корпуса

Вдоль края верхней деки вырезают узкое углубление, в которые вкладывают ус. Эту тонкую полоску делают из гибких древесных волокон - кленовых (белых) и грушевых (крашенных). Ус служит не только украшением, но, что гораздо важнее, предотвращает расщепление древесины. Толщину верхней дейки доводят приблизительно до 3 мм, нижняя дека должна быть посередине немного толще.

Выделка обечаек

Для создания боковых стенок скрипки, или обечаек, используют тонкие полоски дерева, как правило, клёна или платана. Эти полоски сначала изгибают, придавая им форму будущей деки, часто с помощью горячего пресса. Затем их приклеивают к внутренним деревянным элементам – стойкам (угловым, верхним и нижним). Стойки играют роль каркаса, обеспечивая прочное соединение обечаек между собой и их последующее крепление к верхней и нижней частям корпуса (декам). Когда обечайки готовы и приклеены к стойкам, они становятся частью корпуса, готовой к склеиванию с деками.

Дальнейшие этапы работы

На верхней деке инструмента делаются прорези - эфы, в форме латинской буквы f, а с внутренней стороны к ней прикрепляется длинная деревянная планка, подобная пружине. Эта планка служит для передачи вибраций на опоры, которые поддерживают верхнюю деку. После того как мастер отполирует инструмент, он прикрепляет гриф и другие внешние детали. Внутрь корпуса помещается душка – своего рода мостик, который переносит звуковые колебания с одной деки на другую.

Шейка и головка

Шейку и головку вырезают из единого кленового бруска. Головку выпиливают, пользуясь различными инструментами. На шейке, просверливают отверстия для колков (приспособления с помощью которых можно натягивать струны и регулировать высоту звука)

Отделка лаками

Лаки можно приготовить на основе самых разных пигментов. В течении 3-4 месяцев постепенно, слой за слоем на корпус скрипки наносят различные лаки. Число слоев может быть больше десяти.

Смычок

Между головкой смычка и колодочкой натягивают пучок конского волоса. Поворачивая винт сопряжённый с колодочкой, скрипач меняет натяжение волоса. Для улучшения трения волос натирают канифолью.

Великий скрипач Никколо Паганини Niccolò Paganini (27 октября 1782, Генуя — 27 мая 1840, Ницца). Мрачный гений музыки был труден характером, некрасив собой, очень болезненен, но после концертов женщины буквально вешались на него, а мужчины готовы были ему прощать популярность у дам.

Это породило слухи, что он продал душу дьяволу или практикует сатанизм.

Незнакомые с Паганини люди распускали сплетни, в которых он представал сущим негодяем — хотя музыкант занимался благотворительностью. Судьба скрипача была такой же сложной, как и его характер, и первое явно породило второе...

В один прекрасный день его отец Антонио Паганини, итальянский лавочник, срочно послал за доктором. Прибывший врач развёл руками: мальчик по имени Никколо был явно мёртв. Отец замучил его, запирая на долгие часы в тёмном сарае без куска хлеба — учиться играть на скрипке. Тереза Паганини, мать несчастного ребёнка, ничего не видела из-за слёз.

Купили маленький гроб. Но похоронить Никколо не похоронили: во время церемонии прощания он вдруг очнулся, сел в гробу и стал оглядываться с ужасом в глазах. Мать кинулась целовать его и поскорее накормила. Уже на следующий день отец снова вложил ему в руки скрипку.

Осваивал инструмент Никколо быстро и уже в раннем возрасте сочинял и исполнял довольно трудные вещи, и это вскружило голову его отцу. Он решил, что мальчика надо как-то особо муштровать, чтобы тот стал непременно знаменитым. Когда методика с сараем и голодовками показала себя не очень состоятельной — то есть, после «смерти» сына — Антонио задумался и подыскал мальчику в учители настоящего музыканта, скрипача Джованни Черветто.

Вероятно, учитель по своим методам недалеко ушёл от папаши, поскольку Никколо потом всю жизнь избегал упоминать его имя и, вероятно, даже не считал за учителя. Возможно, ко взрослому возрасту отец и Черветто отбили бы у мальчика всякое желание держать в руках скрипку, но юным виртуозом заинтересовались сразу двое: композитор Франческо Ньекко и капельмейстер собора Сан Лоренцо Джакомо Коста. Они обращались с пареньком уважительно, мягко наставляли его, а Коста взял к себе в оркестр на работу.

Нельзя сказать, что одержимость отца прошла для Никколо бесследно. Всю жизнь он страдал от слабого здоровья, заложенного, вероятно, суровым обращением в детстве; его также одолевали приступы мрачности. Кроме того, он был потрясающе необразован, что для знаменитого музыканта, каким он стал со временем, было едва простительно: писал с орфографическими ошибками, «плавал» в вопросах истории, хотя нахватался кое-каких знаний, чтобы с грехом пополам поддерживать разговор. Похоже, отец не отпускал Никколо даже в школу.

Талант юноши, только начавшего музыкальную карьеру, тем временем, надо было развивать. Решено было отправить Паганини-младшего в обучение в Парму, к знаменитому скрипачу Алессандро Ролле.

Но в Парме отец и сын Паганини столкнулись с закрытой дверью спальни: Ролла болел, собирался болеть ещё долго, никого не принимал и когда начнёт принимать, неизвестно.

Ситуация была печальна. Предстояло уйти из дома Роллы несолоно хлебавши. Но Никколо медлил.

Он увидел на столике скрипку и ноты; сочинение его заинтересовало, и он, взяв чужую скрипку, начал наигрывать. То были ноты авторства самого Роллы; больной сразу их узнал и поднялся с постели, чтобы увидеть таинственного музыканта.

Он не смог скрыть потрясения, увидев всего-то навсего подростка. «Мне нечему учить этого молодого человека», сказал Ролла отцу Паганини.

Ролла передал Никколо композитору Фернанду Паэру, Паэр, в свою очередь, Гаспару Гиретти, под руководством которого Никколо достиг совершенства и как скрипач, и как композитор.

По крайней мере, тогда казалось, что лучше уже некуда.

После обучения у Гиретти, Паганини стал очевидной и неоспоримой звездой.

Он колесил сначала по городам, потом по странам.

Многие возмущались ценой на билеты на его концерты; он в ответ поднимал цены ещё выше.

Те, кто всё же приходил, убеждались, что этот скрипач отличается от любого другого.

Его руки стоили больше, чем он выручал за концерты: они были бесценны…

Чтобы понять всё мастерство Паганини, стоит знать о нём два факта.

Однажды на спор он проиграл мелодию на шёлковом шнурке от лорнета;

в другой раз недоброжелатели перерезали ему все струны на скрипке, оставив, по счастью, одну целой — и он отыграл весь концерт на этой струне так, что зал ничего не заметил.

Ещё на одном выступлении опоздавший скрипач схватил инструмент, не проверив настройки. Во время самой игры оказалось, что скрипка с роялем аккомпаниатора серьёзно расходятся; но этот факт успел заметить только аккомпаниатор.

Николо так быстро перерассчитал аппликатуру скрипки, каждое своё движение под каждую ноту, что зал опять ничего не заметил.

Конечно же, со славой пришло и женское внимание.

Никколо всегда окружали почитательницы, он легко заводил любовниц. Самой известной из них стала певица Антония Бьянки. Пара сложилась такая странная, что о ней все судачили. Паганини считался некрасивым, Бьянки — наоборот. Оба открыто изменяли друг другу: Антония объясняла, что бесконечные болезни мужа (кашель, ревматизм, приступы лихорадки и кишечных колик) оставляют ему мало сил на то, чтобы её удовлетворять. Однако удивительным образом этих сил хватало на других женщин.

В конце концов Бьянки родила сына, которого назвали Ахиллом. В отцовстве сомневались буквально все, кроме самого Паганини. Он о ребёнке мечтал давно и в отцовство погрузился с головой. Когда Ахиллу исполнилось три, его родители разошлись в разные стороны; Никколо добился опеки над мальчиком и дал ему свою фамилию (конечно же, отношения с Антонией были незарегистрированы). Чтобы обеспечить мальчика и его будущее, Паганини работал, как проклятый.

Жадина и сатанист

Гастрольные чёсы и дорогие билеты — все вокруг упрекали Никколо в жадности. А жадный Никколо раздавал половину билетов бесплатно — студентам-музыкантам, а часть вырученных денег высылал родственникам и отдавал на благотворительность. Чтобы не тратить лишнего на себя (а значит, больше отдать другим), одежду он покупал у старьёвщиков. Обвиняли Паганини и в грехе потяжелее — в том, что он, якобы, некогда убил человека и на каторге продал душу дьяволу за то, чтобы тот сделал его гениальным скрипачом. Так впечатляли зрителей сочетание неповторимой по искусности игры (а многие зрители понимали толк в скрипичной музыке), болезненной внешности и мрачного характера.

Слухов добавляла и эксцентричная манера музыканта работать корпусом и руками.

Он разработал собственные позы и движения, которые давали ему особый простор работы со скрипкой.

В результате многие уверяли, что на их глазах скелет скрипача искривлялся и менял форму, локоть руки выворачивался в противоположную сторону, кисть отделялась от остальной руки и ходила по скрипке сама по себе. Впрочем, сейчас есть гипотеза, что Паганини страдал болезнью Марфана, которая действительно делает суставы немного слишком свободными, и от неё и умер, потому что она вызывает аневризму аорты.

Паганини умер от туберкулёза в неполные 57 лет.

Последние месяцы болезни он не выходил из дома и почти не вставал, целыми днями просто полулежал и перебирал пальцами струны скрипки.

Гроб с его останками закапывали несколько раз — и выкапывали из-за угроз местных жителей, чтобы перевезти труп Паганини дальше и попытаться закопать снова.

Буквально все в Европе были уверены, что Никколо — сатанист, и, казалось, бедному скрипачу уже не найти покоя — ни один город не соглашался осквернить его останками свою землю. Сын Паганини измучился, пока сумел похоронить отца.

Наконец, в 1876 году папа римский Пий IX дал разрешение на похороны со всеми положенными обрядами, но этот процесс затянулся на многие годы.

Прах великого скрипача окончательно был захоронен в 1896 году на кладбище Пармы (Италия). Через 56 лет после смерти!

Согласно завещанию скупого, нелюдимого, всех, казалось, ненавидящего желчного старикана Никколо все его скрипки — замечательные, дорогие музыкальные инструменты — отошли нескольким талантливым студентам и… его недругам, тем музыкантам, с которыми они ругали друг друга в глаза и за глаза, но чьё мастерство не вызывало у Никколо, видимо, сомнений.

Любимую скрипку он подарил родному городу, Генуе; она получила прозвище «вдовы Паганини».

В завещании Никколо также запретил сыну как-либо тратить деньги на похороны: делать их пышными, заказывать реквием… Он всегда предпочитал тратить на других, а не на себя.

Текст: Лилит Мазикина

Фото 2- 48-летний Паганини.

«Имя Паганини – одно из самых роковых в истории музыки, одно из тех немногих, которые известны всем, даже тем, кто ничего не знает ни о музыке, ни о ее истории.

Волшебный ореол легенды окутывает эту своеобразную фигуру, вымысел смешивается с реальными событиями его жизни. Он был одним из великих чародеев, умевших покорять толпу; и поскольку колдовство это творилось с помощью небольшого инструмента и тонкого смычка, которые никогда прежде не обладали таким могуществом, разгоряченное воображение народа расшило ткань событий и воспоминаний необычайными узорами.

Помню, среди сказок и историй, какие матушка рассказывала мне в детстве, была чудесная легенда о Паганини. В ней говорилось о том, как он встретил однажды старого, нищего музыканта, над которым потешались прохожие, потому что три струны на его скрипке были порваны и он не мог больше играть. Паганини протиснулся сквозь толпу насмешников, подошел к бедному старику и, взяв у него скрипку, на которой оставалась одна-единственная струна, заиграл так великолепно, что со всех сторон на мостовую со звоном полетели монеты. И бродячий музыкант получил небольшое состояние…

Легенда, рожденная на основе действительного события, имевшего место в Вене, взволновала меня и составила первое впечатление о Паганини .

Фото 1 -Эти посмертные гипсовые отливки были сделаны вскоре после его смерти в 1840 году. Их создал скульптор Жан-Пьер Дюбоа (Jean-Pierre Dantan, известный как Dantan Jeune), который был знаменит своими портретными бюстами музыкантов и артистов того времени.

Один из оригинальных гипсовых слепков хранится в музее Генуи (Museo Civico di Storia Naturale di Genova), родном городе музыканта.

Копии также можно увидеть:

в музее Никколо Паганини при Консерватории имени Паганини в Генуе,

и в музее музыки в Парме (Museo dell’Opera di Parma).

Эти слепки считались анатомическим подтверждением легенды о “дьявольских” руках Паганини — длинных, гибких пальцах и гипермобильных суставах, что придавало его игре почти сверхъестественную виртуозность.

ВЗЯЛ В ГРУППЕ "Путешествия во времени и другие вселенские новости"