Самая крупная школа 3D в русскоязычном сегменте. 16 лет на рынке. Курсы по всем 3D направлениям. Системный подход. Доступ навсегда. Бесплатная поддержка.
Кто в детстве не мечтал оказаться в волшебном мире Снежной королевы? Когда, затаив дыхание, перелистываешь страницы сказок Андерсена, возникает непреодолимое желание помочь бедному Каю. Сегодня эта мечта может стать реальностью почти для каждого. Для этого нужно отправиться на север Швеции, в деревню Юккасъярви, где находится знаменитый ледяной отель Icehotel. Это уникальное арт-пространство, известное во всем мире, создается каждую осень уже на протяжении двух десятилетий. Материал для его возведения берется из замерзшей реки Турне. Благодаря труду художников, строителей и скульпторов, всего за месяц на ровном месте, к радости туристов, вырастает настоящий ледяной дворец, словно из сказки.
На территории комплекса расположены часовня, ресторан и бар, украшенные ледяными скульптурами. Каждое утро гости посещают сауну, чтобы избежать переохлаждения. Для отдыха на ледяных кроватях необходимы оленья шкура, термобелье и спальный мешок.
1/8
За входными дверями мы обнаруживаем большой коридор, поддерживаемый квадратными колоннами льда, ведущий нас к группе сидений, полностью сделанной изо льда, под люстрой, конечно же, также сделанной изо льда.
От ледяного стола к номерам ледяного отеля тянется коридор. Пройдя по нему, вы увидите новый мир.
Ледяной коридор
У каждой арт-комнаты есть название, и они представлены в широком ассортименте совершенно разных дизайнов. Icehotel ежегодно приглашает всех желающих представить концепцию и проект комнаты.
Эта комната называется «Шестое чувство». Её создала пара российских художников Екатерина и Владимир Барсуковы.
Комната «Шестое чувство» (художники Екатерина и Владимир Барсуковы)
Комната, спроектированная шведом Йоргеном Вестином и австралийцем Дэниелом Розенбаумом. Интересно, каково это — жить в пространстве, напоминающем муравейник?
Комната «Subterranean», спроектированная шведом Йоргеном Вестином и австралийцем Дэниелом Розенбаумом
На вывеске у соседней комнаты написано «Чистая вода», что по сути является просто другим названием слова «лед». Внутри большая группа львиц с львятами – ледяная репродукция вечной сцены из водопоев в африканских сафари-парках. Так мастерски сделано всё, вплоть до пронзительных глаз настороженных матерей.
И, конечно же, вас охраняет Король Лев из «Холодного сердца». Эту комнату создали местные жители Никлас Байман и Анна София Моаг.
Комната «Clear Water» (Никлас Байман и Анна София Моаг)
Тема кошек продолжается в следующей комнате под названием «Логово кошек». Стены здесь украшены изображениями, напоминающими джунгли Северного полюса. Эта работа выполнена канадскими художниками-керамистами Дон Детарандо и Брайаном МакАртуром.
Комната «Логово кошек» (Дон Детарандо и Брайан МакАртур)
Николя Трибоулт и Жан-Мари Гитера утверждают, что их комната «Золотой лёд» — это алхимия.
Комната «Золотой лёд» (Николя Трибоулт и Жан-Мари Гитера)
«Комната костей» Роба Хардинга — это не просто подражание всем грязным гостиничным номерам мира. Здесь всё задумано так, что когда отель растает, ледяные кости из номера будут последними, что сгорят под солнцем. Как кости в могиле.
«Комната костей» Роба Хардинга
Один из коридоров заканчивается этими двумя довольно жуткими окнами. Легко представить, что эти следы от рук оставили зомби, пытавшиеся добраться до нас из бесплодной белой тундры снаружи.
В зале для церемоний царит более жизнерадостная атмосфера. Сюда можно привести друзей, чтобы пожениться или отпраздновать особое событие. Шведский дизайнерский дуэт Kauppi & Kauppi постарался на славу, соединив краткость льда с долговечностью дерева гинкго.
Зал для церемоний (шведский дизайнерский дуэт Kauppi & Kauppi)
Помимо гостиничных номеров, в здании-морозильнике находится большой бар – Icebar. Каждая стойка, стол и стул здесь сделаны из замороженной воды. Бутылки и напитки в Icebar обычные, но, конечно же, их подают в стаканах изо льда. После этого можно разбить стакан о стену, не испытывая ни малейшего угрызения совести.
1/2
Icebar
Амбициозность Лотты Лампы и Джулии Гамборг Нильсен заслуживает восхищения. В комнате создается ощущение сна на дне океана. Кровать окружена множеством застывших медуз и красиво подсвечена.
Комната отеля Icehotel (Лотта Лампа и Джулия Гамборг Нильсен)
Комната «Танцующие в темноте» (Патрик Даллард и Тьяса Гусфорс)
Комната «Полет» (Лаура Маркос и Корали Квинси)
Комната «Вчерашнее завтра» (Корбан Уоррингтон и Даниэль Афонсо)
В коридорах нет тележек. Вместо этого уборщики просто тащат большие мешки с бельём по ледяному полу.
Icehotel напоминает музей, где можно долго любоваться скульптурами и оформлением комнат. Если в вашем списке желаний есть «спать на льду», подкопите денег и дерзайте!
«Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка — одно из самых обсуждаемых произведений эпохи раннего Возрождения. Картина насыщена множеством скрытых символов. Даже спустя века исследователи продолжают спорить о том, кто изображён на полотне и не запечатлел ли художник сам себя.
Искусствоведы не могут однозначно определить, что изображено на картине: свадьба или помолвка в Нидерландах XV века. В то время такие церемонии могли проводиться вне церкви и без участия священника, достаточно было лишь двух свидетелей.
Однако, если это брачная церемония, то жених должен держать левую руку невесты в своей правой. Но на картине всё наоборот. Это может означать, что заключаемый брак является морганатическим, когда женщина отказывается от всех прав на наследство для себя и своих будущих детей. В таком случае положение рук было бы правильным, но взгляд невесты был бы опущен, а не направлен внутрь себя. Кроме того, невеста ли это? У невесты должны быть распущенные волосы, а не собранные на голове и покрытые накидкой.
Портрет четы Арнольфини. Ян ван Эйк, 1434 год
Арнольфини были влиятельной купеческой и банкирской семьёй, у них имелось отделение в Брюгге. Между 9 июля 1523 года и 17 апреля 1524 года в инвентаре Маргариты Австрийской появляется запись о портрете: «…ещё одна очень изысканная картина с двумя створками, где изображены мужчина и женщина, стоящие рядом и держащиеся за руки. Картина выполнена рукой Иоганна. На створках есть герб и девиз покойного Дона Диего, а также имя персонажа — Арнольфин (Arnoult Fin)». Эдвин Холл отмечает, что имя персонажа в разных инвентарях записывалось по-разному, что указывает на его сохранение в устной традиции.
Ключевые символы картины
Свеча. Горящая свеча на люстре над мужчиной может символизировать божественное благословение брака. Этот элемент отсылает к свадебным процессиям, где перед молодоженами традиционно несли горящую свечу, что символизировало присутствие Христа.
Существует и другая трактовка: свеча, горящая только над мужчиной, может быть намёком на то, что портрет супруги Арнольфини посмертен, и она умерла при родах.
Одежда. Джованни Арнольфини одет элегантно, но строго, следуя последним модным тенденциям того времени. Мех в то время был символом богатства, доступным лишь представителям высших слоев общества. Его коричневая бархатная мантия подбита мехом куницы, которая по стоимости уступает только горностаю. Также на нем импортная соломенная итальянская шляпа.
Зеленое платье супруги Джованни (зеленый — символ любви), подбитое беличьим мехом, стало самым узнаваемым произведением в истории искусства. Платье имеет высокую талию и рукава-фестончики. Некоторые утверждают, что на его создание ушло 35 метров ткани — это подтверждают длинный подол и обилие материала, которое героиня держит у живота.
Некоторые исследователи полагают, что её округлый живот не является признаком беременности: рельеф на платье был модным женским капризом XV века.
Обувь. Пара обуви на картине отсылает к библейскому эпизоду, в котором Бог повелевает Моисею снять обувь, поскольку место, где он находится, — святая земля. Этот элемент намекает на то, что пол в комнате символизирует «святую землю» для бракосочетания.
1/2
Фрукты на подоконнике. Апельсины или яблоки, которые в те времена были дорогим удовольствием, могут олицетворять богатство и достаток. Кроме того, яблоки могут служить напоминанием о первородном грехе.
Четки, висящие на стене, символизируют благочестие и супружескую жизнь.
Зеркало. На раме зеркала изображены сцены Страстей Христовых, символизирующие его союз с Церковью, что служит параллелью браку Арнольфини. Внутри зеркала видны отражения двух человек, которые, вероятно, являются свидетелями происходящего.
Метелка, расположенная рядом с кроватью, является атрибутом Святой Марты, покровительницы домашнего очага, а также символизирует чистоту супружеской жизни.
Если предположить, что в будущем состоится свадьба, то можно рассматривать собаку на переднем плане как олицетворение супружеской верности и преданности. Стоит отметить, что эта собака принадлежит к весьма престижной породе — она является предком брюссельского гриффона.
В посте использованы фрагменты видео с ютуб-канала «Семья Жариновых» (Как картины XV века создали современный кинематограф? Евгений Жаринов | Лекция "Картина как фильм")
За последние 14 лет в Москве появились 114 новых станций метро. Некоторые из них были построены с нуля, другие — капитально отремонтированы. Для новых объектов разработали уникальные дизайнерские решения и тщательно подобрали материалы. В 2024 году горожане выбрали самые красивые из этих станций.
В 2023 году открылась станция «Пыхтино» на Солнцевской линии метро. Ее особенность — тоннель с панорамными окнами с одной стороны и глухой стеной с другой. Вдохновением для оформления станции послужила история российской авиации. На стенах изображены самолеты, начиная с первых аэропланов и заканчивая современными моделями. Потолочные светильники выполнены в виде авиатурбин, а над эскалатором размещена модель сверхзвукового самолета Ту-144, создающая иллюзию парения.
В сентябре 2023 года открылась конечная станция Солнцевской линии, которая стала не только самой передовой станцией московского метро, но и важным входом в аэропорт «Внуково». Теперь пассажиры метрополитена могут быстро добраться до терминала аэропорта, не выходя на поверхность, благодаря подземному переходу. Дизайн станции посвящён авиаконструкторам Андрею и Алексею Туполевым и их конструкторскому бюро. В зале можно увидеть мозаику с изображениями самолётов в полёте, которые являются разработками КБ Туполева. На алюминиевых панно наверху размещены портреты известных инженеров-авиаконструкторов. Крылатую тему продолжают треугольные светильники, а оформление станции выполнено в серо-сине-голубых тонах, напоминающих небо.
«Сокольники»
Станция Большой кольцевой линии «Сокольники», открытая в 2023 году, символизирует начало строительства Московского метрополитена. В 1935 году она стала первой вехой в реализации этого грандиозного проекта. Новое сооружение увековечивает труд метростроителей. Оформление зала выполнено в стиле 30-х годов прошлого века. На стенах размещены фрагменты старых плакатов и фотографии строителей метро, полных энтузиазма и оптимизма. Потолок украшен светоотражающими панелями с рисунками в духе Казимира Малевича, Владимира Татлина и других художников-авангардистов и конструктивистов.
«Мичуринский проспект»
Станцию Большой кольцевой линии метро, открытую в 2021 году, возводила китайская компания. В результате оформление станции выдержано в восточном стиле. Основные цвета – красный и белый. Основной декоративный элемент — специальные потолочные конструкции, состоящие из чередующихся панелей. Половина панелей прозрачная, они заключены между листами нержавеющей стали с вырезанными орнаментами в китайском стиле. Эти панели подсвечиваются светодиодами, спрятанными внутри. Другая половина панелей полностью выполнена из стали, на которой нанесён узор с китайскими мотивами.
«Новаторская»
В сентябре 2024 года на Троицкой линии московского метрополитена открылась одна из самых современных станций. Её особенностью являются высокие потолки, которые пассажиры сравнивают с пламенеющим закатом или горящим огнём. Дизайнеры стремились создать атмосферу света, напоминающую о московских окнах. Для этого они использовали ряды прямоугольных панелей из оранжевого и жёлтого стекла, между которыми встроены светильники. Стены станции выполнены в спокойных серых тонах, но на них также присутствуют ярко-оранжевые акценты.
«Электрозаводская»
Станция была открыта в 2020 году. В её дизайне гармонично сочетаются элементы хай-тека с минималистичным подходом и исторические мотивы. На балконе вдоль перрона размещена пешеходная галерея, украшенная круглыми окнами диаметром около трёх метров. В вестибюле потолок выполнен в небесно-синем цвете. Пространство наполнено светом, стеклом и металлическими элементами. Особенностью зала является 163-метровое мозаичное панно на путевой стене, созданное Александром Рукавишниковым, народным художником РФ. На панно изображена «Битва героев», где показаны русские воины в разгар сражения. Изображение нанесено на стекло с помощью цветной печати.
«Косино»
Летом 2019 года на Некрасовской линии открылась эта станция. Вдохновением для оформления её интерьера послужили три Косинских озера. Для создания иллюзии бликующей воды был установлен глянцевый потолок из перфорированных пластин. Одним из декоративных элементов стало потолочное панно с летящими птицами. Стены облицованы натуральным кремовым и желтоватым мрамором. Колонны закрыты панелями из окрашенного алюминия с зеркальным эффектом, выполненным в цвете «бриллиантово-шампанский металлик». Пол станции выполнен из серого гранита.
«Окская»
Станция, открытая в 2020 году на Некрасовской линии, носит имя Окской улицы, которая, в свою очередь, названа в честь реки Оки. В дизайне станции прослеживается водная тематика. Архитекторы использовали синие оттенки, которые гармонично сочетаются с серым и черным цветами. Центральной темой оформления стали круги на воде. Об этом напоминают потолочные светильники — кольца разных размеров, выполненные из светодиодов. Самый крупный светящийся круг достигает почти пяти метров в диаметре. Эти конструкции установлены на алюминиевом потолке с темно-синим покрытием, имитирующим движение водной глади. Стены, выполненные в светло-сером цвете из керамогранита, и пол из гранита того же оттенка дополняют общую картину.
«Рижская»
На Большой кольцевой линии эта станция считается одной из самых современных в Москве. Ее открытие состоялось в марте 2023 года. Станция воплощает в себе дизайнерский проект, который был выбран по итогам международного конкурса. Победителем конкурса стало архитектурное бюро Blank Architects. Одной из уникальных особенностей станции являются 16 четырехметровых арок, изготовленных из нержавеющей стали и украшенных встроенной подсветкой. У входа также расположена арка с часами. Оформление станции выдержано в минималистичном стиле: путевые стены и своды оставлены без облицовки, что позволяет пассажирам видеть грубые чугунные конструкции метротоннеля.
В декабре 2021 года на юго-западе Большой кольцевой линии метро была открыта новая станция. Ее интерьер отличается лаконичностью и уютной атмосферой. В оформлении преобладают плавные округлые линии и приглушенные естественные цвета. Главная тема дизайна станции — морская.
Потолок, выполненный из деревянных реек, напоминает волны или барханы. На нем расположены небольшие подвесные светильники, создающие эффект звездного неба. Пол станции покрыт полированным серым гранитом. Массивные колонны, также выполненные из гранита, имеют четырехгранную форму и черно-коричневый цвет.
В 1930-х годах в Москве начались масштабные проекты, которые существенно изменили облик столицы, и на это были причины.
Власти стремились расширить и выровнять дороги в центре города, чтобы справиться с увеличивающимся потоком транспорта. Улицу Горького (ныне Тверская) расширили на 40–60 метров. Здания, выходящие за красную линию, либо сносили, либо перемещали вглубь квартала, если они не соответствовали архитектурному ансамблю. Это позволило сохранить жилищный фонд и избежать массового переселения людей.
Другой причиной стала необходимость сохранения архитектурных памятников. В зону реконструкции попали многие исторические здания, возведённые в XVIII–XIX веках. Их снос привёл бы к утрате ценных объектов, являющихся частью культурного наследия. Передвижка зданий стала компромиссным решением между развитием города и сохранением его истории.
Технология перемещения
Способ не сносить, а передвигать дома в Советском Союзе предложил использовать инженер Эммануил Гендель. Он стал главным инженером «Треста по передвижке и разборке зданий». Основной принцип Генделя заключался в том, чтобы перенести здание целиком, не нарушая его конструкции и не поднимая его на домкраты, как это в то время делали в США.
На подготовку тратили несколько месяцев, на операцию перемещения — несколько дней. Процесс происходил аккуратно и медленно: здание двигалось со скоростью около 10 метров в час, чтобы не допустить повреждений.
Здания не только сдвигали целиком по прямой, но и разделяли на части и разворачивали. Для этого рельсы монтировали радиально относительно центра вращения постройки.
Процесс перемещения домов включал укрепление металлическими рамами, установку на катки, прокладку рельсов и медленное перемещение с помощью электролебёдок. Это было сложной задачей, требующей строительства нового фундамента, выравнивания дороги, подведения рельсов и балок, а также поддержания работы коммуникаций. Во время передвижения в доме был свет и вода, работали канализация и телефон — он оставался подключённым к основным городским сетям гибкими шлангами и длинными проводами. Жильцов при этом не выселяли, для входа и выхода из дома настилали деревянные мостки. Известными примерами таких перемещений являются Саввинское подворье, здание Моссовета и Московская глазная больница.
Здание на Горького, д. 24 (сейчас это ул. Тверская, д. 6) в 1938 году передвинули на 50 метров вглубь квартала. На его месте возвели жилую сталинку. Постройка в неорусском стиле с элементами барокко и модерна оказалась самой тяжёлой из передвинутых в мире — 23 000 тонн. На подготовку к передвижке ушло около 6 месяцев. С помощью 36 рельсовых путей и 2,1 тыс. катков её переместили за трое суток.
1/3
Передвижка Саввинского подворья
Московская глазная больница
В мае 1940 года здание Московской глазной больницы, весившее 13 000 тонн, было не только перемещено с улицы Горького, но и повёрнуто на 97 градусов, чтобы фасад оказался обращённым в переулок, а затем поднято на цокольный этаж. Во время этого сложного процесса врачи продолжали проводить операции и оказывать медицинскую помощь пациентам. Сегодня клиника расположена по адресу Мамоновский переулок, дом 7, и продолжает принимать пациентов.
1/2
Московская глазная больница перед переносом в Мамоновский переулок и в наши дни
1/2
Передвижка Московской глазной больницы
Моссовет
Перемещение здания на улице Горького, дом 13 оказалось непростой задачей. Бывший генерал-губернаторский дворец имел сложную архитектурную конструкцию, включая просторный бальный зал на первом этаже без несущих опор и подвал с важными документами. Однако строение выступало за красную линию улицы на 14 метров, что требовало его переноса.
1/3
Передвижка здания Моссовета
Для осуществления перемещения был вырыт глубокий котлован, и фундамент здания срезали на глубине 4 метров. Весь процесс занял всего 41 минуту, что стало мировым рекордом. В ходе перемещения на стенах здания появились трещины, которые впоследствии были укреплены металлическими колоннами.
В настоящее время в этом здании располагается мэрия Москвы.
С конца XX века практика перемещения зданий в столице практически прекратилась. Передвижка дома требует около полугода, что неприемлемо для расширения дорог. Быстрее снести постройку и возвести новое на освободившемся месте. В XX веке в Москве переезд зданий был обусловлен необходимостью расширения улиц, строительства новых магистралей и развития инфраструктуры, при этом сохранение исторических зданий было приоритетом.
История архитектурных стилей охватывает множество направлений. Некоторые из них развивались последовательно, в то время как другие формировались параллельно. Рассмотрим основные архитектурные стили в хронологическом порядке их появления в истории.
Романский стиль возник в Западной Европе в XI–XII веках и также известен как нормандский. В этот период были распространены замки-цитадели, отличавшиеся массивностью и неброскими силуэтами. Эти сооружения выполняли функцию защитных крепостей, что отражалось в их лаконичном экстерьере без декора, окнах-бойницах, апсидах, арках и башнях с куполами. Хотя современные романские особняки и не напоминают эти тривиальные крепости, основные принципы романского стиля сохранились. В частности, использование массивных блоков и громоздких ворот, создающих ощущение защищенности и неприступности.
Романский стиль. Базилика Святого Серватия (Нидерланды, 11 век)
Готика
Готический стиль, который ассоциируется с эпохой рыцарей и рыцарских турниров, впервые возник во Франции в середине XII века. Его формирование происходило под значительным влиянием церкви, что заметно отразилось на архитектуре зданий. Одной из главных черт готики стала вертикальная направленность. Здания этого стиля отличаются «вытянутостью», стрельчатыми сводами, высокими арками и башенными шпилями, устремленными в небо. Для украшения стен применялась резьба, а окна были высокими и часто витражными. В России примерами современной готики являются храм Александра Невского в Санкт-Петербурге и Римско-католический Кафедральный собор в Москве.
В современной архитектуре также можно встретить элементы готики, такие как веерные своды, арки, кессонные потолки, витражи, сочетание камня и дерева, а также использование желтых и коричневых оттенков.
1/2
Готика. Кёльнский собор
Эпоха Ренессанса
Эпоха Возрождения, или Ренессанс, зародилась в Италии в XV веке. В архитектуре Ренессанса ключевыми композиционными принципами стали симметрия, пропорции и переход от резких углов к более плавным, полуовальным формам. В этот период появились эдикулы и сферические купола, что позволило вновь обратиться к античным формам, хотя влияние романского и готического стилей также оставалось заметным.
1/2
Эпоха Ренессанса. Темпьетто (Рим)
Барокко
Стиль барокко, возникший на основе элементов архитектуры Ренессанса, характеризуется использованием величественных колоннад и куполов, напоминающих груши. Одной из ключевых особенностей барочных домов стала техника Тромплей, которая создавала иллюзорные изображения на стенах и потолках, стирающие границы между живописью и реальностью. Важными элементами дворцов также являлись парадные лестницы, богатый декор и витые колонны.
Современная архитектура, вдохновленная барокко, сохраняет многие черты этого стиля. Частные дома, выполненные в стиле барокко, отличаются:
повторением одинаковых элементов на фасаде;
вниманием к деталям;
использованием ярких цветов и позолоты в декоре;
игрой света и тени;
3D-живописью, создающей эффект объема благодаря росписи стен и потолков;
наличием витых колонн и фресок.
1/2
Барокко. Собор в Сантьяго-де-Компостела
Рококо
В истории архитектурных стилей обычно указывается, что барокко предшествовало рококо. Однако на самом деле последний возник как ответ на симметричность и строгость классицизма. Рококо характеризуется плавными линиями, детализированными и витиеватыми узорами, а также использованием пастельных тонов. Пышные анфилады помещений уступили место более рациональному подходу к планировке внутренних пространств. Теперь внимание уделялось не столько размеру комнат, сколько их декору и уникальным орнаментам. Один из таких орнаментов — «рокайль», который напоминает раковину моллюска, украшенную камнями и растениями. В интерьерах рококо часто применялись картуши (лепные украшения со «свернутыми» углами) и большие зеркала.
1/2
Рококо. Большой Екатерининский дворец (Санкт-Петербург)
Классицизм
Архитектурное направление XVII-XVIII веков, вобравшее в себя эстетические принципы античности и архитектуру Римской империи, сыграло ключевую роль в мировой культуре. Классицизм отличается простотой форм и одновременно помпезностью. Симметрия является важной характеристикой зданий этого периода. Колонны, окна и купола проектировались с соблюдением строгих пропорций и орнаментов. Эстетика классицизма вдохновляла на амбициозные градостроительные проекты, что привело к созданию множества современных архитектурных памятников. Интересно, что каноничность и четкость форм классицизма нашли отражение в других архитектурных стилях, таких как:
георгианская архитектура;
бидермейер;
федеральная архитектура;
ампир;
палладианизм.
Последний стиль получил особое распространение как в странах Западной Европы, так и в России.
1/2
Классицизм. Казанский кафедральный собор (Санкт-Петербург)
Ампир
Ампир достиг расцвета во времена правления Наполеона. Его придворные архитекторы, Пьер Фонтен и Шарль Персье, активно продвигали этот стиль. Несмотря на то, что ампир имел общие черты с классикой, он со временем приобрел уникальные особенности. Например, ампир отличался контрастными цветами, четкими линиями и обилием позолоты. На стенах домов часто можно было увидеть орнаменты с военной символикой, такие как щиты, мечи и копья. В декоре присутствовали мотивы Древнего Рима и Египта, что выражалось в облицовке разноцветным камнем, обильном использовании декора и монументальности. Вместо традиционных портиков в зданиях появились более просторные лоджии.
Ампир. Арка на площади Каррузель (Париж)
Романтизм
Эпоха Просвещения породила новое архитектурное направление — романтизм. В этот период началось переосмысление архитектурного наследия прошлого. В моду вернулись элементы романского стиля и готики. Впервые в строительстве начали использовать металл. Для создания декоративных элементов чаще всего применяли сталь, железо и чугун. Востребованными оставались мотивы восточных культур. Вновь появились узкие окна-бойницы, апсиды и асимметричные куполообразные башни. Романтизм провозглашал свободу самовыражения и частной жизни, что нашло отражение в архитектуре. Во дворах особняков стали популярны китайские и японские сады, которые дополняли восточный декор зданий.
Романтизм. Замок Нойшванштайн (Германия)
Архитектурные стили модерна: Ар Нуво и Ар Деко
В 1860-е годы на Западе возник новый архитектурный стиль — модерн. Это изысканное направление, вдохновленное художниками того времени, привнесло свежие краски в архитектурные проекты. В рамках модерна выделяются два ярко выраженных направления: Ар Нуво и Ар Деко
Ар Нуво
Стиль Ар Нуво был основан Уильямом Моррисом, лидером движения «Артс энд Крафт», и художниками-прерафаэлитами. Он черпал вдохновение из природы, что отражалось в использовании цветочных орнаментов, изображений животных и птиц. Основными характеристиками стиля были мягкие, плавные линии и формы. Часто на орнаментах можно было увидеть силуэты женщин и элементы, вдохновленные неоклассицизмом.
Ар Нуво. Дом компании «Зингер» (Санкт-Петербург)
Ар Деко
Ар Деко, пришедший на смену Ар Нуво в начале XX века, кардинально отличался от своего предшественника. Он отказался от мягкости и легкости неоклассицизма в пользу более резких линий и угловатых орнаментов. В этом стиле активно использовались этнографические мотивы. Главными акцентами были визуальная роскошь и элегантность, которых добивались благодаря строгой симметрии и пастельным тонам, а также применению дорогих материалов. В строительстве зданий Ар Деко предпочтение отдавалось редким породам дерева, серебру, алюминию и слоновой кости.
1/3
Ар Деко. Здание American Radiator Building (Нью-Йорк)
Конструктивизм
С развитием модерна произошел переход от стремления к роскоши и внешней красоте к акценту на функциональность и удобство. В результате этого появился новый архитектурный стиль. Конструктивизм отличался использованием простых материалов, таких как бетон и стекло, а также лаконичными и строгими линиями и формами. Основное внимание уделялось расположению помещений, которые должны были быть хорошо освещены естественным светом и иметь достаточно свободного пространства. При этом большие помещения стали встречаться реже: размеры комнат должны были соответствовать их назначению. Декора в домах стало значительно меньше, а художественная выразительность достигалась за счет использования форм и материалов, а не пышного украшения.
Конструктивизм. Здание газеты «Известия» (Москва)
Архитектурный стиль модернизма
К середине XX века идеи модерна и конструктивизма объединились, что привело к возникновению нового архитектурного стиля — модернизма. Его основные черты включают:
использование новых подходов к формам и конструкциям;
тщательный анализ функций зданий;
рациональное и экономное применение строительных материалов;
отказ от декора и орнаментов в пользу минимализма;
открытость к экспериментам и новым веяниям в архитектуре.
В зданиях, выполненных в стиле модернизма, начали преобладать цилиндрические формы, асимметрия, плоские крыши, железобетонные конструкции и большие окна. Декоративные элементы практически исчезли, а поверхности изготавливались из стекла и металла.
Архитектурный стиль модернизма. Королевский национальный театр (Лондон)
Архитектурные стили постмодернизма
Постмодернизм достиг своего расцвета в 80-е годы. В условиях резкого отхода от классических архитектурных традиций, который наблюдался на протяжении всего XX века, возникла необходимость в разработке новых форм и идей для гармонизации архитектурного пространства. Эти стремления нашли свое выражение в работах архитекторов-постмодернистов. Здания вновь обрели декор: на их стенах появились росписи и барельефы, которые поддерживали классические мотивы. Также активно использовались новые конструкции, материалы, формы и яркие цветовые решения. В конце 90-х годов постмодернизм разделился на несколько направлений, среди которых выделяются хай-тек и деконструктивизм.
Хай-тек в архитектуре
Хай-тек, что переводится с английского как «высокие технологии», начал формироваться в 70-е годы на фоне стремительного развития промышленности. Пик популярности этого стиля пришелся на эпоху постмодернизма. В основе хай-тека лежит предпочтение легких и чистых материалов тяжелым, использование стали и непроницаемых поверхностей, часто стеклянных. Стиль отличается гибкостью и широкими возможностями для современных дизайнерских решений, что объясняет его актуальность и по сей день.
Хай-тек. Башня Ллойда (Лондон). Архитектор Ричард Роджерс
Деконструктивизм
Деконструктивизм представляет собой радикальный подход к архитектуре, где свобода формы достигает гиперболизированных масштабов. Здания, выполненные в этом стиле, одновременно завораживают и вызывают чувство тревоги, словно они «надломлены». Это смелый вызов модернизму и шаг к инновациям в архитектуре. Хотя деконструктивизм и не получил широкого распространения в строительстве, его отличительные черты, такие как фрагментация и манипуляция поверхностями, делают каждое здание настоящим произведением искусства.
Деконструктивизм. Центр Лечения Заболеваний Головного Мозга имени Лу Руво
Органическая архитектура
Органическая, или «зеленая» архитектура, ставит своей целью минимальное воздействие на окружающую среду. В ней используются только безопасные и экологически чистые материалы и технологии. Проекты таких домов разрабатываются с учетом долгосрочной перспективы, включая планирование эксплуатации и даже разрушения здания, чтобы минимизировать вред природе. Термин «органическая архитектура» впервые ввел архитектор Фрэнк Ллойд Райт. Современные архитекторы, следующие его принципам, стремятся гармонично сочетать пожелания клиентов с особенностями окружающей среды.
1/2
Органическая архитектура. «Дом над водопадом» (1936—1939). Архитектор Фрэнк Ллойд Райт
Параметризм
Параметризм – это архитектурный стиль, который создаёт футуристические здания, одинаково впечатляющие как на фотографиях, так и в реальной жизни. Его также называют алгоритмической архитектурой, поскольку его развитие стало возможным благодаря мощным компьютерам и специализированным программам. Этот стиль появился сравнительно недавно и получил своё определение в 2008 году благодаря архитектору Патрику Шумахеру. В своей статье о параметризме Шумахер выделил ключевые особенности стиля, такие как отказ от традиционной геометрии в пользу принципов тесселяции (как у пчелиных сот) и сплайнов (для моделирования 3D-объектов). К середине 2010-х годов параметризм стал одним из ведущих направлений в архитектуре, конкурируя в основном с направлением BLOB.
Параметризм. Центр Гейдара Алиева (Баку)
Архитектура будущего: блобитектура
Блобитектура, или архитектура «капель», все еще находится в стадии формирования, но уже уверенно занимает свое место среди современных архитектурных направлений. Название этого стиля объединяет два английских термина: b.l.o.b (электронное блоб-проектирование) и слово blob, что означает «капля». Здания в этом стиле напоминают капли или кляксы, их конструкции текучи и размыты, формы плавно перетекают друг в друга, создавая единый, неповторимый облик.
Многие из современных объектов, выполненных в этом стиле, превосходят конструктивные возможности своего времени, демонстрируя инновационные подходы к проектированию.
1/3
Архитектура будущего: блобитектура. Selfridges Building — здание в Бирмингеме (Англия), часть торгового центра Bullring, в котором находится универмаг Selfridges.
Шизофрения — это серьезное психическое заболевание, которое характеризуется бредовыми идеями и галлюцинациями. Однако среди людей, страдающих этим недугом, встречаются и гении. Специалисты утверждают, что именно болезнь могла способствовать их гениальности.
Изучение и анализ художественных работ душевнобольных позволяет увидеть попытки создания порядка и системы хотя бы в рисунках. Возможно, поэтому рисование часто действует на них успокаивающе. Для творчества больных шизофренией характерны стереотипия, склонность к симметрии (орнаментализм), сочетание несовместимых идей, схематизм, неологизмы, незаконченность произведений. Их рисунки очень яркие и декоративные. Часто присутствует весьма сложная символика, иногда понятная только художнику.
Миф о том, что психические заболевания часто становятся «даром» для творческих и гениальных людей, лишь усиливает романтизацию ментальных расстройств. Безусловно, психические недуги и связанные с ними эмоции могут стать источником вдохновения и темой для художественных произведений.
Шизофреник Зироу
Всё, что можно узнать об этом художнике, умещается в три коротких предложения: «Меня зовут Zero. Я живу с шизофренией. Это мои демоны».
1/3
Картины Шизофреника Зироу
Дэвид Дьюирдт
Если вглядываться в картины Дэвида Дьюирдта, иной раз кажется, что перед нами чьи-то кошмарные видения, вдруг застывшие в акриле и чернилах. Хотя художник уже десятилетиями пишет свои картины, публиковать работы он начал совсем недавно. Именно в выражении собственных страхов и кошмаров Дэвид находит источник вдохновения для своих картин. Это его способ изгнания всех своих внутренних демонов, которые приобретают чудовищные формы и которые так сильно напоминают тех, кто населяет нас.
1/4
Картины Дэвида Дьюирдта
Последние два десятилетия Дьюирдт провел, помогая людям с ограниченными возможностями, поведенческими расстройствами и расстройствами аутического спектра. «Сквозь изображения тел я показываю психологические муки наших умов. Я долгое время работал с людьми с психическими заболеваниями и хочу, чтобы наше общество имело другое отношение к таким людям».
Мартин Рамирес
Мартин Рамирес родился и вырос в мексиканском городе Лос-Альтос-де-Халиско. В 1925 году в поисках работы, которая могла бы содержать его семью, оставшуюся в Мексике, он был вынужден переехать в США. Вскоре после этого Мартин оказался в психиатрической больнице Stockton State Hospital. Там ему поставили диагноз «кататоническая шизофрения», и он провёл вторую половину своей жизни в различных психиатрических учреждениях. На протяжении следующих 32 лет Мартин практически не разговаривал.
1/4
Картины Мартина Рамиреса
В начале 1950-х годов Тармо Пасто, специалист по психологии и искусству, обратил внимание на работы Рамиреса. Пасто оценил его художественный талант и начал изучать связь между психическим расстройством и творчеством. Он также стал снабжать Рамиреса материалами, собирать его рисунки и организовывать выставки.
Адольф Вёрфли
В Музее Ар брют в Лозанне можно увидеть произведения одного из самых известных художников-брютов — швейцарца Адольфа Вёльфли (1864–1930). В 1895 году ему был поставлен диагноз шизофрения, после чего он был помещён в психиатрическую клинику в Берне.
1/4
Картины Адольфа Вёрфли
За свою жизнь Вёльфли создал более 30 000 рисунков и картин, которые отличаются высокой степенью детализации и геометрической точностью. На сегодняшний день его работы оцениваются в сотни тысяч долларов.
Музей Гуггинга. Австрия
Во времена социал-национализма психиатрическая клиника в Мария Гуггинг под Веной превратилась в лагерь смерти, все ее пациенты были уничтожены как «неспособные приносить пользу обществу», и после войны клинику пришлось восстанавливать заново.
В 1954 году психиатр Лео Навратил стал использовать рисунки пациентов в целях диагностики заболеваний, что стало результатом его общения с французским художником Жаном Дюбюффе, собиравшим картины, исполненные душевнобольными и художниками-примитивистами. Этому виду искусства он присвоил название «арт-брют» (грубое искусство). По его мнению, именно такое искусство, лишенное налета стереотипов, несет спонтанный характер и не зависит от культурных шаблонов, а значит, оно самое честное. Этот контакт между художником и психиатром в конечном итоге (1970) привел к организации выставки-продажи художников-пациентов лечебницы, которых стали называть «арт-аутсайдерами», в одной из крупных венских художественных галерей.
Картины «арт-аутсайдеров» в музее Гуггинга (Австрия)
Юлиус Клингебиль
Только чрезвычайно малое количество душевнобольных, запертых в четырех стенах на всю оставшуюся жизнь, смогли самовыразиться через искусство и оставить после себя значительное художественное наследие. К их числу относится Юлиус Клингебиль. Размышляя над его историей и разглядывая его произведения, поражаешься, сколько всего заключено в человеке.
Юлиус Клингебиль (1904-1965) начал рисовать во время своего пребывания в психиатрической клинике в Гёттингене. С 1951 по 1961 год он расписывал стены своей комнаты.
1/6
Больничная палата Юлиуса Клингебеля
Первая половина жизни Юлиуса Клингебиля выглядела обычно. Он вырос в семье почтового служащего, получил образование слесаря, отслужил в армии, женился. Но в семье он проявлял себя жестоким, неуравновешенным. Его агрессия принимала все более опасные формы. Однажды во время ссоры он задушил своего пасынка и угрожал убийством жене. Его арестовали и в 1939 году признали общественно опасным психическим больным с диагнозом параноидальная шизофрения. Хотя он считался неизлечимым психическим больным, ему удалось каким-то образом пережить нацистскую программу по физическому уничтожению людей с психическими расстройствами, умственно отсталых и наследственно отягощённых больных.
Про его художественное образование ничего неизвестно. В 1951 году он начал процарапывать рисунки на стенах своей камеры. Поскольку при этой деятельности он становился намного спокойнее, ему дали краски. До 1963 года он трудился над стенами своей камеры, пока они не были полностью покрыты изображениями в несколько слоев. Это были пейзажи, изображения животных и людей, политические и исторические символы. За неимением места он вынужден был рисовать поверх готовых изображений. Клингебиль рисовал также отдельные картины на бумаге, 18 из них сохранились до наших дней.
Сейчас бывшая камера Клингебиля отнесена к охраняемому культурному наследию.
До 2016 года здание использовалось по назначению, там размещались пациенты, поэтому камера Клингебиля была закрыта для свободного посещения. Общественность и Спренгель-Музей в Ганновере борются за то, чтобы камера Клингебиля, роспись которой имеет мировое культурное значение, стала музеем со свободным доступом для посетителей.
Луис Маркуссен (Овартачи)
В датском музее Ovartaci хранится одна из самых крупных в Европе коллекций работ душевнобольных художников. Музей находится на территории психиатрической клиники Аархус и назван в честь одного из пациентов, Луиса Маркуссена, более известного как Овартачи. Он умер в возрасте 91 года, 56 он провел в психиатрической лечебнице и, в отличие от большинства аутсайдеров, был не самоучкой, а профессиональным художником-оформителем. Овартачи был бесспорно талантливым и плодовитым художником, а в поклонниках у него числился сам Жан Дюбюффе.
1/9
Работы художника Луиса Маркуссена (Овартачи)
Своим примером он полностью разрушил стереотип о том, что в подобных заведениях люди не живут, а лишь влачат жалкое существование. Овартачи имел отдельную комфортабельную комнату и ряд привилегий: например, ему разрешалось кататься на велосипеде и даже выезжать на «экскурсии» в большой мир. Разумеется, не без сопровождающих.
1/4
Работы художников в музее Овартачи
Датский музей Ovartaci обладает наибольшей коллекцией работ художников с психопатологией в Европе. Это не просто творчество психически нездоровых людей, а талантливых художников, творивших вопреки болезни.
Яёи Кусама
Поразительно, но Яёи Кусама, женщина, посвятившая более 40 лет своей жизни добровольному пребыванию в психиатрической клинике, стала одной из самых известных и дорогих художниц современности. Её работы украшают лучшие выставки мира, а цены на картины достигают нескольких миллионов долларов. Каждый день Кусама покидает стены клиники, чтобы продолжить творить. Её персональные выставки вызывают огромный интерес, и билеты раскупаются заранее, чтобы избежать толп посетителей. Даже такие крупные бренды, как Louis Vuitton, обратились к ней с просьбой оформить витрину одного из своих бутиков.
Рисунок является одним из сильных средств, при помощи которого можно полнее исследовать душевное состояние ребёнка. В произведениях искусства больных шизофренией наблюдается стереотипия, застывший аффект, аутизм, нереальный сюжет, разрозненные изображения частей: руки отдельно от корпуса, глаза вне головы, окна вне стен дома.
Важно не что больной рисует, а манера изображения: своеобразие штриха, фактуры, масштаб, особенности линий, форм и композиций. Обращают внимание на аккуратность, законченность работы, эстетическое чувство, величину предметов, цвет и форму.
Рисунок Олега «Папа, мама и я» (7 лет)
Рисование является способом установления контакта с детьми, которые замкнуты и молчаливы. В рисунках ребёнок может ненамеренно отразить свои фантазии, влечения, страхи, которые он не может высказать.
Некоторые больные никогда не рисовали обычных детских рисунков. У них всегда была своеобразная тематика: планы шоссейных дорог, схема городов, пути на Марс, остров Пасхи, вымышленный океан, лампочки, электросхемы, нервные окончания, гланды, микробы.
Рисунки детей, больных шизофренией, отличаются диспропорцией: малые головы, огромные руки, нос, рот, может быть много лишних пальцев, рисунок часто остается незавершенным.
Рисунок «Девочки зимой»
Рисунок называется «Девочки зимой», а все они, за исключением первой слева, одеты по-летнему.
В центре фигура «девочки», по размерам значительно превышающая остальных (огромная голова, чрезмерно длинные трехпалые руки). Больная назвала эту фигуру «страшной, плохой девочкой». Она вытянула вперед руки, чтобы напугать других детей, которые играют «в больницу». А большая девочка сама не знает, как играть, и всех прогоняет. Вторая фигура слева очень вытянутая, опирается на носки и напоминает собой длинную круглую палку, верхний конец которой заканчивается головой в виде символа смерти.
Рисунок Алеши К. (7 лет 9 месяцев)
На передний план выдвинута труба (справа). Она необычных размеров, почти такая же, как все здание, закрывает солнце. Ей уделено много внимания. Мальчик долго рисовал трубу, разделял ее на мельчайшие фрагменты, с увлечением говорил: «Как много из нее выйдет дыма! Труба и дым заслонят солнце!», радовался этому. Детей, катающихся на льду (внизу), трудно различить.
Здоровые дети обычно стремятся показать зрителю людей, выдвигают их на передний план. Они рады сиянию солнца и не заслоняют его другими предметами.
Рисунок Сережи Г. (7 лет)
Представлены изолированные ноги в сапогах, символическая голова, а туловище и руки отсутствуют. Здоровые дети рисуют оружие в руках человека. Здесь же пистолет представлен изолированно и к тому же стреляет. На этом же листе бумаги слева изображен без существенных дефектов кавалерист с саблей и крестом.
Рисунок Алёши К. «Узор на ковре» (7 лет 9 месяцев)
Слева видно наслоение четырех фигур людей, объединенных одной головой. Рядом несколько ракет, спутников, перечеркнутых, наслаивающихся друг на друга. В центре внизу уродливая фигура головонога с огромными ушами. Справа внизу у человека настолько огромные черные уши, что вся фигура имеет форму бабочки. Справа символическая фигура человека. Весь рисунок больной назвал «Узор на ковре». В действительности же это хаотическая смесь уродливых, незавершенных, символических фигур и предметов. Подобные рисунки наиболее типичны для страдающих шизофренией.
Изображение живых существ спиной к зрителю
Изображение живых существ спиной к зрителю. Технически рисунок выполнен хорошо. Ясно, что девочка намеренно повернула животных и двоих детей спиной к зрителю. Такие рисунки выражают отчужденность от окружающего мира.
Уплотнение рисунка (боязнь «пустого пространства») — тесное заполнение межконтурных пространств или всей площади листа бумаги различными фигурами и орнаментом. Уплотнение часто сочетается с наслоением и нагромождением. Подобные рисунки считаются характерными для шизофрении. Больные отражают в них внутреннее беспокойство.
Рисунок Володи Ш. (7 лет)
Володя испытывает тревогу, страх, говорит, что боится умереть, громко выкрикивает: «Убивают! Убивают!». В рисунках отражается тематика загробного мира: «Человек в гробу», «Человек, засыпанный землей, в могиле». Рисунки выполнял черным карандашом с резким нажимом, все густо раскрашивал, «чтобы не видеть мертвецов.
Рисунок Димы «Дед укусил ёлку» (7 лет)
Вначале больной нарисовал ёлку с шариками, затем в левом верхнем углу изобразил мальчика, правее от него в виде двух больших кругов — «деда», который «укусил» ёлку. Из ёлки «идёт кровь». Штриховка на рисунке, по словам больного, обозначает «льющуюся кровь».
Рисунок Павлика Н. (6 лет). Мальчик отразил страх мытья в рисунке
У Павлика наблюдалось вялое течение шизофрении. В 2 года 5 месяцев изменилась речь. Мальчик стал называть себя во втором и третьем лице, растягивал слова, заикался. В 3 года появился страх мытья. Позднее в стационаре каждый раз, как наступал банный день, и даже когда больной проходил мимо ванной комнаты, он испытывал страх. Особенно боялся мыть голову. Кричал, плакал, успокаивал себя, приговаривал: «Не бойся, Павлуня, не бойся мыться».
Рисунок Кирилла (6 лет)
Кирилл поступил в стационар с жалобами на странности в поведении. Рисованием увлекается с 5 лет. Одно время рисовал «теть» в виде жучков, которых очень боялся. Говорил, что «они выползают в темноте, подкарауливают людей, глотают их. Другие — круглые жучки спускаются с неба и сажают людей под кувалду». Затем стал интересоваться книгой «Памятники Подмосковья». Требовал, чтобы его водили в Кремль, по церквям. Больной был молчаливым, угрюмым, ни с кем не общался, держался в стороне от детей. Говорил: «Чем так жить, лучше умереть». Не переносил шума.
Рисунок Алеши Л. (7 лет)
В возрасте 6 лет стал говорить, что «видит чудо: из стен выходят огромные зеленые чудовища». Он пугался их, кричал, просил мать обнять его покрепче. На уговоры отвечал, что эти чудовища проходят сквозь мать. Однажды сказал: «Мама, они меня зовут». В стационаре рассказал, что одни чудовища появляются при мыслях о них, а другие — сами собой. Их становилось в комнате очень много, все они разные и сделаны как «из тумана», чаще всего красного, зеленого, коричневого цвета. Чудовища можно было пройти насквозь или они «проходили» сквозь человека. В некоторых случаях они были лохматые с горящими глазами, появляясь то изолированно, то вместе с огромной гусеницей и бабой-Ягой в ступе.
Рисунок Виталика (7 лет). Мальчик по просьбе врачей нарисовал свою галлюцинацию — «руку»
В возрасте 6 лет у Виталика нарушился сон. Мальчик часто просыпался среди ночи, требовал зажечь свет, больной стал беспокойным, кричал, бил детей, меньше общался с ними.
В деревне у бабушки возобновились ночные страхи. По ночам больной кричал: «Бабушка, там рука!» С ужасом смотрел на окно, не успокаивался, несмотря на уговоры, один не мог спать. Утром рассказывал, как ночью в окно лезла страшная черная рука; казалось, что она хочет задушить его.
Затем вновь увидел руку в коридоре квартиры на стене. Галлюцинации отличались большой чувственностью, яркостью.
Мальчик по просьбе врачей нарисовал свою галлюцинацию — «руку». Сообщил, что видел ее до локтевого сустава. Рука всегда была черная, страшная, пальцы необычные, каждый своеобразной формы, разного цвета: большой палец светло-коричневый, указательный — синий, средний — красный, безымянный — черный с желтым ногтем, мизинец — темно-коричневый.
Рисунок Наташи М. (8 лет)
Наташа при обследовании была растеряна, что-то отгоняла от себя, просила освободить ее от «плохой» девочки. Рассказывала о «невидимках», настолько маленьких, что увидеть их может только внимательный человек или через микроскоп. Раздражалась, когда ее невнимательно слушали. И охотно комментировала свое творчество. На всех рисунках изображала исключительно «невидимок»: «Невидимки уезжают на дачу», «Бал у невидимок», «Невидимки идут на работу».
Больная много фантазировала по поводу невидимок, поэтому вначале было трудно определить, что это: фантазии или галлюцинации. Но позже она сообщила педагогу, что «слышит» голоса, исходящие от маленьких человечков, живущих в камушках. На прогулке девочка брала и подносила к уху небольшие камни, из которых, по ее словам, слышались голоса. Невидимки поучали больную: «Вести себя нужно хорошо, всегда рисовать. Необходимо делать какие-нибудь «секреты»: часики, колечки из цветов или бумаги. Должна думать о красивых вещах и писать интересные истории».
Рисование является одной из форм трудотерапии и психотерапии. Такая работа успокаивает и отвлекает от навязчивых мыслей и действий, страхов и агрессии, фантазий и других болезненных переживаний. Даже самый маленький ребёнок, когда выводит каракули, радуется, потому что создает их сам.
В раннем возрасте ни одно человеческое занятие не открывает столько радости и простора для фантазий, сколько рисование. Ребёнок с красками в руках свободен, как гений!
Линогравюра — это гравюра, где художник вырезает изображение на линолеуме, оставляя выпуклые участки, которые затем покрываются краской и отпечатываются на бумаге.
В технике линогравюры работали многие известные художники, как классики, так и современные, включая Анри Матисса, Пабло Пикассо, Маурица Корнелиса Эшера, а также русских художников: Ивана Павлова, Бориса Кустодиева, Владимира Фаворского и Спартака Глушкова.
Сегодня, в честь 100-летия со дня рождения, хотелось бы вспомнить ярославского художника Спартака Глушкова.
Спартак Александрович Глушков (1925-1994) был одним из самых ярких художников Ярославля. Начав творческий путь как тонкий и вдохновенный живописец, Глушков впоследствии обратился к печатной графике, в первую очередь, к линогравюре. Многие его работы, выполненные в этой технике, тогда приобрели широкую всесоюзную известность.
Спартак Александрович Глушков со своей работой «Метелица» (1979)
Спартак Глушков относился к художникам, которые никогда не стремились быть оригинальными, модными, что часто бывает присуще графикам. Главное для него было – открывать красоту в окружающем его мире и доверительно делиться своей творческой радостью с другими. Сколько душевной щедрости чудится в его «Россияночке»!
Знаменитая «Россияночка» (1968 г.) печаталась в журналах, воспроизводилась на страницах художественных календарей, украшала сувенирную продукцию
Спартак Александрович Глушков
График, живописец, педагог, заслуженный художник РСФСР (1981).
Участник Великой Отечественной войны. Награждён медалью «За боевые заслуги», юбилейными памятными медалями. Инвалид войны.
Окончил Ярославское художественное училище (1949). Преподавал в средних школах Ярославля (1950-1958).
Участник областных, региональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных выставок.
Член Союза художников России (1960). Кроме живописи, работал в различных жанрах графики. Ярко проявил себя как талантливый гравёр (линогравюра, ксилография) и мастер экслибриса.
В 1981 г. Спартаку Александровичу Глушкову присвоено звание «Заслуженный художник РСФСР».
Произведения Спартака Глушкова находятся в Государственной Третьяковской галерее, Музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Государственном музее архитектуры имени А.В. Щусева, Ярославском государственном историко-архитектурном и художественном музее-заповеднике, Ярославском художественном музее, Музее истории города Ярославля имени В.Г. Извекова и других музеях России и за рубежом (Англия, Франция, США, Германия и т.д.).
Тогда многие радиопередачи, газеты, журналы, публикуя интервью с Глушковым, печатая статьи и репродукции его линогравюр, единодушно отмечали способность художника многогранно выражать в привычных мотивах природы и архитектуры особенное, «глушковское» настроение: тихую лирику маленьких городов, их провинциальную архитектуру, наполненную памятью об ушедших поколениях.
Уважение вызывал и его стоический характер. Он умел скрывать свои болезни. Сам придумал и сделал себе походную трость, ручка которой раскладывалась, образуя небольшой стульчик. Больные ноги требовали ритмической разрядки, а деловой характер — непрерывной нагрузки. Спартак Александрович, казалось, был неутомим — всегда в движении, в споре, в темпераментной работе.
Творчество Спартака Александровича Глушкова неразрывно связано с Ярославлем. Город для него — это неиссякаемый источник творческой энергии, он же — друг и собеседник, которому мастер доверяет самое сокровенное. Чуткий взгляд художника, внимание к историческому наследию и порой неожиданные ракурсы по-новому раскрывают неповторимость Ярославля, его площадей, бульваров, набережной и двориков. Он бесконечно любил свой город, его жителей, и все его работы — об этой этом. Для многих людей постижение красоты Ярославля связано с творчеством Спартака Глушкова.
1/16
Коллажи: линогравюры С. А. Глушкова | фото Ярославля
