nastkino

«Я уверен, что создал произведение искусства и не мог сделать лучше» - так описывает свой фильм сам Коппола. Фильм, который в 1979 году разделил всех на два лагеря: одни не смогли досмотреть и до середины 3-часового хронометража, жалуясь на претенциозность и неспешность повествования, в то время как другие сразу провозгласили фильм шедевром и лучшим фильмом о войне, или, скорее, антивоенным фильмом. Так или иначе "Апокалипсис сегодня" - настоящее произведение искусства хотя бы на уровне неописуемой визуальной составляющей, передающей кровавую жестокость и парадоксальную, неправдоподобную красоту войны. Описанная история, действие которой происходит в 1969 году в самой кульминационной фазе войны во Вьетнаме, и в которой капитану Уилларду (Мартин Шин) поручено командованием устранить вышедшего из под контроля полковника Куртца (Марлон Брандо) - это не совсем фильм о войне, а скорее галлюциногенное путешествие в глубины человеческой души, истерзанной и ампутированной ужасами войны. И мы вслед за капитаном отправляемся в это путешествие, совершенно не представляя какие испытания поджидают на этом пути.

Первоначальный сценарий фильма, написанный еще в 1969 году, переписывался Копполой в течение двух лет. После этого последовали съемки фильма, растянувшиеся на 16 месяцев вместо изначально запланированных шести недель. Из-за этого бюджет все время вырастал и в итоге режиссеру пришлось вложить 7 миллионов собственных денег, а также заложить свой дом и винодельню в долине Напа. Еще 2,5 года занял монтаж всего отснятого материала в 200 часов / 380 километров пленки. Провал фильма означал бы неминуемое банкротство режиссера, однако спустя более пяти лет подготовки, съемок и пост-продакшна, фильм был восторженно принят на Каннском кинофестивале, забрав главный приз и собрав более 100 млн. долларов в мировом прокате.

Сами же съемки проходили на Филиппинах и не поддерживались ни финансово, ни предоставлением военной техники США из-за того, что события фильма и само по себе задание по устранению полковника не совпадали с официальной точкой зрения американского правительства на события во Вьетнаме. Тогда Коппола сумел найти поддержку у властей Филиппин, которые согласились предоставить военные вертолеты с пилотами. Однако все осложнялось тем, что правительство Филиппин вело боевые действия против повстанцев и поэтому зачастую пилотам приходилось вылетать для выполнения заданий, тем самым срывая запланированные съемки. Именно из-за этого съемки знаменитой сцены нападения военных вертолетов под "Полет валькирий" из оперы Вагнера "Валькирия" и предводительством подполковника Килгора (Роберт Дюваль в 11-минутной незабываемой роли) заняли в общей сложности почти год. Понятное дело, что в перерывах, связанных с отсутствием вертолетов, приходилось снимать другие сцены, чтобы не затягивать процесс еще больше.

Не удивительно, что вложивший все силы, состояние и душу, Коппола пришел в ярость, когда ближе к концу съемок приехал абсолютно неподготовленный Марлон Брандо, который до своего участия в фильме согласился выполнить ряд требований режиссера. По сценарию, полковник Куртц описывался как истощенный и худой персонаж и актер должен был скинуть не один килограмм при подготовке. Также он должен был прочитать повесть Джозефа Конрада "Сердце тьмы", которая была основой для большинства значимых сюжетных линий, и основательно ознакомиться со всем сценарием, чтобы лучше понимать мотивы и психологическое состояние своего персонажа. Вместо этого актер пришел еще более растолстевшим, набрав 40 кг, и, как выяснилось позднее, ни разу не притронулся ни к книге, ни к сценарию. Коппола буквально не мог видеть актера в таком состоянии и направил своего ассистента снимать сцены с актером, попросив снимать преимущественно только лицо актера, чтобы полнота не бросалась в глаза. Будучи на съемочной площадке, Брандо прочитал сценарий Копполы и заявил, что все диалоги с участием его персонажа никчемны и он не будет это говорить в камеру. После долгих препирательств Коппола согласился изменить некоторые куски текста, после чего Брандо все равно импровизировал значительную часть диалогов.

То, что происходило с Мартином Шином во время съемок - отдельная история, которая еще больше повлияла на длительность всего процесса. Шин страдал от алкогольной зависимости и постоянно появлялся на площадке знатно подвыпившим. Начальная сцена фильма в гостиничном номере отсутствовала в сценарии и является импровизацией от начала и до конца. Актер попросил Копполу снять его в таком виде как психологический эксперимент, чтобы тот смог взглянуть на проблему со стороны. Будучи в алкогольном приступе, Шин начал бушевать, разбил рукой зеркало, поранив палец, затем принялся плакать и размазывать кровь по лицу и постели. Коппола не стал прерывать съемку, посчитав поведение актера идеальным отображением характера главного героя, и в итоге сцена попала в режиссерскую версию фильма.

Кроме этого, в самый разгар съемок у актера случился сердечный приступ, выбивший актера из графика на несколько недель. В течение этого времени, для записи сцен, в которых капитан Уиллард показан сзади, Коппола использовал двойников актера, в том числе брата Шина, актера Джо Эстевеса. Коппола и Шин были так обеспокоены тем, что студия и дистрибьютор откажутся от поддержки фильма если новость о сердечном приступе Шина станет известна, что они оба хранили это в тайне. В официальном графике съемок говорилось, что Шин был госпитализирован из-за теплового истощения. На этапе же монтажа фильма стало ясно, что некоторые из закадровых монологов Шина придется перезаписывать, но на тот момент Шин был занят в другом проекте и не смог приехать по просьбе режиссера. Тут опять приходит на помощь брат, голос которого удивительным образом как тембром, так и интонационно был похож на голос Шина. Эстевес, видать, был в то время совсем без работы, раз мог приезжать по одному зову Копполы :-)

Фильм знаменует появление актера Лоуренса Фишберна - нашего любимого Морфиуса из "Матрицы» - в первом действительно большом кино. Роль старшины 3-го класса Тайрона могла достаться другому актеру, если бы Фишберн не солгал о своем возрасте: тот заявил Копполе, что ему 18, в то время как актеру на момент съемок было всего лишь 14 лет. Тем не менее, Лоуренс блестяще справился, не по годам убедительно изобразив далеко не самую второстепенную роль. В фильме есть эпизод, в котором солдаты получают голосовые сообщения от своих родственников, и персонаж Фишберна получает такое сообщение от матери. Вся запись была сделана родной мамой актера, позволив тому более реалистично сыграть в этой сцене.

Кроме юного Фишберна, в начале фильма на несколько минут появляется молодой Харрисон Форд, которому разрешили самому выбрать имя своего персонажа. Актер выбрал имя Лукас в честь режиссера Джорджа Лукаса, который дал старт карьере Форда, сняв того за несколько лет до всемирного успеха "Звездных войн" в своем знаменитом фильме "Американское граффити". Кстати, надо отметить, что Лукас был протеже Копполы и в начале именно он должен был снимать "Апокалипсис сегодня", но после нескольких лет разработки идеи, Лукас понял, что для него это крайне сложный материал и тогда именно Коппола решил взяться за создание картины.

И, как отмечал вначале, это безусловный визуальный шедевр, созданный, в том числе, оператором Витторио Стораро - бессменным оператором фильмов Бернардо Бертолуччи ("Конформист", "Последнее танго в Париже", "Последний император" и многих других). Операторская работа в "Апокалипсисе" по праву считается эталонной и одной из лучших за всю историю кино. То, каким образом показан этот сюрреалистический трип, огромная заслуга таланта Витторио: игра светотени, позволяющая удивительным образом передать не только выбранное настроение повествования, но и смену времени суток как смену внутреннего состояния главного героя - передать словами эту красоту невозможно, это надо созерцать. Кульминацией сотрудничества Стораро и Копполы и одновременно настоящим скандалом явился эпизод в конце фильма (без спойлеров), в котором происходит жертвоприношение буйвола: убийство животного происходит на самом деле. Хотя это было американское производство, на которое распространяются американские законы о жестоком обращении с животными, сама сцена снималась на Филиппинах, где такого рода законы вообще не существовали. Американская гуманистическая ассоциация присвоила фильму «неприемлемую» оценку.

Надеюсь, эта статья поможет лучше понять, насколько это выстраданный проект, который по праву занимает высшие строки всевозможных списков лучших фильмов всех времен и народов.

https://t.me/remkino - пишу про достойные фильмы, делаю анонсы избранных предстоящих релизов и рассказываю про интересные факты из мира кино.

Завязка фильма: к 2055 году человечество использует достижения искусственного интеллекта и робототехники практически во всех сферах жизни, применяя новинки в быту, научных исследованиях и как боевые единицы на страже правопорядка. Однако совершенный мир будущего терпит крах, когда вышедший из под контроля ИИ взрывает в Лос-Анджелесе ядерную бомбу. Спустя 10 лет после трагедии, мир раскололся на два лагеря - США и Запад пытаются уничтожить ИИ полностью, в то время как страны Азии создали единое государство и мирно сосуществуют с роботами и имитантами (привет репликантам) и в целом готовы бороться против западной агрессии. Сержанту США, у которого есть личные мотивы борьбы, поручено найти и уничтожить тайного создателя, который поддерживает работоспособность ИИ и скрывается в глубинах Новой Азии.

Создатель "Создателя" - режиссер и сценарист Гарет Эдвардс, семь лет назад поставивший бодрый фильм "Изгой-один" - еще одно ответвление во вселенной Звездных войн. И стоило бы ожидать еще один крепкий жанровый фильм, но на выходе мы получаем, преимущественно, паразитирование на шедеврах прошлого. Попеременно напоминающий "Бегущий по лезвию" и "Аватар" (в обоих случаях оригинальные части), "Создатель", при этом, лишен визуальной эстетики первого и эпичного размаха второго. Можно, конечно, ссылаться на скромный по меркам жанра бюджет в 80 миллионов долларов, но вот потеря ритма несколько раз за два часа хронометража и общая сумбурность повествования, особенно в первой части фильма - это уже полностью вопросы к Эдвардсу как к постановщику. По началу кажется, что это специально выбранный стиль, подразумевающий авторский подход к материалу, но оригинальной подачей здесь и не пахнет. Даже на уровне подобранного саундтрека отдает какой-то безвкусицей - Radiohead, Deep Purple и Клод Дебюсси - это все хорошо, но применены они совсем невпопад. Ситуацию могли бы спасти актеры, но вот хоть убейте я не могу понять в чем заключается такая шумиха вокруг Джона Дэвида Вашингтона, сына Дэнзела - как был картонным и крайне скупым на мимику в "Доводе", так и остался - ни грамма отцовской харизмы и пластики. И это важно, потому что такого рода фильмы должны строиться вокруг интересного главного героя, но его здесь нет.

Идейно же фильм предлагает чуть больше, чем просто "ИИ - зло и всех нас погубит", где-то с середины фильма смещая акценты в не самую очевидную сторону. Однако постоянно напрашивающаяся аналогия о принятии в общество "других" отдает какой-то очередной агиткой. Может, конечно, это все моя больная фантазия, но правда же, попробуйте посмотреть на тех же имитантов (роботы с лицом и интеллектом конкретного человека) немного под другим углом и на ум сразу же приходят, простите, представители ЛГБТ сообщества, в частности, трансгендеры. И, опять же, большинство идей так или иначе были обыграны в других, намного более интересных и значимых фильмах - хотя бы тот же "Терминатор".

И все же, даже несмотря на все явные минусы, амбициозных фильмов в жанре научной фантастики в последнее время совсем мало. "Создатель" рисует немного другой взгляд на развитие технологий, при этом приправляет все довольно интересными деталями на уровне гаджетов будущего и неплохими спецэффектами для указанного бюджета. Экшн здесь есть и он довольно неплохо сделан, особенно во второй части фильма, несмотря на визуальную вторичность - картинка непременно хочет выглядеть как "Бегущий по лезвию". Хватит ли этого, чтобы удержать ваше внимание - не знаю, но изголодавшимся любителям жанра явно можно глянуть разочек.

https://t.me/remkino - пишу про достойные фильмы, делаю анонсы избранных предстоящих релизов и рассказываю про интересные факты из мира кино.

Режиссер: Джузеппе Торнаторе

В главных ролях: Филипп Нуаре, Сальваторе Кашо

Жанр: драма, мелодрама

Страна / год производства: Италия, 1988 год

Рейтинг IMDB: 8,5/10

Сальваторе, состоятельному мужчине средних лет, поступает звонок от мамы, с которой он не виделся 30 лет. Она сообщает, что скончался некий Альфредо и Сальваторе предается воспоминаниям о детстве и юности, проведенных в провинциальном городке в Сицилии, полуразрушенного после Второй мировой войны. Там он убегал из школы, чтобы посмотреть очередной фильм в местном кинотеатре "Парадизо", навсегда сдружился с киномехаником и познал первую любовь.

Один из тех редких фильмов, который нравится практически всем. И дело не только в самих событиях картины, а в том, что зритель за 3 часа проживает целую жизнь, параллельно оглядываясь на свою собственную. Джузеппе Торнаторе ("Легенда о пианисте", "Малена") не самый технически одаренный режиссер и ему уж точно далеко до уровня постановщиков послевоенного итальянского кино, фильмы которых постоянно показывают в "Парадизо". Но он точно мастер сентиментального кино, делающий акцент на хлещущие через край, гипертрофированные эмоции.

История дружбы непослушного мальчика и доброго киномеханика показана сквозь общую любовь к кинематографу и это одновременно признание самого Торнаторе в любви к выдающимся итальянским фильмам и режиссерам 50-х годов. В то время кино было чем-то святым, потому что отражало всю боль и трагедию обычных людей, и поэтому было искренним, лишенным фальшивых нот. И именно такое же кино, эмоциональное и душераздирающее, снимает Торнаторе в конце 80-х годов - время сильнейшего упадка не только итальянского, но и в целом европейского кино.

Кинематограф полон хороших фильмов о любви и дружбе: между женщиной и мужчиной, между родителями и детьми, между друзьями детства и так далее. Но фильмов, изображающих так тонко и интонационно верно дружбу между ребенком и взрослым совсем не так много, и один из них именно "Парадизо". И актеры передают динамику отношений виртуозно: если в случае с Филиппом Нуаре никаких сомнений и быть не могло - это талантливейший французский актер, мастер комедии и драмы, то вот что творит на экране 8-летний актер Сальваторе Кашо передать словами невозможно. Первое появление в кино и сразу же стопроцентное попадание в образ шаловливого, но преданного и не по годам смышленого мальчика. И, кажется, что премии Британской академии кино за лучшие главную и второстепенную роли, это меньшее, что заслуживают эти двое.

Фильм, снятый в Багерии, Сицилия - родном городе Торнаторе, и навеянный собственными воспоминаниями режиссера передающий дух провинциальной Италии, разрушенной и нищей от последствий войны. И, как это ни парадоксально и печально, бедность и лишения зачастую сближают людей, делая их сплоченнее и каким-то странным образом счастливее, что ли.

Фильм-ностальгия, переносящий в детство и напоминающий, что любой важный выбор в жизни всегда нужно делать в сторону любви. И где-то ближе к окончанию второго часа этого почти 3-часового фильма, когда в очередной раз ты переживаешь эмоциональные качели в диапазоне "неистовый смех - глубочайшая грусть", приходит понимание, что кино - это не только про хороший сценарий, отличную операторскую работу и неистовый саундтрек (Эннио Морриконе здесь как всегда неподражаем), но еще и про душу и особенный эмоциональный опыт, которых так не хватает большинству современных фильмов. А после финальных титров хочется вступить в клуб анонимных кинолюбителей и признаться: мне 36 лет, я уже практически лысый мужик и каждый раз при просмотре этого фильма я плачу как маленькая девочка.

https://t.me/remkino - пишу про достойные фильмы, делаю анонсы избранных предстоящих релизов и рассказываю про интересные факты из мира кино.

Если уж признанные мастера драм берутся делать что-то легкое и развлекательное, то часто в такие фильмы привносятся знаковые режиссерские штрихи, выделяющие эти картины своим оригинальным подходом к жанру. В таких случаях комедия нужна только лишь как форма подачи, при этом сами истории передают глубину изображаемых персонажей и событий, а при смене тональности легко могли бы вылиться в психологические драмы. Но бывает и так, что режиссеры просто хотят отойти от привычного амплуа и как следует повеселиться. В сегодняшней подборке расскажу про четыре комедии прославленных режиссеров, которые наверняка придутся вам по вкусу своим нетривиальным сюжетом.

Punch-Drunk Love / Любовь, сбивающая с ног (режиссер Пол Томас Андерсон, 2002 год)

Главный герой картины - тихоня Барри Иган (Адам Сэндлер), владелец небольшой компании. У него есть семь сестер, которые постоянно подтрунивают над ним и не дают сказать и слова. Не в силах совладать с издевательствами и унижениями со стороны семьи, Барри превратился в крайне забитого и психически неуравновешенного человека, не способного постоять за себя. Отношения с девушками ему заменяет секс по телефону, а одиночество стало его единственным другом. Но однажды в его жизни появляется подруга одной из его сестер Лена Леонард (Эмили Уотсон) и между ними начинает развиваться роман, который постепенно меняет характер Барри.

Если Вы не любитель типичных фильмов с Сэндлером - вам понравится этот фильм. Пожалуй, это одна из самых запоминающихся ролей актера среди множества сыгранных однотипных характеров. И это самый неамбициозный фильм великого и ужасного Пола Томаса Андерсона, после мозаичных картин "Ночи в стиле буги" и "Магнолия" свернувшего совершенно на другую дорогу. Все повествование специально передано сквозь непрекращающуюся и постоянно меняющуюся музыку, тем самым подчеркивая душевное состояние Барри в каждом отдельном эпизоде, а комичность изображена через мучения главного героя. Именно из-за этого это очень некомфортное кино, которое отталкивает вначале своим рваным темпом и сумбурностью происходящего. Но после первой трети фильм начинает выстраиваться в великолепную мелодраму с некоторыми вкраплениями комедийных гэгов, кульминацией которого будет 3-х минутный перфоманс Филипа Сеймура Хоффмана, который, кажется, успевает затмить всех и все, что было до этого.

The Ladykillers / Игры джентльменов (режиссеры Джоэл и Итан Коэны, 2004 год)

Профессор классической музыки и по совместительству аферист Голдтуэйт Хиггинсон Дорр (Том Хэнкс) планирует ограбление казино и собирает команду воров-недоумков. Единственный путь проникнуть в казино лежит через подвал дома строгой и набожной старушки. Свою команду профессор представляет как музыкальный ансамбль, а подвал им нужен якобы для репетиций. В состав "ансамбля" входят техник по спецэффектам (Дж. К. Симмонс), вьетнамский генерал и эксперт по туннелям (Ци Ма), "свой человек", который должен устроиться на работу в казино (Марлон Уайанс) и неудавшийся игрок в американский футбол, отвечающий в команде за силовые задачи (Райан Хёрст). И, как и полагается, весь план сразу же пойдет в тартарары, а старушка начнет подозревать неладное.

Братья Коэн идут в этой подборке как один режиссер - всю жизнь писавшие и снимавшие авторские фильмы высшей пробы, братья совсем недавно разделились в самостоятельные единицы. В начале 2000-х режиссеры ненадолго отошли от своих классических и столь едких криминальных драм в сторону мейнстримовых комедий. В "Играх джентльменов" практически нет ничего от коронного стиля мастеров, но зато есть абсурдистская комедия, очень сильно напоминающая своей фабулой фильм Вуди Аллена "Мелкие мошенники", вышедший за несколько лет до этого. Великолепный актерский состав, возглавляемый Томом Хэнксом, который периодически напоминает нам, что истоком его карьеры были именно комедийные фильмы. Здесь он неподражаем, одной своей мимикой придавая фильму необходимый импульс энергии. Комедия получилась великолепной, хоть и лишенной авторского стиля Коэнов.

After hours / После работы (режиссер Мартин Скорсезе, 1985 год)

Обычный клерк Пол Хакетт ведет ничем не примечательную жизнь в Нью-Йорке - работа, дом, диван, кровать и снова работа. Однако одним знаменательным вечером после работы он повстречает в местном кафе загадочную девушку, которая оставит ему свой номер телефона. Позвонив ей позже тем же вечером, ему будет суждено пройти целую череду приключений и испытаний в течение одной ночи: то ли растянувшийся неудачный день, то ли бред отчаявшегося работяги - ответа вы не получите. Он и не нужен - нужно просто откинуться на спинку кресла и наслаждаться перипетиями этой великолепной саркастической комедии

Я уже включал этот фильм в другую подборку, но не устану добавлять еще и еще, потому что больше людей должны увидеть эту блестящую картину Скорсезе. В середине 80-х режиссер уже был в статусе культового после успеха "Таксиста" и "Бешеного быка" и совершенно неожиданно для всех решил сделать шаг в сторону черного юмора / гротеска и не был понят абсолютно никем, кроме жюри Каннского фестиваля - был отхвачен приз за лучшую режиссуру. Фильм буквально срывается с цепи с первых же минут и чем дальше, тем меньше подвластен какому-то разумному объяснению всего происходящего на экране. Ну а Скорсезе великолепно передает настроение безумия, чередуя ритм как всегда безбашенным монтажом и великолепно выбранными ракурсами.

Matchstick Men / Великолепная афера (режиссер Ридли Скотт, 2003 год)

Рой Валлер (Николас Кейдж) - мошенник, живущий в Лос-Анджелесе. Вместе со своим партнёром Фрэнком Меркером (Сэм Рокуэлл) Рой занимается мелким мошенничеством в сфере торговли, продавая системы фильтрации воды по завышенным ценам для ничего не подозревающих клиентов. Рой страдает обсессивно-компульсивным расстройством и имеет многочисленные нервные тики. А еще боится грязи, насекомых, пыли и держит свой дом в идеальной чистоте. Но однажды Рой узнает о существовании своей 14-летней дочери Анжелы (Элисон Ломан), которая врывается в его жизнь, становится частью команды и меняет характер и привычки Роя в лучшую сторону.

Кейдж в своей типичной роли человека, постоянно балансирующего на грани нервного срыва, Сэм Рокуэлл с лицом то ли понимающего все на свете, то ли немного имбецила-пофигиста, и режиссер-многостаночник Ридли Скотт создали этот замечательный камерный фильм с секретным козырем в рукаве, появляющимся ближе к финалу. Драма про отношения внутри семьи и маленькой группы аферистов, поданная под соусом комедии и сыгранная с отличным вниманием к деталям. В очередной раз сэр Ридли Скотт доказывает, что способен снять великолепный мейнстрим в любом жанре. Сам же фильм едва окупился в прокате, но, с другой стороны, это даже пошло на пользу - скрытая жемчужина всегда радует больше, ибо ее не ожидаешь найти.

https://t.me/remkino - пишу про достойные фильмы, делаю анонсы избранных предстоящих релизов и рассказываю про интересные факты из мира кино.

Конечно, до "Таксиста" был замечательный, практически камерный и во многом навеянный детством режиссера фильм "Злые улицы". Но именно история про ветерана войны, работающего таксистом и пытающегося найти себе место в огромном, грязном и настолько одиноком Нью-Йорке, стала первой значимой работой Скорсезе, по сей день являясь одной из вершин в богатой фильмографии великого режиссера. Объяснить чем именно хорош этот фильм сложно - его невозможно воспринимать, когда у тебя все хорошо в жизни и тебе нет дела до меланхоличных историй. Фильм об одиночестве как патологии, о невозможности контакта не просто с отдельными людьми, но с обществом в целом. Потому что ты другой, не воспринимающий ценности общества потребления и неспособный разделять радости обычных людей. А еще потому, что война зачастую меняет психику человека, делая его подавленным, ранимым и нелюдимым. В 1976 году несколько великолепных деятелей кино собрались вместе, чтобы изобразить на экране это гнетущее чувство, порой настолько знакомое каждому из нас.

Еще до съемок в фильме, Де Ниро уже сверкнул знаковой ролью молодого Вито Корлеоне в фильме "Крестный отец 2", за которую заслуженно получил множество наград, включая Оскар за лучшую мужскую роль второго плана. Но, по словам самого актера, его лицо все еще было незнакомо массовому зрителю и его редко узнавали на улице. При подготовке к роли в "Таксисте", будучи ярым приверженцем Системы Станиславского, Де Ниро в течение месяца работал водителем такси по пятнадцать часов в день, и при этом никому из клиентов не рассказывал кто он на самом деле. И, опять же, со слов актера, за весь месяц работы его узнал один лишь пассажир, который оказался молодым неизвестным актером в поисках работы. Обескураженный увиденным, он воскликнул: «Ты только что получил Оскар… Боже мой, неужели ТАК сложно найти работу?» Де Ниро не стал раскрывать карты, оставив беднягу в полном отчаянии.

Многие актеры, работавшие с Де Ниро, отзываются о нем как о крайне порядочном человеке, никогда не выставляющим напоказ свой звездный статус. Подтверждение этому тот факт, что с момента подписания актером контракта на участие в "Таксисте" на сумму 35 000 долларов до начала самих съемок фильма, Де Ниро успел получить Оскар за "Крестного отца", и его стоимость значительно возросла. Продюсеры были обеспокоены тем, что Де Ниро попросит заслуженного повышения зарплаты, но тот заявил, что не собирается нарушать первоначальное соглашение и не потребовал пересмотра контракта.

Другим великолепным кастинговым решением была Джоди Фостер в роли молодой проститутки Айрис. Актрисе было всего 12 лет на момент съемок фильма (столько же, сколько и персонажу), но уже тогда проявился потенциал будущей звезды, которая за эту роль была номинирована на Оскар за лучшую женскую роль второго плана. И так как актриса была слишком молода, по закону она не могла сниматься в откровенных сценах. Конни Фостер, старшая сестра Джоди, которой на момент съемок фильма было 19 лет, была выбрана в качестве ее дублера в этих сценах. При этом Джоди привнесла в фильм много своих собственных идей о том, как именно максимально реалистично изобразить персонаж. Одна из них - сцена в закусочной, где она добавляет много сахара в тост, уже покрытый желе. Сцена была воспринята многими зрителями и критиками как черта характера, показывающая, что Айрис в душе все еще ребенок, слишком любящий сладкое. Однако дело было совсем не в этом: другая актриса, Гарт Эйвери, играющая проститутку и все время сопровождающая Айрис, была настоящей проституткой, и Джоди Фостер постоянно следила за ней, чтобы подготовиться к своей роли. Эйвери была героиновой наркоманкой и одним из способов подавить свою зависимость было добавление сахара в еду. Джоди, будучи не по годам очень наблюдательной и интуитивной актрисой, включила эту черту характера в сцену.

Проработанный до мельчайших психологических деталей главный герой фильма явился источником вдохновения для многих сценаристов и режиссеров, в том числе и для Тодда Филлипса, который во многом ориентировался именно на этот фильм при написании сценария для фильма "Джокер". Между тем, таксист Трэвис Бикл во многом автобиографичный персонаж сценариста фильма Пола Шредера, у которого случился нервный срыв, когда он жил в Лос-Анджелесе: его уволили из AFI (Американский институт кинематографии), у него практически не было друзей, а совсем недавно его бросила жена. Сидя в квартире, Шредер буквально ни с кем не разговаривал в течение многих недель, от безделия ходил в порно-кинотеатры и у него развилась одержимость оружием. Проводя долгие дни в одиночестве в своей машине, он чувствовал, что с таким же успехом мог бы быть водителем такси. Чувство изоляции от жителей большого города все возрастало, пока в один из дней он не решил перенести все эмоции и переживания на бумагу и именно таким образом родился великолепный сценарий. Шредер решил переместить действие в Нью-Йорк только потому, что там гораздо чаще встречаются таксисты.

Ну и конечно Мартин Скорсезе, неторопливым ритмом и великолепным чередованием ночных и дневных сцен передавший эту историю, сотворив многогранное кино об одиночестве в большом городе и последовательном преображении потерянного человека с помутненным рассудком. Но было бы несправедливо не упомянуть и Бернарда Херрманна - великий композитор, написавший музыку к многочисленным фильмам Хичкока. Именно его потрясающие композиции тонко и незабываемо придают всей этой истории особое настроение грусти. Жена композитора рассказывала, что когда Скорсезе, тогда еще относительно неизвестный режиссер, позвонил ее уже знаменитому мужу и попросил написать музыку к фильму, Херрманн сначала отказался, сказав: «Я не пишу музыку для автомобильных фильмов». Он согласился только после прочтения сценария, а затем создал музыку, навсегда западающую в душу. В качестве основного мотива он использовал диссонирующие духовые инструменты, которые особенным образом подчеркивают внутренние эмоции главного героя. После первых сеансов озвучивания, Скорсезе настаивал на том, что ему нужен еще один особенный штрих - пугающий аккорд в конце заглавной темы. Херрманн вызвал студийный оркестр, которому заплатили за день работы только за один этот эффект. К сожалению, композитор умер за несколько месяцев до релиза фильма и так и не увидел свое творение в кино. А кино получилось на все времена - спустя почти 50 лет все еще великолепное и неимоверно актуальное.

https://t.me/remkino - пишу про достойные фильмы, делаю анонсы избранных предстоящих релизов и рассказываю про интересные факты из мира кино.

Держись плана. Предугадывай, не импровизируй. Никому не верь. Никогда не упускай преимущество. Ввязывайся только в тот бой, за который тебе платят. Забудь о сочувствии, сочувствие - это слабость. Слабость - это уязвимость. Делая каждый шаг, спрашивай себя: в чем мой интерес?

Это свод правил безымянного киллера, который помогает ему идеально выполнять любой заказ и оставаться незамеченным. Он отточил свое искусство до совершенства, действуя хладнокровно и методично. Однако железная воля и непоколебимый характер дают слабину, когда новое задание в Париже растягивается на несколько дней и теперь уже он сам становится мишенью.

И так, что мы имеем: Майкл Фассбендер, великолепный актер, который вот уже 4 года не снимался в кино. Дэвид Финчер, мастер психологических триллеров, возвращающийся к жанру после предыдущего, крайне неровного и в целом неудачного биографического фильма "Манк". И сюжет боевиков (в основном дешевых) о проваленном задании и последствиях этого провала. Стоило бы ожидать очередное адреналиновое творение от Финчера, но вы будете сильно обмануты: здесь нет ничего хотя бы отдаленно похожего на сценарные хитросплетения фильмов "Семь", "Бойцовский клуб" или даже "Девушка с татуировкой дракона".

Первые 20 минут фильма это безостановочный закадровый голос, который передает циничные мысли наемного убийцы: это уже и не человек, а какая-то идеальная программа, для которой весь смысл существования складывается из голой статистики, а жизнь очередной жертвы не стоит ничего - всего лишь погрешность в этой самой статистике. И кажется, что этот внутренний голос ни разу не замолкает, то и дело проговаривая как мантру набор своих незыблемых правил. Весь процесс, быт людей, с которыми сталкивается главный герой, фильтруется через жестокость восприятия то ли больного рассудка, то ли познавшего истину антигероя. Диалогов в фильме крайне мало, а те, что есть, лишены какого-то глубокого смысла и нужны лишь для того, чтобы обозначить очередное передвижение киллера от одной точки до другой, в которой он будет встречаться с очередными посланниками недовольного провалом заказчика.

И все же, все же: все атрибуты технического совершенства Финчера на месте: эпилептический монтаж, идеально поставленный свет, обычная сцена в какой-нибудь закусочной, снятая с многочисленных ракурсов и ритм фильма, который ни разу не сбивается. Ближе ко второй части фильма, фокус будет смещен с процесса копания в голове убийцы в сторону действия, кульминацией которого будет идеально поставленная сцена драки, как всегда у Финчера выполненная в его любимой клипмейкерской манере с постоянно сменяющимися кадрами и углами. По сути, перед нами боевик категории Б, но сделанный одним из лучших режиссеров современности, специально поставившим в центр повествования антигероя, которому крайне сложно сопереживать.

Тут нет практически никаких других значимых персонажей, кроме как самого убийцы, и это еще один аспект, который отличает фильм от предыдущих жанровых картин Финчера. Фассбендер справляется с ролью великолепно и не сказать, что роль слишком сложна: спектра эмоций тут нет, но это и не нужно: непроницаемое лицо и язык тела делают свое дело.

На выходе - крайне некомфортное, аскетичное кино на любителя, но технически совершенное и предлагающее внимательно слушающему антагониста зрителю одну единственную истину, которая движет не только главным героем, но, наверное, большинством киллеров в реальной жизни: если после смерти нет ничего, то и нечего бояться последствий своих действий.

https://t.me/remkino - пишу про достойные фильмы, делаю анонсы избранных предстоящих релизов и рассказываю про интересные факты из мира кино.