Серия «искусство»

Пань Юйлян (1895–1977) часто называют первой китайской художницей, получившей профессиональное образование в области западной живописи .

В своем творчестве она блестяще соединила традиции китайской туши и каллиграфии с приемами европейского импрессионизма и постимпрессионизма.

Рано осиротев, с 8-летнего возраста воспитывалась в семье дяди со стороны матери, в 14 лет была продана им в публичный дом. Юйлян неоднократно пыталась убежать оттуда или покончить с собой.

В 1912 году её выкупил Пань Цзаньхуа, комиссар таможни, сделав Юйлян своей второй женой (наложницей).

В 1913 году Пань Цзаньхуа и Чжан Юйлян поженились.

Цзаньхуа заметил способности Юйлян к живописи и поддержал в стремлении начать обучение рисованию.

В 1918 году она смогла поступить в Шанхайский институт изобразительных искусств.

Должность ректора в то время занимал художник Лю Хайсу, сторонник идеи освоения стилей европейских художников.

Он ввёл в программу обучения студентов занятия на пленэре. В его студии ученики рисовали также и обнаженную натуру . Это вызвало громкий скандал,

Лю получил прозвище «предатель искусства», а его студию разогнали. Лю любил своих учеников и продолжал следить за их судьбой, благодаря ему Пань Юйлян получила государственную стипендию для обучения во Франции.

В 1921 году она отправилась в эту страну, где училась в художественных академиях Лиона и Парижа.

В 1925 году, окончив курс с отличием, она получила грант и отправилась стажироваться в Римскую императорскую художественную академию.

Денег, которые посылал ей муж, хватало на путешествия по Европе, где художница изучала работы классиков.

Однако вскоре Пань Цзаньхуа потерял работу, вследствие чего Юйлян лишилась материальной помощи со стороны мужа и жила только на небольшую стипендию. Тем не менее она продолжала работать и участвовать в выставках.

Весной 1925 года, когда преподаватели и сокурсники уже начали собирать деньги, чтобы поддержать её, к ней пришёл успех. Её картина «Обнажённая» заняла третье место на Евразийской выставке современной живописи. В 1926 году её работа «Купальщицы» удостоилась высшей награды на Международной художественной выставке в Риме.

В 1927 году Пань Юйлян вернулась в Китай. Она стала первой современной китайской художницей, удостоенной персональной выставки, была назначена деканом западного искусства в Шанхайской академии искусств.

Однако, консервативное общество осуждало ее за смелые работы, использование западных техник и особенно за частые изображения обнаженной натуры

Это было новым направлением в искусстве, поэтому художница подверглась критике со стороны традиционалистов.

Не нашла она понимания и у широкой публики, которая не привыкла видеть на полотнах обнажённую женскую натуру. Ей припомнили и её прошлое, отметив: «Проститутка не должна пачкать "башню из слоновой кости" - сравнение первоначально употреблялось как метафора красоты и непорочности.

В 1937 году художница оставила Китай и переехала во Францию, где с успехом продолжала творить. Там она впоследствии преподавала в Школе изящных искусств.

До конца дней мечтала вернуться в Китай, но поездки срывались из-за слабого здоровья, жестких условий французских властей на вывоз ее архива и картин, а также из-за потрясений Культурной революции в КНР.

Поддерживала насколько было возможно деньгами своего главного спутника жизни Пань Цзаньхуа, остававшегося в Китае. Быт художницы был крайне аскетичным.

Ее почти никто не навещал. Одним из немногих преданных друзей стал старый знакомый Ван Шоуи, открывший в Париже китайский ресторан.

Несмотря на преклонный возраст, бедность и изоляцию, Пань Юйлян продолжала писать картины и заниматься творчеством до самой своей смерти в 1977 год.

Похоронена на кладбище Монпарнас.

Все свои оставшиеся работы художница завещала родине: после её смерти около 4000 картин, рисунков и скульптур были перевезены в Китай и переданы в музеи Пекина и Хэфэя.

Пань Юйлян создала множество автопортретов, на которых изображала себя с резкими, угловатыми, чертами лица, что контрастирует с округлым лицом и женственностью, запечатленными в данной работе. Эта картина представляет особый интерес как один из немногих портретов Пань Юйлян, выполненных не ею самой.

Такахиро Хара японский художник-реалист, родившийся в 1971 году в Фукуяме, префектура Хиросима.

Его работы известны умиротворяющей атмосферой, пастельными тонами и глубоким исследованием повседневной жизни человека.

Родился в Японии в 1971 году. Окончил колледж искусств в Канадзаве в 1996 году.

Учился в Мадридском университете в Испании (в 1998–1999 и 2004 годах), где перенимал опыт у мастера современного испанского реализма Антонио Лопеса.

Стиль мастера сочетает традиции японского восприятия мира и сильное влияние европейской (особенно испанской) школы реалистической живописи.

На полотнах преобладают спокойные, интимные мотивы: герои заняты простыми бытовыми делами, отдыхают или погружены в тихие раздумья.

Главная цель картин — передать скрытое значение и красоту обыденных мгновений, жизни и покоя.

Фан Лицзюнь родился в городе Ханьдань в 1963 году.

Рисовать начал ещё в детстве, в семнадцать изучал керамику.

После окончания колледжа продолжил обучение искусству и поступил в Центральную академию искусств в Пекине на отделение гравюры. Но известным он стал именно благодаря живописи.

Как и многие художники в середине восьмидесятых, Фан Лицзюнь пытался осмыслить китайское общество в эпоху радикальных перемен.

Результатом стал так называемый "циничный реализм", который в символичной форме несёт критику общества.

Циничный реализм родился в Пекине в конце 80-х годов прошлого столетия как реакция на соцреализм, а также бунт.

Дело в том, что в 1989-м году в Пекинской Национальной Галерее разогнали выставку авангардных художников.

Искусствоведы говорят, что циничный реализм - это первое самостоятельное течение в китайском современном искусстве. Принцип этого направления прост: нужно было вывернуть наизнанку постулаты соцреализма и гиперболизировать обезличивание личности. Проще говоря, показать, как страшно, когда пытаются всех уравнять.

Монтсеррат Гудиол (Montserrat Gudiol - 1933–2015 - испанская (каталонская) художница.

Стиль - фигуративный символизм. Ее уникальный почерк сочетает традиции старых мастеров, влияние готики и современные психологические мотивы.

Её работы отличаются мягкой сдержанной палитрой в охристых и темных тонах, размытыми контурами фона и глубоким психологизмом женских образов.

Главные признаки стиля

• Фокус на лицах и руках: Тела персонажей (чаще всего женских) часто растворяются, сливаясь с фоном или обозначаясь лишь легким контуром.

• Четко прописаны только выразительные лица и руки.

• Вневременная готическая эстетика: Лица героев напоминают образы со средневековых полотен — он, меланхоличны, одухотворены - словно оторваны от земной реальности. [

• Минималистичный и неопределенный фон: Окружение персонажей размыто, лишено лишних деталей, но наполнено мощной скрытой энергией и тишиной.

• Эмоциональная сдержанность: Работы пронизаны атмосферой тихой грусти, глубокой задумчивости, материнской нежности и одиночества.

• Техника реставратора: Благодаря опыту работы с древними древесными и бумажными основами в мастерской своего отца-искусствоведа, Гудиол применяла фактурные приемы, создающие ощущение древности и глубокой исторической связи полотен.

Мередит Фрэмптон (1894–1984) — известный британский живописец и гравер, представитель британского магического реализма 20-го века, прославившийся своими предельно детализированными, точными и почти фотореалистичными портретами.

Фрэмптон родился в Лондоне и был единственным ребенком скульптора сэра Джорджа Фрэмптона и его жены, художника Кристабель Кокерелл..

Во время Первой мировой войны Фрэмптон служил в британской армии на Западном фронте в подразделении полевых исследований, занимался зарисовкой траншей противника, а также занимался интерпретацией аэрофотоснимков.

После войны Фрэмптон возобновил свою художественную карьеру и зарекомендовал себя как один из самых уважаемых британских художников того времени.

В период с 1920 по 1945 год он выставлялся в Королевской академии почти каждый год, продемонстрировав там в общей сложности тридцать две картины.

Фрэмптон писал портреты герцога Йоркского, который должен был стать королем Георгом VI , академиков и ученых, а также серию полнометражных портретов женщин из модного общества. Он часто проводил целый год, работая над одной картиной.

В 1953 году Фрэмптон попросил Королевскую академию включить его в свой список пенсионеров. Его зрение начало ухудшаться, убеждая его, что он больше не может рисовать в соответствии с его прежним высоким стандартом и с такими дотошными деталями.

В течение многих лет искусство Фрэмптона редко показывалось на публике, и он был в значительной степени забыт.

Китайский художник Ло Чжунли (Luo Zhongli) синтезирует в своем творчестве классические европейские школы живописи классицизма и китайский самобытный стиль изобразительного искусства.

Ло Чжунли родился в Китайской республике в 1948 году.

Родным городом художника является Чунцин, расположенный в центральной части Китая.

Его отец был любителем искусства и в свободное от работы время любил брать двух сыновей на прогулки для рисования, что, возможно, стало отправной точкой художественных устремлений Ло Чжунли на всю жизнь.

В 1968 году Ло закончил школу Сычуаньского Института изящных искусств, а в 1982 году факультет Сычуаньского Института изобразительных искусств, где он освоил технику живописи маслом.

В рамках студенческой практики Чжунли много путешествовал по Китаю, рисуя людей и пейзажи с натуры. Университетские годы оказали на творчество художника большое влияние, так как именно в этот период он проник в глубину быта простых людей, часто оставаясь на ночлег в небольших деревушках.

В 1986 году китайский художник Ло Чжунли окончил Королевскую академию изящных искусств в Антверпене, Бельгия. С 1980 года на работы художника стали оказывать влияния направления современного европейского гиперреализма и американского фотореализма.

Вернувшись в Китай после своего творческого путешествия по миру, Ло Чжунли становится профессором Сычуаньского Института изобразительных искусств.

С середины 1990-х годов Ло Чжунли начинает работать в направлении сюрреализма, а с 2005 года в творчестве художника появляются картины выполненные в ярком стиле европейского импрессионизма.

Современная британская художница Мэри Джейн Анселл 1972 гр проживает в Британии, работает в жанре гиперреализма.

Бледные, временами похожие на фарфор – эти хрупкие девушки, полны очарования и некой таинственной загадочности.

Работы Mary Jane стали настолько известны и понравились зрителю, что издательства с удовольствием заказывают ей иллюстрирование книг.

Сегодня гиперреализмом или фотореализмом, пожалуй, уже никого не удивить. Художников, которые рисуют картины, что не отличить от фотографии, очень много. Однако есть такие гиперреалисты, творчество которых в корне отличается от большинства их коллег по технике изображения.

вот сайт https://www.maryjaneansell.co.uk/