«В средние века художники вместе с ремесленниками были объединены в цехи и гильдии. Цехи принимали художников в обучение, воспитывали их, делали из них мастеров и направляли их дальнейшую деятельность. К какому бы цеху ни был приписан художник, как бы ни менялись права и статуты цехов в зависимости от страны или города (на юге они были более свободны, чем на севере), они всегда стремились связать художника традициями и ограничить свободу его индивидуального развития.

Цехи воспитывали в художниках коллективное сознание (его символизировали торжественные процессии, постоянно организуемые цехами, состязания с цехами соседних городов, пышность и гостеприимство цеховых домов).

Цехи долгое время сохраняли пережитки религиозных братств, избирали своим покровителем какого-нибудь святого (например, патроном цеха, к которому принадлежали живописцы, был св. Лука). Свободное развитие индивидуального таланта художника задерживалось не только застывшими статутами и условными традициями, но и тем, что нередко в одном цехе объединялись совершенно чуждые друг другу специальности. Во Флоренции живописцы были объединены в одной гильдии с аптекарями и позолотчиками. В Германии скульпторы объединялись с оружейниками, переплётчиками, седельных дел мастерами. Художники стремились освободиться от зависимости и от цехов, и от ремесленников. В Италии эта борьба начинается раньше, чем на севере, но к окончательному разрешению приходит только в XVII веке.

Обучение в цеховых мастерских начиналось обычно в возрасте двенадцати лет. Начинающий должен был только уметь читать и писать. До XV века учение продолжалось шесть лет, позднее оно было сокращено до четырёх и даже до трёх лет. Отец ученика и мастер заключали договор, который определял взаимные обязанности и размеры гонорара за обучение. Условия, в которых проходило обучение, были очень тяжёлыми (Дюрер вспоминает, что ему пришлось много терпеть от подмастерьев его учителя Вольгемута). Первое время ученик обучался только подсобным приёмам, связанным со специальностью, например растиранию красок, варке клея, натягиванию холста, грунтовке и т. п. Всё свободное время он должен был служить моделью для мастера и подмастерьев. Только постепенно дело доходило до упражнений в рисовании. Следующим шагом в систематизации художественного обучения и вместе с тем известным освобождением художника от цеховых ограничений явилось основание приватных школ рисования (в начале XVI века, когда их стали называть академиями).Так, например,в Риме наиболее популярной была вечерняя школа рисования скульптора, соперника Микеланджело Баччо Бандинелли. Здесь ученикам давались кое-какие теоретические познания, а кроме того, рисование проводилось систематически, в три этапа - копирование произведений мастеров, рисование со статуй и слепков и рисование с натуры.

Дальнейший шаг в этом направлении - основание Болонской Академии в 1585 году. Её основатели, братья Карраччи, назвали свою школу-мастерскую Accademia degli incamminati, то есть Академия зачинателей новых путей. Академию братьев Карраччи можно считать прототипом позднейших государственных академий. Это была уже в подлинном смысле слова высшая школа: здесь специалисты - философы, медики, поэты - читали лекции по эстетике, анатомии, литературе, здесь врач Ланцони на трупах объяснял строение человеческого тела, а один из братьев, Агостино, читал лекции по перспективе и теории теней и вёл графический класс. Два других брата возглавляли фигурные мастерские. При Академии существовала коллекция слепков, гравюр и медалей; время от времени устраивались конкурсы на лучшие работы и выдавались премии победителям. Известная гравюра К. Альберти иллюстрирует все стадии академического обучения - от черчения до лепки в глине.

Однако цехи ещё обладали значительной силой. В течение всего XVI века происходит борьба между цеховыми традициями и новым идеалом свободного художника. Один из последних эпизодов этой борьбы разыгрывается в 1590 году в Генуе. Генуэзец Джованни Баттиста Паджи отказывается от вступления в цех и едет во Флоренцию, где учится собственными силами. Завоевав популярность, он возвращается в Геную и находит себе заказчиков. Генуэзский цех требует отнять у него всех заказчиков, так как он не прошёл цехового обучения. Паджи начинает процесс, который взбудоражил всю тогдашнюю Италию, и добивается победы.

Последняя страница этой борьбы происходит во Франции, где Парижская Академия возникает как протест художников против цеховых ограничений. До основания Парижской Академии художники находились в одной гильдии со стекольщиками и красильщиками и в общественном мнении считались ремесленниками. И действительно, большая часть членов гильдии являлась ремесленниками, торговцами, предпринимателями. Именно от них-то и хотели освободиться художники.

Первая оппозиция против гильдии начинает созревать в мастерской Симона Вуэ. Но в 1648 году Шарлю Лебрену удается добиться основания Парижской Академии, где он ведёт фигурный класс - главное орудие в борьбе художников против гильдий.Когда министр - Кольбер утверждает монопольные права Академии в области художественного воспитания, Парижская Академия становится неограниченной властительницей художественной жизни во Франции: она присуждает титулы и звания художникам, распределяет стипендии и командировки, устраивает выставки, раздает государственные заказы. Академическая эстетика целиком базируется на рисунке, правильность которого является главным критерием художественных произведений, тогда как колорит - это только приправа, призванная ласкать глаз зрителя.

Но вернёмся несколько назад.Средние века не знали кочующих подмастерьев. Согласно средневековому обычаю, ученик, проучившийся несколько лет, ещё обязан был проработать подмастерьем. Ещё Ченнино Ченнини в своём Трактате, написанном в самом: конце XIV века, решительно высказывался против путешествий подмастерьев (Wanderjahre): Кто хочет приобрести в искусстве умение и имя, тот должен оставаться на месте. Но с конца XV века положение решительно меняется. Леонардо требовал, чтобы молодые художники скитались и учились у разных мастеров. С этого времени Рим становится главной целью паломничества, но ему мало уступают в этом смысле Венеция и Парма.

Нет никакого сомнения в том, что эти скитания подмастерьев сыграли очень важную роль в распространении и взаимном обмене художественных стилей и направлений. […]

Социальная эмансипация художников в известной мере поощрялась светским и духовным меценатством. Приглашая художника ко двору, осыпая его заказами и милостями, папы и герцоги освобождали художника от цеховой зависимости. Но, освобождаясь от опеки цехов, художник попадал в ещё горшую зависимость, терялся в придворной клике, делался чиновником или, ещё хуже, слугой. В эпоху Возрождения социальное положение художников было ниже положения литераторов и учёных. Поэтому со времен Л.-Б. Альберти звучит призыв к дружбе между искусством, наукой и поэзией.

Об установлении новых связей между художником и зрителем свидетельствует появление художественных выставок. Древнейшие из них - это обычай церквей и монастырей выставлять новую алтарную картину для публичного осмотра. Настоящий поворот в этом отношении происходит в XVII веке. Этот перелом можно иллюстрировать случаем с картиной Караваджо Успение Марии. Когда картина была отвергнута церковью и куплена герцогом Мантуанским, римские художники потребовали, чтобы, прежде чем покинуть Рим, она была выставлена хотя бы на две недели для публичного осмотра. В эти же годы на голландских ярмарках можно было купить картину за дешёвую цену. А в Париже, в день выноса плащаницы (праздник тела господня), в определённом месте устраивались выставки картин молодых неизвестных художников. Со второй половины XVII века начинаются выставки Парижской Академии (сначала Palais Royal, а потом в салонах Лувра - отсюда позднейшее название выставок-салонов) только для членов Академии. С середины XVIII века эти выставки организуются систематически, каждый год.

Тогда же впервые появляется и систематическая критика выставок - Ла Фон и Дидро…».

Виппер Б.Р., Введение в историческое изучение искусства, М., «Аст-пресс-книга» , 2004 г., с. 33-37.

Источник — портал VIKENT.RU

+ Ваши дополнительные возможности:

Плейлист из 13-ти видео: ИСТОРИЯ ТЕОРИИ ТВОРЧЕСТВА

Изображения в статье

Студия Художника – (David The Younger Ryckaert) / Public Domain

Изображение Rudy and Peter Skitterians с сайта Pixabay

Изображение Jacques GAIMARD с сайта Pixabay

В начале своей карьеры художника Винсента увлекали бытовые сцены из крестьянской жизни, он частенько гулял по округе и выглядывал сюжеты. Пример тех лет – «Мальчик, обрезающий траву серпом», первая картина Ван Гога (из известных). Еще нет той знаменитой техники, Ван Гог больше реалист, но для академических успехов ему не хватает художественного образования.

Поэтому Винсент начнет создавать свой стиль, будет экспериментировать с цветами, а уж после поездки в Париж и знакомства с импрессионистами, японскими гравюрами, да и тем же Гогеном..

...и неожиданно закончит свою жизнь и творчество уже совсем другим художником. Последней картиной стало вовсе не «Пшеничное поле», как часто думают. Честно говоря, даже немного удивительна относительная неизвестность последнего полотна – «Корни деревьев».

И не слушайте всяких искусствоведов, которые начинают говорить про прощание Ван Гога, его отрывание от корней и приводят параллели с картиной в некоторых письмах (которых художник написал на несколько книг).

Вы знаете, натягивания совы на глобус я не потреплю. Вот и тут, мазки энергичные, цвета живые и сочные, на прощание не тянет. Больше на душевный порыв и быструю работу, вполне в духе Ван Гога.

С картиной связана еще пара интересных фактов. Первый – после написания прошло всего несколько часов до рокового выстрела (стрелял он сам или застрелили – отдельный вопрос, в другой раз порассуждаем), который навсегда забрал у мира гениального, но непонятого художника.

Второй – кажется, исследователи нашли то самое место, те самые корни! Причем как – на открытке начала 20 века «Овер-сюр-Уаз – улица Добиньи» случайно увидели мужика с велосипедом, проходящего мимо странного дерева и выпирающих корней. Ну и место подходило, недалеко находится гостиница, где жил художник. Приехали, проверили, сравнили с полотном – сходится! Теперь там маленький мемориал, но он довольно уродливый, природа всегда лучше.

Та самая открытка:

Наложим цвета с картины Ван Гога:

То самое место сейчас:

Кроме как досадных итогов в голову ничего не приходит, поэтому посоветую на выходных вдохновиться картинами – сможет помочь фильм-анимация «Ван Гог. С любовью, Винсент»: он полностью нарисован масляными красками на досках в стиле художника, избежать погружения в мир художника неизбежен)

Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo

До встречи!

Картина основана на реальных событиях. В 1816 году фрегат «Медуза» сел на мель, сдвинуть корабль не удалось и поэтому были выделены шлюпки для ВИП-гостей, а остальных 149 человек посадили на наспех сделанный плот. Шлюпки, которые должны были буксировать плот, бросили этих людей и оставили наедине с морем.

Очень скоро люди начали терять человеческий облик. Борясь за безопасные места у мачты и последние капли воды, они дрались, убивая друг друга и сталкивая в воду. Лишь через 13 дней они увидели на горизонте спасительный корабль «Аргус» – именно этот момент запечатлел Жерико. Из 149 в живых остались 15 человек, выжившие ели умерших попутчиков, потеряв последние признаки цивилизации.

Эскиз к картине:

Процесс подготовки к ваянию романтизма был любопытный. Жерико закрылся в мастерской на несколько месяцев, побрив голову. На полу мастерской он лепил восковые тела и ходил в морги и на казни для зарисовок мертвых тел.

Главным достижением Жерико стала сложнейшая композиция. Художник развернул композицию вглубь. Картина затягивает зрителя к себе. Обратите внимание на труп у нижнего края картины – создаётся впечатление, что его погружённая под воду голова уходит как раз под раму и оказывается в нашем, реальном, пространстве. Можно сделать шаг и оказаться в самом центре событий.

При том, что Жерико в итоге изрядно затушевал раны на телах и не раскрывал тему каннибализма, зрители были потрясены реалистичностью и «человечностью» картины. «Плот «Медузы» дал сильный толчок развитию живописи, по сути, заявив о новом подходе и новом стиле - романтизме.

Теодор Жерико, автопортрет:

Эжен Делакруа, другой титан романтизма, признавался, что, увидев картину впервые, «в восторге бросился бежать, как сумасшедший, и не мог остановиться до самого дома».

Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo

До встречи!