Нетривиальный взгляд на мир искусства, раскрывающий некоторые из самых странных, забавных и увлекательных историй о великих художниках и их шедеврах, с иллюстрациями в конце)

По мере чтения, приходилось постоянно гуглить работы художников, что лично меня порядочно раздражало. Но сами истории написаны легко, читаются в удовольствие и делают мир искусства ближе и понятнее.

Клод Моне, патриарх импрессионизма, посвятил более 250 полотен мотиву кувшинок. Этот навязчивый, почти медитативный цикл стал его magnum opus и духовным завещанием. Чтобы понять генезис этой одержимости, необходимо обратиться к 1914 году — периоду глубокого личного и творческого кризиса мастера.

Клод Моне был сломлен: смерть любимой жены, угасание зрения из-за катаракты, мучительная зубная боль и мрачный фон Первой мировой войны, на фронт которой отправился его сын. Мир вовне рушился, и художник совершил уход в собственноручно созданную вселенную в Живерни, в деревне в 50 милях от Парижа.

Здесь он погрузился в сизифов труд, начатый двумя десятилетиями ранее: грандиозный цикл «Кувшинки». Это должна была быть итоговая работа, монументальная панорама, запечатлевшая игру света от заката до рассвета на почти 100-метровом полотне. После смерти Моне в 1926 году цикл был преподнесен в дар французскому государству и осмыслен как лебединая песня импрессионизма и прорыв к истокам абстрактной живописи.

Само пространство для этого подвига было творческим актом. Приобретя в 1890 году дом в Живерни (с помощью галериста Поля Дюран-Рюэля, открывшего ему американский рынок), Моне не просто разбил сад, а сконструировал идеальную художественную лабораторию. Он преобразил фруктовый сад в водный, перенаправив русло реки Эпт, что вызвало недовольство местных жителей, прозвавших его «маркизом». Флора для пруда тщательно отбиралась у специализированных питомников; Моне импортировал экзотические сорта из Южной Америки и Египта.

Вопреки сегодняшнему восприятию сада как идиллического образа французской деревни, это был чистый артефакт, синтез английской, французской, голландской и, что наиболее важно, японской садовой традиции.

Эпоха японизма была в зените, и студия Клода Моне ломилась от гравюр Утамаро и Хиросигэ. Их влияние читается в изогнутых японских мостиках, переброшенных через пруд, и в самой композиции, где кувшинки часто даются крупным планом, вне классической перспективы. Возможно, Моне, будучи атеистом, находил в буддийском символизме кувшинки, произрастающей из грязи к прекрасному цветению, мощную метафору для собственного творческого метода, хотя его работа в саду часто сопровождалась приступами ярости, а не спокойствия.

Фундаментальный смысл этого предприятия — абсолютный контроль. Если прежде Моне, апостол пленэра, сам выходил навстречу миру, чтобы писать стога сена, соборы или морские пейзажи, то теперь он пригласил мир к себе.

С 1890 по 1926 год он создавал вариации на одну тему. Как признавался сам художник, «водяные лилии — это лишь аккомпанемент». Истинным субъектом была сама стихия света — непостоянная, вечно изменчивая, которую, по словам Моне, в Живерни нужно было ловить каждые семь минут.

С возрастом эта одержимость светом достигла апогея. Ранние «Кувшинки» еще содержат традиционные элементы пейзажа: линию горизонта, четкие рамки. Однако к 1909 году происходит радикальный сдвиг. Ракурс сужается, небо изгоняется с холста и присутствует лишь как отражение в воде, что, по признанию Мона критику Гюставу Жеффруа, стало для него навязчивой идеей.

Его «Grande Decoration» («Большая декорация»), начатая в 1914 году, пошла еще дальше. Моне работал над ней до самой смерти, нанося слой за слоем краску, создавая серию настолько размытую, пятнистую и новую по своей языковой структуре, что впоследствии ее назовут точкой отсчета для абстрактных исканий Джексона Поллока и Марка Ротко.

В этих полотнах импрессионизм преодолел себя, трансформировавшись из отражения мгновенной реальности в глубокое, почти бесконечное созерцание самой материи света, цвета и воды.

Больше историй из мира искусства в моем Tg.

Венера, страстная богиня любви, жеманно возлежит на ложе, жемчужная кожа её замечательно контрастирует с насыщенными цветами занавесок и простыни. Тайна, опасность и драма – всё это про «Венеру с зеркалом».

В любой статье про картину вы прочитаете, что это единственная выжившая работа Веласкеса с обнажённой девушкой. В моём посте, кстати, тоже это написано.

Конечно, можно было бы обойтись и без купидона. Но церковная цензура и инквизиция чуточку ограничивали свободу творцов, поэтому Веласкес прикрыться мифологическим сюжетом, но от нашего с вами проницательного взгляда не скроешься.

Почему же я так уверен в хитрости мастера? Слишком уж необычна картина: холодные, отстраненные цвета ближе к реализму, чем традиционные тёплые тона у других Венер (сравните с версиями Боттичелли, Джорджоне и Тицианом), включая тела богинь – у нашей героини белая кожа, бледность с розоватыми вкраплениями, самая земная красивая девушка!

Даже техникой автор выделяет прекрасницу – обратите внимание, крачная, портьера теряет текстуру и цвет. А потому что нечего детали высматривать, у вас тут изящность такая лежит под носом.

Современники, а затем и исследователи, интересовались – кто эта Венера, кто позировал художнику? Скорее всего, это была Фламиния Трива, с которой Веласкес крутил роман в Италии и сделал сына (и уехал к жене, гад). Но это неважно, главное символ – женская красота в своём абсолюте.

Мне кажется, что художник намеренно смазал отражение, чтобы не давать чёткого ответа, что такое красота – пусть зритель сам дорисовывает идеал в своём воображении. Мастерство и загадка, от покупателей отбоя не будет.

Долгое время считалось, что картина приносит несчастья своим владельцам: после покупки они разорялись, их грабили и даже убивали. Бедняги всего лишь хотели кусочек прекрасного в своей жизни, но безжалостная богиня губила души, а мы с вами отмечаем, что это совпадение. Ведь правда?

С картиной связан и другой сюжет. В 1914 суфражистка Мэри Ричардсон увидела сексуализацию женщин и как невежественные мужланы исходят сладострастными слюнями по богине на холсте. Также мадам искала акцию против ареста Панкхерст, своей коллеги-феминистки. Словами «Убийца Мэри» (эпичное прозвище) не ограничилась – взяла нож с собой в музей и нанесла смертельные раны полотну. К счастью, реставраторы совершили маленькое чудо и восстановили полотно, и теперь современные зрители могут исходить слюнями себе на здоровье.

Правда и на этом напасти не закончились. В 2023 году новые акционисты, теперь экоактивисты, попытались молотками пробить защитное стекло (после первого нападения Национальная галерея сделала выводы). Картина получила минимальные повреждения, активисты получили минимальное наказание, все мы получили минимальное удовольствие от таких новостей.

Потому что искусство должно оставаться искусством, а политика и скандалы пусть проходят мимо. И вообще, лучше полюбуемся Венерой, прекраснейшей из богинь!

Другие истории и заметки про искусство можно почитать тут
Добра и любви!

В искусстве часто именно игра, лишенная рационального контроля, рождает самые радикальные открытия. Ярчайший пример — игра-практика «Изысканный труп» (Cadavre Exquis), коллективная игра в рисунки и слова, рожденная в 1920-е годы на винных вечерах в парижском Монпарнасе и ставшая одним из ключевых методов сюрреализма.

Суть игры проста: несколько участников поочередно создают фразу или рисунок на листе бумаги, складывая его так, чтобы следующий художник не видел предыдущих вкладов. Результатом становится причудливый гибрид — скажем, человек в котелке, с пышной грудью, в килте и с щупальцами осьминога вместо ног. Но для сюрреалистов это был не просто забавный курьез, а манифест и инструмент творческой революции.

Хотя подобные словесные игры (как «последствия») существовали и раньше, официальное рождение «Изысканного трупа» как художественного метода связывают с кругом Андре Бретона. Как писал сам основоположник сюрреализма в журнале «La Révolution surréaliste» (1927), игра оформилась примерно в 1925 году в «старом доме» на рю де Шато, 54, где собирались Марсель Дюамель, Бенжамен Пере, Жак Превер и Ив Танги. Именно там, за бокалами вина, взрослые мужчины с детским рвением предавались игре, стремясь вернуть spontaneity и незамутненность детского восприятия.

Название методу дала первая же составленная фраза: «Изысканный-труп-выпьет-молодое-вино» (Le cadavre - exquis - boira - le vin - nouveau). Эта фраза, с ее случайной, но совершенной поэтичностью, была воспринята как мистическое откровение.

В основе игры лежала центральная эстетическая категория сюрреализма — сопоставление несоответствующего (juxtaposition). «Изысканный труп» стал материализацией их стремления разорвать привычные связи реальности, поставить под сомнение объективность восприятия и обнажить работу бессознательного. Как писал Бретон, этот метод позволял «отрицать неистовое, насмешливое подражание физическим видимостям» и акцентировать «случайные взаимосвязи, то, что объединяет внутренний и внешний миры».

Игра быстро эволюционировала из салонного развлечения в серьезный художественный метод. Коллажи, созданные по его принципам, сегодня хранятся в ведущих музеях мира. Одна из самых известных работ — коллаж самого Бретона и шести его товарищей, созданный для приглашения на открытие Сюрреалистической галереи в 1927 году: голова-зонт, тело-сундук и ноги-горшки. Важно, что метод иногда модифицировался: некоторые коллажи создавались без секретности, но все равно объединяли видение нескольких авторов, порождая то, что «не мог создать ни один отдельный ум». Это также давало возможность для творческого высказывания часто забываемым женщинам-сюрреалисткам, таким как Валентин Юго и Ремедиос Варо.

«Изысканный труп» был не единственным методом, рожденным из стремления сюрреалистов обойти диктат разума. Ему предшествовал «автоматизм» (спонтанное рисование без сознательного контроля), а позже Сальвадор Дали разработал свой «параноидально-критический метод». Все они были нацелены на одно: сместить фокус творчества в область бессознательного, чтобы, минуя рациональность, породить нечто абсолютно новое, свободное и подлинно сюрреалистическое — то, что находится по ту сторону реальности.

Больше статей по искусству в моем Tg

Ко второй половине 20 века в Южной Корее стала все больше актуальна проблема классового неравенства. Вследствие этого власть, а также искусство, поддерживаемое ею на тот момент и закрепившее свои эстетические каноны, подвергалось критике со стороны людей левых политических взглядов. Было создано новое движение минчжун мисуль — значимое явление в культуре и искусстве Кореи. О нем и будет мой пост!

Корейское слово «минчжун» дословно переводится как «народ», однако в данном контексте имеет значение «представителей угнетенного класса, участвующих в межклассовой борьбе». Основные идеи представителей данного движения искусства заключались в том, чтобы создавать искусство о народе, для народа, от такого же народа. Художник должен был слиться с «минчжуном», стать им, почувствовать его настроение и передать это в своем произведении так, чтобы «минчжуну» было это понятно.

Возрождение самобытности через изобразительное искусство

Художники, прежде будучи загнанными в эстетические, отличные от реальности законы предыдущего направления, пытались сорвать оковы и тем сильнее стремились передать настоящую жизнь корейского народа того времени. Они стремились вернуть самобытность корейской культуры и искусства.

Перед творцами лежала задача создавать искусство, которое могло бы и дальше вдохновлять народ на социальную борьбу. Еще одной задачей было массовое распространение произведений минчжун мисуля среди народа, так как тансэкхва (основное направление изобразительного искусства в Корее на тот момент, активно поддерживаемое и продвигаемое правительством) была сильно изолирована от народа в силу своей нереалистичности и возвышенности.

Часто многие художники обращались к гравюре — этому важному виду искусства, так как она могла эффективно решить задачу распространения: можно было быстро и легко производить большое количество копий произведения, что способствовало его продвижению в массы.

Искусство как протест в культуре Южной Кореи

Художники минчжун мисуля заявляли о проблемах корейского общества того времени, требовали изменений, активно выражали свою позицию. Многие художники участвовали в забастовках и демонстрациях. Естественно, властям Южной Кореи было совсем невыгодно это движение, поэтому оно никак не продвигалось, а наоборот, постоянно подавлялось государством. Многие художники имели проблемы с законом, однако движение не угасало, потому что народ в нем нуждался.

Я считаю, что тема минчжун мисуля заслуживает более глубокого погружения, мне бы хотелось понять, какими способами художники захватывали внимание народа, при этом не теряя самобытность и эстетику. Я решила рассмотреть работы разных художников этого направления, чтобы узнать, как они решали задачи, поставленные движением, и реализовывали его идеи. Основой были статьи о современном искусстве Южной Кореи, а также статьи об истории Кореи, журналы и каталоги с произведениями искусства корейских мастеров.

Исследование: виды искусства художников минчжун мисуль

Я решила разобрать работы разных корейских художников того времени, которые относили себя к направлению минчжун мисуля, чтобы на их примерах обозначить характерные черты и посыл этого вида искусства.

О Юн: народные мотивы в корейском изобразительном искусстве

О Юн создавал работы, вдохновленные народным корейским искусством «минхва». После войны данное направление почти исчезло, однако О Юн и его товарищи смогли возродить его в своих работах. Так, в картинах Юна присутствуют фигуры из народной мифологии, животные, символизирующие собой какие-либо явления.

Помимо традиционных мотивов, которые О Юн привнес в творчество эпохи минчжун, в работах художника часто изображаются повседневные дела народа, его ценности и его образ жизни.

Хон Сондам: политическое искусство в технике гравюры

Хон Сондам пользовался техникой гравюры — значимой формы изобразительного искусства, благодаря чему стал известен, его работы быстро распространялись и становились узнаваемыми, а его острые противоречивые сюжеты сложно с кем-то спутать. В своих работах Хон Сондам поднимал острые социальные вопросы, а после восстания в Кванджу они приобрели еще и политический оттенок.

Им Оксан и новые формы искусства

Художник умело выражал социально-политические проблемы того времени в своих работах, используя различные образы, понятные «минчжуну».

Им Оксан часто выходил за рамки канонов традиционного изобразительного искусства того времени. Так, помимо картин, он делал различные инсталляции, работал со скульптурой. В своих работах он использовал землю, зерна, металл, бумагу — чтобы максимально приблизить искусство к жизни зрителя.

Ли Чонгу: крестьянская жизнь как вид искусства

Ли Чонгу часто изображал на своих картинах крестьян и сельскую жизнь. Его отец был фермером и часто становился «моделью» для его работ. Также художник часто использовал мешки из-под риса вместо холста. Всё это максимально сближало зрителя с крестьянской жизнью.

Однако работы Ли Чонгу изображают крестьян без какой-либо идеализации — они показывают злость, раздражение, протест — эти настроения отражали культуру и искусство народа того времени.

Мин Чонги: бытовое искусство как протест

Мин Чонги начинал свой путь с рисования «barbershop paintings», со слов художника. Он рисовал обычные житейские сюжеты, однако выполнял их в технике масляных красок, используемой в то время элитой художников для возвышенных сюжетов. Таким образом, Мин Чонги выражал протест против художественной элиты, заявляя, что сюжеты обычной жизни народа имеют не меньшую ценность.

Позже художник покинул город и начал большее внимание уделять природным пейзажам. Однако, помимо природной красоты, в его работах можно найти отражение следов человека — как часть культуры и искусства повседневной жизни.

Пак Булдон: реалистичное искусство без метафор

Этот художник более позднего периода минчжун мисуля открыто выражал протесты в своих работах, практически не используя метафор или абстракций. Он использовал коллажную технику, чтобы добавить реалистичности — чтобы зритель узнавал себя и осознавал социальные проблемы.

Но Вонхи: тёмная эстетика рабочего класса

В своих ранних работах художница показывает мир рабочих людей с самой непривлекательной стороны. Она использует сюжеты с острой социальной повесткой, выполненные в мрачной стилистике. Таким образом, Но Вонхи привлекала внимание к проблемам общества через искусство, которое можно сравнить с духовной борьбой — как в боевых искусствах.

Выводы исследования: искусство народа как важнейший элемент культуры

В ходе исследования мы выяснили, что художники минчжун мисуля были небезразличны к проблемам корейского общества в послевоенное время. Художники выражали свой протест как открыто — через социальные сюжеты, так и с помощью метафор — обращаясь к образам фольклора.

Они часто использовали старые народные традиции изобразительного искусства — ксилографию и гравюру, чтобы обозначить ценность корейского народа. Их работы были просты для понимания рабочими — целевой аудиторией. Массовое распространение обеспечивали простые, тиражируемые техники.

Благодаря этому, движение минчжун мисуль стало одним из самых значимых видов искусства Южной Кореи. И, несмотря на то, что часть проблем уже решена, это направление в культуре и искусстве продолжает существовать и развиваться.

Пишите в комментариях свои мысли по поводу этого противоречивого яркого движения, а также идеи какого из художников вам кажутся ближе!