Серия «Искусство»

На послеклассическом этапе (X–XVI вв.) распространение военных конфликтов наносит ущерб старым городам-государствам. В это время военные вожди захватывают власть, объединяют народы и создают крупные государства.

В искусстве тольтеков в Мексике преобладают монументальные постройки, сцены сражений и изображения воинов с жестокими подробностями. Именно такой воинственный характер искусства переняли ацтеки, которые подчинили Центральную Мексику и основали столицу Теночтитлан в 1325 году.

В Южной Америке инки в XV веке создали обширное рабовладельческое государство со столицей Куско и мощными крепостями из массивных каменных сооружений. При них достигли высокого уровня развития ювелирное и ткацкое искусство 🏛️💎.

С приходом европейских колонизаторов в Америку с XVI века уникальная культура местных жителей оказалась под угрозой полного уничтожения. Наиболее тяжёлые потери понесли народы, населявшие территорию нынешних Соединённых Штатов и Канады. В то же время именно искусство индейских племен Мексики, Перу и Эквадора легло в основу последующего развития народных традиций. Только в глухих районах, например в лесах Амазонии, удалось сохранить исконные культурные формы.

Колониальный период XVI–XVIII веков ознаменовался полной трансформацией архитектуры. На месте индейских святилищ появились новые города, соборы, монастыри и ратуши. Испанцы ввели единый стандарт планировки городов и тип домов с внутренним двором‑патио, окружённым галереей на колоннах или арках. Здания отличались массивностью и симметрией глухих стен, а их суровость компенсировалась пышным декором фасадов и интерьеров — часто в ярких цветах и резьбе по камню. При этом сохранялись элементы традиций древней культуры Америки под влиянием европейских стилей.

В Америку европейцы привезли навыки живописи, скульптуры и графики. Колониальные здания отличались массивностью и тяжеловесностью, а в XVII–XVIII веках их декор стал особенно пышным: торжественность барокко здесь смешалась с вычурной сложностью индейских орнаментов (метисский стиль). Среди выдающихся мастеров того времени — Хосе Тупак из Перу (XVII век), Касикара из Эквадора (XVIII век) и крупнейший бразильский скульптор Алейжадинью, работавший на рубеже XVIII–XIX веков.
В XX веке традиции древнего искусства продолжили развивать прогрессивные мастера Латинской Америки, среди которых выделяются мексиканские монументалисты Диего Ривера, Сикейрос и Ороско. 🎨🌍

Алейжадинью

Ороско

Сикейрос

Диего Ривера

В колониальный период европейцы принесли в Америку свои традиции, которые проявились в архитектуре и искусстве. Однако индейские народы смогли частично сохранить элементы своей древней культуры. В странах, куда завозили африканских рабов, их культура также оказала влияние на формирование национальной идентичности. На американском континенте сложилось два культурных ареала. Северная Америка (включая Мексику) находилась под влиянием Англии и Франции. Центральная и Южная Америка были колониями Испании и Португалии. Здесь сформировались латиноамериканская архитектура и искусство, отличавшиеся испанскими чертами, но адаптированные к местным условиям. Города строились по регулярному плану — улицы пересекались под прямым углом, а главная площадь обязательно занималась собором или ратушей. Здания повторяли испанский стиль, но учитывали особенности климата и свойства местных материалов. Часто они имели богатый внешний декор причудливой формы; иногда его выполняли местные мастера-индейцы.

Изобразительное искусство служило преимущественно религиозным целям. Широкое распространение получили церковные постройки, скульптуры и картины, заказанные монахами для усиления своего влияния над духовной жизнью населения Латинской Америки.

Лишь к концу XVIII — началу XIX веков большинство стран Америки сбросило оковы колониальной зависимости. Однако в государствах Латинской Америки долгое время сохранялся феодализм, а следы колониального прошлого были видны повсюду. Искусство начало активно развиваться только в XX веке. Главную роль в его становлении сыграла Мексика. Здесь расцвели монументальная живопись (работы Диего Риверы, Хосе Клемента Ороско, Давида Сикейроса) и народная графика (мастерская «Мастреская», возглавляемая Леопольдо Мендесом), отражавшие идеи освободительного движения. Благодаря этому влиянию во многих странах континента появились свои школы реализма. Вместе с тем латиноамериканское искусство впитывало современные тенденции из Северной Америки и Западной Европы.

Латинская Америка прославилась такими выдающимися архитекторами, как Луис Коста из Бразилии, Освальдо Нимейер, Карлос Рау́ль Вильянуэва из Венесуэлы и мексиканцы Хуан О'Горман и Марио Паньи. С приходом к власти революционного правительства в Кубе после 1959 года, там началось активное развитие искусства в духе социализма. Это направление оказало мощное воздействие на культуру соседних латиноамериканских стран.

Луис Коста

Освальдо Нимейер

Карлос Рау́ль Вильянуэва из Венесуэлы

Хуан О'Горман

Марио Паньи

Социалистическое искусство Кубы

В северной части Американского континента, на территории современных США и Канады в колониальный период возникли небольшие поселения европейцев — деревни, фактории и миссии. Со временем они превратились в крупные города. Формирование художественной культуры происходило под влиянием европейского опыта, но значительную роль играли традиции коренных народов (индейцев), а также переселенцев из Мексики и Африки.

Рост национального самосознания и распространение демократических идей во время Войны за независимость (1775–1783) нашли отражение в искусстве конца XVIII – первой половины XIX века. В этот период были возведены многочисленные общественные здания в стиле классицизма (архитекторы Ч. Булфинч и Т. Джефферсон). Художники создавали портреты общественных деятелей, героев революции и современников (например, Г. Стюарт).

Здания в стиле классицизма архитекторы Ч. Булфинч и Т. Джефферсон

В конце XIX века в США, переживавших стремительную индустриализацию и сталкивавшихся со всё более острыми социальными противоречиями, активно внедрялись новые рациональные подходы к строительству. Именно тогда, в 1880–1890-х годах, в Чикаго и Нью-Йорке появились первые небоскрёбы — многоэтажные здания на стальном каркасе. Архитекторы чикагской школы (Даниэль Бернем, Уильям Ле Барон Дженни, Луис Салливен) создали совершенно новую эстетику зданий, где инженерная конструкция стала определяющим элементом их облика.

В изобразительном искусстве США конца XIX века господствовала академическая традиция, а в городах преобладали претенциозные памятники. В то же время Ф. Л. Райт стремился к гармонии архитектуры с природой, а Уинслоу Хомер, Томас Икинс и другие реалисты изображали простую жизнь американцев: сельскую идиллию, быт моряков и охотников, городские сцены. Художники Джеймс Уистлер и Джон Сарджент создавали тонкие психологические портреты, а Мэри Кассат — проникновенные картины домашнего быта. Скульптор Оуэн Месереотт вдохнул жизненную силу в свои произведения, отказавшись от холодных формальных памятников.

Ф. Л. Райт

Мэри Кассат

Источник: "Америки искусство" Энциклопедия юного художника.

🎨 Акварель — это очень разная техника.

Можно рисовать прозрачно, почти как карандашом (графика), а можно делать яркие и насыщенные картины с чёткими контурами.

Есть работы совсем маленькие, уютные (камерные). А есть огромные, которые висят в музеях или на стенах домов (монументальные).

На акварели отлично получаются:
- 🌳 пейзажи;
- 🥕 натюрморты;
- 👤 портреты;
- ⚙️ сложные композиции из разных предметов.

Герасимов С. В. Первый снег. Окно. 1936.

Для рисования акварелью нужно совсем немного: краски, мягкая кисточка, вода в небольшой баночке. Но чтобы хорошо рисовать, нужна твёрдая рука, опыт работы с красками и понимание техники.

Акварель можно использовать по-разному:
- Можно сразу писать яркие цвета на сухой или мокрой бумаге.
- Можно постепенно добавлять детали, работая от общего к частному.
- Или наоборот — начинать с мелких деталей и потом переходить к общему виду.

Главное правило: акварельные ошибки исправить почти невозможно. Краска прозрачная, поэтому бумага должна быть чистой и белой. Акварелю не подходят замазки и исправления.

Первые прекрасные акварели появились ещё в эпоху Возрождения (например, у Альбрехта Дюрера). В Европе их стали ценить только недавно — примерно 200–300 лет назад.

Но в полной мере акварель в Европе стали ценить только недавно — примерно 200–300 лет назад.
Особенно прославился своими акварелями английский живописец У. Тернер, певец лондонских туманов и пенистых волн, сумрачных скал и солнечного света.

В России прошлого века было не мало выдающихся акварелистов. К. П. Брюллов доводил листы с жанровыми сценками, портретами и пейзажами до филигранной завершённости.

А. А. Иванов писал просто и легко, соединяя живой безупречный рисунок с чистыми сочными красками.

П. А. Федотов, И. Н. Крамской, Н.А. Ярошенко, В. Д. Поленов, И. Е. Репин, В. А. Серов, М. А. Врубель, В. И. Суриков ... Каждый из них внес богатейший вклад в русскую акварельную школу.

Федотов Павел Андреевич

Крамской И.Н. Сиверская. Лето. 1874.

Ярошенко Н.А.

Поленов В. Д.

Врубель М. А.

Советские живописцы, продолжая традиции этой школы, дали акварели новое развитие. Это А. П. Остроумова-Лебедева, П. П. Кончаловский, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, Н.А. Тырса, А. В. Фонвизин, Е. Спрингис и многие другие.

Анна Остроумова-Лебедева

Художники иногда смешивают акварель с другими красками, например, гуашью или темперой. Но если так делать, то теряются главные особенности акварели: лёгкость, прозрачность и яркость цвета — именно они делают её особенной по сравнению с другими техниками рисования. 🎨

Привет, друзья! Сегодня хочу рассказать вам о крутом художнике, который умеет превращать наши любимые сказки в нечто совершенно новое и захватывающее. Знакомьтесь, Михаил Сидоренко, или как его знают в сети – konhis.

Кто такой Михаил Сидоренко?

Представьте себе художника, который с детства окружен искусством (его семья – сплошь творческие люди!). Он учился в художественных школах, но потом понял, что его тянет к компьютерам и играм. Так Михаил стал концепт-художником и 3D-моделлером. Это значит, что он придумывает и рисует, как будут выглядеть персонажи, монстры, миры в играх и фильмах.

Его работы – это что-то с чем-то! Яркие, необычные, с юмором и всегда с какой-то изюминкой. Он умеет так круто смешивать старое и новое, что просто глаз не оторвать.

Что за «Песнь "Лебедя"»?

Это его самый большой и крутой проект! Изначально Михаил хотел сделать что-то вроде дополнения к любимой игре «Ведьмак 3», но потом понял, что это целая отдельная вселенная.

Немного отойду от темы вот его арты на тему коронавируса 🦠😆

Продолжу о " Песни Лебедя"

Главный герой - бессмертный витязь (наш русский богатырь!), который ищет загадочный корабль «Лебедь» и сражается с жуткими чудовищами.

Мир - это наше Тридесятое царство, но такое, каким вы его еще не видели! Полное славянских мифов, народных сказок и даже немного скандинавских легенд.

Вдохновение - русские сказки, старые поверья, и даже идеи о древних цивилизациях.

Выше на рисунке Сирин

Михаил не просто рисует картинки, он придумывает целую историю, прорабатывает каждую деталь, чтобы все выглядело по-настоящему и логично. Он даже работает над этим проектом вместе с друзьями, что делает его еще круче!

В чем фишка его стиля?

Михаил очень любит, чтобы все выглядело реалистично. Даже если это сказочный монстр, он должен быть таким, чтобы вы поверили, что он мог бы существовать. Он вдохновляется работами великих художников, таких как Врубель, и современными хитами вроде «Ведьмака» и «Игры престолов».

Его работы – это как мостик между старыми добрыми сказками и современными технологиями. Он берет что-то родное, знакомое, и делает это невероятно круто и по-новому.

Живая репка

Вот еще немного артов на тему Гарри Поттера и не только

Михаил Сидоренко и его «Песнь "Лебедя"» – это настоящий подарок для всех, кто любит фэнтези, русские сказки и просто красивые, продуманные миры. Это пример того, как талант, упорство и любовь к своему делу могут создать что-то по-настоящему уникальное.

А вы уже видели работы Михаила? Какие сказочные миры вам нравятся больше всего? Делитесь в комментариях!