Наскальная живопись с точки зрения искусствоведа [ФЕЙК]
Фейк #comment_178257512
Фейк #comment_178257512
Полковнику никто не писал, а вот турецком султану очень даже писали. Причем сюжет основан на реальных событиях: на одном из светских приемов Репин услышал от историка Дмитрия Яворницкого историю о том, как казаки уничтожили 15-тысячное войско турецкого султана, и тот предложил им перейти в его подчинение. Иначе он придет и сделает бо-бо.
Казаки под командованием атамана Серко ответили ему так: «Ты – шайтан турецький, проклятого чорта брат и товарыщ и самого люциперя секретарь! Какой ты к чёрту рыцарь, когда голой жопой ежа не убьёшь». Это-то письмо Яворницкий и прочитал Репину, а художник подумал – у них явно была своя атмосфера. А замучу картину! И замутил))
Илья Репин – «Запорожцы (Запорожцы пишут письмо турецкому султану)», 1891
Репин капитально готовился к написанию картины. Ездил по Украине, получил все от того же Яворницкого оружие и одежды тех времен, а также вдохновлялся «Тарасом Бульбой» Гоголя.
Кстати, на картине произошел кроссовер с вселенной Гоголя – на картине множество героев книги. Казак в белой папахе, который так весело хохочет, и есть Тарас Бульба. Его сын Андрий стоит в левой части картины рядом с суровым мужиком с повязкой на голове. Суровый мужик – это еще один сын Бульбы, Остап.
Вот эти ребята:
Репин обожал детали, и это полотно не исключение. Казак с голым торсом там не просто так – возле него лежат карты, а в Сечи любителям зарубиться в азартные игры можно было только без рубашки, чтобы не мухлевали.
Сам Яворницкий появиля на картине в образе писаря. Чтобы добиться от него достоверной усмешки, Репин развлекал его карикатурными журналами.
Вот на этом фрагменте и картишки, и Яворницкий:
На картине Репин изобразил все виды смеха: саркастические усмешки, искренний смех и гогот, оскал, добрая улыбка, смех-оскал – все есть на этой картине.
Еще примечательна картина своей немного хаотичной композицией. Круговое расположение героев вызывает ощущение силы, чуть ли не природной мощи жителей Сечи. Перед нами не просто забавный момент из истории или обычная группа казаков – Репин изобразил сам дух Запорожской Сечи, свободолюбие и мощь казаков.
Так что зря турецкий султан полез на них. Зря, зря, зря...
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
Может немного посмотрим авангард? Готовы?
И поговорим мы о художественном объединении Наби. Их сложно причислить к одному из течений, поэтому решили выделить группу художников.
Начнем с начала. А начало существования Наби – 1890-е, основателями стали Поль Серюзье, Пьер Боннар, Жан Эдуар Вюйар и Морис Дени.
Ребята были академистами, рисовали амуров и мифы, но чувствовали, что как-то они выпадают из ритма жизни. Уже давно отгремели импрессионисты, уже появился постимпрессионизм и прочие -измы. И тут-то Серюзье встречает Гогена (который Поль, а не Солнцев). Вместе они курят сигары, болтают за искусство, накладывают краски прямо из тюбиков без смешивания (прям как настоящие плохиши). Гоген поучает своего коллегу, как следует воспринимать мир и как выражать себя в картинах, Серюзье приезжает к друзьям и взрывает им головы этими откровениями. Позже они вспоминали, что в тот момент почувствовали себя «свободными от ярма, в которое идея копирования загоняла их художническое чутье».
Пьер Боннар – "Уголок Парижа", 1905
Морис Дени – "Пляж Воздушных змеев", 1903
Дальше больше, ребята попадают волну – наученные неожиданным успехом импрессионистов критики тепло встречают новых реформаторов.
Выставки, признание, богатые заказы, манифесты. Кстати, о манифестах. Самый известный: «Картина — прежде чем стать боевым конем, обнаженной женщиной или какой-то историей — по сути плоская поверхность, покрытая цветами в определенном порядке». Это сейчас мы можем сказать, что любой авангардист заявит что-то похожее. Но тогда это был отрыв башки, набиды тогда были чуть ли не впереди всего авангарда, и это круто!
Что очень отличает Наби от других объединений – все художники абсолютно разные. Каждый из группы развивает свой стиль, исходя из своих философских, бытовых, этических и духовных основ личности. Поэтому набиды не похожи друг на друга, хотя продвигают похожие ценности и взгляды. Но при этом все они размывают границы между картиной и рекламным плакатом, часто они используют в работах японские мотивы и приемы афиши. Набиды признавали мистическую роль художника как священника, посредника, раскрывающего невидимое.
Серюзье называли «Наби со сверкающей бородой» (Наби с древнееврейского – пророк). Он откажется от реализма и будет искать свой собственный стиль, а вдохновение будет черпать в Бретани. Именно он привез своим друганам крышку от коробки сигар, на которой накидал эскиз согласно советам Гогена. Эту крышку в дальнейшем будут называть Талисманом, пока каждый из группы не разовьет свой особенный стиль.
Поль Серюзье – "Талисман", 1888
Морис Дени был «Наби прекрасных икон», много писал для церквей, пытался найти себя в современном католицизме и даже по слухам состоял в католическом ордене.
Морис Дени – "Воздвиженье Святого креста и прославление жертвы мессы", 1890-е
Вюйара и Боннара критики назвали «Интимными Наби», только но-но, интим не предлагать. Тут разговор про сюжеты – женщины за рукоделием, играющие дети, тихие спальни с декором, городские пейзажи. Таким образом, они стирали социальные границы и помогали своему зрителю легче пережить все те стремительные перемены, которые происходили в начале 20 века.
Жан Эдуар Вюйар – "Трапеза в саду", 1898
Пьер Боннар – "Девочка с котом", 1897
Группа «Наби» перестала существовать приблизительно в 1905 году, когда каждый из художников окончательно отыскал себя в живописи. Пути их больше особо не пересекались, и были они не безоблачными. Но самое главное – Наби разработали словарь модерна и помогли огромному количеству авангардистов в будущем.
Как вам Наби? Делитесь мнениями в комментариях)
Посмотреть еще интересных историй из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
Уверен многие сейчас вспомнили про учебник по истории и все эти «конь – это Россия» и блабла.. Но мы тут собрались обсуждать годноту, правильно?
Толковать картину можно как вам удобно. Сам художник с началом Первой мировой войны сказал: «Так вот почему я написал «Купание красного коня»! А спустя 3 года уже говорили про большевиков и красную Россию.
Хотя есть взгляд на мальчика как на спасителя – он принесет нам возрождение и новые силы.
А третьи вообще говорят, что это изображение человека как частички пространства. Вертите, как хотите, главное – говорить убедительно))
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – «Купание красного коня», 1912
Кстати, заметили, как Петров-Водкин завалил горизонт? Хотя критики и ругали его за это, тут есть своя история. Однажды в юношестве перед будущим художником убили человека. От отчаянья и злости он убежал на холм, где ему было видение – вся планета, сфера пространства, накрытая ночным небом, и все на одном этом холме. Это воспоминание художник потом использовал как вдохновение, поэтому его картины как будто немного сферические.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – «Играющие мальчики», 1911
Важное влияние на художника оказали иконопись. В начале 20 века расчистили множество древних икон, и Петров-Водкин был очень впечатлен. И именно на иконах он увидел красных коней.
Как, например, тут:
Картину впервые показали в 1912 году, потом с началом войны в 1914 она затерялась в Швеции, но спустя почти 50 лет вернулась в Москву и вызвала восторг у нового поколения художников.
А рецепт прост. Возьмите иконописный стиль наших художников, добавьте туда академизма из Европы и потом выложите в стиле модерна. Получится монументальный, авангардный, живой шедевр.
А чтобы преисполниться, сходите в Третьяковку, когда станет безопаснее. Обещаю, энергии наберетесь))
Посмотреть еще интересных историй из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
Сейчас будет драма. Судите сами – Гоген неудачно переехал на Таити (денег нет, работу местные не дали, картины не продаются), кроме фруктов и креветок питаться нечем, художник узнает о смерти любимой дочери во Франции, а заодно тяжело болеет – конъюнктивит, больные ноги и сердце, удушье и головокружение.
Гоген все решает просто – нарисую свой последний шедевр и уйду в горы умирать.
В страшных мучениях и лишениях художник целый год пишет картину, вкладывает в нее все свои мистические взгляды на бытие. Полотно действительно родилось в муках.
Дописав картину, Гоген исполняет свой долг перед живописью, берет мешок мышьяка и уходит в горы лишать себя жизни.
Казалось бы, все? История на этом заканчивается? А вот и нет.
Гоген принял слишком много яда, и организм просто отторг его – всю ночь художник промаялся в мучениях, но после вернулся обратно в жизнь. По-другому взглянул на окружающий мир, снова полюбил жизнь. Получил хорошую работу, а его картины стали очень популярны на родине. Ну а надрывный шедевр, который писался в таком контексте, остался. Прямо хэппи энд.
Поль Гоген – «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», 1898
Правильно читать картину справа налево, прям как в каббале (Гоген был ее фанатом).
Вот как видит жизнь художник. Сперва мы рождаемся чистыми младенцами (справа внизу), потом мы тинейджеры (чуть левее), далее срываем плод с дерева добра и зла (учимся, хотим все знать), познаем страдания и боль (женщина в черном, задний план еще левее) или бездумно кайфуем по жизни (обнаженная дама на переднем плане) и конец – старость, размышление о своем пути и смерть. Все это придумал не я или любители синих занавесок искусствоведы, подсказки и объяснения дал сам художник.
Кроме этого, Гоген заложил тележку символов, которые он также раскрыл в своих записях.
Например, сразу бросается в глаза синий идол.
Вот он крупнее:
Многие находят тут намек на потусторонние миры и надежду на перерождение, но учитывая состояние Гогена во время написания картины и мрачность статуи, это все безнадега и отрицание богов.
Еще на картине много животных. Кто-то скажет, что художник просто добавил живности на картину, чего прицепились. Но не забывайте, Гоген обожал символизм и в свою последнюю работу он намеренно закинул дополнительных смыслов.
Коза, котенок и щенок, по словам Гогена, показывают беспечность и наслаждение жизнью, без поисков смыслов (как мы сейчас) и вообще каких либо раздумий.
А вот белая птица слева с ящерицей в лапках - неизбежность смерти и конца. Кстати, считается, что белые животные на картинах всегда обозначают смерть. Ну это так, блеснуть при возможности))
Рядом с женщиной в черном есть еще одна птица, она олицетворяет духовный путь и развитие, этот символ художник стащил у древних египтян. Сама женщина отображает высшее духовное развитие человека, который обязательно должен пройти через страдание. Спасибо, Гоген, очень вдохновляет.
Ну а что, разве он в таких обстоятельствах мог написать что-то веселое?
Посмотреть еще интересных историй из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
Ну и скандал же был с этой картиной))
Но обо все по порядку. Французский Салон (топовое место для всех художников страны) так редко одобрял картины молодых художников, что Наполеон III офигел от такого количества отклоненных работ и организовал в том же здании Салон отверженных.
В этом новом Салоне картина Мане и взорвала общественность.
Эдуард Мане – «Завтрак на траве», 1863
Люди посмеивались и перешептывались – раздетая девушка в компании одетых мужиков? А которая подальше – после чего она моется? Уж не зарабатывают ли они часом (медведь из кустов.jpeg)?
Мане стал самым обсуждаемым художников Парижа, а ведь хотел он совсем другой славы.
Автор картины хотел в своем стиле переосмыслить два шедевра прошлого – «Сельский концерт» Джорджоне и «Суд Париса» Рафаэля. Первая картина вдохновила художника написать голеньких девушек рядом с одетыми мужчинами, а вторая– расположить фигуры в пространстве. Вот только женщины на картине совсем не нимфы и не богини.
Ну и, конечно, перспектива. Ох и досталось Мане! Девушка на заднем плане слишком крупная, люди на переднем явно ближе к зрителю, чем должны быть. Это потом все скажут – ого, как художник вовлекает в свою работу, а другие будут пытаться повторить трюк. А тогда сошлись на мнении, что Мане лох и писать картины ему не стоит.
Что ж, они явно были не правы))
Мой уютный телеграм-канал: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
А давайте побудем немного легкомысленными?
И заодно посмотрим, что такое рококо и чем оно отличается от барокко))
"Меццетен" – Антуан Ватто, 1719
Рококо появилось во Франции в 18 веке, а свое название получило от французского слова rocaille — ракушка или раковина. Издавна раковинами украшали гроты и фонтаны, позже в интерьерах использовали орнаменты, повторявшие витые и округлые очертания раковин. Со временем они усложнялись, становились все более изощренными и причудливыми. Такие орнаменты называли рокайлями, а сам стиль – рококо.
Хотя в 18 веке уже были и барокко, и классицизм, олицетворяет столетие именно рококо. Пышность и торжественность барокко в топку, дайте нам легкость и комфорт галантного рококо, говорят французы. Главный принцип – кайфуй, беззаботно наслаждайся жизнью!
По сути, рококо – это такой гламурный глянцевый журнал 18 века. Старости, болезней и уродства не существует, на картинах все молоды и красивы. Половых различий все меньше – мужчины и женщины одинаково изящны, изнежены и капризны. Ну и постоянно флиртуют друг с другом, конечно же))
"Качели (Счастливые возможности качелей)" – Жан Оноре Фрагонар, 1767
Живопись рококо, подобно глянцевому фото, главной своей темой считает соблазн. Соблазнительность как качество, соблазнение как процесс, интрига как образ жизни — вот его ключевые сюжеты. И в этом смысле рококо действительно прямой предшественник гламура.
Но рококо на этом не заканчивается. Важный элемент жанра – новый подход к эротической теме. Теперь обнаженка не просто показывает знание анатомии или изображает богов, а самое настоящее сладострастие. Теперь художнику не надо оправдываться античностью, он может свободно запихнуть ню в картину и получить классы.
"Юпитер и Каллисто" – Франсуа Буше, 1744
Буше вообще был большим любителем изобразить голеньких женщин))
Из парадных залов искусство перемещается в будуар. Все интерьеры – уютные и комфортные. Изящные статуэтки, шелк, причудливые кресла и изысканные комнаты – типичный фон картин жанра.
Известные художники рококо - Антуан Ватто (считается основоположником), Франсуа Буше, Жан-Марк Натье, Джованни Баттиста Тьеполо, Элизабет Виже-Лебрен, Дмитрий Левицкий, Джованни Баттиста Тьеполо, Пьетро Лонги, Бернардо Беллотто.
"Читающая девушка" – Жан Оноре Фрагонар, 1770-е
"Портрет мадам Гранд" – Элизабет Виже-Лебрен, 1783
Так чем же отличаются барокко и рококо? Главное отличие не в эстетике (она довольна похожа), а в идеологии: барокко это про религию и мифологию, оно серьезно и торжественно. Рококо полностью светское, легкое и несерьезное. Но не менее важное и поэтичное.
Как вам рококо? Делитесь в комментариях!
Мой уютный телеграм-канал: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
Одна вакансия, два кандидата. Сможете выбрать лучшего? И так пять раз.
Однажды в мастерскую Ренуара пришли молодые художники, вдохновленные светлой палитрой мастера и его коллег-импрессионистов, и сказали – черный цвет в картинах для лохов, а светлые тона для нормальных пацанов. Растерянный Ренуар принялся им объяснять, как важен черный цвет и сколькими оттенками он обладает, если руки растут из плеч.
Через «Зонтики» он, собственно, и показал, что в руках мастера черный цвет может отличаться – зонтики, шляпы, корзинка, все они практически разных цветов. Оказывается, кожаные перчатки и кожаные ботинки могут быть совершенно разных тонов.
В картине есть и своя тайна (куда же без тайн, ну в самом деле). Если присмотреться к левой и правой части полотна возникнет вопрос – почему техника художника и манера изображения людей отличается? Самые дотошные искусствоведы отмечают, что даже одеты они по моде разных годов. В общем, решили ответить на все эти волнующие вопросы и отправили картину на рентген. И оказалось, что картину писали с промежутком в 5 лет между подходами.
Правая часть картины, выполненная в стиле импрессионистов
В 1881 году Ренуар начал писать ее, когда еще пылал идеями импрессионизма. Потом он смотался на несколько лет в Италию и настолько преисполнился, что ушел чуть ли не в классицизм. Все-таки античная Италия умеет повлиять на мозги художников))
В 1886 году Ренуар возвращается к картине, но уже пишет скорее в классической манере.
Левая и более "классическая" часть картины
Поэтому справа картина выполнена широкими мазками на манер импрессионистов, дамы одеты по моде 1881 года. А слева уже есть четкие контуры, совсем другая одежда и совсем другой Ренуар (он даже заявит, что «прошел» импрессионизм). Вот такую загадку придумал художник своим зрителям.
Но самое главное, что сделал художник – показал нам, что не стоит обижать цвета. Так что, ребята, давайте жить дружно!
Буду стараться выпускать посты регулярно, будет интересно.
Мой телеграм-канал: https://t.me/picturebymaslo
Добра!