Имея начальное художественное образование, я не cмогла пропустить улицы Мухиной, которые как я думала, названы в честь известного скульптора Веры Мухиной. Но тут все тоже оказалось не так просто. Сходу нашлось еще как минимум двое однофамилиц. Надеюсь не запутаться окончательно, но в любом случае буду рада, если меня дополнят или поправят в комментах.

Вера Игнатьевна Мухина (1889 - 1953) родилась в Риге. Семья была состоятельная, но в 2 года от туберкулеза умирает мать. До 15 лет Вера Мухина жила в Феодосии,- на этом настоял отец, опасавшийся за здоровье дочери. В Феодосии она посещала Феодосийскую женскую гимназию и именно там проходила свои первые уроки рисунка и живописи. В 1904 году (было 15 лет) умирает отец.

Обеих сестер (старшая сестра - Мария) приютили дяди и тёти, жившие в Курске. После обе девушки переезжают в Москву. Вера продолжает обучение живописи в нескольких московских студиях. И в 1912 отправляется в Париже, где учится в частных художественных школах (студия Коларосси, академию Гранд Шомьер). Позже путешествует по Италии, изучая скульптуры и живопись периода Ренессанса.

Летом 1914 возвращается в Москву, где ее и застает Первая мировая война. Вера оканчивает курсы медсестёр, и поступает на работу в один из московских военных госпиталей. В это же непростое время она создает свои первые скульптурные работы, эскизы костюмов и участвует в оформлении спектаклей.

После Октябрьской революции был принят «Ленинский план монументальной пропаганды», в рамках которого скульпторы получали государственные заказы на создание городских монументов. В эту работу активно включились молодые скульпторы, в том числе Вера Мухина, которая принимает участие в конкурсах на создание скульптурных композиций «Освобождённый труд» «Революция», «Пламя революции» и др.

Выделю несколько знаковых скульптур в творчестве Веры Мухиной:

"Крестьянка"

Эта работа была удостоена 1-й премии на выставке, посвящённой 10-летию Октябрьской революции, после была выставлена в Третьяковской галерее. В 1934 году «Крестьянку» экспонировали на XIX Международной выставке в Венеции, а после продали в музей итальянского города Триеста. После Второй мировой войны скульптура попала в Ватикан, где и находится до сих пор.

Скульптуру критиковали за странные анатомические пропорции. В подготовительном рисунке с натуры Мухина более достоверно передала пропорции крестьянской женщины, но в статуе она преувеличила их. Считается, что в этом преувеличении и была заключена главная метафора:

Моя "Баба" твердо стоит на земле, незыблемо, как вколочена в нее

«Рабочий и колхозница»

В 1936 году Вера Игнатьевна победила в конкурсе проектов скульптур для украшения Советского павильона на Всемирной выставке 1937 года в Париже. Именно эта работа и сейчас является самой известной работой Мухиной, а тогда она произвела настоящий фурор. После выставки статуя была возвращена в Москву, где ее установили на ВДНХ.

Скульптуру перевозили в Париж частями, ее фрагменты статуи заняли 28 вагонов. В 1947 году скульптура стала эмблемой «Мосфильма».

Впечатление, произведенное этой работой в Париже, дало мне все, что может пожелать художник

В последующие годы Вера Мухина создает лишь сравнительно небольшие работы: портреты героев-фронтовиков, полковников и врачей (например, хирурга Николая Бурденко), Максима Горького, Галины Улановой и Петра Чайковского, возвращается к оформлению сцены и пробуем себя в стекле.

Умерла Вера Игнатьевна Мухина в 1953 году в Москве из-за стенокардии. Похоронена на Новодевичьем кладбище рядом своим мужем, известным врачом Алексеем Замковым. На их плитах выгравировано:

Для людей я сделал всё, что мог

Я тоже

Улицы в честь Веры Мухиной названы в Москве, Иркутске, Клину, Чебоксарах и Никольске (Пензенская область).

P.S. Не могу не добавить в конце от себя еще несколько работ так итак или иначе связанных с Верой Мухиной:

"Мир"

Скульптура украшает с 1954 года купол планетария в Сталинграде (Волгограде). Вера Мухина не успела закончить работу над «Миром». Проект завершили уже после её смерти Сергей Круглов и Александр Сергеев.

"Икар"

Впервые «Икар» представили публике на «Выставке шести» в 1944-м. Задумывалась как основная часть "Пантеона лётчиков", идея которого появилась после смерти Валерия Чкалова, которого она знала лично.

"Водолаз-маяк"

Открыта в 2016 году в Парке Горького. Автор скульптуры - Леонид Тишков, а концептуальная идея принадлежит Вере Мухиной. В 1937 году она работала над героическим образом "эпроновца" (ЭПРОН - экспедиция подводных работ особого назначения, созданная для подъёма затонувших судов и подлодок).

Цвет Тициана

Тициан был известным художником венецианской школы эпохи Ренессанса...

Источник: https://snargl.com/colors/titian/

CivitAI: https://civitai.com/user/MrSnargl

Неожиданный Ван Гог – зимний. Художник света, большой любитель жёлтого цвета, что ему делать в снежной белой пустыне? Ну это же Ван Гог, он может написать снег без белого цвета. Ну и жёлтого снега тоже не будет))

Зима – редкий гость среди сюжетов художника. Но встречается в самых разных стилях: тут вам и реализм, и карандашные рисунки, и эскизы, и схематичные простенькие пейзажи.

На мой скромный взгляд, самая интересная, самая вангоговская работа – «Пейзаж со снегом».

В феврале 1888 года Ван Гог покинул Париж, бежал от напыщенного общества и мрачной городской зимы, на юг, к теплу, в солнечный Арль. И сразу неудача – художника встретили рекордные за 30 лет холода и снежные бури. Но к счастью, скоро снег стал таять и тут уже Винсент времени не терял – так появился «Пейзаж со снегом».

Картина стала одной из первых работ мастера в Арле. Ван Гог уверял, что местное солнце улучшает контуры композиции и уменьшает нюансы света, создаёт больше контраста и более гладкий цвет. Формы упрощаются, меньше деталей – так художники ближе к японским мастерам, которых нидерландец обожал. Даже солнце в Арле он хвалил за «японскую ясность света».

Композицию на картине задаёт диагональная дорога – она ведёт наш взгляд по всему полотну в сторону гор на заднем плане. Так художник создаёт глубину и перспективу.

Линия горизонта высоко, Ван Гог обращает наше внимание на сам пейзаж, на героя с собакой, на природу – весна уже пробивается, скоро вокруг будут яркие цвета. Как и любит художник.

На полотне снег почти растаял – свободные куски холста художник покрывает сочными яркими красками, которыми потом щедро покроет летние пейзажи.

Человек добавлен для насыщенности картины, уравновесить композицию и не делать пейзаж совсем пустым и скучным. А так создаётся ощущение прогулки, вот и прохожие, а вот и дорога уходит к горизонту, красота!

Очень тихая, спокойная картина. Удивительно, как в самом разгаре эмоциональных качелей и психологических срывов Ван Гог умудряется писать настолько умиротворяющие вещи. Улыбаемся и смотрим, улыбаемся и смотрим.

Другие истории и заметки про искусство можно почитать тут
Добра и красоты!

На выходных разглядывал занимательный триптих. Называется «Поклонение волхвов» или «Алтарный образ Святого Колумбы», потому как изначально работа была часть алтаря церкви Святого Колумбы.

Тот самый триптих с распятием на заднем фоне.

Как это обычно бывает в интернете, картину быстро забрали в мемы, мол смотрите, какой художник глупый дурачок, показал рождение Христа и распятие с ним же одновременно.

Я и сам не стою в белом пальто. Признаюсь, сперва веселился и думал – ну как же так? И знаете, вспомнил интересную деталь. Для Возрождения такие выкрутасы – вполне себе разумный ход художника.

Распятие над колодцем не единственная странная деталь на картине. Как вам итальянские пейзажи на заднем плане? А одежды персонажей точь-в-точь как у европейцев 16 века?

Во всем виновата эпоха Возрождения. Ну, готовьтесь к маленькой лекции, сами напросились.

Во времена Ренессанса художники изображали мир вокруг себя слишком подробно и достоверно. Но иногда забывали про реалистичность сюжета.
Особенно отличались венецианские художники, те повторяли каждую мелочь, каждую деталь быта, которую видели.

Главный вопрос – почему? Вроде бы искусство выходит на свою высшую точку, будущие черепашки-ниндзя уже скоро нагрянут, в чем дело тогда?

Все просто. Художники Возрождения буквально дорвались до возможности изобразить мир, изучить его. Христианские каноны Средневековья запрещали уходить в искусство, главное символы и посыл. Картинки для безграмотных прихожан или аллегории для умеющих читать библию.

И тут вам говорят – да рисуйте что хотите. Заодно и общая этика стала светской. Запреты пали, твори, экспериментируй, изучай анатомию и линейную перспективу.

Но не все сразу. Ранее Возрождение вообще интересно этим переходным периодом – еще остались средневековые приемы, но уже пошли новшества Ренессанса.

Средневековые художники часто изображали несколько сюжетов рядом, причём они происходят одновременно. И слишком много символов.

Художники Возрождения не сразу побороли эти привычки. Ещё долго будут проскакивать вековые традиции живописи из прошлого времени.

Так и Рогир ван дер Вейден решил указать своим зрителям – ребята, Иисус родился, и вот что ему грозит. Он погибнет на кресте ради нас с вами. Проникнитесь моментом. Немного драмы еще никому не навредило, верно?

Вот такой прикол из интернета. Душно стало, пойду открою форточку.

Другие истории и заметки про искусство можно почитать тут
Добра!