«Купание красного коня» — картина русского художника Кузьмы Петрова - Водкина (1878 - 1939).
Стала этапной для художника и принесла ему мировую известность.
автопортрет 1918 г
Летом 1912 года Петров-Водкин жил на юге России.
Первая и вторая версии картины были написаны им на хуторе Мишкина Пристань, в нескольких километрах от деревни Гусевка (нынешняя Волгоградская обл).
От этого периода работы сохранилось несколько зарисовок с фигурами мальчика и коня. Первый вариант картины был уничтожен автором, второй известен по чёрно-белой фотографии. На обоих вариантах присутствовала четвёртая фигура, придерживающая коня спереди.
Вернувшись в Санкт-Петербург осенью, Петров-Водкин начал работу над третьим, окончательным вариантом картины.
Полотно является иллюстрацией излюбленной Петровым-Водкиным сферической перспективы - "отражение единого целого космоса".
Художник писал картину с «построением формы цветом», как на работах Сезанна.
Вот Сезанн, и в этом утверждении действительно что то есть.
1892 год Поль Сезанн 1839–1906
Картина "Купание красного коня" с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает. Однако, художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев.
Чудо архангела Михаила. XVII в. Вена, Городской исторический музей
Князья Борис и Глеб на конях. Сер. XIV в. Государственная Третьяковская галерея
В 1914 году, когда разразилась Первая мировая война, многие увидели в картине «символизм русской национальности, исконного лика России». Искусство Петрова- Водкина стали называть «идеал-реализмом».
Новаторство его произведений остались в русле классической традиции, сочетая сложный баланс разных стилей.
Судьба картины складывалась непросто. Впервые полотно было показано на выставке "Мир Искусства" в 1912 г и имело большой успех.
В 1914 году картина "Купание красного коня" была представлена на "Балтийской выставке" в городе Мальмё, Швеции.
За участие в этой выставке Петрову-Водкину шведским королем Густавом V была вручена медаль и почётная грамота.
Первая мировая и гражданская войны, революция привели к тому, что картина на долгое время осталась в Швеции.
По окончании Второй мировой войны и после длительных переговоров, в 1950 году произведения Петрова-Водкина, в том числе и картина «Купание красного коня», были возвращены на родину, в семью художника.
В 1953 г картину выкупила известный коллекционер Казимира Басевич. В 1961 г она передала шедевр в дар Государственной Третьяковской галерее.
С И Калмыков 1891 - 1967гг
Российский и советский художник. иллюстратор, декоратор, авангардист.
Родился в Самарканде, скоре после его рождения семья переехала в Оренбург, где он окончил гимназию.
В 1909 -1910 гг. Калмыков жил в Москве, где посещал курсы Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
С конца 1910 года по 1926 г жил в Санкт - Петербурге, где был учеником, в том числе, К.С. Петрова - Водкина.
Он говорил, что одна из его ранних работ, на которой он в 1911 году изобразил красных коней, вдохновила Петрова-Водкина на создание знаменитой картины.
1911 г автор С И Калмыков
Калмыков также утверждал, что был натурщиком картины, в своих дневниках писал: «К сведению будущих составителей моей монографии. На красном коне наш милейший Кузьма Сергеевич изобразил меня. Да! В образе томного юноши на этом знамени изображен я собственной персоной. Только ноги коротки от бедра. У меня в жизни длиннее».
«Автопортрет» (1915 год) С И Калмыков
Мотивы произведения
1915 г К.С. Петров - Водкин
1925 г К.С. Петров - Водкин
почтовая марка СССР 1978 г, посвященная 100-летию со дня рождения художника Кузьмы Петрова-Водкина.
Означает фирменное, уникальное блюдо конкретного региона, города или определенного шеф-повара/кондитерской, которое является их визитной карточкой.
Паштел-де-Белен от знаменитой паштеларии в Лиссабоне
Паштел-де-ната (порт. pastel de nata) или паштел-де-Белен (порт. pastel de Belém) — десерт, пирожное в виде чашечек -корзиночек из слоеного теста с заварным кремом.
Распространён в Португалии и в странах, находящихся на территории бывших португальских колоний: Бразилии, Гвинеи-Бисау, Анголе, Мозамбике, Восточном Тиморе, Гоа, Макао и других, а также в странах, где значительна численность иммигрантов из Португалии.
История
Пирожные паштел-де-ната придуманы католическими монахами в монастыре Жеронимуш в Лиссабоне до XVIII века.
В те времена в монастырях использовали яичные белки для подкрахмаливания одежды, в частности, облачения монахинь. Оставшиеся желтки шли на приготовление тортов и пирожных. Рецепты сладкой выпечки и кондитерских изделий распространились по всей стране.
После исчезновения религиозных орденов и в преддверии закрытия многих монастырей после Португальской революции 1820 года монахи стали продавать паштел-де-ната на близлежащей сахарной фабрике, чтобы получить хоть какой-то доход.
В 1834 году монастырь Жеронимуш был закрыт, а рецепт пирожного выкупили владельцы сахарного завода. В 1837 году они открыли фабрику Паштел-де-Белен, которая производит знаменитые пирожные и в наши дни. Де Белен - исторический район в Лиссабоне.
Простой рецепт пирожных применяется с небольшими отличиями в разных кондитерских (паштелариях) в португалии. кондитеры применяют разные формы чашечек из теста, изменяют состав и густоту начинки.
Для заварного крема кипятят молоко с палочкой корицы и лимонной корочкой, заваривают мукой, добавляют сваренный сироп, вымешивают, охлаждают, добавляют желтки.
Слоенок тесто выкладываютв формочки и заполняют кремом. Выпекают и готовые посыпают корицей и сахарной пудрой. Подают горячимию
Паштел-де-Белен завоевал 15-е место в рейтинге самых вкусных деликатесов мира.
В рамках гастрономического фестиваля в Лиссабоне ежегодно дегустируют и выбирают лучший паштел-де-ната. В 2011 году пирожное названо одним из семи гастрономических чудес Португалии
Знаменитое кафе-кондитерская Pastéis de Belém в Лиссабоне, Португалия, открытое в 1837 году. Здесь продают традиционные португальские пирожные с заварным кремом
Площадь Империи (Praça do Имpério) и величественный монастырь Жеронимуш (Mosteiro dos Jerónimos) в историческом районе Белен в Лиссабоне, Португалия.
Площадь Империи: Одна из крупнейших площадей Европы с большим центральным фонтаном и ухоженными садами, разбитая в 1940 году для Португальской выставки.
Расположение: Район Санта-Мария-ди-Белен, Лиссабон, Португалия
Монастырь Жеронимуш: Шедевр архитектуры в стиле мануэлино XVI века, входящий в список Всемирного наследия ЮНЕСКО. Строительство монастыря Жеронимуш длилось почти 100 лет.
Нужно отметить, что такой десерт нравится не всем. Туристы в Лиссабоне стараются попробовать это специалите, но это может быть один раз. Как знакомство со страной, обычиями, привычками португальцев. Пирожное очень сытное, сладкое, "тяжелое". На любителя.
Яннис Царухис (1910–1989) родился в г Пирее ( Греция).
Художник много лет спустя размышлял о важности своего детства: «Я много смотрел на небо, когда был маленьким ребенком в Пирее. Я никогда не видел такого неба ни в одной другой части мира. Мои первые впечатления от неба легли в основу моей эстетики и стандартов. Я сужу все, что связано с искусством, согласно этим стандартам. Все, что я делал, основано на моих детских воспоминаниях».
В период 1929—1935 годов учился в Афинской школе изящных искусств, познакомился с византийской иконографией. Также изучал народную архитектуру и традиции греческого народного костюма.
В период 1935—1936 годов он посетил Стамбул, Париж и Италию, где познакомился с искусством Ренессанса и импрессионизма. На его художественное восприятие значительно повлияли такие художники, как Анри Матисс и Альберто Джакометти.
Вернулся в Грецию в 1936 году и через два года создал свою первую персональную выставку в Афинах.
Любитель театра и костюма, Царухис также создал множество костюмов и декораций для греческих оперных и театральных постановок.
В 1938 году он выполняет декорации к постановке «Петрушки» Стравинского, а затем для «Спящей красавицы» Чайковского и спектакля «Три сестры» Чехова. В 1951 состоялись выставки работ Царухиса в Париже и Лондоне.
В 1967 году он переехал в Париж.
В 1982 году открыт Музей Янниса Царухиса, которым стал дом художника в афинском пригороде Маруси. Художник умер в 1989 году в Афинах.
Швейцарский художник. Один из крупнейших представителей модерна и символизма.
Родился в небогатой семье. Отец Жан Ходлер работал плотником, мать Маргерит родом из крестьянской семьи.
В возрасте 8 лет потерял отца и двух младших братьев, умерших от туберкулеза. Мать вышла замуж за художника-декоратора, но в 1867 году тоже скончалась от туберкулёза.
До 10 лет отчим учил Ходлера декоративной живописи, затем мальчик был отправлен в г.Тун (в 28 километрах к югу от Берна, столицы страны), где обучался у местного художника Фердинанда Зоммера.
В 1865 году Фердинанд Ходлер, будучи 12-летним подростком, взял на себя мастерскую отчима-алкоголика и стал главным кормильцем семьи.
Ранние работы Ходлера представлены пейзажами, которые он продавал туристам.
В 1871 г пешком добрался до Женевы, где рисовал вывески, копировал картины в музее и стал учеником Бартелеми Менна. (выдающийся швейцарский живописец, рисунок и педагог, один из главных реформаторов швейцарского искусства XIX века).
Ходлер изучал старых мастеров и ориентировался на великих художников своего времени.
студент автопортрет 1874 г
В 1878–1879 годах, после окончания обучения, он совершил поездку в Испанию
Ходлер представлял свои работы в Лондоне, в Цюрихе, в Женеве и на Всемирной выставке в Антверпене в 1885 году.
В декабре 1885 года в Женевском обществе изящных искусств состоялась его первая персональная выставка.
Швейцарский художник был реалистом и мистиком одновременно. На его полотнах поза, жест, линии - многозначительны, фигуры – символичны.
В 1884 году Ходлер познакомился с Огюстен Дюпен которая была его моделью для многих работ. Их сын Гектор родился в 1887 году. Но их отношения продолжались недолго.
В 1889 году Ходлер женился на Берте Штуки , брак закончился разводом в 1891 году.
В 1894 году Ходлер познакомился с Бертой Жак, которая стала его второй женой в 1897 году.
автопортрет 1879 г
В середине 1890-х годов он начал отходить от художественных образцов своих ранних лет.
С 1895 года стал писать картины в разработанном им стиле, который назвал «параллелизмом». Ходлер утверждал, что природа организована по параллельным схемам: стволы деревьев в лесу, симметричные линии человеческого тела, симметричное противопоставление дня и ночи, мужчины и женщины, постоянное противостояние жизни и смерти.
1892 г
В соответствии со своей теорией Ходлер пишет в 1895 году картину «Эвритмия», что в переводе с греческого означает «слаженность», «ритмичность». На картине представлена процессия из пяти человек в белых, напоминающих тоги, одеждах.
1895 г
Он был убежден, что красота заключается в ритмической организации композиционных решений.
В 1904 году Ходлер выставляет 31 работу в Вене, получает широкое признание, а успешные продажи помогают художнику выбраться из бедности.
1878 г
сапожник 1878 г
1879 г
1884 г
1885 г
1888 г Портрет Хелены Вайль
автопортрет Париж 1891 г
безработный 1891 г
1895 г
1906 г
Самой известной работой Ходлера можно назвать картину «Дровосек» (1908), которая была отпечатана на купюрах номиналом 50 швейцарских франков, выпущенных в 1911 году, и оказала влияние на художественные образы будущего советского авангарда.
1910 г
50 швейцарких франков 1911 г
1910 г Портрет танцовщицы Джулии Леонарди 1910 г.
1911 г
1916 г
1917г
1879 г
в трактире 1879 г
у подножия горы Салеве
Каштановая аллея осенью
«Женщина с красным зонтиком» (портрет Берты Штуки)
1883 г
отважный рыцарь (злой воин) 1884 г
мужественная женщина 1886 г
захваченные штормом 1887 г
1887 г
ок 1888 г
1889г
1889 г
"Человек, лишившийся иллюзий", 1892 го
портрет Мадам de R. 1893 г
почтовая марка серии картины Дрезденской галереи 1967 г
«Вид Женевского озера от Сен-Пре» 1901, в 2007 г была продана на аукционе Sotheby’s за 10,9 миллиона швейцарских франков
1902 г
1908 г
1910 г
Портрет Гертруды Мюллер 1911г
оратор 1912 г
1913 г
Встреча Ходлера весной 1908 года с парижанкой Валентин Годэ-Дарел, которая была моложе его на 20 лет, явилась новым этапом в творчестве мастера.
Художница по фарфору и певица, в 1908 г. стала музой художника.
Позже стало известно, что Валентин больна раком.
В 1913 году она родила здорового ребенка — дочь Полетт.
Валентин Годе-Дарел (1909),
Валентин Годе-Дарель 1912 г
Больная 1914 г
Художника волновали экзистенциальные вопросы человеческой сущности, он неоднократно обращался к темам любви, смерти, надежды и веры.
Ходлер становится хроникером смертельного недуга возлюбленной — он создает серию живописных и графических работ, на которых с безжалостной достоверностью реалиста изображает ее на всех этапах мучительного умирания.
Валентин покинула этот мир 25 января 1915 года.
Ходлер пережил ее на три года. Он умер в возрасте 65 лет в 1918 году.
Похоронен на кладбище Сен-Жорж в Женеве.
Любимую им дочь Полетт удочерила и воспитала его жена Берта.
Двухэтажный дом в стиле модерн с башенкой был построен в начале XX века для гражданина США Эрнеста Ропса - сына купца 1-й гильдии Вильяма Хопера Ропса, который в середине XIX века открыл контору по продаже пеньки, керосина, бумаги и тканей и завод по производству смазочных масел.
6 июля 2026 года дом управляющего Акционерным обществом нефтеперегонных заводов "Ропс и К" на Петровской косе в Санкт-Петербурге был уничтожен пожаром.
Вильям Хопер Ропса - американский подданный, человек предприимчивый и дальновидный.
Был он небедным, а торговые связи имел основательные и налаженные.
Ропс даже имел небольшой собственный флот - три фрегата, курсировавших через Атлантику с грузом пеньки и льна, хлопка и тканей. Такая торговля приносила немалую прибыль, ведь пенька была ходовым товаром — из нее делали канаты для оснащения парусного флота.
Фирма Ропса к 1860 году занимала 8-е место по торговле России с США.
Вскоре Уильям Ропс обнаружил, что в перспективе его предприятие ожидает печальное будущее: на горизонте замаячила эпоха пароходов. Еще чуть–чуть, и оснастка для парусников начала бы падать в цене. А значит, нужно было искать новую нишу, срочно менять профиль.
XIX век для предприимчивых людей был поистине золотым: новые материалы, новая техника, новые изобретения появлялись с невиданной скоростью, а интерес потребителя ко всем этим новинкам был просто невероятным.
Внимание Ропса привлекло новое интересное вещество — "осветительное масло, не дающее копоти", которое в 1846 году продемонстрировал общественности канадский ученый Абрахам Геснер, — керосин. что копоть от керосина все же есть, но по сравнению со светильным жиром, изготовленным из китовой ворвани, которым заправляли лампы прежде, он и правда почти не коптит при сгорании.
В 1851–м в Англии появилась первая промышленная установка, позволявшая изготавливать это "масло" путем перегонки сырой нефти. В 1853–м изобретатели Лукасевич и Зех создали безопасную керосиновую лампу. В 1854–м была зарегистрирована торговая марка "керосин".
Неудивительно, что уже в самом начале 1860–х предприимчивый американский купец взял в долговременную аренду землю на Петровской косе и приступил к строительству "невто– очистительного завода" — иными словами, керосиновой фабрики.
Петровскую косу ему отдали в аренду за сущие копейки. Место это было бросовое, гиблое, не годящееся ни под дачи, ни под огороды ввиду того, что оказывалось под водой при малейшем наводнении.
Для завода, существующего на привозном сырье — каспийской нефти, оно подходило практически идеально: наливные баржи, выполнявшие в ту пору роль современных танкеров, могли швартоваться прямо к территории предприятия. Близость к воде определяла дополнительную защиту от пожаров.
До центра города было недалеко, так что со сбытом готовой продукции тоже проблем не возникало.
В ту пору коса была окружена водой не с трех сторон, как сейчас, а со всех четырех. От остального острова косу отсекала речка с характерным названием Керосинка. За Керосинкой было постороено 11 «бараков», бетонных емкостей для хранения горючих жидкостей, а также цеха и административные здания.
Помимо собственно керосина, применявшегося решительно везде — от освещения до аптекарских, ветеринарных целей и бензина, использовавшегося как универсальный растворитель, завод производил разнообразные смазочные масла, топливный мазут и косметический вазелин.
В 1894 году основатель бизнеса отошел от дел, передав бразды своему сыну Эрнесту, который обновил и расширил предприятие с привлечением внешнего капитала, превратив его в акционерное общество "Нефтеперегонный завод В. Ропс и компания".
Численность работающих на заводе в 1903 году составляла 187 человек.
По заказу старшего Ропса после 1901 года возводится деревянное здание на территории завода. Более точная дата его постройки неизвестна.
Эрнесту в дальнейшем принадлежит идея перестройки отцовского дома в двухэтажный особняк с башенкой.
На первом этаже располагалась контора предприятия, а над ней — хозяйская квартира, из окон которой можно было приглядывать за жизнью завода.
Старший Ропс до революции не дожил, скончавшись в окружении семьи.
Его сын, решивший не принимать российское гражданство, как только разразились события октября 1917–го выехал в Эстонию, а оттуда на родину отца, в Соединенные Штаты.
Нефтеперегонный завод разрушили в 1918-1920 годах.Остатки нефтехимического производства ликвидировали, речку Керосинку засыпали.
После революции в здании располагалась рыбацкая артель.
В 1934-м дом передали яхтсменам. Бывший Императорский речной яхт-клуб, с 1924 года принадлежавший профсоюзам, перевели на Петровский остров.
Администрация яхт-клуба разместилась в доме Ропсов. Для нужд яхт-клуба пристроили деревянную террасу, на смотровой башенке появился флагшток. Все архитектурные элементы, а также парадную лестницу, окна, двери сохранили. Над зданием развевался флаг, а на фасаде красовался портрет товарища И.Сталина
До войны облагородить территорию не успели, лишь намыли грунт, да на безлесой местности высадили деревья и разбили аллеи. После войны яхт-клуб активно развивался и дом оставался администрацией яхт-клуба вплоть до конца 1970-х.
К Московской олимпиаде 1980 года его серьезно преобразили: соорудили искусственный мол, одели в гранит берега.
На Петровской косе, 9А, возвели новое административное здание современной архитектуры. Старое здание законсервировали. После этого оно начало приходить в запустение, как и сад.
Во время попыток ремонта и усиления фундаментов в 1990-е годы здание поднимали домкратами. В результате были утрачены исторические печи и штукатурная отделка стен, исчезли изразцовые печи.
С 2001 года постройка охранялась как памятник архитектуры «Дом управляющего нефтеперегонной фирмы „Ропс и ко“ (деревянный, с садом)».
В 2015 году дом Ропса передали в управление Школе высшего спортивного мастерства по водным видам спорта имени Ю. С. Тюкалова.
В 2016 году дом Ропса был признан объектом культурного наследия регионального значения.
В 2023-м его передали в оперативное управление учреждению "Олимпийские надежды".
Дом должны были приспособить для современного использования. Для этого провели исследования, уточнили границы территории, время создания и предмет охраны.
Дом Ропса планировали отреставрировать и приспособить под музей в рамках масштабного проекта реконструкции яхт-клуба.
Согласно документации тендера, в здании хотели организовать выставочные залы, конференц-зал на 40 посадочных мест, гардероб, административные помещения. По планам, будущий музей должен был в себя вмещать до 120 человек в сутки.
В июне 2026 года его состояние описывали как аварийное.
По словам губернатора Беглова, дом Ропса планируют восстановить в рамках проекта Студенческого яхтенного клуба. В здании разместят музей яхтенного спорта.
Название происходит от испанского слова jaleo, которое означает «шум», «гам» или «возбуждение», а также отсылает к конкретному андалузскому танцу.
Во фламенко так называют поддерживающие выкрики, хлопки ладонями, подбадривающие танцора.
1903 г
Джон Сингер Сарджент ( 1856, Флоренция - 1925, Лондон ) — живописец, портретист, один из наиболее успешных художников периода La Belle Époque. ("Прекрасная эпоха" - название периода европейской истории конца XIX — начала XX веков, до Первой мировой войны). Характеризуется как время мира и прогресса.
Сын врача, учился в Италии, Германии и Франции. Во Франции Сарджент сблизился с импрессионистами, больше всего с Клодом Моне.
По большей части жил во Франции и Великобритании, много путешествовал по Европе, Северной Африке, Ближнему Востоку, часто бывал в Италии, не раз приезжал в США.
фрагмент картины
Джон Сингер Сарджент совершил семь поездок в Испанию в период с 1879 по 1912 год.
Первая поездка 1879 г стала ключевой для его творчества.
Художник посетил Мадрид, где изучал и копировал картины Диего Веласкеса в музее Прадо, а также побывал на севере страны.
Эта поездка вдохновила его на создание знаменитой картины «Эль Халео» (1882).
Сарджент возвращался в Испанию еще шесть раз, путешествуя по Андалусии, Гранаде, Толедо, Ронде и острову Мальорка. Эти поездки принесли ему множество пейзажей, архитектурных зарисовок и жанровых сценок.
Испания всегда служила источником вдохновения для художников всего мира.
В 1882 году в парижском Салоне выставили картину Джона Сарджента «Халео».
Сарджент считается американским художником, но учился и начинал свою карьеру он в Париже (в США он впервые побывал в 1877 году, когда ему уже было 20 лет), а вершины успеха достиг в Лондоне.
Картина создавалась в парижской мастерской, а для главной героини – танцовщицы – позировала натурщица-француженка. Но в основу композиции все же были положены эскизы, которые художник сделал с натуры во время путешествия по Испании в 1879 году.
Субре́тка (от фр soubreto — притворщица) — актёрское амплуа: традиционный комедийный персонаж, бойкая, остроумная, находчивая служанка, помогающая господам в их любовных интригах.
Александер Манн (1853 -1908 гг) — шотландский художник постимпрессионист.
А Манн родился в семье крупного торговца и коллекционера произведений искусств.
учиться рисовать начал еще в детстве, затем поступил в Школу искусств Глазго.
С 1877года Манн учился в Парижской Академии, выставляо свои полотна в известном Парижском салоне.
Некоторое время жил в Венеции. Позже открыл свою художественную мастерскую в лондонском Челси.
Создавая на полотне пейзажи и жанровые сценки, художник объездил Англию и Шотландию, посетил Италию, Францию, Испанию. 1890 - 1892 гг провел с семьей в Марокко, затем вернулся в Лондон.
"Я стану либо известным, либо печально известным", - однажды сказал Отто Дикс.
автопортрет 1912 г
Отто Дикс (1891г - 1969г) — немецкий живописец и график.
Один из лидеров немецкого авангардизма 20х - 30х гг
Отто Дикс родился в Тюрингии в семье рабочего литейного цеха и швеи.
Живописью увлёкся в детстве, родители поощряли его увлечение.
Свое художественное образование Дикс начал с изучения декоративной живописи в Академии Дрездена. В период учебы он посетил многие города и музеи Европы.
Особенно его привлекали итальянские и нидерландские художники раннего Возрождения.
акварель 1919 г
мальчик рабочий 1920 г
С началом Первой Мировой ушёл на фронт добровольцем, был пулеметчиком.
Несколько раз ранен, получил в 1916 г Железный Крест и был комиссован летом 1918 г
«Очевидно, я просто слишком любопытен. Я должен был все это видеть – голод, вшей, грязь, как от страха кладут себе в штаны. Я должен был сам на себе испытать эти жуткие бездонные глубины жизни, вот почему я пошел на войну добровольно».
Для Отто Дикса участие в войне на передовой линии фронта стало тем ужасным опытом, который оставил в его душе глубокий след, и оказал влияние на все его творчество.
автопортрет на войне 1914 г
С 1914 по 1918 годы, во время участия в военных действиях в Бельгии, Франции и России им было сделано более 600 рисунков.
Транспортировка раненых в Хаутюльстском лесу 1924 г
Документальные свидетельства боевых сражений, выполненные непосредственно на месте событий, вместе с его личными воспоминаниями об ужасах Первой мировой войны, стали основой его грандиозного графического цикла "Война", опубликованного в Берлине в 1924 году.
это часть триптиха 1929 - 1932гг
Почти во всех листах серии изображена ночь, пугающий мрак, в котором искаженное лицо солдата, тело погибшего, развалины жилища.
Дикс изображает различные военные эпизоды в детальной манере, точно и наблюдательно передавая многие реальные подробности, в целом серия передает ощущение абсурдности и кошмарности происходящего.
Для Дикса была важна правда, это характерно и для его работ, посвященных маргинальным социальным группам послевоенного периода : инвалидам войны, проституткам, обнищавшим людям.
Полотна Дикса отличают социальные и пацифистские мотивы, психологическая напряженность, сатира и гротеск.
продавец спичек 1920 г
Художник использует приемы дадаизма, кубизма и экспрессионизма.
Дадаизм - авангардное культурное движение, возникшее во время Первой мировой войны в Швейцарии.
Это был радикальный протест против логики, здравого смысла и буржуазных ценностей общества, которые привели к ужасам войны.
Вместо порядка дадаисты выбирали хаос, абсурд, иронию и случайность, создавая так называемое «анти-искусство».
инвалиды войны 1920 г
Отто Дикс, хоть и пришел с войны пацифистом, в послевоенной политике не участвовал.
Считался одним из крупнейших художников в стране .
Его взгляд на мир был проницательным и беспощадным.
Утрированные, гротескные портреты и эмоционально напряженные картины принесли ему скандальную славу.
В 1927 году он стал профессором Дрезденской академии, в 1931 его избирали в члены Прусской академии в Берлине.
Погрузился в частную жизнь, зарабатывал портретами (они пользовались спросом), а также писал картины и графику о войне.
Отто Дикс был чуть ли не самым звездным портретистом в Германии. В 1920-е годы его редко можно было застать дома: заказчики по всей стране приглашали его написать портрет – и он ездил из города в город.
«Портрет родителей художника » 1921 Художник изобразил своих пожилых родителей с анатомической точностью и подчеркнутой физиологической выразительностью, акцентируя внимание на уставших лицах, морщинах и крупных натруженных руках.
В 1921 г Отто рисовал портрет доктора Ганса Коха.
Тогда художник познакомился с женой доктора Мартой. Марта стала фрау Дикс.
Доктор сохранил с Диксом приятельские отношения. И вскоре женился на сестре Марты.
"Доктор Ганс Кох". 1921 г.
"Фрау доктор Ганс Кох" она же "Фрау Дикс" 1921 г
1921 г
Бизнесмен Макс Роесберг 1922 г
Девушка с розовой розой» 1923 г
Нелли среди цветов 1924 г
акварель 1923 - 1925 гг
«Портрет танцовщицы Аниты Бербер» (1925 год)
Анита Бербер (1899 — 1928) известная в 1920-х годах немецкая танцовщица и актриса немого кино. Получила скандальную известность откровенными, насыщенными эротизмом танцевальными номерами и эпатажным поведением.
Семейный портрет адвоката доктора Фрица Глассера.1925 г
"Портрет адвоката Хуго Симонса". 1925 г.
Хуго Симонс был адвокатом и однажды помог Диксу выиграть какую-то судебную тяжбу.
В благодарность Дикс нарисовал этот портрет и подарил ему.
При Гитлере с выходом Нюрнбергских расовых законов 1935 г. Симонс был лишен немецкого гражданства и возможности заниматься адвокатской практикой.
Он уехал в Канаду и увез свой подарок. Ныне этот портрет висит в Монреальском музее изящных искусств.
автопортрет 1926 г
известный берлинский врач-отоларинголог Вильгельм Майер -Германн 1926 г
1926 г известный немецкий фотограф Хуго Эрфурт, с которым художника связывали дружеские отношения и овчарка Аякс, первый портрет в даннном посте - его работа
Портрет журналистки Сильвии фон Харден» (1926)
1931 г Фотография является частью масштабного документального проекта, отражающего социальную структуру Германии Веймарской эпохи "Люди ХХ века"
Портрет Сильвии фон Харден не был написан по заказу.
Дикс столкнулся с Сильвией на улице. Увидел ее и сказал, что обязательно должен написать ее портрет.
"Вы - символ эпохи "– сказал Дикс. Сильвия фон Харден искренне недоумевала: «Что именно вас так привлекло?
Сильвия фон Харден был воплощением новой женщины, независимой, увлеченной. Такой, которой не важно, как она выглядит. Нет, скорее, ей совсем не важно было оправдывать чьи-то ожидания насчет того, как должна выглядеть женщина. Это все еще время шляпок, локонов, горжеток и приталенных платьев. Но это уже и время таких женщин, как Сильвия.
Сильвия фон Харден вела литературную колонку в журнале «Молодая Германия» и «Красная земля», писала стихи и даже издавала их.
Пройдет 7 лет после того, как Дикс написал этот портрет – и Сильвия уедет в Англию, как только к власти придет Гитлер. Она будет работать на фабрике во время войны и писать редкие статьи в эмигрантские издания, для таких же, как она, бежавших из своей страны немцев. Конечно, это не та писательская слава, о которой мечтала Сильвия фон Харден, героиня портрета Дикса.
Но тогда, в Германии, в годы амбициозных планов и профессиональной смелости, Сильвия позирует Диксу и становится символом эпохи.
«Семья художника» (1927) изображена жена художника Марта с дочерью и новорожденным сыном
1927 г
«Портрет художника Франца Радзивилла» 1928
Нелли - дочь художника 1928 г
«Портрет художника Ханса Тео Рихтера и его жены Гизелы» (1933 год)
аллегорическое искусство - Триумф Смерти 1934 г - гротеск в контрасте между любовью, жизнью и смертью
Его патриотизм времён Первой Мировой позднее не получил поддержки у власти.
К этому времени начались гонения на мастеров культуры.
"Доброжелатели" написали письмо премьер-министру Саксонии, в которой жил Дикс.
Премьер отозвался резолюцией: «Эта свинья еще жива?». В результате, уже в апреле 1933 года его изгоняют из Дрезденской академии с формулировкой: «Ваши картины представляют собой величайшее оскорбление чувству морали и, следовательно, являются угрозой для морального возрождения нации».
Дикса лишили профессорского звания и запретили участвовать в выставках.
Работы были конфискованы из музеев страны, несколько его картин было показано на выставке "дегенеративного" искусства, на которой фашисты собрали произведения всех неугодных им живописцев и скульпторов. 260 его картин были сожжены.
Пока у власти были нацисты Дикс рисовал очень мало, в основном, пейзажи.
Он ушел во "внутреннюю эмиграцию", занимаясь своей семьей.
Уехал в деревню и продолжал работать тайно и уединенно, так как у него был запрет на профессию.
В 1945 он был мобилизован в народное ополчение, попал в плен к французам, откуда вернулся в 1946 году.
Преимущественно жил в ФРГ, но имел мастерскую и в Дрездене.
«Мать и Ева» (1935) мать художника, Луиза Дикс, и его племянница
конькобежцы на Боденском озере 1941 г
автопортрет 1942 г
автопортрет 1947 г - вполне современная работа
После войны его стали забывать. Умер Дикс в г Зингене на юге Германии 25 июля 1969 года
В 1971 году в в Штутгарте прошла его юбилейная выставка.
Смысл изучения творчества художников состоит в возможности получать наиболее полные и точные сведения о прошедших событиях мировой истории через призму судеб авторов этих картин.
