Я знаю, что делая пост об авангардных художниках на Пикабу, я рискую).
Но не могу не поделиться одним из моих любимцев, еще и потому, что судьба художника и его полотен очень любопытна.

Речь пойдет об очень классном сияющем и невероятном цветописце, представителе украинского авангарда, художнике Викторе Пальмове.

Пальмов родился в Самаре, потом учился в художественном училище Пензы, потом перебрался в Москву и там подружился с юными футуристами - братьями Бурлюками и Маяковским.

Примерно в 1917 году Пальмов вместе с Давидом Бурлюком отправляется в путешествие на Дальний Восток через Сибирь и даже успевает попреподавать во владивостокской гимназии живопись. Там же художникам приходит мысль организовать первую выставку современного русского искусства в Японии, чем они в 1920 году и занялись - выставка прошла с невероятным успехом, в ней участвовали 28 художников, включая Татлина и Малевича, и всего на землю японскую было привезено почти пять сотен работ. А потом, перезимовав на острове Огасавара, Виктор Никандрович отправляется в Киев и остается там.

Самая его известная работа - “Украинское село зимой”  (вот она, выше) внезапно написана под впечатлением от пребывания в сибирском поселении Зеленый Клин.

Если не знаете, откуда украинское село в Сибири, то дело вот в чем - в тех краях, согласно переписи населения 1926 года, проживало более 300 тысяч украинцев и они даже предприняли попытку объявить себя частью Украинской Народной Республики в 1918 году, только что-то не срослось.

В общем, Пальмов влюбляется во всё, что видит - в быт, людей, уклад, песни, народную поэзию и решает, что надо жить и работать с фактурой украинской деревни, только так и никак иначе. В 1925 году он вступает в Ассоциацию революционного искусства Украины, а позже вообще становится одним из основателей Украинского союза художников.

Он много занимался теорией искусства, ну а его картины - просто праздник какой-то. Он любил работать с чистыми цветами и множеством оттенков одного цвета, ученикам своим давал задания - писать целый сюжет из одного тюбика краски. И вот, прямо таки светящиеся полотна выходят, сказочные, из снов. Купаться в этом цвете и свете хочется, такой нежный и лиричный, такой немного хулиганский неопримитивизм - он даже свои работы подписывал специально корявым почерком и с ошибками.

А еще его фирменный знак - почти неолитический песель, собака-оберег, как на картине ниже.

Вычитала, что работ его так мало осталось еще и потому, что после смерти картины Пальмова уходили с молотка за какие-то смешные деньги и их по сей день вылавливают коллекционеры на антресолях жителей Киева и окрестностей.

Коллекционер Игорь Дыченко буквально вот что рассказывал про свой самый успешный улов: «Мне же удалось найти в Киеве тех, у кого хранилась часть произведений Пальмова. За одну его картину тогда просили символическую сумму — порядка 28−30 рублей… Однажды, будучи у них в гостях, я заметил выступающий из-за шкафа уголок холста, на котором была изображена пятка. Мое донжуановское воображение тут же дорисовало все остальное. За шкафом пряталось прекраснейшее полотно Виктора Пальмова „Пляж“. Там же я обнаружил и его картину „Украинское село“ — ту, за которую он получил в Японии медаль».

Смотрите, какие нежности:

Ищите на антресолях и балконах, вдруг у вас тоже дома такое сокровище!

Умер художник в сорок лет во время неудачной операции, но некоторые исследователи и собиратели его творчества считают, что его фактически убили из-за разногласий с властью.

Одна из любимых его работ:

Тест мой, буду рада ответить на вопросы и буду благодарна, если комментируя, вы обойдете политические темы.

А чаще я пишу о своих находках и публикую заметки и видео вот тут:

https://t.me/tojemne

Присоединяйтесь, буду рада.

Вы когда-нибудь задавались вопросом - почему такие странные котики глядят на нас с картин прошлых веков?

Почему котейки на картинах такие... удивительные?

Котопроблемы у художников прошлого - штука, на первый взгляд, очень загадочная.

Наверное, у  почти всех художников были дома коты, коты в принципе, не были дефицитом. Ведь иначе как бороться с мышами и крысами, если не держать котов в каждом доме?

Посмотреть на то, как выглядел котейка не было проблемой, по идее. Тем не менее, чего это мы такое видим на картинах?

А видим мы много удивительного!

Видим мы уродливых котов, котов- инопланетян, котиков-исчадия ада, анатомически поразительных и просто непонятных каких-то неизученных форм котиков. И это мы берем картины, а не всеми уже обсмеянные «страдающие» рисунки из средневековых книг.

Вот, лишний раз убедитесь сами:

Котик-плоский гидроцефал. Рыба при этом написана «как живая».

Над этим котиком тоже не потрудились, а  рыба опять же выглядит в разы лучше.

Здесь опять: котик примитивный, к рыбе вопросов нет, даже глаз  у рыбы намного более живенький, чем глазки котэ.

Что же это такое происходит с котейками?

Так вот, есть пара версий на этот счет.

Например, художники рисовали не с натуры, а по канону, используя в качестве образца уже существующее ранее изображение и таким образом кем-то когда-то может быть по памяти изображенный котик постепенно становился все страннее и страннее. Обращаться к живой натуре уже было принято, но попробуй ты заставь позировать котика! Это тебе не безобидная старушка, позирующяя за пару монет. Это кот - животное свободолюбивое и независимое.

Но есть более глубокая версия (кстати, не отменяющая, а дополняющая предыдущую).

Дело все в том, что котики в живописи старых мастеров - сплошь изображения символические.

На самом деле, это повествовательная живопись, она и не требует верного рисунка, главное – изобразить сюжет, рассказать о событии, например, о коте – ворюге.

Суровые были времена, на такие картины глядели не для умиления котиками, а в целях назидания и морали. Котики-ворюги же высокой моралью не отличались. И не отличаются по сей день, если рыба плохо лежит.

И потом взгляд на кота у людей в прошлом был очень практичным: кот был нужен для ловли мышей, и должен был жрать мышей, но никак не с трудом выловленную рыбу.  Поэтому коты на картинах вовсе не умилительные как сейчас. Кот в доме - это необходимое зло, которое не только защищает тебя от мышей, покушающихся на твой хлеб насущный,  но кот при этом покушается на твою праздничную еду - мясо, которое далеко не каждый день абсолютное большинство людей прошлого могли себе позволить покушать.

Ну а потом началась современная эпоха , все стало красивым, люди стали жить лучше, рыбы и колбасы для котэ стало не жалко, котики стали мимимишными любимцами, которым можно все. Ну и на натуру опять стали обращать внимание. Отошли в прошлое монструозные коты.

Ну и, напоследок, мой любимые образцы: насупленные котики, в жизни которых мало свежей рыбы и умилениями ими, любимыми, со стороны хозяев.

Вы когда-нибудь задавались вопросом - почему такие странные дети глядят на нас с картин 10-15 века?

Мадонна с Младенцем,  Андреа Мантенья

Младенцепроблемы у средневековых мастеров - штука, на первый взгляд, очень загадочная.

У многих художников было по десятку детей - дети, в принципе, не были дефицитом. Умирали они пачками, это да, а так, до года, их было в достатке.

Посмотреть на то, как выглядел небольшой ребенок не было проблемой, по идее. Тем не менее, чего это мы такое видим на изображениях Мадонны с младенцем?

А видим мы много удивительного! 

Видим мы мускулистых младенцев, младенцев-инопланетян, младенцев-дедков, а иногда и бабок, кукольных, квадратноголовых, надутых, покусаных пчелами, страдающих микроцефалией, анатомически поразительных и просто непонятных каких-то неизученных форм младенцев.

Вот, лишний раз убедитесь сами:

Что же это такое происходит с младенцами?

Так вот, есть пара версий на этот счет.

Например, художники рисовали не с натуры, а по канону, используя в качестве образца уже существующее ранее изображение и таким образом кем-то когда-то может быть по памяти изображенный младенец постепенно становился все страннее и страннее. Обращаться к живой натуре было пока не особо принято.

Но есть более глубокая версия (кстати, не отменяющая, а дополняющая предыдущую).

Дело все в том, что младенцы в живописи средних веков - сплошь изображения Иисуса, а его писали сразу новорожденным и взрослым, иногда даже лысеющим и стареющим. Взрослым маленького размера, который еще и заранее знает как плохо для него все кончится.

Суровые были времена, на такие картины глядели не для умиления пупсиками, а в целях молитвенного сосредоточения.

И вообще, глядя на икону, мы смотрим на схематичное, а не реалистичное изображение - не сценку из жизни наблюдаем, а видим сразу замкнутый образ, в котором и прошлое, и настоящее, и будущее вместе, и царство небесное, в котором нет ни времени ни пространства как такового.

То есть, художник пытается нам одним кадром поведать целую историю .

Эта шутка, изображение младенца серьезным взрослым человеком маленького размера, свойственна византийскому искусству и до сих пор актуальна для российской иконописи.

Ну а потом началась эпоха Возрождения, все стало красивым, младенцы стали пухленькими симпатягами и была придумана концепция младенческой невинности. Ну и на натуру опять стали обращать внимание. Отошли в прошлое монструозные дети.

Ну и, напоследок, мой любимый образец от Дуччо ди Буонинсенья.

Лысеющий тридцатипятилетний младенец с ипотекой и кризисом среднего возраста:

Дуччо. «Мадонна Креволе» 1283-84. Сиена, музей собора.

Тест мой, буду рада ответить на вопросы.)

А чаще я пишу о своих находках и публикую заметки и видео вот тут:

https://t.me/tojemne

Присоединяйтесь, буду рада.

Хочу сегодня рассказать о крохотной и чудесной капелле, построенной по проекту Анри Матисса.

Анри Матисс - один из моих любимых художников.

Он был лидером течения фовистов, этаких дикарей от искусства, ратовавших за то, чтоб живопись отказалась от формы и воспевала чистые цвет и свет.

Красные рыбки. Анри Матисс. 1911 год

Как и многие художники рубежа 18-20 веков, Матисс думал о своей работе, не просто как о картиночках, а как о проекте большого переделывания мира в лучшую сторону. Например, он много думал о религии и о том, что в том виде, в котором она существует, религия себя изживает. Поэтому надо ее перепридумать!

В 1959 году художник построил церковь такую, какой она должна была быть в его мечтах, такая прямо квинтэссенция бесконечности и светописи. Она называется Капелла Розария. Это была его попытка «дать на ограниченном пространстве идею Беспредельного».

Вообще, мне очень интересна тематика обновления религиозного искусства, хоть к религии я никак не отношусь.

Вот тот же Андрей Рублев, по канонам которого пишут иконы по сей день, на самом деле был ярким революционером искусства и к своей Троице пришел через много-много размышлений, а не стал просто сдирать со старых образцов. А на это, конечно, нужна была огромная смелость и уверенность в своих силах.

Вот и Матисс много думал о том, каким должно быть современное ему христианское искусство и придумал как должна выглядеть церковь, вплоть до скульптур и одеяний священников. Свет и цвет! Чистая радость. Скорее, эти идеи потом воспримут дети цветов, а Матисс вот придумал хиппи до хиппи получается. И это счастливое, чистое, яркое переживание идеи божественного лучится в этой его работе очень живо.

Впервые мысль отстроить маленькую церковь его посетила после тяжелой болезни, во время которой за ним ухаживала монахиня из Доминиканского ордена по имени Мари-Анж.

Сначала дело как-то не пошло, наброски оставались просто набросками, пока Мари-Анж не сменила другая девушка, медсестра из реабилитационного центра для пострадавших в автокатастрофах, Моника Буржуа.

Они с Матиссом подружились и настолько, что тот уговорил ее позировать для своих картин.

Вот отрывок из интервью монахини Моники Буржуа:

«Я хорошо помню тот день, когда первый раз увидела месье Матисса. Это было в 1942 году. Месье Матисс поглядывал на меня краем глаза – он казался равнодушным и холодным. На самом-то деле, он был совсем другим. Как бы он иначе рисовал такие картины? Вскоре взаимное недоверие удалось преодолеть, и я увидела в Матиссе теплоту и глубокую человечность». Целый месяц Моника дежурила у постели художника. Вскоре после выписки он ей позвонил и попросил позировать. «Я ожидала чего угодно, но только не этого Мне тогда еще никто не говорил, что я красива».

Матисс написал несколько портретов Моники, а потом она внезапно приняла постриг и тоже стала монахиней, чем, конечно, огорчила художника - он считал ее не только красоткой, но и очень талантливой начинающей художницей и хотел обучать рисованию.

Зато позже она принесла ему показать свои эскизы витражей, которые набросала у гроба умершей сестры-монахини.

Матисс решил что это знак и пришло время вспомнить про свой план. Тогда художник обращается к доминиканскому священнику, тот совершенно неожиданно проникается идеей строительства и выдает Матиссу в помощь послушника с архитектурным образованием, брата Рейссинье.

Художник и архитектор сошлись во взглядах, подружились и взялись за работу. Через четыре года трудов капелла была закончена.

Смотрите что вышло!

И сам Матисс внутри:

Кстати, Пикассо за эту всю историю сердился на Матисса и говорил, что капеллу не поймут и она превратится в овощной склад.

Конечно, в овощной склад капелла не превратилась, ее любят и ценят.

Вот смотрите какие чудные росписи и сказочные витражи. Аж у ушах гудит от них.)

Но и на этом Матисс не остановился.

Если капелла его мечты выглядит вот так, то как же внутри нелепо и тяжеловесно будут смотреться священнослужители в своих темных или золоченых одеждах.
Поэтому он придумывает новые наряды для священников.

Вот они, те самые облачения для священников! Чистая радость! Хиповские пончо! Как можно быть плохим человеком или нести хоть что-то недоброе нарядившись в вот это?

Честно говоря, я у полотен Матисса переживаю чувство, близкое к религиозному восторгу, аж дыхание перехватывает. Поэтому история этой капеллы для меня какая-то прямо-таки личная радость.
Не все разделяют мою любовь, но на то восприятие искусства и субъективная штука.)

Текст мой,

но чаще я пишу о своих находках и публикую заметки вот тут:

https://t.me/tojemne

Присоединяйтесь, буду рада.