Именно 9 июля 1962 года состоялась первая персональная выставка Энди Уорхола, на которой он представил свой цикл «32 банки супа Campbell's». Это был знаменательный момент, когда искусство перестало быть «элитарным» и шагнуло прямо в обычный супермаркет.

Причем  Уорхол не пытался «нарисовать» суп. Он купил все 32 вида супа, которые тогда выпускала компания Campbell's, и с помощью техники шелкографии перенес их изображение на холсты. Причем важно понимать, что все это делалось вручную. Никакой машинной печати.

Художники-традиционалисты были в ярости. «Это не искусство, это этикетка!» — кричали критики. Для них попытка сделать шедевром то, что каждый день стоит у тебя в кладовой, была высшей формой цинизма.

Так почему же это стало гениальным? Энди Уорхол первым понял, что в эпоху потребления логотип бренда узнаваем лучше, чем лицо Джоконды. Он превратил бытовую рутину в объект поклонения.

Правда, на той самой первой выставке в 1962 году работы покупали крайне неохотно. Владелец галереи Ирвинг Блум с трудом продал несколько картин друзьям за копейки. А потом он понял, что серию нужно продавать только целиком, чтобы она имела хоть какую-то ценность. Он выкупил проданные полотна обратно и обошлось ему это в 1000 долларов. Сегодня эти же картины оцениваются в миллионы и хранятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке (MoMA).

Выставка 9 июля 1962 года стала «точкой невозврата». С этого момента Поп-арт перестал быть андеграундным экспериментом и стал мейнстримом. Уорхол доказал: чтобы стать «великим», не нужно рисовать ангелов или страдания. Достаточно показать людям то, что они видят каждый день, но под другим углом.

Пища для размышлений: сегодня мы живем в мире, где бренды — это религия. Apple, Nike, Coca-Cola — мы носим их логотипы как знаки отличия. Уорхол увидел это за 60 лет до нас, просто взяв банку супа с полки.

Как вы считаете, можно ли считать такие работы искусством, или это просто талантливый маркетинг? Повесили бы вы у себя в гостиной картину с банкой супа, если бы она стоила 10 долларов?

Давайте обсудим. Ну и в телеграм ко мне залетайте. Там я каждый день рассказываю об интересных и часто необычных исторических фактах. Буду рад каждому поддержавшему мое начинание!

Поп-арт (от англ. popular art — «популярное искусство») родился в 1950–60-е годы в Британии и США. Идея была дерзкая: взять образы из массовой культуры рекламу, комиксы, упаковку, фото знаменитостей, товары из супермаркета и сделать из них высокое искусство.

До этого считалось, что искусство должно быть «выше» повседневности - про вечное, про прекрасное, про сложное. Поп-арт перевернул это с ног на голову. Он сказал: банка супа, рекламный плакат и кадр из комикса - это и есть настоящие иконы нашего времени, давайте их и писать.

Это был и восторг перед обществом потребления, и одновременно тонкая ирония над ним. Поп-арт любил и высмеивал массовую культуру в одном жесте и в этом была его сила.

Уорхол стал лицом движения. Но вот пятеро художников, кто создавал его вместе с ним, а иногда и раньше него незаслуженно забыли в широких кругах.

1. Рой Лихтенштейн — человек, превративший комикс в искусство

Если есть второй по узнаваемости поп-артист после Уорхола, то это Рой Лихтенштейн. Его картины ни с чем не спутаешь: огромные кадры будто из комиксов, с репликами в «облачках», яркими основными цветами и характерными точками.

Эти точки - его фирменный приём. Они называются «точки Бен-Дея» - так в типографии дешёво печатали комиксы и газеты. Лихтенштейн брал этот «низкий», полиграфический приём и переносил его на огромные холсты, вручную выписывая каждую точку. Дешёвая печать превращалась в монументальную живопись.

Он брал банальнейшие сюжеты: плачущая девушка, военный самолёт, поцелуй и увеличивал их до гигантских размеров и заставлял зрителя увидеть в массовой картинке настоящую драму. Смешно и серьёзно одновременно.

Сегодня его язык в рекламе, в дизайне футболок, в обложках, в оформлении магазинов. Когда вы видите что-то «в стиле комикса с точками» - это наследие Лихтенштейна.

2. Класс Ольденбург - тот, кто сделал гамбургер скульптурой

А этот художник вытащил поп-арт с холста в реальное пространство. Класс Ольденбург брал самые обычные предметы - гамбургер, ложку, прищепку, тюбик помады, кусок торта и делал из них гигантские скульптуры.

Представьте мягкий унитаз из ткани. Или ложку высотом с дом. Или зубную пасту размером с автомобиль. Ольденбург устанавливал такие объекты прямо в городах, на площадях, и обычная бытовая вещь вдруг становилась памятником.

В этом была и шутка, и серьёзная мысль: мы живём среди вещей, которые даже не замечаем, а Ольденбург заставлял остановиться и посмотреть на них как на нечто значительное. Banальный предмет потребления превращался в монумент эпохи.

Современные гигантские арт-объекты в городах, инсталляции у торговых центров, фотозоны с увеличенными предметами - всё это во многом выросло из идей Ольденбурга.

3. Джеймс Розенквист — художник, пришедший с рекламных щитов

У Розенквиста была необычная биография. Прежде чем стать художником, он рисовал гигантские рекламные билборды над Таймс-сквер. Забирался на леса и выписывал огромные лица и бутылки кока-колы для рекламы.

И этот опыт он перенёс в искусство. Розенквист стал делать огромные картины-коллажи, в которых обрывки рекламных образов - кусок женского лица, фрагмент автомобиля, тарелка спагетти - сталкивались друг с другом в тревожном монтаже.

Его главная работа картина «F-111» длиной почти 26 метров, в которой образ военного бомбардировщика переплетается с рекламой, потребительскими товарами и атомным грибом. Это уже не весёлый поп-арт, а серьёзное высказывание о связи потребления, рекламы и войны.

Современный визуальный язык клипов, рекламных коллажей, наложения образов друг на друга во многом его территория.

4. Том Вессельман - тот, кто соединил поп-арт и классику

Вессельман работал с самым классическим жанром в истории живописи - обнажённой натурой и натюрмортом. Но делал это языком рекламы.

Его серия «Великие американские обнажённые» - это женские фигуры, написанные плоско, ярко, как рекламные плакаты, в окружении предметов потребления: бутылок, фруктов, телевизоров, телефонов. Классическая тема Венеры, поданная как реклама из глянцевого журнала.

Вессельман показывал, как реклама подменила собой классические идеалы красоты. Раньше эталоном была богиня на картине, теперь девушка с рекламного плаката. Он соединил эти два мира в одном холсте.

Эстетика глянцевой рекламы, плоский яркий цвет, идеализированные образы в окружении товаров - это узнаваемый язык модной фотографии и рекламы, к которому Вессельман приложил руку одним из первых.

5. Ричард Гамильтон - британец, который придумал поп-арт раньше Уорхола

И главный сюрприз напоследок. Сам термин и сама идея поп-арта родились не в Америке у Уорхола, а в Британии на несколько лет раньше. И ключевая фигура здесь Ричард Гамильтон.

Ещё в 1956 году, когда Уорхол был никому не известным коммерческим иллюстратором, Гамильтон сделал маленький коллаж с длинным названием — «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». На нём комната, набитая приметами общества потребления: телевизор, пылесос, консервы, культурист с гигантским леденцом, реклама.

Этот крошечный коллаж считается едва ли не первым произведением поп-арта в истории. Именно британцы первыми сформулировали, что массовая культура может быть материалом для искусства. Гамильтон даже дал определение поп-арту: популярное, недолговечное, дешёвое, массовое, остроумное, гламурное и приносящее большой бизнес.

То есть человек, которого почти никто не знает, описал и предсказал поп-арт раньше его самой знаменитой звезды.

Будет несправедливо совсем отодвинуть Уорхола, он действительно был гением, просто не единственным. Его вклад в другом: он довёл главную идею поп-арта до абсолюта и сделал из неё образ жизни.

Уорхол первым стал относиться к искусству как к производству. Его мастерская так и называлась «Фабрика». Там штамповали шелкографии знаменитостей и товаров десятками, как на конвейере. Уорхол говорил, что хочет быть машиной, и стирал границу между художником и предпринимателем.

Он же первым сделал из самого себя бренд с узнаваемым белым париком, загадочными фразами, культом тусовки и знаменитостей. По сути, Уорхол изобрёл то, что сегодня называется «личный бренд» и «инфлюенсер», за полвека до социальных сетей.

Так что Уорхол заслуженно стал лицом движения. Но движение это было огромным, и каждый из нашей пятёрки добавил в него что-то своё без чего поп-арт был бы беднее.

---

Поп-арт не остался в 1960-х. Он растворился в нашей повседневной визуальной культуре так глубоко, что мы его уже не замечаем.

Целые модные дома выпускают коллекции «по мотивам поп-арта». Бренды ставят музейные образы на кроссовки и сумки. Граница между искусством и рекламой, которую стёрли эти художники, сегодня не существует вовсе и это их прямое наследие.

В следующий раз, когда увидите рекламу с яркими плоскими цветами, комикс на футболке или гигантскую скульптуру предмета у торгового центра, вспомните: всё это придумали не вчера. Это наследие пятёрки, о которой мы сегодня говорили.

А вам поп-арт ближе как искусство или как насмешка над обществом потребления? Любопытно, кто как это считывает. Напишите в комментариях.

Подписывайтесь на канал в ДЗЕНЕ MD Art Guide. Вечером - самая, наверное, романтичная и самая печальная история в истории живописи. Про художника, который ради одной женщины устроил то, о чём потом написали знаменитую песню: https://m.dzen.ru/id/697b0b890aeeb92c5450df2b?tab=articles