Сообщество - Лига Оркестровой Музыки
Лига Оркестровой Музыки
171 пост 808 подписчиков
2639

Она хотела петь, и она пела, остальное неважно.

Безголосая, бездарная певица, непонятно каким чудом пробившаяся на большую сцену - думаете, такое может быть только в наше время? Вовсе нет. Бузова в этом не первая.


Знакомьтесь, Флоренс Фостер Дженкинс!

Современники и потомки называли ее самой ужасной оперной певицей всех времен и народов. Критики писали, что эта певица полностью лишена таланта, голоса, чувства ритма, музыкального слуха, дикции, контроля дыхания, владения голосом и даже хоть сколько-нибудь приятного тембра, и современный слушатель полностью согласится с ними – от Дженкинс остались записи, вполне доступные на YouTube, и они звучат как жестокая пародия на оперное искусство.

(Осторожно, уши могут закровоточить!)

Сама же Флоренс до самой своей смерти искренне верила, что она – величайшая оперная певица в мире, а смех в зрительных залах на ее концертах и критика в прессе – не более чем нападки со стороны злобных завистников ее божественного сопрано.


Свою певческую карьеру Флоренс начала лишь в 40-50 лет. После смерти своих родителей она получила в наследство приличное состояние, которое помогало ей поначалу финансировать свои выступления.


Постепенно она стала не просто знаменитостью, она превратилась в легенду. Репертуар Дженкинс состоял из произведений Моцарта, Верди, Штрауса и романсов Брамса, которые находились далеко за пределами ее технических возможностей. По воспоминаниям очевидцев, даже ее бессменный аккомпаниатор Косме Макмун вынужден был порой корчить рожи за спиной Флоренс, чтобы удержаться от смеха.


Флоренс любила сложные костюмы, которые придумывала сама, и часто выходила на сцену в образе '"Ангела вдохновения", в изысканном шелковом платье с картонными крыльями за спиной, что, может, и пошло бы юной стройной девочке, но на корпулентной немолодой даме создавало дополнительный комический эффект. В общем, публика валом валила на ее концерты.


Апофеозом ее карьеры стало выступление в Карнеги-холле в 1944 году (Флоренс было 76 лет!). Места были распроданы за несколько недель вперед, несмотря на военное время, кризис и высокую стоимость билетов. Трудно сказать, чего было больше на этом концерте: аплодисментов или смеха в зале.


Она умерла через месяц, 26 ноября 1944 года. Умерла в общем-то счастливым человеком, ведь она исполнила свою мечту, она хотела петь, и она пела, а остальное, в сущности, неважно.

Показать полностью
1607

Нежность хрусталя

Челеста - или по-русски «небесная» - это музыкальный инструмент, похожий на маленькое пианино. У неё такие же, как у пианино, клавиши, но внутри вместо струн металлические пластинки, иногда они бывают стеклянными. Молоточки ударяют по этим пластинкам, и они звенят прозрачно и тонко.


В отличие от пианино, челеста мало известна широкой публике. Используется она в основном не сольно, а в симфонических оркестрах. И произведений, где ее можно услышать - не так много.


Но есть две мелодии, известные абсолютно всем. И там звучит челеста. Просто не все задавались вопросом, на каком же инструменте исполняется эта нежная, прозрачная, хрустальная мелодия?

На втором видео был Танец феи драже из балета Щелкунчик Чайковского.


Именно Чайковский открыл для России этот инструмент, тайно привезя его из Франции специально для премьеры балета Щелкунчик.

Что из себя представляет и изготовление:

Немного о челесте на английском:

Танец Феи Драже в сольном исполнении:

Танец Феи Драже, партия челесты:

Показать полностью 4
2941

Музыка, которую слышали все, но мало кто знает откуда она: "Цветочный дуэт" из оперы "Лакме".

"Цветочный дуэт" из оперы "Лакме" французского композитора Лео Делиба часто используется в рекламных роликах, а также в современной обработке. Используется также в качестве саундтрека в сериале «Интерны» 


(С 1-й минуты)

1152

Зачем нужен дирижер?

Зачем нужен дирижер, если у всех музыкантов есть ноты?

Зачем нужен дирижер, если на него все равно никто не смотрит?

Зачем нужен дирижер, если он ни на чем не играет?

Хоть что-то изменится, если его оттуда убрать?


Примерно такие вопросы появляются у людей, далеких от академической музыки.


Попробую ответить на эти вопросы простым языком, дополнив пост любопытными забавными видео на эту тему (все видео короткие).


Итак, представьте себе бегунов на старте. Они приготовились сорваться с места и ринуться вперёд... И вдруг вместо выстрела им кричат: "Ну, вы это, бегите, что ли!" Как, по-вашему, смогут бегуны по такой команде оторваться от старта одновременно? Оркестру, в котором иногда играет более ста человек, нужна чёткая команда, чтобы всем одновременно начать играть.


Но в отличие от бегунов, которые к финишу придут один за другим, оркестранты должны закончить музыку все вместе – опять таки по знаку дирижера.


Все знают, для чего гремит барабан, когда идут строем. Для того, чтобы все шли в одном темпе. Иначе один пойдёт чуть быстрее, другой отстанет. То же случится и с оркестрантами, если у них перед глазами не будет дирижёра, задача которого - держать оркестр в единой ритмической сетке.


Бывают разные музыкальные пьесы. Например, марш – музыка всегда громкая, чёткая, бодрая. У колыбельной музыка совсем другая – тихая, нежная, убаюкивающая. Представьте, оркестр играет колыбельную: все музыканты знают, что надо играть тихо. Но встает вопрос: насколько тихо должен играть каждый музыкант, чтобы громкость оркестра в целом была бы той, которая нужна для колыбельной? Ни один из оркестрантов не сможет этого оценить, потому что люди, сидящие в разных концах оркестра, не слышат друг друга, тем более, когда у каждого под ухом звучит свой инструмент! И здесь, опять таки, нужен дирижёр, который сам ни на чем не играет, а только слушает, оценивает со стороны, как звучит оркестр, показывает, кому надо играть чуть громче, а кому потише, – "выравнивает" звучность оркестра, делает его звучание сбалансированным. Он один может слышать всю звуковую картину оркестра.


Итак, получается, что дирижер это регулировщик. Но если назвать какого-либо дирижера регулировщиком - это будет как пощечина для него, ибо плох тот дирижер, который выполняет только лишь функцию регулировщика.


Музыку, которую играет оркестр, нужно исполнить, как говорят, "с душой". А ведь каждый человек чувствует и понимает музыку по-своему. Поэтому нужен кто-то один, чтобы по его воле все играли с одинаковым, продиктованным им "выражением".


Обычно композитор в своих нотах очень чётко прописывает, как, в каком темпе, с какой громкостью нужно играть его музыку. Но даже в строгих рамках нот всегда есть некая возможность для маневра, и с помощью некоторых штрихов можно придать музыке свое звучание, свое видение. Где-то сыграть тише, мягче, нежнее, или наоборот. Темп можно сделать чуть подвижней или плавнее, и т.д. Таким образом, дирижер расставляет в музыке свои авторские ньюансы.


Послушайте, как по-разному звучит знаменитое бетховенское "та-та-та-таааа" из 5 симфонии в исполнении разных дирижеров, и вы поймете, о каких ньюансах идет речь:

Таким образом получается, что хороший дирижер - это не только регулировщик, но и художественный руководитель, интерпритатор, автор прочтения музыки.

Дирижер во время игры общается с оркестром при помощи жестов. Эти жесты нигде не регламентированы, не прописаны и не закреплены. Нет никаких единых правил, какие именно движения должен использовать дирижер в тех или иных случаях. Каждый дирижер избирает для себя сам свою манеру "разговора" с оркестром. Она может быть какая угодно!


На этом видео "танцующий" дирижер Пермского театра оперы и балета, грек по происхождению Теодор Курентзис:

А здесь Леонард Бернстайн дирижирует оркестром с помощью... лица!

Дирижирование лицом это скорее из разряда фокусов. Шутка. В основном же дирижируют руками и дирижерской палочкой, правда размер ее у разных дирижеров бывает разным. Например, Валерий Гергиев любит пользоваться совсем маленькой палочкой, размером с зубочистку. Гергиев с зубочисткой здесь: https://pikabu.ru/story/pod_gipnozom_6816036

Слушая концерт, вы видите финальную часть процесса, готовый результат. Но этому предшевствует долгая нудная черновая работа, где отрабатываются многочисленные детали. Дирижёр добивается от исполнителей правильных, с его точки зрения, нюансов и акцентов, пауз, ритма и прочее.


На видео - изнанка оркестровой жизни, фрагмент репетиции, где с оркестром работает Евгений Мравинский:

Но не все дирижеры столь корректны и по-джентельменски выдержаны. Они ведь тоже люди, поэтому бывает всякое...


На видео аудиозапись одного из припадков гнева Артуро Тосканини, которых, кстати, у него было немало:

Считается, что хороший дирижер обязательно должен быть диктатором. Что мягким и добреньким людям не место в этой профессии. Это утверждение справедливо для руководителя любого крупного творческого коллектива, театрального, танцевального, неважно. "Разводить демократию" там, где каждый считает себя творческой личностью - действительно дело неблагодарное. Поэтому многие великие дирижеры прошлого, по рассказам музыкантов, были сущими деспотами.


Но сегодня время дирижеров-диктаторов постепенно уходит в прошлое, особенно на западе. Почему? Профсоюзы не позволяют! Защищают музыкантов от дирижерского самодурства.

Показать полностью 5
1480

Большой шутник Лерой Андерсон

Лерой Андерсон — американский композитор и дирижёр, аранжировщик (1908 — 1975). Больше сухих фактов из Википедии не будет.


От себя расскажу лишь, что в детстве он был вундеркиндом. С ранних лет играл на рояле, контрабасе, органе, аккордеоне, мандолине, тромбоне и трубе. Плюс к этому свободно говорил на 10 языках, благодаря чему во время второй мировой войны служил в разведке.


Полный список профессий взрослого Андерсона был таков: композитор, органист, хормейстер, аранжировщик, бэндлидер и симфонический дирижер, а помимо прочего, он ещё был и великий приколист. Познакомившись с его музыкой, вы поймете, почему.

Писал он музыку в стиле эстрадно-симфонический джаз.


Всё, что сочинял Андерсон - тут же расхватывалось оркестрами по обе стороны океана. Причём в очереди толклись самые серьёзные филармонии, классические до мозга костей - им, как воздух, не хватало "чего-нибудь лёгкого" в репертуаре.

Например такого, как

Соло для печатной машинки с оркестром.

Вообще шутки в музыке явление довольно частое. Остроумие в своих произведениях проявляли Бах и Моцарт, Бетховен и Россини.


Гайдн, к примеру, в одной из своих симфоний предложил оркестрантам по очереди покидать сцену прямо в процессе исполнения.


Сен-Санс включил в "Карнавал животных" пианистов, как весьма редкий подвид двуногих млекопитающих.

Андерсон же в своем композиторском творчестве постоянно вводил самые неожиданные предметы в свои произведения, не только печатную машинку.


В пьесе "Синкопированные часы" стрекочут натуральные часы.


В "Sandpaper Ballet" ("Балет для наждачной бумаги") ведущим инструментом звучит... наждачная бумага.

В остальных его блестящих оркестровках тоже присутствует масса неожиданной перкуссии, но там уже не очень разберёшь, где расчёска, а где дирижёрская палочка отбивает по пюпитру - всё перемешано и всё поёт.


В "Вальсирующем Коте" скрипки мяукают и выгибают спины, а в "A Trumpeter's Lullaby" красиво решена непростая задача - сыграть колыбельную на трубе.

В "Plink, Plank, Plunk" скрипки, виолончели - весь струнный оркестр -  играет вообще без смычков.

Ну и напоследок блестящий и развеселый "Пустячок" в исполнении Виртуозов Москвы.

Интересен тот факт, что несмотря на такой разудалый характер своей музыки, Лерой Андерсон в жизни был довольно замкнутым и необщительным человеком, не любил шумных сборищ, предпочитал проводить время в уединении или в кругу семьи.

Показать полностью 3
1457

Pendulum в оркестровой аранжировке

Захватывающе и качественно звучат аранжировки ВИА Мятник в любом виде.


0:00 - Genesis

0:20 - Slam

01:59 - Propane Nightmares

02:54 - Watercolour

04:00 - Fasten Your Seatbelt (ft. The Freestylers)

04:36 - Tarantula (Ft. Fresh, $Pyda & Tenor Fly)

05:22 - Streamline

05:55 - Hold Your Colour

07:00 - The Island

1462

Гений трех струн

Балалайка это инструмент, который имеет всего три струны, вдобавок две из которых звучат в унисон, т.е. по сути одинаково.

Слушая этого музыканта, не покидает мысль: "Неужели это ВСЕ обычная балалайка?!"

Алексей Архиповский считает свой треугольный инструмент кладезем тайн и загадок, подобным загадочной пирамиде Хеопса. Он не устает их разгадывать, а значит – удивлять свою благодарную публику новыми находками и открытиями.


«Я не считаю себя балалаечником в общепринятом смысле… И к балалайке я отношусь не как к русскому народному инструменту, а как к инструменту, на котором можно делать все что угодно», – признается исполнитель.


Архиповский создал другой стиль игры на балалайке, совмещая аутентичные, гитарные и свои оригинальные приемы извлечения звука с революционным новшеством – «электрификацией» инструмента.


Универсальный музыкант, свободный от стилевых и жанровых рамок, Архиповский – желанный гость на фестивалях классической, этнической, фольклорной и джазовой музыки, а также на концертных площадках, число которых стремительно растёт, как в России, так и за рубежом. В 2011 году виртуоз попал в российскую книгу рекордов в номинации «лучший в мире балалаечник».

Показать полностью 1
1549

Не спать, англичане!

Гайдн при жизни был большим оптимистом и любил пошутить.


Давая концерты в Лондоне, он часто замечал, что многие жители британской столицы приходят послушать музыку не из любви к искусству, а отдавая дань традициям, которые, как известно, в Англии очень сильны.


Дирижируя оркестром, Гайдн иногда оглядывался в зал и то в одном, то в другом ряду замечал сладко спящих зрителей. Композитор, со свойственным ему чувством юмора, нашел выход из положения. Он сочинил новую симфонию, специально для лондонцев.

Начиналась она плавно и тихо, словно нарочно убаюкивая зрителей. И вдруг мелодию прерывали оглушительный удар барабана и гром литавр. Естественно, все, кто уже задремал, мгновенно просыпались. Затем снова лилась плавная музыка, и снова неожиданное форте. И так несколько раз.


Выспаться не удавалось никому, и симфония получила соответствующее название - "Сюрприз", или "Симфония с ударами литавр".

348

Под гипнозом

Когда исполняется "Болеро" Мориса Равеля, кажется, что слушатели на время превращаются в этаких змей, в гипнотическом трансе выползающих из корзины под дудку своего повелителя. Все отмечают некое завораживающее воздействие этой музыки на слушателя.



Лондонский симфонический оркестр под управлением Валерия Гергиева:

Во всей классической музыке трудно найти другое произведение, породившее такой же поток интерпритаций, как «Болеро».


Музыка была написана по заказу танцовщицы Иды Рубинштейн. По ее задумке, действие должно было происходить в таверне, где танцовщица танцует на столе в окружении вожделеющих ее мужчин.


У самого же Равеля было иное представление о своем сочинении. В книге «Равель в зеркале своих писем» сказано, что он был вдохновлен заводом, который находился на дороге в Везине. И что Равель хотел включить в декорацию спектакля корпус завода. Чтобы рабочие и работницы, выходящие из цехов, постепенно вовлекались в общий танец, и чтобы музыка и танец напоминали непрерывность заводского конвейера.


На многих слушателей 1928 года (когда первый раз исполнялось это сочинение), “Болеро” производило гнетущее впечатление. Людям казалось, что некий узник движется по кругу внутри четырех стен и никак не может вырваться за пределы жестко очерченного пространства.


У каждого в голове рисуются свои картины. Музыка вообще очень здорово развивает фантазию. Лично мне под эту музыку представляется яркий сказочный восточный караван, начинающий свое движения из-за горизонта, постепенно приближающийся, и на последних минутах проходящий уже в полуметре от нас. Огромные вьючные животные, мерно ступающие, украшенные невероятно красочными попонами, с погонщиками... и т д. Для меня это Восток, но никак не Испания! А болеро это испанский танец!


Кстати, многие отмечают, что в “Болеро” Равеля очень мало общего с подлинным испанским танцем. Труднее всего воспринимают произведение Равеля именно испанцы. Они настроены на другую музыку. Настоящее болеро идет по крайней мере вдвое быстрее равелевского, под аккомпанемент гитары, кастаньет. Все очень живо, приподнято и темпераментно.


Но если отвлечься от эмоционального восприятия и рассмотреть Болеро формально, то мы обнаружим, что по сути эта музыка невероятно проста, если не сказать примитивна.


Основу, костяк составляет ритм, исполняемый малым барабаном:

Под гипнозом Меломаномания, Морис Равель, Болеро, Валерий Гергиев, Гипноз, Видео, Длиннопост

Сей ритмический рисунок непрерыно повторяется на протяжении всей пьесы 169 раз.


На этот ритм накладывается мелодия, состоящая из 2 частей.


Первая часть звучит с 0:25 - 1:10. Потом она повторяется. Вторая часть звучит с 2:04 - 2:50. И она тоже повторяется. Потом опять звучит первая часть мелодии с повтором, потом вторая с повтором... и т.д. И так все 15 минут!

Так почему же столь гипнотически действует на слушателей произведение, в котором по сути одна и та же мелодия повторяется множество раз без какого-либо развития??? В чем секрет такого воздействия?


Изюминка “Болеро” - это постепенно нарастающая на протяжении всего сочинения громкость звука, начиная от самого тихого пиано в начале и заканчивая оглушительным фортиссимо в конце. А также мелодию каждый раз играет разный состав инструментов, что добавляет новых красок и обогащает структуру музыки, обеспечивая ей динамичное развитие. Выражаясь музыкальным языком, суть успеха Болеро в гениальнейшей оркестровке!


Тихо и издалека начинают деревянные духовые. Вначале играет флейта, затем кларнет, фагот, малый кларнет, альтовый гобой.


На шестой минуте появляются медные инструменты. Мелодию теперь несколько раз играют засурдиненная труба, саксофоны, вслед за ними вступают тромбоны...


Затем уже основную тему ведут струнные (скрипки, альты). Заметьте, что до этого скрипачи не сидели сложа руки, а играли пиццикато (щипали струны), держа при этом скрипки как гитары!


А далее наступает тутти, то есть теперь играют все инструменты вместе. Ритм здесь поддерживают кроме барабана медь и ударные. Экспрессия нарастает.


В 15.10 появляется новый вариант мелодии – первый и последний раз в сочинении. Происходит единственная модуляция (смена тональности)... и наступает кульминация - точка наивысшего накала, как огромный эмоциональный взрыв, или обвал. После этого все растворяется и завершается оглушительной паузой, когда повисает тишина вслед за последними тактами “Болеро”.


Сегодня "Болеро" Мориса Равеля можно назвать симфоническим шлягером. Оно еще раз подтверждает высказывание, что все гениальное просто!


Исследователи посчитали, что Болеро исполняется в мире каждые 10 минут, и таким образом, его звучание не прекращается ни на секунду, представляя собой непрерывный музыкальный фон жизни человечества.


Сам же Равель на вопрос о своем творении с усмешкой отвечал, что эта музыка пуста, что гениальной здесь является только идея, а с самой работой справился бы даже студент, учащийся на отделении «Композиции».

Показать полностью 1
317

Двоеженец, умерший в одиночестве

За сухими фактами биографий композиторов скрываются самые обычные люди. Согласитесь, всегда интересно абстрагироваться от их композиторского творчества, и попытаться увидеть их человеческую суть. Т.е. посмотреть на них так, как мы смотрим на наших родственников или друзей, соседей...


В семье Штраусов было целых два композитора - это Иоганн Штраус и... Иоганн Штраус. Отец и сын.


Штраус-отец стал гениальным музыкантом вопреки жизненным обстоятельствам. Как сказали бы сейчас, он "сделал себя сам". Родители его были бедняками, вскоре умерли и Штраус остался сиротой.


Но та целеустремленность, благодаря которой он достигал успеха, сделала Иоганна-старшего эгоистичным и себялюбивым, а его жену Анну, родившую ему пятерых детей, - глубоко несчастной. Как отец он не принимал никакого участия в воспитании детей, не желал вникать ни в какие семейные, бытовые проблемы.


Мало того, он нашел в том же доме, только в другой квартире, молодую женщину, ее звали Эмилия, и завел с ней бурный роман, результатом которого стали семеро(!) детей, рождавшиеся чуть ли не одновременно с его "законными".


При этом отец не только не прятался от общественного мнения, но и проделывал все это с неким вызовом, совершенно унижая презрением свою бедную жену!


Иоганн Штраус-младший, будущий композитор, родился от его законной супруги Анны.


Сказать, что отношения между отцом и сыном не сложились – не сказать ничего. Оказавшийся на волне успеха Иоганн-отец больше всего на свете боялся, что кто-то превзойдет его в мастерстве, поэтому запрещал своим детям заниматься музыкой. А когда его сын Иоганн решил тоже стать музыкантом, отец в бешенстве лишил его наследства, отписав все детям Эмилии. Впоследствии он развелся с Анной и официально женился на Эмилии.


Выжить со сцены своего сына стало для Штрауса-старшего навязчивой идеей. Он подсылал на его концерты подкупленную публику, чтобы сорвать их и запрещал агенствам заключать с сыном контракты. В общем, он был не самым лучшим отцом, мягко выражаясь.


Свою карьеру Иоганн Штраус-старший закончил довольно странно. Во время революции 1848 года он оказался в немногочисленном стане сторонников монархии и написал в их честь  знаменитый «Марш Радецкого». Граф Радецкий стал одним из душителей революции в Вене. Вот его-то и прославил Штраус-отец!


После этого в Вене стали игнорировать его концерты. Он растерялся, сник и однажды слёг в горячке. Эмилия, думая, что его болезнь заразная, бросила Штрауса и уехала с детьми из дома. Узнав, что Штраус при смерти, Анна с Иоганном-младшим поехали к нему, но в живых его уже не застали. Он умер от скарлатины в 45 лет.



По иронии судьбы опальный "Марш Радецкого" оказался таким зажигательным, что его до сих пор танцуют в Вене на всех балах! Он стал неофициальным гимном Австрии, и это визитная карточка старшего Штрауса.


А еще "Марш Радецкого" все время исполняется на ежегодном новогоднем концерте в Вене. По традиции, его всегда играют в самом конце, на бис. При этом дирижер обязательно несколько раз "бросает" оркестр, поворачивается в зал и дирижирует... слушателями, а они, довольные, в такт музыке хлопают в ладоши и притопывают ногами!

Новогодний венский концерт 1987 года. Дирижер - Герберт фон Караян.

Показать полностью 1

Чем глубже изучаешь мозг, тем больше возникает вопросов. Истории успеха, достойные «Горячего» на Пикабу #3

Чем глубже изучаешь мозг, тем больше возникает вопросов. Истории успеха, достойные «Горячего» на Пикабу #3

Вячеслав Лебедев – сотрудник и аспирант МГУ им. М.В. Ломоносова. При знакомстве с трудами нейроученых понял, что мозг – целая вселенная внутри человека, и при более глубоком его изучении возникает еще больше вопросов. Вячеслав создал центр нейрофизиологической немедикаментозной помощи детям NeuroFuture, где уже несколько лет занимается развитием внимания и концентрации у детей.


Такие истории успеха вдохновляют, заставляют искать профессию мечты и посвящать свою жизнь тому, что любишь.

Отличная работа, все прочитано!