Искусство
5 постов
История коренных народов Америки насчитывает не менее 20 тысячелетий. Ко времени появления европейцев уровень их культуры был очень разным: от первобытного до высокоразвитого.
Наибольшего расцвета достигли цивилизации Мезоамерики и Анд. Индейские мастера возводили грандиозные сооружения:
Города-гиганты: Теночтитлан (Мексика) и Куско (Перу).
Уникальные комплексы: высокие ступенчатые пирамиды с храмами или алтарями на вершине, «стадионы» для спортивных состязаний и астрономические обсерватории.
Сложная инфраструктура: ирригационные системы, мосты и мощёные дороги даже в самых труднопроходимых горных районах.
Искусство доколумбовой эпохи поражает воображение по сей день. Это великолепие можно увидеть в росписях храма в Бонампаке, резьбе по камню в Копане, архитектуре храмов в Паленке и Тикале. А величественные развалины горной цитадели Мачу-Пикчу служат вечным напоминанием о высочайшем уровне мастерства древних цивилизаций. 🏛️🗼✨
На послеклассическом этапе (X–XVI вв.) распространение военных конфликтов наносит ущерб старым городам-государствам. В это время военные вожди захватывают власть, объединяют народы и создают крупные государства.
В искусстве тольтеков в Мексике преобладают монументальные постройки, сцены сражений и изображения воинов с жестокими подробностями. Именно такой воинственный характер искусства переняли ацтеки, которые подчинили Центральную Мексику и основали столицу Теночтитлан в 1325 году.
В Южной Америке инки в XV веке создали обширное рабовладельческое государство со столицей Куско и мощными крепостями из массивных каменных сооружений. При них достигли высокого уровня развития ювелирное и ткацкое искусство 🏛️💎.
С приходом европейских колонизаторов в Америку с XVI века уникальная культура местных жителей оказалась под угрозой полного уничтожения. Наиболее тяжёлые потери понесли народы, населявшие территорию нынешних Соединённых Штатов и Канады. В то же время именно искусство индейских племен Мексики, Перу и Эквадора легло в основу последующего развития народных традиций. Только в глухих районах, например в лесах Амазонии, удалось сохранить исконные культурные формы.
Колониальный период XVI–XVIII веков ознаменовался полной трансформацией архитектуры. На месте индейских святилищ появились новые города, соборы, монастыри и ратуши. Испанцы ввели единый стандарт планировки городов и тип домов с внутренним двором‑патио, окружённым галереей на колоннах или арках. Здания отличались массивностью и симметрией глухих стен, а их суровость компенсировалась пышным декором фасадов и интерьеров — часто в ярких цветах и резьбе по камню. При этом сохранялись элементы традиций древней культуры Америки под влиянием европейских стилей.
В Америку европейцы привезли навыки живописи, скульптуры и графики. Колониальные здания отличались массивностью и тяжеловесностью, а в XVII–XVIII веках их декор стал особенно пышным: торжественность барокко здесь смешалась с вычурной сложностью индейских орнаментов (метисский стиль). Среди выдающихся мастеров того времени — Хосе Тупак из Перу (XVII век), Касикара из Эквадора (XVIII век) и крупнейший бразильский скульптор Алейжадинью, работавший на рубеже XVIII–XIX веков.
В XX веке традиции древнего искусства продолжили развивать прогрессивные мастера Латинской Америки, среди которых выделяются мексиканские монументалисты Диего Ривера, Сикейрос и Ороско. 🎨🌍
Алейжадинью
Ороско
Сикейрос
Диего Ривера
В колониальный период европейцы принесли в Америку свои традиции, которые проявились в архитектуре и искусстве. Однако индейские народы смогли частично сохранить элементы своей древней культуры. В странах, куда завозили африканских рабов, их культура также оказала влияние на формирование национальной идентичности. На американском континенте сложилось два культурных ареала. Северная Америка (включая Мексику) находилась под влиянием Англии и Франции. Центральная и Южная Америка были колониями Испании и Португалии. Здесь сформировались латиноамериканская архитектура и искусство, отличавшиеся испанскими чертами, но адаптированные к местным условиям. Города строились по регулярному плану — улицы пересекались под прямым углом, а главная площадь обязательно занималась собором или ратушей. Здания повторяли испанский стиль, но учитывали особенности климата и свойства местных материалов. Часто они имели богатый внешний декор причудливой формы; иногда его выполняли местные мастера-индейцы.
Изобразительное искусство служило преимущественно религиозным целям. Широкое распространение получили церковные постройки, скульптуры и картины, заказанные монахами для усиления своего влияния над духовной жизнью населения Латинской Америки.
Лишь к концу XVIII — началу XIX веков большинство стран Америки сбросило оковы колониальной зависимости. Однако в государствах Латинской Америки долгое время сохранялся феодализм, а следы колониального прошлого были видны повсюду. Искусство начало активно развиваться только в XX веке. Главную роль в его становлении сыграла Мексика. Здесь расцвели монументальная живопись (работы Диего Риверы, Хосе Клемента Ороско, Давида Сикейроса) и народная графика (мастерская «Мастреская», возглавляемая Леопольдо Мендесом), отражавшие идеи освободительного движения. Благодаря этому влиянию во многих странах континента появились свои школы реализма. Вместе с тем латиноамериканское искусство впитывало современные тенденции из Северной Америки и Западной Европы.
Латинская Америка прославилась такими выдающимися архитекторами, как Луис Коста из Бразилии, Освальдо Нимейер, Карлос Рау́ль Вильянуэва из Венесуэлы и мексиканцы Хуан О'Горман и Марио Паньи. С приходом к власти революционного правительства в Кубе после 1959 года, там началось активное развитие искусства в духе социализма. Это направление оказало мощное воздействие на культуру соседних латиноамериканских стран.
Луис Коста
Освальдо Нимейер
Карлос Рау́ль Вильянуэва из Венесуэлы
Хуан О'Горман
Марио Паньи
Социалистическое искусство Кубы
В северной части Американского континента, на территории современных США и Канады в колониальный период возникли небольшие поселения европейцев — деревни, фактории и миссии. Со временем они превратились в крупные города. Формирование художественной культуры происходило под влиянием европейского опыта, но значительную роль играли традиции коренных народов (индейцев), а также переселенцев из Мексики и Африки.
Рост национального самосознания и распространение демократических идей во время Войны за независимость (1775–1783) нашли отражение в искусстве конца XVIII – первой половины XIX века. В этот период были возведены многочисленные общественные здания в стиле классицизма (архитекторы Ч. Булфинч и Т. Джефферсон). Художники создавали портреты общественных деятелей, героев революции и современников (например, Г. Стюарт).
Здания в стиле классицизма архитекторы Ч. Булфинч и Т. Джефферсон
В конце XIX века в США, переживавших стремительную индустриализацию и сталкивавшихся со всё более острыми социальными противоречиями, активно внедрялись новые рациональные подходы к строительству. Именно тогда, в 1880–1890-х годах, в Чикаго и Нью-Йорке появились первые небоскрёбы — многоэтажные здания на стальном каркасе. Архитекторы чикагской школы (Даниэль Бернем, Уильям Ле Барон Дженни, Луис Салливен) создали совершенно новую эстетику зданий, где инженерная конструкция стала определяющим элементом их облика.
В изобразительном искусстве США конца XIX века господствовала академическая традиция, а в городах преобладали претенциозные памятники. В то же время Ф. Л. Райт стремился к гармонии архитектуры с природой, а Уинслоу Хомер, Томас Икинс и другие реалисты изображали простую жизнь американцев: сельскую идиллию, быт моряков и охотников, городские сцены. Художники Джеймс Уистлер и Джон Сарджент создавали тонкие психологические портреты, а Мэри Кассат — проникновенные картины домашнего быта. Скульптор Оуэн Месереотт вдохнул жизненную силу в свои произведения, отказавшись от холодных формальных памятников.
Ф. Л. Райт
Мэри Кассат
Источник: "Америки искусство" Энциклопедия юного художника.
Фаллотаспис — один из самых маленьких трилобитов, его длина всего 1–2 см. Он выглядит как крошечный щит-полумяц с сегментированным телом. При виде этого ископаемого у многих возникает чувство первобытного страха: кажется, что перед нами ожил персонаж фильма ужасов. Окаменелости фаллотасписа находят в Америке и в бассейне Сибирских рек, но при этом нет никаких следов того, чтобы он плавал или жил в глубоких водах кембрийских морей. Это говорит о том, что континенты тогда были гораздо ближе друг к другу, а Атлантического океана ещё не существовало.
Трилобиты стали ярким примером успеха древнего вида, кто первым увидел мир. По мнению учёных, их восхождение было во многом обусловлено именно необычными глазами. Эти существа обладали одним из древнейших типов сложного зрения: пара глаз в форме полумесяца располагалась по середине головного щита. Сохранившиеся экземпляры демонстрируют удивительную структуру этих органов — множество мелких линз, напоминающих линзы-соты у мухи. Такое расположение позволяло трилобитам видеть происходящее над ними, что помогало им избегать атак хищников сверху, но при этом зрение вряд ли подходило для поиска пищи в толще воды.
На нижней стороне головы трилобита находилось отверстие для поглощения ила и червей, а на животе — по 17 пар длинных двуветвистых конечностей. Хотя ископаемые остатки этих придатков встречаются редко, учёные полагают, что они располагались вдоль всего тела животного.
Вероятно, трилобиты перемещались короткими перебежками по дну водоёмов подобно современным креветкам, стараясь уберечь своё мягкое брюшко от повреждений хищниками и переворачивания.
Для выживания в древнем океане трилобиту пришлось изобрести две уникальные инновации. Первая — это прочный щит из кальция, покрывавший спину: чтобы добраться до вкусного мяса под ним, хищник должен был обладать поистине титанической силой. Вторая защита была еще более хитрой: мощные мышцы позволяли трилобиту мгновенно складываться в защитный кокон, надежно укрывая нежные жабры и конечности от чужих челюстей.
Обе стратегии выживания трилобита зафиксированы в геологической истории Земли: окаменелости его твердого тела встречаются повсеместно в горных породах возрастом примерно 520 млн лет. Следы же его «убегающей» тактики — сворачивание в защитный кокон — ученые находят по специфическим отпечаткам (Rusophycus) на донном осадке, где когда-то обитали эти древние существа.
Источник: "Затерянный мир Дарвина" Мартин Брезиер
Мало кто из обычных автолюбителей знает о Бела Барени, но его имя стоит в одном ряду с такими великими визионерами мирового автопрома, как Генри Форд, Энцо Феррари, Карл Бенц и Готлиб Даймлер. Все они сделали автомобиль доступным, комфортным и быстрым. Но только Барени всю свою жизнь посвятил тому, чтобы этот транспорт стал безопасным
Автомобиль начала XX столетия справедливо прозвали «адской колесницей», ведь о безопасности водителей и пассажиров никто даже не задумывался. Первый патент на ремень безопасности получил американский инженер Эдвард Клэхгорн в 1885 году, но применялся он лишь на лодках, а затем — на конных повозках, удерживая кучера от падения с козел. Для автопроизводителей того времени главным оставались только скорость, комфорт и стиль. 🚗🛣️
Чем больше людей могли позволить себе автомобиль, тем выше становилась аварийность и смертность в результате ДТП. Печальная статистика по авариям заставила автопром задуматься о том, как повысить безопасность транспортных средств.
На раннем этапе развития автомобильной безопасности казалось естественным укреплять саму машину. Логика была проста: если кузов будет прочным, он выдержит аварию и защитит находящихся внутри. Именно так появились первые краш-тесты.
Со временем стало ясно, что концепция бронированного автомобиля была ошибочной. У инженеров того времени не было других подходов, поэтому производители стали делать автомобили массивными и тяжеловесными. При этом испытания проходили с реальными людьми — сотрудниками заводов или смельчаками-добровольцами. Безопасность оценивалась исключительно по тому, насколько болезненным был удар груди о рулевую колонку или головы о лобовое стекло.
Для краш-тестов стали применять трупы людей (бродяг и бездомных), чтобы получить наглядные данные о травмах при авариях. Однако этические вопросы привели к отказу от этого метода.
Затем начали использовать живых свиней под наркозом — это тоже вызвало протест зоозащитников. Сегодня свиньи применяются лишь изредка, а основной упор сделан на тесты с манекенами.
Несмотря на все усилия автопроизводителей по усилению кузова, инженеры Chevrolet пришли к выводу: создать абсолютно безопасный автомобиль невозможно. По крайней мере, до появления Беллы Барени человечество не смогло решить эту задачу полностью. 🚗🛣️
Бела Барени появился на свет в 1907 году неподалёку от Вены. Он рос в обеспеченной семье: его мать была наследницей крупного состояния, а отец преподавал в военной академии. Однако Первая мировая война всё изменила: отец погиб на фронте, империя распалась, а семья оказалась практически нищей. ⚔️ Мать получила лишь скромную государственную пенсию, и юному Беле пришлось отказаться от образования.
С раннего детства Барени был страстно увлечён автомобилями. В бурные двадцатые годы автомобильная промышленность стремительно развивалась, а вместе с ней росла и любовь юноши к технике — это предопределило всю его жизнь. Уже во время учёбы в университете будущий инженер заметил серьёзную проблему: конструкция популярной модели Ford T часто приводила к ДТП. Чтобы решить эту задачу, Барени создал новый тип рулевой колонки.
В 1934 году Фердинанд Порше предложил проект «народного автомобиля» для Германии. Это был компактный автомобиль с малым весом, рассчитанный на четырёх взрослых пассажиров и способный развивать скорость до 100 км/ч. Изначально он назывался KDF Wagen (по инициативе Гитлера в 1938 г.), но массовый выпуск начался только после войны — в 1946-м. Так появился легендарный Volkswagen Käfer («Жук»), ставший популярным благодаря статье в журнале Autosport.
Бела Барени, разработавший базовую концепцию этого авто ещё в 1926 году, не смог запатентовать её из-за нехватки средств. Лишь спустя десятилетия, во время судебного разбирательства, его признали автором дизайна. 🚗📜
После окончания учёбы в 1926 году Барени долго не мог найти постоянную работу из-за экономического кризиса. Десять лет он перебивался временными контрактами, пока ему не предложили должность в берлинском Обществе технического прогресса (GETEFO). Там он зарегистрировал более 150 патентов.
В 1939 году Барени попал под сокращение и устроился на собеседование в Daimler-Benz AG. Несмотря на жёсткий характер руководителя Вильгельма Хаспеля, инженер смог убедить его в необходимости улучшения безопасности автомобилей Mercedes-Benz. В итоге Барени получил карт-бланш на разработку своих идей — всё, что он изобретёт, сразу будет патентоваться компанией. Он быстро взялся за дело и вскоре представил проект обновлённой платформы для кабриолета с защитой от бокового удара. Однако внедрение этого решения пришлось отложить до конца войны. Только спустя много лет эта платформа была реализована в автомобиле Mercedes-Benz W120 Ponto. 🚗📜
📌 Ключевые изобретения:
-Кузов повышенной безопасности (патент DBP 854.157) — разделен на жесткую «клетку» салона и две деформируемые зоны спереди и сзади для поглощения энергии удара.
- Инновации в салоне: мягкие углы, рулевая колонка со смещающимся элементом, ремни безопасности и безопасные стекла.
Но сегодня, благодаря компьютерному проектированию современные кузова не просто гасят удар, а распределяют его по специальным элементам («траекториям»), чтобы защитить пассажиров от травм.
В 1966 году Барени вместе с директором по развитию Гансом Шеренбергом заложил основы концепции современного автомобиля, где безопасность стала приоритетной задачей.
Бела Барени не просто работал над безопасностью автомобиля как инженер. Он создал целую систему взглядов, разделив её на три составляющие: активная (предотвращение аварии), пассивная (защита при ударе) и «профилактика», направленная на психологический комфорт людей в салоне.
Его подход был революционным для своего времени. Именно Барени настоял на том, чтобы инженеры Mercedes-Benz использовали данные реальных ДТП для создания экспериментальных машин. Это позволило уже к началу 1970-х запустить масштабную программу испытаний, результаты которой легли в основу будущих технологий.
Внедрение первых серийных антиблокировочных систем (ABS) и подушек безопасности произошло именно во время работы Барени. А после его ухода компания продолжила развивать заложенные им принципы, став мировым лидером в автомобильной безопасности. Сам Барени ушёл из жизни в Штутгарте в 1997 году, но его вклад в историю автомобилестроения огромен: он автор более 2500 патентов и идей, которые помогли спасти миллионы жизней.
Источник: "История Бела Барени - отца пассивной безопасности автомобиля" Андрей Малявин мл. // Non nocere 05/2024
Чаще всего для акварели используют кисти из беличьего волоса. Они мягкие, хорошо впитывают воду и позволяют наносить ровные мазки или прорисовывать мелкие детали. Также подходят колонковые и соболиные кисти — они упругие и эластичные. А вот жесткие щетинные кисти обычно не берут: ими сложно контролировать краску на бумаге.
Кисти рекомендуется хранить чистыми, сухими и в вертикальном положении ворсом вверх. Оптимальный размер кистей — от номера 8 до 16. Более мелкие кисти удобны как для работы с миниатюрными деталями. Однако некоторые художники годами работают всего одной большой кистью.
Не стоит сразу приступать к рисованию на только что купленной бумаге. Ей нужно дать «отстояться» в течение нескольких дней, чтобы она адаптировалась к условиям помещения. Перед началом работы обязательно проверьте бумагу: хорошо ли ложатся на неё краски и как она ведёт себя при намокании. Чтобы подготовить лист для живописи, прикрепите его к деревянной основе — фанере или доске — канцелярскими кнопками или используйте стиратор. Стиратор — это специальное приспособление из двух или трёх рам, которые вставляются одна в другую. Можно сделать простейший вариант из одной рамки, закрепив её на доске зажимами или специальными креплениями.
Для работы с акварелью удобно использовать металлическую палитру, покрытую изнутри белой эмалью. Это помогает легко подбирать нужные оттенки краски. Чтобы краски не выпадали из коробки, их можно закрепить на определённых местах резиновым клеем.
Если специальной палитры нет, её можно сделать самостоятельно — например, из металла или пластика. В крайнем случае подойдёт и обычный белый лист бумаги: он тоже хорошо отражает цвета. 🎨
Чтобы работать на открытом воздухе, рекомендуется использовать «этюдник-мольберт» — специальную модель, предназначенную для масляной живописи. При необходимости обычный этюдник легко модернизировать, добавив снизу три складные ножки из дерева или металла.
Для палитры достаточно выбрать 8–10 проверенных красок: кадмий красный, киноварь (охра красная), краплак фиолетовый, кобальт синий, ультрамарин, изумрудно-зелёная, кадмий жёлтый, охра жёлтая и нейтрально-чёрная. Смешивать сразу более двух-трёх цветов не стоит — пигменты могут плохо сочетаться друг с другом, что приведёт к быстрому изменению оттенка.
Китайская компания придумала новую систему для выращивания растений в воздухе — аэропонику. Она стоит всего 89 долларов и выглядит как прозрачный горшок, но землю туда насыпать не нужно: корни просто висят в воздухе.
Внутри есть вентилятор с распылителем, который постоянно распыляет специальный питательный туман прямо на корни (для этого используется ультразвук). Ещё там встроен обогреватель, чтобы растениям было комфортно при любой температуре.
Сверху над растениями висит круглая лампа, свет которой можно настраивать вручную под разные этапы роста. Благодаря этому система создаёт идеальные условия для любого растения, даже для помидоров! 🍅🌿
Акварель — один из самых поэтичных видов живописи.
✨Её часто называют «поэзией в красках», потому что она такая же нежная, воздушная и мелодичная, как стихи или музыка.
Акварелью удобно рисовать природу: небо с облаками, туман над рекой, закатное солнце. Она позволяет быстро передать то, что меняется каждую минуту (например, цвет неба).
Эта техника идеально подходит для того, чтобы поймать на бумаге самые красивые моменты природы, которые долго не задерживаются. 🎨🌅
А. В. Фонвизин. Портрет сына. 1940.
🎨 Акварель — это очень разная техника.
Можно рисовать прозрачно, почти как карандашом (графика), а можно делать яркие и насыщенные картины с чёткими контурами.
Есть работы совсем маленькие, уютные (камерные). А есть огромные, которые висят в музеях или на стенах домов (монументальные).
На акварели отлично получаются:
- 🌳 пейзажи;
- 🥕 натюрморты;
- 👤 портреты;
- ⚙️ сложные композиции из разных предметов.
Герасимов С. В. Первый снег. Окно. 1936.
Для рисования акварелью нужно совсем немного: краски, мягкая кисточка, вода в небольшой баночке. Но чтобы хорошо рисовать, нужна твёрдая рука, опыт работы с красками и понимание техники.
Акварель можно использовать по-разному:
- Можно сразу писать яркие цвета на сухой или мокрой бумаге.
- Можно постепенно добавлять детали, работая от общего к частному.
- Или наоборот — начинать с мелких деталей и потом переходить к общему виду.
Главное правило: акварельные ошибки исправить почти невозможно. Краска прозрачная, поэтому бумага должна быть чистой и белой. Акварелю не подходят замазки и исправления.
Первые прекрасные акварели появились ещё в эпоху Возрождения (например, у Альбрехта Дюрера). В Европе их стали ценить только недавно — примерно 200–300 лет назад.
Но в полной мере акварель в Европе стали ценить только недавно — примерно 200–300 лет назад.
Особенно прославился своими акварелями английский живописец У. Тернер, певец лондонских туманов и пенистых волн, сумрачных скал и солнечного света.
В России прошлого века было не мало выдающихся акварелистов. К. П. Брюллов доводил листы с жанровыми сценками, портретами и пейзажами до филигранной завершённости.
А. А. Иванов писал просто и легко, соединяя живой безупречный рисунок с чистыми сочными красками.
П. А. Федотов, И. Н. Крамской, Н.А. Ярошенко, В. Д. Поленов, И. Е. Репин, В. А. Серов, М. А. Врубель, В. И. Суриков ... Каждый из них внес богатейший вклад в русскую акварельную школу.
Федотов Павел Андреевич
Крамской И.Н. Сиверская. Лето. 1874.
Ярошенко Н.А.
Поленов В. Д.
Врубель М. А.
Советские живописцы, продолжая традиции этой школы, дали акварели новое развитие. Это А. П. Остроумова-Лебедева, П. П. Кончаловский, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, Н.А. Тырса, А. В. Фонвизин, Е. Спрингис и многие другие.
Анна Остроумова-Лебедева
Художники иногда смешивают акварель с другими красками, например, гуашью или темперой. Но если так делать, то теряются главные особенности акварели: лёгкость, прозрачность и яркость цвета — именно они делают её особенной по сравнению с другими техниками рисования. 🎨
В Липецкой области прошёл необычный спортивный марафон. Вместо привычных бегунов на старт вышли улитки. Местные жители решили устроить для своих питомцев соревнование, чтобы проверить их скорость и выносливость.
Как проходил забег?
Участники: В соревнованиях приняли участие несколько виноградных улиток из села Стегаловка.
Дистанция: Спортсменам необходимо было преодолеть дистанцию длиной всего 25 сантиметров.
Победительница: Быстрее всех до финиша добралась улитка по кличке Сахарок. Она преодолела путь за рекордные 14 минут!
Остальные участницы оказались менее расторопными: многие даже не сдвинулись со старта. Но организаторы отметили, что главное в этом забеге — не победа, а участие и хорошее настроение.
Такие необычные соревнования стали отличным способом развлечь жителей села и показать, что спорт может быть интересным и весёлым вне зависимости от того, кто именно выходит на дорожку. А ещё этот забег доказал, что даже самые медлительные существа могут стать настоящими чемпионами!
Искусство народов Тропической Африки очень яркое и особенное. Оно развивалось на большей части этого континента тысячи лет. Африка внесла огромный, но пока ещё не до конца изученный вклад в мировое искусство.
Самые старые произведения африканского искусства — это рисунки на скалах. Их можно найти повсюду: от пустыни Сахара до Южной Африки. Это так называемые петроглифы (просто контуры рисунков), иногда — объёмные изображения, выбитые на скалах, или росписи, сделанные красками из местных камней. Похоже, они появились примерно в одно и то же время. Большинство этих рисунков были найдены и изучены только во второй половине 19-го и 20-го веков.
Больше всего наскальных рисунков и петроглифов найдено в разных частях Сахары (например, Тассили-Аджер, Тибести, Феццан). Самые старые рисунки относятся к очень давним временам (8-6 тысяч лет до нашей эры). Тогда Сахара была покрыта влажными тропическими лесами. Там жили слоны, носороги, крокодилы, жирафы, древние буйволы и другие животные. Их изображения встречаются только на самых старых петроглифах. Гораздо позже появились рисунки домашних быков и лошадей, а примерно в 1-3 веках нашей эры — и верблюдов.
Позднее были найдены другие группы наскальных рисунков во многих районах Африки: в Судане и Эфиопии, в Танзании и Зимбабве, в Южной Африке. С художественной точки зрения они уступают рисункам Сахары, за исключением некоторых наскальных рисунков бушменов. Хотя эти рисунки бушменов были сделаны всего несколько столетий назад, они всё равно относятся к культуре каменного века. Бушменам принадлежат такие известные фрески, как «Белая Дама» и так называемый «Фараон». На них изображены люди, похожие на европейцев, возможно, путешественники или торговцы, которые посещали юг африканского континента.
Со временем первобытное искусство стало менее реалистичным и более схематичным, утрачивая свою первоначальную непосредственность. Вместо отдельных образов появились сложные композиции и сцены. Чаще стали изображать людей: охотников, пастухов, танцоров. Среди них — знаменитые "круглоголовые" фигуры на скалах Сахары, которые многие считали "марсианами" или "пришельцами". Однако исследователи полагают, что это, скорее всего, ритуальные маски.
Наскальное искусство в Тропической Африке просуществовало тысячелетия и до сих пор встречается в некоторых районах. Его традиции живы в росписях домов, прикладном искусстве и работах современных африканских художников.
Самые старые скульптуры из Африки, которые мы знаем, нашли недалеко от деревни Нок в Нигерии. Это было в 1931 и 1944 годах. В честь этой деревни назвали целую культуру, которая была очень развита примерно с 500 года до нашей эры до 200 года нашей эры. Фигурки из глины, которые делали люди из Нок, выглядят очень похоже на настоящих людей и сделаны очень умело.
Эти произведения искусства бывают разных размеров, от совсем маленьких до величиной с человека. Они очень выразительные, иногда даже немного странные (гротескные), и каждая деталь сделана очень аккуратно.
Хотя скульптуры выглядят по-разному (например, головы могут быть похожи на цилиндр, шар или конус), у них есть общие черты, которые повторяются. Глаза всегда изображены как треугольник с выдолбленным зрачком. Рот часто приоткрыт, а ноздри, хорошо проработанные, как будто раздуты. Волосы, брови и иногда глаза сделаны очень ровно и украшенно. Все это говорит о том, что существовали определенные правила, которым следовали мастера, и эти правила складывались долгое время.
Культура, которую называют "Сао" (она существовала в VIII-IX веках), получила свое название от мифического народа, который когда-то жил у озера Чад. Эта культура долгое время сохраняла очень старые формы религиозных скульптур почти без изменений. Возможно, именно поэтому она кажется "примитивной", а в скульптурах часто смешиваются черты людей и животных, что в других культурах было бы невозможно.
Культуру Сао называют "глиняной", потому что большинство их скульптур сделано из обожженной глины. Но у них находили и вещи из других материалов: бронзы, железа, костей, рогов и перламутра.
Скульптуры Ифе появились примерно через тысячу лет после культуры Нок. Несмотря на это, у них есть что-то общее в стиле, что указывает на связь между ними. Скульптуры Ифе впервые обнаружили в 1910 году. Позже, в 1938 и 1957 годах, было сделано еще больше находок, которые помогли нам узнать об этой культуре гораздо больше. В основном это бронзовые и глиняные головы правителей, которых считали богами. Эти правители жили в древнем городе, который был важным центром для народа йоруба. Головы сделаны очень похоже на настоящих людей, почти как в древнегреческом искусстве. Скульптуры Ифе выглядят очень внушительно. В них простые формы сочетаются с очень тонкими деталями, что показывает, как мастера стремились создать красивый и гармоничный образ. Из-за своего классического стиля и невероятного мастерства изготовления скульптуры Ифе вызывали самые удивительные догадки.
Говорят, что искусство скульптуры в городе Ифе связано с древним искусством Бенина, которое находится на юге Нигерии. По легенде, в 18 веке один мастер из Ифе научил жителей Бенина делать изделия из бронзы. На это указывают не только высокое качество бронзового литья и обработки, но и схожие черты в ранних бенинских скульптурах. Позже в Бенине появился строгий стиль, который почти не менялся много веков. Главной задачей искусства было прославление правителя, которого считали богом, и его предков. Уже тогда бенинские скульптуры имели некоторую условность в изображении лиц и были менее подвижными. В отличие от Ифе, в Бенине уделяли много внимания украшениям: головным уборам, драгоценностям, а особенно высоким воротникам, которые закрывали рот. Эти воротники были стилизованным изображением королевских регалий – множества коралловых бус. Со временем, из-за обилия декоративных деталей, лица на скульптурах стали менее выразительными.
В Бенине вместе со скульптурами царя были очень популярны бронзовые рельефы, которые украшали галереи царского дворца. На них изображали разные сцены: царя и его помощников в праздничной одежде, охоту, воинов с оружием, а также португальских солдат в европейской одежде. Эти рельефы очень выразительны, но человек на них уже становится частью общего декоративного рисунка, а не главным элементом. Часто на рельефах можно увидеть животных, которые имеют религиозное значение для Бенина. Если бронзовые и терракотовые скульптуры создавали в основном при дворах правителей, то декоративное искусство было распространено почти везде. Его можно разделить на три вида: круглые скульптуры, ритуальные маски и резьбу по дереву, которая украшала предметы для религиозных обрядов и для дома. Из-за влажного климата в тропиках дерево плохо сохраняется, поэтому самые старые такие изделия не старше 150–200 лет. Это искусство в основном было связано с религией, но мастера также делали вещи для повседневного использования — например, столы, двери, подносы, кубки для вина, ступки и другие предметы.
Каждый народ и племя в Африке создает свои особенные скульптуры, которые ни с чем не спутаешь. И хотя они могут казаться немного "неправильными" на первый взгляд, в них есть что-то очень живое. Их реализм не в том, чтобы все было как в жизни, а в том, как сильно они передают суть. Мастера умеют показать самое главное в человеке или животном, поэтому часто делают, например, голову очень большой – это придает фигуре внутреннюю силу и движение, даже если она стоит спокойно. Еще одна важная вещь – скульптура здесь тесно связана с ремеслом. Мастера любили сам процесс работы и красоту дерева, поэтому часто не красили свои творения, а наоборот, подчеркивали его естественный цвет и текстуру. Они умели работать с любыми материалами, которые были под рукой.
Сегодня подлинные очаги традиционного африканского искусства встречаются редко, в основном в удаленных уголках континента. Тем не менее, его влияние прослеживается не только в сувенирах и ремеслах, но и в творчестве профессиональных художников. Примером тому служат знаменитая школа Пото-Пото в Конго, мастерская при Национальной галерее в Хараре (Зимбабве) и ковровая мастерская в Тиссе (Сенегал). Художники, получившие европейское образование (такие как Б. Эвонву, Ж. Секо, О. Амфо), по-своему интерпретируют эти традиции. Несмотря на свою молодость и текущие проблемы (нехватка преподавателей, школ, выставочных площадок), современное африканское искусство активно развивается. Переход от фольклора к профессиональному искусству в независимых африканских странах способствует формированию национальных художественных школ, которые будут соответствовать современному культурному уровню.
