Дом Зингера одно из самых известных и, конечно, самых красивый зданий Петербурга. Дом этот как будто неотделим от образа Петербурга. Но как он выглядел в разные периоды истории? Об этом и поговорим (и посмотрим!).
Для начала немного истории.
Дом Зингера был построен в 1902-1904 годах по проекту архитектора Павла Сюзора для, вы не поверите, американской компании Зингер. Да-да, той самой, которая производила самые известны швейные машинки в мире. И если этот факт известен всем, то вы будете удивлены, узнав, что эта же компания в разные периоды своей истории также изготавливала скутеры, персональные компьютеры, пистолеты, системы управления ракетным вооружением и даже занималась научными исследованиями - например, изучала ускоренное восстановление тембра голоса после гелиевой ингаляции для водолазов и подводников. История у компании та ещё.
1908 год. Зингер-Билдинг, Нью-Йорк.
Дом компании Зингер в Петербурге был первым «личным» зданием компании. Но не единственным. В 1908 году в Нью-Йорке на одном из перекрестков Бродвея был построен самый высокий на тот момент небоскреб в мире - Зингер-билдинг. Это 187-метровое здание снесут в 1968 году из-за банальной экономической неэффективности - Зингер-билдинг мог предложить арендатором только 390 квадратных метров офисов на каждом этаже, тогда как конкуренты «давали» и 2000, и 3000 метров. Кстати, даже будучи снесенным, этот небоскреб установил мировой рекорд - стал самым высоким разрушенным зданием в мире.
Но вернемся к нашему Дому Зингера.
До постройки.
В документах сохранились упоминания о трех домах на месте нынешнего Дома компании Зингер (манеж, который переносили на это место от Зимнего Дворца по приказу Анны Иоановны в 1738 году, к домам не относим):
1740-е - Комедиантский театральный оперный дом (сгорел в 1749 г.), построенный, между прочим, по проекту архитектора Бартоломео Растрелли.
1770-е - Дом придворного духовника И. И. Панфилова.
С 1840-х и до конца XIX века - трехэтажный Дом аптекаря Карла Имзена. Фактически это перестройка дома-предшественника с надстройкой 4-го этажа.
Эпоху фотографии застал только один из них. Однако в нашем распоряжении есть литография 1830-х, сделанная по рисунку Василия Садовникова.
Фрагмент Панорамы Невского проспекта, дома 26,28. Литография И. А. Иванова с рис. В. С. Садовникова. 1830-е гг.
Дом Имзена. Фотография сделана между 1888 и 1891 годами.
Дом Имзена. Фотография сделана зимой 1900 года дворянином-фотографом Львом Александровичем Берггольц, у которого в этом дома была фото-мастерская.
Дом Имзена. 1895-1900, на фото видно вывеску фото-мастерской Берггольца.
Строительство Дома Зингера.
В 1900 году компания Зингер выкупает этот участок для строительства своей штаб-квартиры. Отсюда американская фирма планировала торговую экспансию на Восток - в Турцию, Персию, Китай и Японию. Сумма сделки превысила миллион рублей. Для понимания этой суммы: средняя зарплата рабочего по данным 1899 года составляла 29 рублей в месяц, а пара сапог стоила 5 рублей 50 копеек. То есть, цена участка была эквивалентна труду 100 рабочих в течение примерно 29 лет. Ну, или сапогам для всех жителей Нижнего Новгорода и Самары (примерно по 90.000 человек в каждом по переписи 1897 года), включая, женщин, стариков и безногих.
На разработку проекта у архитектора Павла Сюзора и его соавторов ушел год. Еще год заняли согласования. Сюзор хотел построить здание в восемь этажей, что противоречило ограничению высоты, которое действовало в Петербурге - 11 саженей или 23.5 метра (высота Зимнего Дворца). В итоге удалось договориться на шесть этажей, и в 1902 году началась стройка.
1902 год. Начало стройки.
1903 год. Процесс Стройки Дома компании Зингер.
1903 год. Процесс Стройки Дома компании Зингер.
1903 год. Процесс Стройки Дома компании Зингер.
После постройки и до Революции.
После завершения строительства компания Зингер заняла мансардный этаж, а в главном колонном зале расположился её магазин. Остальные помещения сдавались в аренду - в разное время это были банки, страховое общество и торговое товарищество. По сути, Дом компании Зингер стал первым деловым центром столицы.
1907 год. Дом компании Зингер.
1913 год. Часовой магазин Мозера в Доме компании Зингер. Фотография ателье Карла Буллы.
1913 год. Празднование 300-летия Дома Романовых. Кавалергарды у Дома компании Зингер.
После Революции и до войны.
После Октябрьской революции здание было национализировано. 19 декабря 1919 года открылся магазин «Дом Книги», а в 1922 году компания Зингер покинула Россию.
1926 год, 5 мая. Дирижабль "Норвегия" над Домом Книги.
1927-1929. Дом Книги на проспекте 25 Октября (так Невский проспект назывался с 1918 по 1944 годы).
1920-1940 годы. Кафе в Доме Книги.
1936 год. Дом Книги на проспекте 25 Октября.
Война и Блокада.
Как бы это ни было удивительно, книжный магазин в бывшем Доме компании Зингер работал даже в годы Войны и Блокады, за это время торговля прерывалась только на три месяца. В 1941 в соседнее здание попала бомба, взрывной волной в Доме Книги выбило окна, а чуть позже зимой прорвало трубы, из-за чего книги продавали рядом на улице с лотка.
1941 год. Щель для укрытия в Казанском сквере. На окнах Дома Книги видны бумажные ленты на случай взрывной волны.
1942 год. Видно, что некоторые окна Дома Книги заколочены.
1942 год. Продажа книг с лотка у Дома Книги.
1944 год. Окна нижних этажей Дома Книги еще заложены, а верхних обклеены бумажными лентами.
После Войны.
После Войны Дом Книги стал одним из главных центров книжной индустрии СССР. В нем располагались филиалы издательств «Молодая гвардия», «Мир», «Художественная литература», «Просвещение» и многих других, а также редакции восьми журналов.
1948 год. Отдел канцелярских товаров в Доме Книги.
1948 год. Невский проспект и Дом Книги.
1983 год. Дом Книги.
1987 год. Отдел школьных изданий на первом этаже Дома Книги.
Если сразу перейти к сути, сделавшей Half-Life феноменом, то эта суть в сюжете и погружении. Полноценный сюжет с завязкой, развитием, развязкой и финалом, с живыми, говорящими персонажами, поданный не в кат-сценах, а через диалоги и грамотную режиссуру. До выхода HL шутеры себе такого позволить не могли – гиганты вроде Wolfenstein 3D, Doom, Quake и Duke Nukem 3D историю задвигали на второй план. Отточенный геймплей и впечатляющий геймдизайн также были на высоте, однако именно сюжет и его подача делали игру столь необычной.
А теперь по порядку.
Начнём издалека – с увольнения Гэйба Ньюэлла и Майка Харрингтона из Microsoft. Их всё больше интересовала развивающаяся индустрия видеоигр, к которой Microsoft относилась без особых восторгов. И боссов можно понять: с конца восьмидесятых Microsoft сделала миллиарды на операционных системах MS-DOS и Windows, а также Word и Excel. В 1985 году увидела свет первая Windows, а уже в 1986 году Билл Гейтс стал долларовым миллиардером. Последнее произошло за счёт размещения акций компании на биржах, но всё же. Успехи корпорации восьмидесятых трудно переоценить: в 1987 году была выпущена Windows 2.0, в этом же году Microsoft купила разработчиков PowerPoint; в 1989 году появилась первая Microsoft Office (хотя Word существовал ещё с 1983 года), а выручка Microsoft за 1990 год составила более 1 миллиарда долларов.
Зачем тратить своё время на такую малоперспективную сферу, как видеоигры, когда почти весь мир использует программное обеспечение Microsoft?
Тем не менее, в 1993 году Windows оставалась на втором месте по популярности среди программ для ПК. Первое занимала Doom.
Индустрия видеоигр развивалась стремительно, что и заинтересовало многих предприимчивых людей, способных делать правильные прогнозы. Гейб Ньюэлл был одним из таких. К слову, Гейб не был мелким сотрудником с ничего не значащим мнением: он хоть и бросил учёбу в Гарварде, но работал над первыми версиями Windows и другими продуктами Microsoft и обладал необычайной продуктивностью. Однако его всё больше интересовала перспектива игр. Впоследствии, кстати, именно Гейб предложит Джону Кармаку портировать Doom на Windows.
По совету программиста Майкла Абраша, ушедшего из Microsoft в ID Software, Ньюэлл и Харрингтон также покинули компанию и основали Valve Software. Забавный факт: Valve была основана в день свадьбы Гейба Ньюэлла, 24 августа 1996 года.
Майкл Абраш
Опыт разработки игр у свежеиспечённых игроделов отсутствовал, но непомерным амбициям это не мешало. В студии поначалу вообще было лишь 3-4 человека с опытом разработки видеоигр. Первой их задумкой стал проект Prospero, который пришлось впоследствии отменить, т. к. масштаб задумки не укладывался в рамки технологий своего времени.
Концепт-арт для Prospero
Скриншот Prospero
Вторым проектом Valve стал Quiver, который в ходе разработки сменил название и превратился в Half-Life. Игру создавали на лицензированном движке Quake, купленном у тех же ID Software. В последнем им поспособствовал бывший коллега по Microsoft Майкл Абраш, который верил в успех Valve, в отличие от того же Кармака.
Концепт монстра из игры
На самом деле, благодаря Абрамшу, движок Quake Engine попал в руки разрабам Valve ещё до факта покупки, и они тут же стали изучать его и думать над улучшением. Джон Ромеро советовал ребятам начать нанимать геймдизайнеров с опытом, Гейб его послушался, и вскоре штат Valve стал увеличиваться. Движок менялся и дорабатывался. Вместо 8-битного рендеринга, как в Quake, доработанный движок использовал 16-битный, что позволило использовать в текстурах 65000 цветов вместо 256. Более того, в Half-Life появилась скелетная анимация. Фактически, Quake Engine был переписан для новой игры на 70%.
Издателем выступила Sierra. Они сразу спросили у молодой команды, а чем Half-Life будет отличаться от остальных экшенов? И им ответили: сюжетом, подачей истории, погружением. Энтузиасты собирались сделать 3D-экшен с таким уровнем погружения, какого игроки ещё не видели.
Техническое демо Half-Life 1997 года
Работу над Half-Life обсуждали всей командой. Это была инициатива Ньюэлла, чтобы все решения принимались коллегиально. Впоследствии это определило оригинальное развитие Valve, где отказались от системы менеджеров и боссов. До сих пор даже указания самого Гейба носят лишь рекомендательный характер, а мнение каждого отдельного сотрудника имеет значение.
В результате над разработкой Half-Life сформировалась группа членов Valve, которая называла себя Cabal (вроде бы как заговорщики). Они проводили много времени в обсуждении всех аспектов игры – от дизайна помещений до головоломок, однако сюжета на этом этапе, как ни смешно, ещё не было.
Общую историю придумывали на ходу, стараясь объединить уже созданные локации. Во многом сюжет HL был вдохновлён «Мглой» Стивена Кинга – открывающиеся порталы, лезущая оттуда нечисть, случайно оказавшиеся отрезанными от внешнего мира люди. Идею предложил, кстати, сам Габен. Основным сценаристом не только первой части, но и всей серии стал Марк Лэйдлоу, с чьей подачи Valve отказались от кат-сцен, раскрывая сюжет в заскриптованных геймплейных эпизодах и через общение с персонажами. Лэйдлоу говорил, что им важно было постепенно погружать игрока в сеттинг, подкидывать ему подсказки и давать ощущение личного присутствия в истории. По задумке создателей, мир должен был реагировать на движение игрока, подбрасывая ему новые скрипты, заставляя персонажей реагировать на появление главного героя. В идеале новые скрипты должны были появляться каждые 3-5 секунд движения игрока, что позволяло бы создать непрерывную интерактивность. «Ни в одной другой игре такого уровня интерактивности не было»,— рассказывали создатели в фильме, выпущенном к 25-летию Half-Life. Это создавало у последнего впечатление по-настоящему живого мира. По убеждению Гейба, игра теряет всякое воздействие на игрока, если не реагирует на его действия. Отказ от кат-сцен, таким образом, был мерой того же порядка, как и немота главного героя. Игрок больше ассоциировал себя с персонажем, когда не слышал чужую речь.
Сам персонаж тоже не был похож на оных из популярных шутеров того времени. Вместо мускулистого героя боевика – интеллектуал в очках, учёный, который оказывался жертвой обстоятельств. Разработчики с самого начала отказались от идеи солдата в главной роли, и они придумали персонажа под именем Иван Космобайкер. Да-да, это не ошибка – прототип Гордона Фримена носил имя Иван Космобайкер!
«Иван Космобайкер» — физик с внешностью простого русского мужика
Разумеется, никто не собирался оставлять такое имя навсегда, как и первоначальную внешность бородатого мужика с квадратной головой. А потом художник Чак Джонс спросил Майка Харрингтона: эй, а как же будет на самом деле выглядеть Гордон Фримен в игре? И тот сказал: ну, не знаю, возьми пока своё лицо за основу. Чак так и поступил – потом добавил учёному очки, и вуаля. С незначительными изменениями мы получили того самого Гордона Фримена, которого сейчас знает весь мир.
Есть мнение, кстати, что авторы Half-Life были недовольны популярностью Гордона Фримена, ведь этот персонаж был сугубо символическим. Все пробелы в истории самого Гордона были оставлены в сценарии намеренно, чтобы каждый игрок смог примерить историю на себя. Авторы старались сказать: это игра не про Гордона Фримена, она про тебя.
Интересен был и выбор первого оружия в игре, которым стала знаменитая монтировка. Изначально создатели искали оружие с максимальной интерактивностью, чтобы можно было не только лупить врагов, но и ломать ящики, вентиляционные решётки и оставлять следы на стенах. В интервью по поводу 25-летия игры в 2023 году Гейб говорил: «Мы просто бегали как идиоты и лупили по стенам. Странно осознавать это, оглядываясь назад, но в то время очень приятно было иметь возможность бить по стенам. И это всего лишь один пример того, как такое абстрактное представление о веселье закончилось тем, что превратилось в ряд действительно важных решений. Когда вы собираетесь ударить по стене, лом – действительно очевидный инструмент».
Впервые наработки Valve продемонстрировала публике на E3 1997 (помните, да, была такая E3 когда-то?). Это были именно наработки – как говорил сам Ньюэлл, полноценной игры на тот момент ещё не было. И к концу этого же, 1997-го, года, работу над игрой хотели завершить, но это оказалось нереально. Вся команда работала по 18 часов в сутки, приходили домой только спать, и всё равно не укладывались в график. В итоге релиз перенесли почти на год, и на то время сдвиг на столь длительный срок был беспрецедентным случаем. Ха-ха.
Как бы то ни было, в конце 1998 года Half-Life увидела свет. Игра тут же стала хитом, профильные издания ещё много лет называли её лучшей игрой всех времён и народов. За оригинальной игрой последовали сюжетные дополнения: Half-Life: Opposing Force и Half-Life: Blue Shift.
В первом игровым персонажем был солдат HECU по имени Адриан Шепард, а в Blue Shift игроку предстояло играть за Барни Калхауна, простого охранника Чёрной Мезы.
Blue Shift изначально разрабатывалась как бонусная глава для порта HL на Dreamcast, и лишь после отмены самой приставки была перенесена на ПК. Ещё можно вспомнить Half-Life: Decay, которая стала дополнением для версии HL для PlayStation 2 и была рассчитана на кооперативное прохождение двумя игроками.
Все три дополнения были разработаны Gearbox Software. События дополнений происходят параллельно с событиями оригинальной Half-Life и показывают историю с позиций разных персонажей – такая подача ещё больше добавляла глубины всей истории. Внезапно, другие персонажи игры тоже оказывались живыми людьми, а не просто болванчиками, нужными лишь для того, чтобы умереть в заскриптованной сцене.
Масштаб истории, конечно, впечатлял, и потому с анонсом Half-Life 2 на E3 в 2003 году ожидания у поклонников выросли до невероятных высот. Особенно подстёгивали интерес тизеры, выполненные в разной стилистике. То в них показывали управление автомобилем, то забег в Рэйвенхоме, то другие сцены игры – помню, что мне было трудно представить, какая же игра в итоге нас ждёт.
Сейчас странно думать о том, что между первой и второй частями серии прошло всего 6 лет. Тогда за эти годы индустрия видеоигр изменилась до неузнаваемости. Появилось огромное количество сюжетных экшенов, визуал улучшился в разы. Незадолго до HL2 вышла DOOM 3, которая, хоть и отошла геймплейно от серии, да и сюжетно не особо впечатляла, была невероятно крута по графике. Помимо неё появились Return to castle Wolfenstein, Serious Sam, Postal 2, Medal of honor… Если отвлечься от экшенов от первого лица, вышли GTA3, Vice City, Max Payne 1 и 2, Mafia, Hitman 1 и 2, True Crime и многое, многое другое. Мир давно уже привык не просто к сюжетным экшенам, а к экшенам с чертовски закрученным сюжетом. А как шокировало игроков геймплейное разнообразие, сейчас не передать. Каждый год появлялись новые жанры – в таких условиях не так-то просто впечатлить игроков старомодной стрелялкой от первого лица. Не так ли?
Но Valve не подвели фанатов и выпустили не просто достойное, а практически идеальное продолжение, которое на какое-то время затмило все остальные игры, как свет от ядерного взрыва затмевает даже Солнце и ослепляет тех, кто на него смотрит. Рецензенты захлёбывались от восторга. Помню, в одном из журналов автор писал, что они всей редакцией всерьёз обсуждали возможность вместо рецензии напечатать в журнале несколько страниц скриншотов и написать всего пару строчек: «Это лучшая игра всех времён и народов. Играйте».
Было за что хвалить HL2. Сюжет интриговал с первой минуты, с первого монолога Джи-мена и прибытия поезда в Сити-17. И вот ты уже идёшь среди жителей в синих комбинезонах, комбайн скидывает с края урны пустую банку и издевательски предлагает тебе её поднять, а ты такой: вау, вот это физика! А потом – открытый город (какие просторы!), закат, и о боже, какая графика! Но не успеваешь ты заскучать, как сюжет делает поворот, и вот ты уже убегаешь по крышам. А потом в руки тебе попадает заветный лом, и тебя захлёстывает восторг, который трудно передать словами…
Half-Life 2 постоянно разнообразила геймплей, стилистику и подкидывала игроку всё новые виды оружия, отчего ни одна часть игры не успевала надоесть. Вот ты швыряешься дисками для циркулярной пилы в зомби в Рэйвенхолме, пока те жутко хромают на тебя в свете горящих в ночи костров. Диск разрубает тело зомби пополам и впивается в деревянную стену, а ты выдёргивашь его гравипушкой и запускаешь в следующего.
Вот ты гонишь по дороге в багги, вот сбиваешь из ракетницы странный летательный аппарат или уходишь от вертолёта по каналам. Ночь сменяет день, а день – ночь, на смену падающим от взрывов фабричным трубам приходит игра с робопсом во дворе, жуть тёмного города сменяется отстреливанием муравьиных львов на побережье, а потом сюжет делает поворот, и ты уже сам командуешь львами. Действительно, трудно перечислить всё, что было хорошего в игре – проще попробовать её самому.
Сюжет сперва сбивал с толку. Гордон Фримен выходит из стазиса, в котором провёл 10 лет, в каком-то поезде, прибывающем в Сити-17. Что это за город? Что случилось с миром после того, как Фримен убил Нихиланта? Это предстоит узнавать постепенно. Оказывается, после событий первой части разразилась семичасовая война, которую человечество проиграло некоему межпланетному Альянсу. Теперь мир наводнён биомеханическими существами, которые установили тотальный контроль над людьми, фактически сделав из них рабов. Люди не могут даже размножаться из-за подавляющего поля Альянса, да и все остальные аспекты жизни остаются под пристальным вниманием наблюдателей. Синие комбинезоны и тотальный контроль невольно наводят мысли на «1984» Оруэлла, что совершенно непохоже на атмосферу первой HL. Фримен быстро присоединяется к повстанцам, которые ведут непрерывную борьбу с Альянсом, и это событие служит катализатором для целого ряда событий.
Добро пожаловать в Сити-17...
Всего было продано от 6 до 8 миллионов копий игры, что на то время было невероятным успехом. Впрочем, это было сопоставимо с затратами на производство HL2 – около 40 миллионов долларов, тогда это была впечатляющая сумма. Valve показали, как можно превзойти самих себя и затмить все проекты, выходившие в последние годы. Пройдя HL2 несколько раз подряд, игроки затаили дыхание в ожидании продолжения, и тут их ждал сюрприз.
В одном игровом журнале новость о том, что продолжение будет выпускаться в виде эпизодов, получила подзаголовок «Неправильное продолжение». Людям не очень пришёлся по вкусу такой формат, хотя тогда он был в моде. Тем не менее, первый эпизод сделан был очень ловко – побег из Сити-17, робопёс и Алекс рядом – история не застыла, она жила дальше, и это было неплохо.
События Episode One начинались с того места, на котором остановилась HL2. Из эпицентра взрыва героев спасают невесть откуда взявшиеся вортигонты, они же не пускают к Гордону Джи-мена, из-за чего тот злится и бросает фразу: «Это мы ещё посмотрим…». В этом эпизоде игроку предстояло сбежать из разрушающегося Сити-17 в компании Аликс Вэнс и робопса, убраться как можно дальше от башни, которая готова была рвануть в любой момент. ИИ Аликс улучшили, поэтому она комментировала события и обращалась к игроку, давая подсказки. Движок Source тоже усовершенствовали, улучшили лицевую анимацию и алгоритм освещения. Valve действительно старались выпустить качественный продукт, а не кривую поделку, но эти старания затягивали разработку. Сперва Episode One планировали выпустить летом 2005 года, но после нескольких переносов выпустили лишь в конце весны 2006.
Во втором эпизоде добавили накала. Во-первых, игроку предоставили обширные локации открытого пространства, по которым можно было передвигаться на машине. Если в Episode One мы блуждали по новым, но стилистически знакомым городским локациям, то в Episode Two игрок оказывался в ранее незнакомых местах. Во-вторых, появились новые противники, охотники. В-третьих, снова улучшили движок – добавили кинематографическую физику, новую систему частиц, улучшили освещение, ввели рендеринг ландшафтов и растительности, благодаря чему стало возможным создавать крупные открытые пространства, а также многоядерный рендеринг для улучшения производительности на многоядерных процессорах.
Я упоминаю технологические аспекты не просто так, а чтобы напомнить, сколько усилий (и, соответственно, денег) вкладывали Valve в разработку каждой игры. Поэтому и первый, и второй эпизоды и выглядят, и геймплейно ощущаются несколько иначе. Это снижало уровень скепсиса у тех, кто кричал, что разбитое на эпизоды продолжение было лишь дешёвым способом выдоить у игроков побольше денег.
По сюжету Episode Two поезд, на котором Гордон и Аликс покинули Сити-17, терпит крушение после взрыва Цитадели, и до главной крепости сопротивления, «Белой Рощи», героям предстоит добираться на своих двоих. Аликс ранит охотник, однако вортигонты помогают спасти девушку. Чтобы она выжила, Гордону нужно отправиться в логово муравьиных львов за личиночным экстрактом. Когда Аликс приходит в себя, они продолжают путешествие и видят армию Альянса, направляющуюся в сторону «Белой рощи». Все понимают, что предстоит тяжёлый бой. И, словно этого мало, вновь появляется Джи-мен, который говорит Гордону, что Аликс во что бы то ни стало должна встретиться с отцом в «Белой роще».
Геймплей, благодаря улучшенному движку, позволил ввести эпичные, масштабные сражения на открытых пространствах и элементы нелинейности в перемещении героя. В финале же второго эпизода, когда всё становится относительно неплохо и герои готовы отправиться к некоему кораблю «Борей», умирает один из ключевых персонажей. На этой минорной ноте экран медленно гаснет, а игроки предвкушают продолжение, финал всей истории HL2 – но Габен, как мы теперь знаем, на дух не переносит цифру 3.
Вообще, после выхода второго эпизода Гейб обещал нечто невероятное в третьем эпизоде, как с визуальной, так и с геймплейной точки зрения. Что он тогда задумал, сейчас остаётся только гадать, хотя сюжет Episode Three нам примерно известен благодаря главному сценаристу серии Half-Life. Марк Лэйдлоу покинул Valve в 2016 году и вскоре выложил в интернет наброски сценария для финала. Согласно им, Гордон и Аликс отправляются в Антарктику, однако их вертолёт терпит крушение, и герои остаются одни в снегах. После недолгих блужданий они выходят на координаты «Борея», однако вместо старого корабля находят твердыню Альянса, которая постоянно перемещается между мирами. Гордон встречает личинку, в которую было загружено сознание доктора Брина. Тот просит убить его, и Гордон, после колебаний и споров с Аликс, желающей Брину долгой и мучительной смерти, делает это. Наконец, «Борей» появляется в нашем мире и герои попадают на корабль. Там они находят устройство, позволяющее путешествовать между измерениями. Далее начинаются временные и пространственные аномалии, в которых Гордон видит начало Семичасовой войны, встречает альтернативную версию себя и сражается с солдатами Альянса в нескольких измерениях. Последнее, видимо, и должно было стать наиболее любопытным геймплейным элементом. В конце эпизода герои решают уничтожить «Борей» и запускают механизм самоуничтожения, однако незадолго до взрыва появляется Джи-мен, который забирает Аликс с собой. Гордон остаётся на корабле в одиночестве, но его в последний момент спасают вортигонты. Хэппи-энд!
Такой финал, если это не утка, был бы неплохим завершением всех событий второй части и оставлял бы неплохой задел для полноценной третьей игры. Бы. Однако, что-то не сложилось. Разработка эпизода затянулась, а потом от него и вовсе отказались. Легко представить, как подействовало на игроков такое решение: выражаясь словами Лукьяненко из «Ночного дозора», они пребывали в состоянии нимфоманки, с которой слезли за миг до оргазма. Что ж, Гейб умеет красиво обламывать.
Однако фанатское сообщество не теряло веры. Год проходил за годом, игроки вырастали, менялись, но продолжали писать посты, делать фанатские фильмы и ремейки игр. Таковым стала, например, Black Mesa – ремейк первой Half-Life от Crowbar Collective.
Сперва игра была выпущена как бесплатная пользовательская модификация, однако она быстро привлекла внимание поклонников серии, и даже игровые журналы стали хвалить её наперебой. И это при том, что в 2004 году была выпущена Half Life: Source, официальное переиздание первой игры на новом движке от самой Valve. В первоначальном виде Black Mesa вышла в 2012 году, в дальнейшем разрабатывалась уже полноценная коммерческая версия, которая попала в ранний доступ в 2015, а финальная версия увидела свет только в 2020. Одна из самых долгих разработок в истории видеоигр, она была впервые анонсирована ещё в 2004 году (!), но за 16 лет разработки и допиливания оставалась всё такой же востребованной. В отсутствие официальных продолжений и такой продукт был глотком свежего воздуха.
Впрочем, в 2020 появилась и официальная игра из линейки Half-Life, а именно Alyx. Её анонс грянул как гром среди ясного неба, но, отойдя от шока, фанаты вознегодовали.
Alyx создавалась исключительно для устройств виртуальной реальности, что не устраивало значительную долю игроков. И всё же разочарование части сообщества не помешало Alyx отхватить высокие оценки игровых изданий, стать, по версии некоторых из них, игрой года и продаться неплохим, по меркам игр такого плана, тиражом. Игрожуры писали, что Valve совершает очередной технологический рывок, что создатели Half-Life всегда были на острие прогресса, а потому ругать их за выбор виртуальной реальности так же глупо, как ругать первую HL за новаторский сценарий. Однако многие с этой точкой зрения остались не согласны. Alyx была первой игрой в серии за 12 лет, что прошли с релиза Episode Two, и не такого продолжения ждали всё это время игроки.
Игра была создана на Source 2 и отличалась неплохой графикой и физикой, однако главной причиной интереса к игре, опять же, стал сюжет. От сценария третьего эпизода, выложенного в сеть Лэйдлоу в 2016 году, решили по итогу отказаться, оставив, впрочем, один ключевой момент: в конце игры Джи-мен забирает Аликс и погружает её в стазис, но её отец выживает и сообщает Фримену, что ему «предстоит ещё много работы».
Такой финал жирно намекает на продолжение, однако вера в такие намёки крайне неустойчивая. В конце концов, Гейб много раз не то, что намекал, а откровенно обещал что-то лишь затем, чтобы впоследствии отказаться от обещанного. Будет ли продолжение Half-Life? Кто знает? Это, наверное, главная интрига всей индустрии видеоигр, по сравнению с которой многомиллионные сборы непонятно существующего ли Star Citizen – лишь забавная и совсем молодая идея.
Выйдет игра или нет, её будут встречать уже совсем другие поколения игроков – из тех людей, которые родились уже после выхода второй части, а потому и воспринимать Half-Life 3 будут с чистого листа. Скорее всего, сюжет снова перевернёт всё с ног на голову, и прежним в игре останется лишь Гордон Фримен. Помните, как охали над его вечной молодостью постаревшие друзья Гордона в Half-Life 2? Так вот, это были мы.
23 февраля, только 1993 года начал разрабатываться динамический язык программирование - Ruby. Он был задуман Юкихиро Мацумото с целью создания простого в использовании и объектно-ориентированного языка программирования. Основная идея заключалась в создании мощных и понятных программ с упором на понятность и простоту синтаксиса. Язык придерживается принципа "наименьшей неожиданности", предоставляя разработчику несколько способов достижения одного результата.
С момента выпуска первой общедоступной версии в 1995 году Ruby стал популярным в Японии, а после перевода документации на английский язык и появления первых списков рассылки в 1998 году начал распространяться по всему миру. Появление Ruby on Rails в 2004 году стало катализатором для распространения Ruby в мире.
В 2003 году выход Ruby 1.8.0 и в 2007 году новой версии Ruby on Rails 2.0 вывели язык на новый уровень, способствуя его использованию в серьезных коммерческих проектах. Создание новых версий Ruby 1.9.* после отказа от 100%-й совместимости и выход Ruby 1.9.1 в 2009 году привели к серьезным изменениям к лучшему и утвердили Ruby как важный язык программирования.
В 2024 язык до сих живой. Последнее обновление датировано 25 декабря 2023. С поиском работы тоже не возникает сложностей 130 вакансий в Мск в HH (на c++ 1130 вакансий). При учете,что язык совсем непопулярный - 20 место в индексе TIOBE.
Итого, язык живой и до сих пор развивается, хотя ему 29 лет
Ретроспектива проекта — крайне важная вещь. Благодаря ей мы заранее знаем об удачных и неудачных решениях на основе реального опыта заказчика.
Вспоминаю один проект, где я работала до декрета. Руководство считало важным предварительное изучение исторических данных, и мы обращали на них внимание. Но над этим не был установлен контроль… поэтому зачастую мы начинали работу с прыжка в омут с головой 🙆🏻♀️
Да, мы достигали нужного результата и вели проекты хорошо. При этом не всегда обращались к опыту аналогичных проектов, из-за чего наступали на одни и те же грабли.
Так как же не забывать обращаться к ретроспективе? Доработать бизнес-процесс управления проектами:
- добавить критерий для старта проекта пунктом об обращении к ретро данным;
- внести пункт о проведении 1-1 встречи при завершении проекта для определения точек роста;
- определить ответственного/ых лиц для контроля исполнения.
А вот что говорит о ретроспективе проекта сам основоположник — Норм Керт:
«Ну вот, перед вами Винни-Пух. Как видите, он спускается по лестнице вслед за своим другом Кристофером Робином, головой вниз, пересчитывая ступеньки собственным затылком: бум-бум-бум. Другого способа сходить с лестницы он пока не знает. Иногда ему, правда, кажется, что можно бы найти какой-то другой способ, если бы он только мог на минутку перестать бумкать и как следует сосредоточиться. Но увы — сосредоточиться-то ему и некогда 🐻».
Так начинается классическая детская книга Алана Милна. В этих строках Милн приглашает нас ощутить затруднение Винни-Пуха: обычный, рутинный способ делать дела — не обязательно самый лучший способ и точно не единственный. Читая Милна, я удивлялся параллели между миром, который описывает автор, и нашим собственным сумасшедшим миром разработки программного обеспечения.
«Ретроспектива проекта» в деталях описывает специальный ритуал в конце каждого проекта, который позволяет нам остановиться и подумать, прежде чем приступить к следующему проекту❗Внедрение изменений помогает членам команды стать хозяевами процесса разработки программного обеспечения. В их власти использовать или изменить, принять или отвергнуть что-либо.
Если проект провалился — проведение ретроспективы дает команде возможность извлечь уроки и двигаться дальше. Структура ретроспективы помогает членам команды, не скатываясь в обвинения и поиск виноватых, обсудить, что и как надо улучшить. Она также способствует обучению и росту членов команды, делает их более зрелыми. Это дает возможность команде радоваться успехам и ценить своих героев 🏆
Ретроспектива может дать все это, но только в том случае, если ее проводить правильно. Научиться проводить ретроспективу — не самое сложное. Однако не всегда удается понять, как провести ее самым лучшим способом.»
Ретроспектива — это одно измероприятий скрама. Типичная ретроспектива включает ответы участников команды на следующие вопросы: • Что за прошедший спринт было хорошо и помогало работать? • Что мешало работать? Какие были минусы? • Что или кто может помочь тебе работать лучше?
По итогу ретроспективы формируется список предложений, которые внедряются в работу на следующий спринт.
Мы в студии решили это мероприятие проводить по отделам. С некоторыми изменениями. Проводим ретро с менеджерами, аккаунтами, разработчиками, дизайнерами, аналитиками и тестировщиками.
Для чего это нужно? Цель ретроспективы – повысить эффективность процессов в работе, сформировать план изменений. Но важно понимать, что это не план окончательных изменений в процессе — это план эксперимента на ближайший период. Мы что-то пробуем, смотрим, что из этого вышло, и на основании этого принимаем решение.
До ретро: 1. Ставим задачу в календарь тем сотрудникам, кому необходимо присутствовать на ретро. Делаем это минимум за день, даем время на подготовку; 2. За неделю до ретро дополнительно напоминаем о дате его проведения; 3. Готовимся к ретро, выписываем пункты, которые необходимо обсудить.
На ретро: 1. Разбираем статус по задачам прошлого ретро. Что сделано, что не сделано, актуальны ли сейчас эти задачи. Если задача не была выполнена к конкретному сроку, то выясняем причины и обговариваем дальнейшие действия. 2. Предоставляем каждому участнику слово. Какие были плюсы, что не понравилось, какие предложения. Фиксируем это. 3. Зафиксированные итоги зачитываем в конце ретро, назначаем ответственных по задачам и направляем информацию в чат. Также выписываем в доску задач в отдельную карточку. 4. Через день проверяем, что по всем обозначенным задачам стоят задачи в трекере.
Таким образом, участвуя в ретро, сотрудники могут проявлять инициативу и внедрять изменения в процессы. А работа студии благодаря этому становится более продуктивной.
10 февраля, только 1996 года состоялся первый шахматный матч суперкомпьютера Deep Blue против гроссмейстера Гарри Каспарова в Филадельфии. Игра шла с 10 февраля по 17 февраля и состояла из 6 партий. Закончилась игра со счетом 4-2 в пользу Каспарова. Призовой фонд матча составил 500 000 долларов, из которых 400 000 получал победитель, а 100 000 проигравший.
Deep Blue II был суперкомпьютерным кластером RS/6000 SP компании IBM. Состоял из 30 узлов, каждый содержал процессор P2SC и 16 шахматных процессоров. Общее количество шахматных процессоров - 480. Программное обеспечение написано на языке С и работало под управлением операционной системы AIX 4.2.
Здесь кластер - это высокопроизводительная вычислительная система, состоящая из нескольких компьютерных узлов, которые работают вместе для выполнения задачи. Каждый узел обычно имеет свой собственный процессор и память, и они взаимодействуют между собой по высокоскоростной сети. Кластеры используются для обработки данных, выполнения сложных расчетов и решения других задач, которые требуют больших вычислительных ресурсов.
Структурно Deep Blue состоял из программной и аппаратной частей. Программная часть осуществляла расчеты на первых ходах, а аппаратная - на основе специализированных шахматных микропроцессоров - ускоряла и углубляла поиск. Процесс поиска разбивался на три этапа, где главный процессор исследовал первые уровни, а вспомогательные углубляли поиск. Оценочная функция была реализована на аппаратном уровне с около 8000 настраиваемыми признаками позиции. Использовались стандартные методы организации перебора.
Deep Blue II использовал две дебютные книги: одну вручную подготовленную и вторую на основе базы данных игр гроссмейстеров. Система имела переменную скорость, включая максимальную установившуюся скорость в 330 миллионов позиций в секунду. Стоимость составила около 10 млн долларов.
Говорить об Odin Sphere невозможно без упоминания Princess Crown. Я это понял, работая над текстом по Odin Sphere, и это вылилось в предыдущий материал об этом японском эксклюзиве. Это была бета-версия той игры, что выйдет спустя десять лет.
Так вот, сделаем вид, что вы уже знаете о Princess Crown и помните, что игра хоть и получилась хорошей, в продажах полностью провалилась, из-за чего развалилась студия-разработчик, а её руководитель, Джордж Камитани, оказался в тяжелом, во всех смыслах, положении.
У текста есть видеоверсия - доступна ниже.
О разработке
До 2001 Камитани не создавал игры и жил на грани бедности, питаясь (по его словам) буквально хлебными корками. Лишь один раз он представил издательству Atlus идею об игре Dragon’s Crown - сиквеле Princess Crown, для которой он уже нарисовал иллюстрации и сделал наброски сценария, но идею моментально отвергли, напомнив ему о том, сколько заработала «Корона Принцессы». В 2001 Джорджа приютила студия Enix (тогда ещё без Square), где он работал над ММО-РПГ Fantasy Earth: The Ring of Dominion. По словам самого Камитани, он даже переработал некоторые идеи из сиквела Princess Crown для мира этой ММО, но всё оказалось зря.
Fantasy Earth: The Ring of Dominion
В 2003-ем студии Enix и Square объединились, и это объединение решило выгнать Камитани. Ему дали несколько месяцев на передачу дел новой команде, а сам Джордж вновь отправился восвояси, на этот раз даже не доделав игру. Но выгнали не только Джорджа. Камитани собрал несколько соратников (в том числе парочку работавших над Princess Crown) в небольшую студию Puraguru для работы над этой ММО, и всех их новообразованная Square Enix отправила в свободное плавание. Но даже в опыте работы на Square Enix оказались свои плюсы – Камитани познакомился с композиторами, работавшими со студией. Masaharu Iwata (Масахару Ивата), написавший музыку для Tactics Ogre и Hitoshi Sakimoto (Хитоси Сакимото), написавший саундтрек для Final Fantasy XII и FF:Tacticts станут композиторами для новой игры.
Потрёпанный жизнью Джордж не сдавался. Со своей командой он в 2004 году основывает с нуля студию и называет её Vanillaware. Название связано с ванильным мороженным – его Камитани считал неизменным идеалом качества и такого же он хотел достигнуть в играх своей новоиспечённой студии. В неё вошли люди, работавшие как над Princess Crown, так и только над ММО для Enix, плюс, сюда же вошли бывшие сотрудники Atlus. Звучит масштабно, но на деле это было всего десять человек, а на старте разработки новой игры их было всего пять. И осмелюсь назвать самым важным для студии программиста Kentaro Ohnishi (Кентаро Ониси) – он не просто один из важнейших людей, ответственных за геймплей будущей игры. Кентаро ещё и со-основатель Vanillaware, а также человек, полюбивший разрабатываемую игру так же сильно, как и Джордж.
Вот только на Камитани всё ещё была эта «черная метка» финансовой неудачи Princess Crown. Хотя прошло целых семь лет, японские издатели всё равно не хотели финансировать очередную попытку Джорджа сделать 2D-RPG. А новая игра являлась именно двухмерной ролевой игрой. То есть переосмыслением идей Princess Crown. Вообще изначально были идеи всё же делать сиквел, но это было опасно. Издатели и так не шли на сотрудничество из-за ошибок прошлого, и если напомнить им об этой ошибке названием проекта – будет только хуже.
Логотип, используемый в Odin Sphere. Позднее он немного изменится
Потом была идея всё же перейти в 3D, так как на дворе была эпоха PlayStation 2, и трёхмерных игр было всё больше и больше. Но Камитани знал свои сильные стороны как дизайнер и понимал, что новое железо поможет сделать ещё лучше его двухмерные работы, а вот лезть в 3D было опасно. Плюс, в запасе были наработки из Princess Crown, которая слабо продалась, а за пределами Японии вообще не выходила, поэтому кто там обратит внимание на то, что один из мини-боссов – это переделанный гриб из Princess Crown? Да и вообще Vanillaware ещё не опытны с железом PS2, начинать надо было с малого, какое тут 3D.
Но даже с этим «малым» начались проблемы. Дело в том, что программисты не могли реализовать все задумки дизайнеров и пришлось чем-то жертвовать. Например, как рассказывает Камитани в интервью японскому изданию Famitsu, из трёх играбельных женских персонажей анимация груди досталась только одному. Но в том же интервью Кентаро Ониси говорит, что дело не только в конфликте желаний дизайнеров и умений программистов, а ещё и в аппаратном ограничении железа PS2.
А ещё 2D ограничивало размах режиссуры кат-сцен, но тут проблема была решаема. Ведь Камитани выступил и главным дизайнером, и главным сценаристом игры. Вдохновение Джорж черпал из западной культуры – Камитани с детства фанател по германо-скандинавским мифам и в целом был приверженцем западной культуры. В частности, ему очень нравились пьесы Шекспира и опера «Кольцо нибелунга». Изначально Камитани вновь планировал игру про героиню-девушку. Но дело в том, что этой героиней была валькирия, а Джордж не хотел сравнений с уже анонсированным сиквелом Valkyrie Profile. Сюжет о валькирии Гвендолин уже был написан, и отказываться от него Камитани не планировал. Он сделал две вещи: во-первых, насмотрелся «Лебединого озера» и совместил образ валькирии с балериной; а во-вторых, дописал ещё 4 истории для дополнительных персонажей. Изначально это было переосмысление «Кольца нибелунга», но Джордж дополнил его обширным лором, куда вошли другие скандинавские мифы, а также образы из европейских сказок. Например, одна из героинь, Велвет, вдохновлена одновременно и «Красной Шапочкой», и образом восточной танцовщицы. А принц Корнелиус, страдающий от проклятия и ставший зверьком, стал собирательным образом из европейских сказок.
Концепт Гвендолин из артбука
В отличие от Princess Crown, в новой игре планировалась озвучка. И вначале расчёт был на то, что диалоги займут полтора часа. Но когда Камитани дописал сюжет, вышло более пяти часов диалогов, которые требовалось озвучить. Джорджа и так пришлось останавливать, так как он планировал писать ещё одного героя, а также написать подробную историю для Одина. А то название игре дали Odin Sphere, а про Одина в игре маловато.
И вы логично спросите, а кто спонсирует столь масштабный проект? Издать новую игру Камитани вновь согласилась студия Atlus, помогло знакомство с Hideyuki Yokoyama (Хидеюки Ёкояма), который и протолкнул игру. Но теперь отношения стали прохладнее. Продюсером выступил новичок Atlus Акиясу Ямамото, а в самой студии не спешили с релизом. Vanillaware закончила разработку в 2006 году, и Odin Sphere была полностью готова к продаже в Японии. Кентаро Ониси в спешке удаляет последние баги, игру отдают Atlus, но там говорят ждать. В 2006 году в Японии вышла Shin Megami Tensei: Persona 3, и она отлично собирала деньги. Выпуск новой ролевой игры, пусть даже двухмерной, Atlus сочла неудачным финансовым решением, поэтому Odin Sphere отложили до 2007 года.
Для команды Vanillaware в этом были как плюсы, так и минусы. Минус очевиден – сидеть без денег и ждать, когда уже твою игру выпустят в продажу, проблематично, ведь на что-то надо жить. Да и Камитани с командой помнили опыт Princess Crown. Промедление всегда опасно, ведь в случае с Princess Crown получилось так, что консоль, на которую выпустили игру, стала неактуальной. Хотя новое консольное поколение уже вышло, у PS2 оставалась огромная база игроков, ведь долгие годы она оставалась самой продаваемой консолью. Но кто знает, что будет в этом 2007-ом?
Плюс же заключался в том, что Atlus решила почти одновременно выпустить игру в США. Да, причём только в США – европейский релиз случится лишь в 2008 году. Но когда игру начали переводить, всплыли проблемы. Прежде всего, речь шла об озвучке. Огромное количество диалогов дублировать на английский вышло очень дорого, поэтому Atlus решили сэкономить и озвучку второстепенных персонажей отдали сотрудникам самой Atlus. А ещё в Odin Sphere диалоги нельзя прокрутить вручную – они идут в заданном игрой темпе и визуально выполнены в виде облаков. Поэтому реплики необходимо уложить в тайминги, что вновь давало дополнительную работу. Всё это вылилось в снижение качества дубляжа, хоть на основные роли и взяли качественных актёров.
1/2
Ну и с текстом были проблемы, ибо оригинальные фразы на японском хорошо вмещались в облака диалогов, а вот уже перевод на английский вместить в тот же объём облака проблематично, ведь есть такие кандзи, которые вмещают в себя по два-три слова на английском, а в японском это всего лишь иероглиф. И знаете, что забавно? Европейский релиз (иронично – выпущенный под издательством Square Enix), состоявшийся почти через год, изменён в плане отображения диалогов. Вместо облака диалогов использовали нижнюю часть экрана как субтитры. То есть если бы не торопились с релизом в Америке, то проблем с текстом бы не возникло, ведь был вариант переделать. Ну а изначально Odin Sphere выходит в Японии и США в мае 2007 года. Эксклюзивно для PlayStation 2.
Геймплейно Odin Sphere я бы назвал Princess Crown «на максималках». Это всё тот же 2D-экшен с элементами RPG, но теперь очень сильно изменилась боевая система и появилось множество механик. И давайте сразу поясню – если вы играли в Odin Sphere Leifthrasir, ремейк оригинала для PS Vita, PS3 и PS4, то вы играли в другую игру. Которая 1 в 1 копирует сюжет, но геймплейно – речь о двух разных играх, пусть и в обеих можно бить врагов нажимая на квадрат.
Оригинальная Odin Sphere предлагает игроку две прокачки: прокачка Псайфера (вашего оружия) и прокачка здоровья персонажа посредством поедания всего съестного, что вам попадается. От уровня Псайфера зависит не только урон оружия, а ещё и его новые возможности и количество их применения. Это важно, потому что пройти Odin Sphere просто нажимая на атаку будет тяжело, даже если выбрать уровень сложности Easy. Помимо навыков для победы в бою нужно применять алхимию, а это вообще отдельный разговор. Тут целая наука: отдельно качаются ёмкости для зелий, в зависимости от уровня ёмкости будет меняться получаемое варево, а если мы говорим о двузначном уровне бутылки, то, сделав варево в ней, мы ещё получим Фозоны – это то, за счёт чего качается Псайфер, наше оружие.
И да, это напоминает Princess Crown, где тоже сложно было победить без использования магических кристаллов. В Odin Sphere атакующие зелья, по сути, и заменили магические кристаллы, а к этому добавили ещё и волшебные навыки оружия.
Осталась знакомая система выносливости. Персонаж может где-то 3 раза выполнить комбо, после чего дыхалка даёт о себе знать, и мы стоим, переводим дух. Поэтому динамика геймплея хоть и выше, чем в Princess Crown, но всё ещё ограничена злополучной полоской выносливости.
Никуда не делась и система выращивания еды. Однако теперь еда мало того что качает максимальный уровень здоровья, так ещё и её выращивание требует Фозоны. А именно за счёт фозонов становится сильнее наше оружие, поэтому после битвы фозоны летают вокруг, а мы вольны выбирать: посадить семена, чтобы за счёт фозонов вырастить еду, или же впитать их в себя, а семена потратить, например, на улучшение алхимических бутылок.
Экипировка тоже на месте. Надеть на персонажа также можно лишь одну вещь, но, в отличие от Princess Crown, с нас её не могут сбить, и никакие мерзкие гоблины её не своруют. Инвентарь также ограничен и необходимо искать (например, в магазине) новые сумки. Если в Princess Crown была лишь одна активная сумка, а к остальным можно получить доступ после битвы, то в Odin Sphere можно всегда использовать всё, что у тебя есть.
Может показаться, что игра стала легче, но всё же основной сложностью Princess Crown для меня был японский язык. Геймплейно же она довольно проста, нужно лишь освоиться. К Odin Sphere это тоже применимо, но осваиваться придётся намного дольше, потому что Vanillaware не просто придумали какие-то механики «чтобы было», а вписали их в геймплей, и их необходимо учитывать.
Драться без алхимии опрометчиво. Многие враги могут либо отравить, либо поджарить, а статус-эффект легко скидывается соответствующим зельем. Если же игнорировать то, что тебя отравили, то на ранних этапах можно отлететь в могилу за одну-две минуты чисто от яда, без дополнительного урона. При этом статус-эффект отравления или поджога суммируется и урон становится выше, поэтому надо либо быстро убивать отравляющего врага, либо всё же пить зелье, потому что накопленное отравление даже под конец игры, персонажу с тысячей ХП, будет неприятно.
Да что там – даже торговля стала самобытной механикой, где надо отсчитать торговцу монеты нужного номинала, а если их нет – то получить сдачу мелочью и потом муторно платить другому торговцу монетками с минимальной ценностью. Кстати, за деньги, и принеся с собой ингредиенты, можно поесть в кафешке, но кафе доступно лишь в определённых главах.
Игровой процесс Odin Sphere разделён на уровни, в отличие от открытого мира Princess Crown. Понять это можно, ведь какой открытый мир – PS2 и так теряла кадры в секунду, когда на экране было несколько врагов и они выпускали несколько снарядов, или если вокруг пылал огонь, а вы используете зрелищный навык своего Псайфера. А вот сами уровни напоминают карту времён Princess Crown. Только локации теперь зациклены – бегать слева направо или справа налево можно хоть до бесконечности. Выход отмечен отдельным сектором. Уровни в каком-то смысле нелинейны: можно стремглав мчаться к боссу, а можно идти окольными путями, найти все возможные сокровища и получить все фозоны на уровне.
Помимо всего геймплейного разнообразия, OdinSphere увлекала сюжетом. Если в Princess Crown он был хорош (для игры 97 года), то в OdinSphere он прекрасен. Сказывается чёткое понимание того, что хотел Камитани как сценарист и руководитель разработки.
Здесь мог бы быть краткий пересказ сюжета, но он бы не влез ни в рамках ограничений по знакам, ни в рамках ограничений на вставляемые медиа. Поэтому рекомендую оценить видеоверсию, где есть и часть про сюжет:
Если кому-то будет интересен текстовый пересказ сюжета - напишите, опубликую отдельным постом.
Odin Sphere после релиза. Ремейк
Успех Odin Sphere не ограничивался продажами. В 2007 году издание IGN признало Odin Sphere ролевой игрой года. Всё же Mass Effect вышел в конце 2007-го и не вошёл в список номинантов. Но это одна из многих наград.
С продажами всё было прекрасно. В Японии игра держала топ-3 по продажам в течении нескольких недель. В США Odin Sphere вошла в топ-20 по продажам за месяц после релиза, при этом Odin Sphere оказалось единственной игрой в этом топе, не являющейся сиквелом или игрой по лицензии. Altus же напечатала ограниченный тираж и его быстро раскупили. По официальным данным, за год было продано 350 тысяч дисков с игрой, и только в 2011 году игра стала доступна в цифровом виде в PlayStation Network, где тоже продолжала продаваться хорошим тиражом.
Но всё это – лишь начало. С помощью Odin Sphere Vanillaware заработала себе имя. Пусть и не слишком громкое, но и это имя было слышно. Хотя это не способствовало продажам следующей игры студии, а если точнее – предыдущей, но это тема следующего ролика… Конкретно у Odin Sphere всё было хорошо. В США об игре говорили даже по ТВ. Было такое шоу – X-Play, в России его крутили по каналу Рамблер. И в одном из выпусков уделили внимание Odin Sphere.
Это не значит, что игра – шедевр без единого минуса. У PS2-версии были проблемы. В основном выделяют две: просадка кадров в секунду в масштабных битвах и очень долгие загрузки. Увы, эмуляция не способна передать эти загрузки, но в олдовых обзорах это наглядно видно. Но вы знаете, я отсмотрел где-то пять стареньких обзоров оригинальной Odin Sphere, и в них к этим косякам производительности относятся с пониманием. Дескать: «Ну вы видели, как круто прорисована эта игра? Да чёрт с ним, пусть слегка потормозит».
После успеха Odin Sphere у Vanillaware начался новый этап жизни. Джордж Камитани со временем перестал есть хлебные корки, и более того, появилась возможность сделать ремейк. В 2013 году Vanillaware совместно с Atlus решают вспомнить былое и ещё раз сделать ту самую игру, что стала первой в рамках сотрудничества Vanillaware и Atlus. План был скромный: освежить текстурки, где-то модельки может подрисовать и выпускать. Но Кентаро Ониси, возглавивший разработку ремейка, посмотрел на ресурсы у него на руках и сказал, что полностью переделает игру. Поэтому повторюсь, Odin Sphere и Odin Sphere Leifthrasir – разные игры с точки зрения геймплея. Кстати, в названии ремейка скрыта ещё одна отсылка к скандинавской мифологии. В мифах о Рагнарёке сказано, что когда Сколль, сын волка Фенрира, поглотит солнце, а море выйдет из берегов, в роще Ходдмимир укроются Лив и Ливтрасир, мужчина и женщина, что станут прародителями нового поколения людей.
Геймплейно изменилось примерно всё. Игра стала где-то в 10 раз динамичнее, по моей субъективной оценке. Больше никакой стамины – бей сколько влезет, да ещё и кнопку уклонения завезли. Прокачку персонажей сделали новую, с нуля. Еда осталась важной частью игры, и она всё ещё увеличивает здоровье, но, помимо этого, персонаж растёт в классическом понимании опыта. Поглощённые фозоны можно использовать для открытия новых активных и пассивных навыков. Ещё есть пассивки, открываемые за получаемый уровень, а не фозоны. В итоге получается около пятидесяти навыков, какие-то повторяются, но где-то половина уникальна для каждого героя.
Очки опыта дают как побеждённые враги, так и еда. В местах с магазинами на уровнях теперь появился повар, и приготовленная им еда намного сильнее повышает и опыт, и максимальный уровень здоровья. Ну и кафе из оригинальной Odin Sphere остались на месте, но теперь готовят только за валюту, нести им еду не надо. И да, валюты теперь тоже две. Одна для кафешек, а вторая только для магазинов.
Активных навыков аж два типа: первые используют полоску POW, аналогичную выносливости, только отвечающую за спецприёмы, а второй тип приёмов расходует внутренний запас фозонов персонажа. Второй тип приёмов невероятно разнообразен: помимо классических мощных атак по области, каких-то невероятно усиленных ударов, там ещё есть уникальные механики. Корнелиус, к примеру, способен превратиться в электрический импульс, перемещающийся по карте. А Мерседес может превратить овощи, которые используются для готовки, в восставшую армию по уничтожению врага. Не все такие механики реально работоспособны как некий полноценный билд, но все они работают и, как минимум, способны повеселить.
Алхимию также изменили. Она стала доступней и больше не было такого, что неправильное скрещивание бутылок могло дать склянку нулевого уровня. И зелий десятки: магические атакующие, временно повышающие атаку или защиту, увеличивающие количество получаемых денег с врагов и даже короткое бессмертие есть. Кроме геймплея решено было избавиться от любительского дубляжа, выполненного силами англоязычных сотрудников Atlus.
Получилось нечто среднее между двумя «коронами». Princess Crown и Dragon’s Crown, к которой нам ещё предстоит дойти. Все удачные механики «короны принцессы» смешали с драйвовым экшеном «драконьей короны» и получилась одна из лучших 2D-игр. Leifthrasir разрабатывалась неспеша – у студии было время и ресурсы. После начала разработки в 2013-ом, об игре заявили публично лишь в 2015-ом, а уже в 16-ом Leifthrasir выпустили в релиз.
Leifthrasir в плане продаж побила рекорды оригинала. Что не так уж и удивительно, ведь количество играющих людей с каждым годом лишь растёт. Так вот, в Японии игра держалась в топ-1 по продажам на PS Vita, в топ-2 для PS4 и топ-10 для PS3. Во всём мире таких мощных результатов не было, но вот версия для PS Vita заняла вторую строчку в мировом чарте продаж PlayStation Network.
Но если мы вернёмся в 2007 год, к релизу оригинальной Odin Sphere, то там всё было не так радужно для Vanillaware, и конкретно для Джорджа Камитани. Разработка Odin Sphere съедала деньги, а заработка на момент релиза не было. Бонусом шло годовое ожидание до релиза из-за прихоти Atlus. Вроде бы было понимание, что студия разработала хорошую игру, но Princess Crown тоже была неплоха, однако денег не принесла. Поэтому Vanillaware просто не могли ждать релиза Odin Sphere целый год, нужно было как-то зарабатывать деньги. И это нужда денег привела к игре, которая вышла до релиза Odin Sphere.