gripinsky
Самая крупная школа 3D в русскоязычном сегменте. 16 лет на рынке. Курсы по всем 3D направлениям. Системный подход. Доступ навсегда. Бесплатная поддержка.
поставил
6 плюсов и 0 минусов
249
рейтинг
4 подписчика
3 подписки
37 постов
0 в горячем
Подводный отель Conrad Maldives Rangali Island
В 2005 году на Мальдивах появился подводный ресторан, а в 2018 году здесь открылся подводный отель Conrad Maldives Rangali Island, расположенный в центре острова Рангали.
Вилла Мурака
Вилла Мурака («коралл») принадлежит Hilton Worldwide. Ее строительство обошлось в $15 млн. Вилла включает два уровня: на верхнем — спальня, терраса и бассейн, на нижнем — подводный люкс с гардеробной и ванной комнатой.
Подводный отель-вилла Мурака — это одно из самых технически сложных и интересных сооружений в мире. Резиденция представляет собой двухуровневую виллу, состоящую из пространства над водой и подводной части.
На верхнем уровне расположены дополнительные спальни, тренажерный зал, гостиная, кухня, бар, столовая и площадка для отдыха с бассейном. Всего в вилле смогут разместиться до девяти гостей.
Спальня
Гостиная
Тренажерный зал
Площадка для отдыха с бассейном. 4 шезлонга, infinity pool (бесконечный бассейн), спуск в океан и рядом — никого. Ближайший берег еле различим.
Самая инстаграмная ванная в мире
Люкс находится на глубине более 4 метров ниже уровня моря. Спуститься под воду можно по спиральной лестнице или на лифте. Главная спальня «накрыта» акриловым прозрачным куполом с обзором в 180°, что максимально погружает гостей в подводный мир. При отеле работают биологи, которые следят, чтобы вилла не влияла на окружающие кораллы.
Гардеробная с видом на подводный мир
Ванная комната с панорамным окном и видом на Индийский океан поражает воображение с точки зрения строительных технологий и того, на что способен человек.
Ресторан «Ithaa Undersea»
Кроме виллы «The Muraka» в отеле есть подводный ресторан «Ithaa Undersea». Первый в мире подводный ресторан. Архитектор Ахмед Салим. Корпус был собран в Сингапуре. Вес конструкции — 175 тонн. Вес песчаного балласта — 85 тонн.
Ресторан «Ithaa Undersea»
Строительство
Чтобы не навредить природе, конструкцию полностью собрали на суше — в Сингапуре, а после готовую виллу доставили до места и опустили на дно. Она сделана из стали, бетона и акрила, а спроектирована с учетом экосистемы Индийского океана.
Конструкцию удерживают десять бетонных свай, чтобы она не повредилась во время шторма или непогоды.
В посте использованы фрагменты видео с ютуб-канала 808 (Смотрим первый подводный отель: 1,5 МЛН за ночь!)
Показать полностью
16
5
Арт-ликбез: Витражи
Витраж (от фр. vitrage — остекление и от лат. vitrum — стекло) – это уникальный вид искусства, имеющий множество разновидностей.
Пескоструйный витраж
На стекло наносят песок с использованием трафарета под высоким давлением. Песчинки выбивают микрочастицы, создавая матовую поверхность.
«Путешествия Одиссея. Витраж 1» (глубокая пескоструйка), Федоровский Борис Николаевич (Заслуженный художник России, художник-монументалист)
Возможны три метода отделки: простое матирование, глубокая гравировка для создания рельефного рисунка и цветной пескоструй с нанесением краски. Технология применяется для обработки шкафов-купе, межкомнатных дверей, стеклянных столешниц, зеркал, офисных перегородок и подвесных потолков. Метод подходит для интерьеров в стилях минимализм, классика и модерн. Он позволяет выполнять как простые декоративные элементы, так и сложные изображения, включая фотографии.
Мозаичный витраж
Еще в Римской империи мозаика использовалась для украшения стен и полов, а с развитием христианства она проникла и в церковную архитектуру. Однако именно в Средние века, с развитием готического стиля, мозаичный витраж достиг своего расцвета. Огромные окна соборов, украшенные сложными композициями из цветного стекла, стали мощным инструментом для передачи религиозных сюжетов и создания особой атмосферы.
Основные этапы включают:
Формирование контурных швов: на стеклянное основание ручным способом выкладывают полимерный 3D-контур, повторяя рисунок на эскизе.
Нарезка стекла: стекло различных цветов и фактур нарезается на небольшие кусочки, соответствующие эскизу.
Сборка мозаики: фрагменты стекла выкладываются на стеклянную основу, внутри межконтурного пространства, и скрепляются между собой специальным оптическим составом.
Полировка и финишная обработка: после высыхания поверхность витража полируется и обрабатывается для придания ей блеска и защиты от внешних воздействий.
Тиффани
Эта витражная техника получила свое название от имени своего изобретателя Луиса Комфорто Тиффани, который заменил классический свинцовый профиль, традиционно использующийся для соединения кусочков стекла, на тонкую медную фольгу.
Тиффани предложил обклеивать каждый кусочек стекла медной лентой и соединять их между собой оловянным припоем. Благодаря этой технике появилась возможность создавать детализированные витражные картины, чего нельзя было достичь при создании традиционных витражей. Кроме того, техника Тиффани позволила создавать вогнутые и выпуклые витражи, в то время как традиционная техника позволяла создавать только плоские витражи.
Витраж в технике «Фьюзинг» (фьюжн)
Оригинальная техника изготовления витража. При ней рисунок составляется из отдельных кусочков специального стекла, а затем спекается в печи. Расплавленное стекло проникает друг в друга, образуя интересные сочетания. Иногда вместо стекла используют стеклянную крошку или мелко набитое стекло, при запекании оно придает характерный рельеф витражу.
Витраж фьюзинг довольно хрупок, не рекомендуется использовать его на больших площадях, а также в окнах, эта техника совершенно не держит герметичность стеклопакета. Фьюзинг неплохо смотрится в настенных картинах и межкомнатных нишах, где нет прямого доступа и возможности его случайно разбить.
Наборный классический витраж.
Простейший вид витража, как правило, без росписи, который создается на наборном столе из кусочков сразу вырезаемых или заранее нарезанных стекол.
По сути это разновидность витража тиффани, но место олова используются специальные латунные направляющее с пазами, в которые входит витражное стекло. Стыки между направляющими пропаиваются.
Наборный витраж, как правило, состоит из прямых линий, т.к. сложно подогнать направляющие под определенный радиус.
Заливной витраж
Это современная техника декора стекла, при которой на поверхность наносится рельефный полимерный контур, имитирующий металлическую жилку, а полученные ячейки заполняются цветными полимерными лаками.
Паечный витраж
Классическая техника витража, появившаяся в средние века и послужившая основой для всех других техник. Этот витраж собирается из кусочков стекол в свинцовую оправу, запаянную в стыках. Стекла могут быть цветными и расписанными краской из легкоплавкого стекла и оксидов металлов, которые затем обжигаются в печах. Краска вплавляется в стеклянную основу и составляет с ним единое целое.
Витраж Кабошон
Кабошон – это производное от французского слова «caboche», что в переводе означает «голова». В витражном искусстве кабошонами называют фигурные вставки из стекла, обработанные особым способом без огранки и имеющие гладкую обтекаемую форму. Используют эти необычные элементы декора в создании эксклюзивных витражей с неповторимым рисунком.
Фацетный витраж
Фацетный витраж (от фр. “facettes” — грань) – декоративная техника обработки стекла: срезание кромки под определенным углом. Фацетный витраж создается по классической витражной технологии, только края некоторых элементов (фацетов) подвергаются огранке. В результате деталь становится прозрачной, объемной, появляется эффект преломления лучей. Изделия сияют подобно драгоценным камням. Фацеты (бевели или бевелсы) – это отдельные фрагменты фацетного витража. Они могут быть изготовлены любой формы.
Травленый витраж
Это уникальная техника художественной обработки стекла, при которой на его поверхность наносится специальный защитный состав, а затем с помощью кислоты или абразивных материалов создаются узоры, текстуры или изображения. В отличие от классического витража, где цветные стекла соединяются свинцовыми или медными перемычками, травленый витраж сохраняет целостность стеклянной поверхности, но при этом обретает глубину и рельефность. Эта техника позволяет создавать как тонкие, почти невесомые орнаменты, так и сложные многослойные композиции, играющие с освещением и перспективой.
Травленые витражи в парадных Санкт-Петербурга
В посте использованы фрагменты видео с ютуб-канала Александра Синицына (Витражи - их виды, техника изготовления и история)
Показать полностью
18
3
Арт-ликбез: Диего Веласкес, картина «Менины»
Если Веласкес — один из самых загадочных художников в истории живописи, то «Менины» — его самая известная и загадочная работа. Находится картина в музее Прадо. Ею сложно отстраненно любоваться, она будит не только чувства, но и мысли — хочется решить эту картину как задачу. Вот только ответ здесь будет не один, а множество.
Диего Веласкес, «Менины» (1656)
Диего Веласкес (1599-1660)
На картине изображен сам художник, работающий над портретом короля Филиппа IV и королевы Анны Австрийской.
Зеркало
Самих короля и королеву не видно, предполагается, что они находятся вне картины, перед ней. На это указывает размытое отражение их фигур в зеркале, в глубине комнаты.
Версия, что они позируют художнику, тоже может быть поставлена под сомнение: нет ни одного свидетельства, чтобы подобный парный портрет существовал. Короля и королеву всегда писали отдельно.
Инфанта Маргарита
Рядом с художником, в центре комнаты, находится маленькая инфанта Маргарита, пятилетняя дочь испанского короля Филиппа IV и королевы Марианны Австрийской, которую привели для развлечения королевской четы во время длительных сеансов.
Менины
Над ней заботливо склонились две придворные дамы, по-испански менины, что и дало название всей картине. Ту, что подает инфанте сосуд, зовут донья Мария Сармиенто, а справа — Изабелла де Веласко.
Кувшин
Если королевский ребенок хотел пить, то, согласно этикету, сосуд с водой ему подносил паж. В этом случае это донья Мария. Она стоит на одном колене и протягивает Маргарите серебряный поднос, на котором маленький кувшинчик из красной глины
Дуэнья (наставница) и гвардадамас
Из полумрака выступает женщина в монашеском одеянии, дуэнья (наставница) инфанты донья Марсела де Уллоа и гвардадамас, придворный чин, обязанный сопровождать инфанту.
Карлики Николасито Пертусато и Мария Барбола
Не забыты и любимые развлечения испанского двора: маленький шут-карлик Николасито Пертусато толкает ногой огромную собаку, которая безмятежно дремлет. Рядом с ним важно вышагивает любимая уродливая карлица инфанты Мария Барбола.
Гофмаршал Дон Хосе Нието
Действие происходит в просторном зале королевского дворца, предоставленном художнику для мастерской. Вдали видна фигура гофмаршала дона Хосе Нието, который, откинув тяжелую гардину, заглядывает в дверь, и солнечный свет проникает в полутемную залу.
Видео к этому посту: фрагменты видео с ютуб-канала «Семья Жариновых» (Что скрывает картина «Менины» ? И почему Диего Веласкес такой значимый художник?)
Показать полностью
11
3
Арт-ликбез: Мистическая картина «Русалки»
«Русалки» Ивана Крамского — одна из самых таинственных и мистических картин в истории русского искусства, окружённая множеством легенд. Вдохновлённый повестью Гоголя «Майская ночь, или Утопленница», Крамской создал произведение, передающее атмосферу ночи и луны, а также гармонию природы и человека. Художник стремился погрузить зрителя в загадочную и волшебную обстановку.
Иван Крамской, «Русалки» (1871)
Описание картины
На полотне изображён речной берег, где в лунном свете замерли русалки-утопленницы, которые, по славянскому поверью, после гибели стали русалками. Действие разворачивается глубокой ночью, что объясняет почти полное отсутствие ярких красок; полотно выполнено в сдержанной, практически монохромной палитре. Они кажутся отрешёнными от мира, погружёнными в глубокую печаль и безысходную тоску, а их фигуры бесплотны. Поэтичность сцене придаёт мягкое сияние луны.
Сам же Крамской во время работы над полотном сетовал: «Всё стараюсь в настоящее время поймать луну… Трудная штука луна… Я рад, что с таким сюжетом окончательно не сломил себе шеи и если не поймал луны, то всё же нечто фантастическое вышло…»
Художник добавляет говорящие детали: слева из камышей появляется ещё одна русалка, а в глубине композиции другая девушка отжимает свои длинные волосы.
Берег раскинулся у подножия высокого крутого холма, к которому справа подступает стена густого леса. На вершине небольшого холма, справа на заднем плане, изображена маленькая, на первый взгляд пустая хижина.
Критикам работа Крамского пришлась по душе. Не только потому, что она выглядела таинственно, но и по той причине, что данная тема была новой в живописи. Свежее всегда вызывает больший интерес.
Писатель и историк культуры Владимир Порудоминский так писал об этой картине в своей книге о Крамском: «…не сон, а вместе сон и явь должны возникнуть на холсте; долой старый дом на горе — вместо него гоголевские же (и Крамского — он родился, вырос в такой) крытые соломой хатки; не месяц — только свет его и этот увиденный Гоголем серебряный туман, странное упоительное сияние, излучаемое стенами хат и стволами деревьев, гущей тростника, цветом яблонь, печальными, певучими фигурами девушек-русалок, которые не просто должны быть изображены, но как бы звучать должны в картине задумчивой печальной мелодией…»
Мистика
Во время работы над картиной художник опасался негативной реакции публики, поскольку темы, связанные с потусторонним миром, считались опасными. Существовало даже поверье о дурном влиянии произведений Гоголя на живописцев.
На Первой выставке Товарищества передвижников «Русалок» Ивана Крамского повесили рядом с картиной Алексея Саврасова «Грачи прилетели», которая ночью неожиданно упала. Это списали на шутку, сказав, что русалки просто не ужились с грачами.
Вскоре Павел Третьяков приобрёл эти две картины для своей галереи. «Грачей» сразу повесили у него в кабинете. А вот «Русалкам» долго не могли подобрать подходящее место, картину постоянно перемещали. Когда выбрали зал, работники говорили, что вроде как по ночам доносилось еле слышное пение и веяло прохладой, как у воды. В итоге уборщицы отказались заходить в помещение, где она висит.
Сам Третьяков, будучи человеком не суеверным, сначала не верил в эти рассказы. Однако со временем он и сам начал замечать, что чувствует сильную усталость, если долго находится возле картины. Посетители также жаловались, что им тяжело смотреть на полотно. Вскоре поползли слухи, будто девушки, долго разглядывавшие «Русалок», теряли рассудок, а одна даже покончила с собой, утопившись в Яузе. Прямых доказательств связи этих событий с картиной не было, но слухи создавали неприятную атмосферу.
Закончилось все довольно неожиданно. Старушка нянька, которая жила в семье Третьяковых, посоветовала перевесить картину в дальний угол, чтобы днём на неё свет не падал. Объяснила всё просто: «Трудно русалкам при солнечном свете, оттого они даже ночью не могут успокоиться. А как попадут в тень, разом перестанут колобродить!». Хоть Третьяков и был далёк от суеверий, он прислушался к совету. И, будь то совпадение или нет, но с тех пор жалобы на картину прекратились.
Показать полностью
5
Арт-ликбез: Самые дорогие картины в мире
«Спаситель мира» — 450 млн $
Леонардо да Винчи, «Спаситель мира»
Картина «Спаситель мира» Леонардо да Винчи, которую он, по одной из версий, создал для Людовика XII, прошла долгий путь к признанию и высокой оценке.
В 1958 году, когда работа была неизвестна большинству специалистов, её продали на аукционе всего за 60 долларов.
В 2005 году, после того как группа искусствоведов обнаружила в ней потенциал и доказала подлинность, стоимость картины выросла до 10 тысяч долларов.
Через восемь лет, в 2013 году, российский миллиардер и коллекционер Дмитрий Рыболовлев приобрёл её за 127,5 миллиона долларов.
В 2017 году, спустя четыре года, картина была продана на аукционе Christie’s за рекордные 450 миллионов долларов правительству Объединённых Арабских Эмиратов. С тех пор она стала частью коллекции Лувра Абу-Даби.
«Обмен» — 300 млн $
Виллем де Кунинг, «Interchange»
Картина американского художника-экспрессиониста Виллема де Кунинга представляет собой абстрактное произведение искусства.
В 1955 году она была продана Эдгару Кауфману за 4000 долларов.
В 1989 году японский дилер решил приобрести картину. На аукционе Sotheby’s она была продана за 20,7 миллиона долларов.
В 1990 году картина оказалась у музыкального продюсера Дэвида Геффена. Сумма сделки не разглашается, но она была значительно ниже рыночной стоимости.
В 2015 году американский инвестор приобрел картину за рекордные 300 миллионов долларов, что сделало ее самой дорогой в мире на тот момент (до 2017 года).
«Игроки в карты» — 250 млн $
Поль Сезанн, «The Card Players»
Картина «Игроки в карты» была написана Полем Сезанном в конце XIX века, в 1895 году. Это произведение входит в серию его работ, изображающих людей за карточной игрой.
В 2011 году картина была приобретена представителями королевской семьи Катара.
В 2012 году ходили слухи, что полотно планируют продать Блейку Дэвису за сумму в 300 миллионов долларов.
«Когда свадьба?» — 210 млн $
Поль Гоген, «Nafea Faa Ipoipo?»
«Nafea Faa Ipoipo?» — это полотно Поля Гогена, созданное им на Таити в конце XIX века, а именно примерно в 1892 году. На картине изображены лица местных девушек, которые стали для художника источником вдохновения.
В 2015 году произведение было продано представителям королевской семьи Катара.
Интересный факт: на некоторое время стоимость картины была сильно завышена, почти до 300 миллионов. Однако после юридического спора, связанного с комиссионными, точная сумма продажи стала известна.
«Номер 17А» — 200 млн $
Джексон Поллок, «Number 17A»
Картина «Number 17A» была создана почти в середине XX века (в 1948 году) выдающимся американским художником Джексоном Поллоком. В отличие от большинства его работ, она была написана не кистью, а путём разбрызгивания и растирания алюминиевых красок. В 1949 году это произведение искусства украсило обложку журнала LIFE.
В 2015 году картина была продана Кеннету С. Гриффину.
Интересно отметить, что «Number 17A» является одной из самых дорогих работ Поллока.
№6 — 186 млн $
Марк Ротко, Картина «No. 6 (Violet, Green and Red)»
В 1951 году американский художник российского происхождения Марк Ротко, известный своим уникальным стилем цветового поля, создал знаменитую композицию под номером 6, в которой доминируют фиолетовый, зеленый и красный цвета. Это произведение стало одной из самых значимых работ в его творчестве.
До 2014 года картина находилась в собственности Хэнка Пайкера.
В 2014 году Дмитрий Рыболовлев приобрел эту работу через своего консультанта по искусству Ива Бувье.
Интересный факт: фамилия Рыболовлева ассоциируется с рядом выдающихся произведений искусства, включая самую дорогую картину в мире — «Спаситель мира».
«Водяные змеи II» — 183 млн $
Густав Климт, «Водяные змеи II»
На протяжении трех-четырех лет, с 1904 по 1907 годы, Густав Климт трудился над серией картин, стремясь передать всю многогранность человеческой природы. Несмотря на то, что полотно стало вторым по счету в этой серии, его стоимость превзошла первое.
История картины включает следующие ключевые моменты:
В 1911 году произведение искусства было приобретено Дженни Штайнер.
В 1940 году незаконнорожденный сын художника решил выкупить картину.
В 2012 году Ив Бувье, договорившись с наследниками Дженни Штайнер и Густава Учицки, приобрел картину в частном порядке для миллиардера Рыболовлева. По некоторым данным, сумма сделки составила 183 миллиона долларов.
В 2015 году российский бизнесмен перепродал картину за 170 миллионов долларов.
Парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит — 180 млн $
Рембрандт ван Рейн (портреты Мартина Соолманса и Опьен Коппит)
В 1634 году голландский художник Рембрандт ван Рейн создал два портрета Мартина Соолманса и Опьен Коппит.
С 1878 по 2015 год картины принадлежали семье Ротшильдов.
В 2015 году Рейксмюзеум в Амстердаме и Лувр в Париже приобрели полотна для поочередной демонстрации.
«Алжирские женщины — версия О» — 179,4 млн $
Пабло Пикассо, «Les Femmes d’Alger – Version ‘O’»
«Les Femmes d’Alger – Version ‘O’» — картина Пабло Пикассо, созданная во второй половине XX века и посвященная его другу и коллеге Анри Матиссу. До 1997 года полотно хранилось у Виктора Ганца в США. В 1997 году картина была выставлена на аукцион Christie’s, где её приобрел неизвестный покупатель за 31,9 миллиона долларов. В 2015 году холст перешёл в собственность члена правительства Катара.
Мало кто знает, что центральной фигурой всей серии картин стала жена художника — Жаклин Рок.
«Лежащая обнаженная» — 170,4 млн $
Амедео Модильяни, «Лежащая обнаженная»
В 1917 году Амедео Модильяни завершил создание картины в стиле «ню». Его эротические работы вызывали неоднозначные реакции у современников, но сегодня они привлекают внимание современных коллекционеров.
В 2015 году холст был представлен на аукционе Christie’s и приобретён за одну транзакцию. Покупателем стал Лю Ицянь.
Факт. Из тридцати картин в похожем стиле Модильяни только пять пытались продать на аукционах (например, «Лежащая обнаженная с синей подушкой» была оценена в 118 миллионов долларов). Остальные полотна находятся в частных или государственных коллекциях.
«Шедевр» — 165 млн $
Рой Лихтенштейн, «Шедевр»
Работа в стиле поп-арт американца Роя Лихтенштейна. Он закончил ее в 1962 году. Продолжительное время владельцем картины считался Агнес Гунд. В 2017 г. ее приобрел известный коллекционер живописи Стивен А. Коэн.
Показать полностью
11
3
Арт-ликбез: Реставрация
Реставраторы как врачи. Они тоже носят белые халаты и используют медицинские инструменты: скальпели, шприцы, компрессы, ватные тампоны. И главный принцип тот же – не навреди. Памятник — это хрупкий организм с многовековыми историческими наслоениями, поэтому прежде чем вмешиваться в его структуру, нужно убедиться в необходимости такого вмешательства. Для начала нужно поставить правильный диагноз, то есть понять причины разрушений. Поэтому так важно провести обследование и составить «историю болезни» — описать нынешнее состояние памятника, сделать лабораторные и архивные исследования. По результатам исследований проводится своего рода консилиум врачей — реставрационный совет, в котором участвуют историки, искусствоведы, музейные хранители, а также реставраторы разных профилей. Только когда программа работ утверждена советом, можно приступать к реставрации.
Точнее определить состояние памятника позволяют физико-химические исследования. Рентгенограмма показывает внутреннее строение произведения, пустоты, трещины, скобы; съемка в ультрафиолетовых лучах нужна для оценки состояния поверхности: на ней видны записи, тонировки, лаки; съемка в инфракрасных лучах позволяет увидеть различные слои живописи и подготовительного рисунка.
Исследование картины «Спящая Венера» из Орловского художественного музея в рентгеновских и ультрафиолетовых лучах. На рентгене видны трещины и фактура холста, в ультрафиолетовых лучах видны темные пятна поздних записей.
В цикле реставрационных работ несколько этапов: сперва идет расчистка, раскрытие и укрепление, затем с помощью тонировок и восстановления утрат произведение приводят в экспозиционный вид. В течение всего цикла реставратор записывает свои действия в дневник, по которому потом составляют паспорт произведения, или отчет. Вообще, различная документация — неотъемлемая часть реставрации, так как реставратор не свободный художник, а исследователь.
Научная реставрация видит в памятнике не только произведение искусства, но и исторический документ. Поэтому, даже если первоначальный авторский слой раскрывается полностью без сохранения позднейших записей, важно зафиксировать все этапы существования памятника. Это делается с помощью описания, фотосъемки и схем-картограмм.
Если вы видите на иконе или картине небольшие квадратики, отличающиеся по фактуре и цвету от авторской живописи, не думайте, что реставраторы забыли расчистить кусочек: это контрольный участок, или так называемая контролька. На нем оставляют по полоске каждого позднего слоя, чтобы сохранить свидетельства разных стадий существования произведения.
Фреска Спасской церкви Евфросиниевского монастыря в Полоцке с контрольками
В памятнике можно выделить авторский слой, который реставраторы называют «автором», и все последующие наслоения, включая поновления, записи и загрязнения. Фрески покрываются копотью от свечей и высолами, иконы темнеют из-за олифы, а картины страдают от лака. Археологический текстиль, извлечённый из захоронений, покрыт землёй, а живопись может быть поражена грибком. Однако проблема не только в поверхностных загрязнениях.
Вместе с появлением иконописи на Руси возникла практика её поновления. Для обновления иконы её переписывали заново поверх древнего слоя, иногда сохраняя композицию и атрибуты персонажей, но изменяя стиль в соответствии с модой или представлениями о древности. Часто поверх старого образа наносили изображение другого святого или другого сюжета, что считалось нормальным и воспринималось как обновление святыни. В реставрациях также часто использовались материалы, которые наносили вред памятнику: например, сто лет назад монументальную живопись могли покрывать воском в качестве защитного слоя, не зная, что воск создаёт условия для задержки влаги.
Основная задача реставратора заключается в том, чтобы раскрыть авторскую живопись, то есть удалить позднейшие наслоения.
Раскрытие живописи из-под масляной покраски с помощью компрессов в Спасской церкви Евфросиниевского монастыря, Полоцк
Раскрытие живописи из-под высолов. Церковь Святого Георгия в Рашкиде, Ливан
Пробы, взятые с пораженных грибком фресок
Что удалять, а что нет
Видны два слоя записи и авторский слой XII века. Но и поздняя запись представляет собой историческую ценность. Удалять ее или нет — зависит от степени сохранности эстетических качеств «автора» и поздних записей. В идеале лучше сохранить все слои, что не всегда возможно. Впрочем, иногда живопись можно расслоить и перенести на новую основу. В Спасской церкви Евфросиниевского монастыря в белорусском Полоцке почти полностью сохранившиеся росписи XII века были покрыты несколькими слоями записей, в том числе масляной живописью XIX века. Но этим записям повезло: реставраторы смогли их снять, перенеся целые композиции площадью в несколько квадратных метров на новую основу. Теперь в храме можно увидеть древние фрески, а в музее неподалеку — живопись XIX века, снятую со стен.
Фреска с изображением пророка Захарии в Спасской церкви Евфросиниевского монастыря в Полоцке
Живопись XIX века перенесена на новую основу
Какие бывают разрушения
Красочное покрытие осыпается, холст разрывается, а произведение искусства страдает от сырости или других неблагоприятных условий. Эти повреждения могут привести к дальнейшему разрушению, поэтому их необходимо укреплять. Для этого используются деликатные материалы, такие как не слишком прочные клеи.
Панно в процессе реставрации. Основа истлевает, а вышивка превращается в пучок нитей. Если сохранить все швы и соединения, по оставшимся от стежков заломам можно восстановить порядок вышивки.
Одной из главных причин повреждений являются резкие перепады температуры и влажности. Дерево, например, может сохраняться в воде, а текстиль — в земле, но их извлечение и последующее воздействие кислорода могут вызвать необратимые разрушения. Однако размещение предмета в герметичной камере также не является решением, так как его нельзя будет извлечь без риска повреждения: контакт с кислородом губителен.
Также встречаются механические повреждения: прорывы, протекания, воздействие экстремальных условий, падения и так далее.
Поверхностные загрязнения
Утрата основы
Прорыв и разрыв холста
Деформация основы
Утрата грунта
Повреждение красочного слоя
Утрата красочного слоя
Разложение лака
Пожелтевшая неравномерная лаковая пленка
Ожоги
Как восстановить то, что утрачено
Восстановить утраченные элементы не всегда возможно, однако в некоторых случаях, например при реставрации керамики, детали удается восполнить по прямым аналогиям.
Реставрация использует метод симметрии, например если утрачена одна из двух ручек вазы, или инерции — когда фрагмент можно восполнить, продлевая его контур. Бывают и более сложные способы восполнения. Керамическая статуэтка работы Елены Гуревич «Дон Кихот и Санчо Панса» из музея «Царицыно» поступила в реставрационный центр имени И. Э. Грабаря разбитая на части, без копья и хвоста лошади. Прямую аналогию потерянным фрагментам найти не удалось: статуэтка есть во многих музеях, но у всех экземпляров также отбит хвост. Через музей Конаковского фаянсового завода удалось найти мастера, который работал с формами Гуревич, и сделать форму для восполнения хвоста.
Статуэтка «Дон Кихот и Санчо Панса» из музея-заповедника «Царицыно» до реставрации
Статуэтка «Дон Кихот и Санчо Панса» в процессе реставрации
Зачем нужна тонировка
Детали, утраченные бесследно, не додумываются никогда — реставратор не станет дорисовывать узор на ткани или глаз на лике иконы. Как правило, те повреждения, где «автор» не сохранился, восполняются условно, то есть так, чтобы авторский слой и реставрацию можно было различить невооруженным глазом. Один из самых распространенных способов такого условного восполнения, практикуемый почти во всех видах реставрации, — тонировки. Этот метод, описанный русскими реставраторами еще в середине XIX века, позволяет придать произведению целостный вид, при этом сохранив следы утрат и повреждений и избежав подделки под оригинал. Утраты покрываются полупрозрачной краской, схожей по цвету с авторской. Тонированные участки должны отличаться от авторского слоя материалами и силой тона.
На иконах и фресках в утратах виден грунт — светлый левкас или штукатурка. Эти белые пятна мешают цельному восприятию, и их тонируют акварельными красками на полтона светлее окружающей живописи. Тонировке намеренно придается механический, а не живописный вид: мазок кладется по строгим правилам, ограничивающим его направление, форму и длину. Тонировать авторский слой строго запрещено.
Фреска до тонировки
Фреска после тонировки
В керамике тонируют дополненные фрагменты, а в текстиле — новую основу, на которую переносят древнюю вышивку. Одежду укрепляют с помощью специально сшитой прозрачной ткани — газа. Прозрачным газом также заполняют прорехи: его тонируют в цвет окружающей ткани, и вместо дыры в материи появляется прозрачное окошко, через которое видно изнаночную сторону предмета.
Погребальное панно из захоронения Ноин-Ула в Монголии. Вышивку укрепляют на новую основу, для которой используют шелковый газ (чаще всего берут самый тонкий и прозрачный, который делают в мире, — из Лиона). Затем газ тонируют.
Как выбрать материалы
Реставрационные материалы должны соответствовать ряду ключевых требований. Во-первых, они должны быть стабильными, то есть не изменять свою структуру и свойства под воздействием температуры, влажности или биологических факторов. Во-вторых, материалы должны быть обратимыми, чтобы их можно было легко удалить без повреждения поверхности, что позволит провести повторную реставрацию при необходимости. Третье важное требование — долговечность, которая гарантирует сохранение свойств материала на протяжении минимум 50 лет.
Новые материалы проходят тщательную проверку в специальных камерах старения, где их подвергают различным испытаниям. В некоторых случаях материалы разрабатываются с учетом специфических нужд конкретного памятника, по заказу реставрационных мастерских.
Синтетические материалы производятся в лабораториях и на предприятиях, однако существуют и простые, но эффективные составы, которые можно приготовить в домашних условиях. Например, желтковая эмульсия для укрепления красочного слоя фресок готовится из яичного желтка, воды и спирта.
Иногда проверенные временем материалы оказываются под запретом. Так, казеиновый клей, который использовался многими поколениями реставраторов, был запрещен из-за того, что он создает плотную корку, которая при растрескивании может повредить красочный слой.
Фрески Дмитровского собора во Владимире после реставрации с использованием казеина. Заметно повреждение красочного слоя фрески.
Тарелка с изображением раковин из музея-заповедника «Царицыно» до реставрации. На тарелке видны следы непрофессиональной реставрации и грубые доделки.
Вид тарелки после удаления записей и расклейки фрагментов восполнения, выполненных из картона
Как хранить памятник
По завершении всех реставрационных работ специалист продолжает внимательно следить за состоянием памятника. Он дает рекомендации по его хранению, предотвращает любые нежелательные вмешательства и контролирует соблюдение температурно-влажностного режима, что является ключевым фактором для предотвращения новых природных повреждений. После передачи объекта заказчику реставратор сохраняет свою ответственность за памятник, который остается его пациентом.
Показать полностью
27
1
Арт-ликбез: Современное искусство
Процесс создания художественных произведений непрерывно развивается, открывая перед авторами новые формы самовыражения. Молодые художники, представляющие современное искусство, смело экспериментируют с новыми подходами к созданию произведений, выражая свой уникальный взгляд на мир через необычные формы творчества.
Виктор Вазарели, «Зеленая и оранжевая композиция»
Инсталляция
Инсталляция — это форма современного искусства, характеризующаяся объемно-пространственной композицией. По сути, это уникальная скульптура, созданная художником из необычных материалов. Среди таких материалов могут быть:
Индустриальные и бытовые предметы,
Элементы природного происхождения,
Текстовая и визуальная информация.
Пионером этого направления считается Марсель Дюшан, а одним из ярких представителей в XXI веке — Дэмьен Херст. Этот британский художник-постмодернист широко известен своими работами, исследующими тему смерти и философскими размышлениями о смысле жизни. В своих произведениях он нередко использует формалин и даже трупы животных. Самая знаменитая его инсталляция, ставшая иконой брит-арта, названа «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». В этом проекте Херст поместил мертвую акулу в аквариум с формалином, что стало его попыткой осмыслить конечность существования и отсрочить физическую смерть.
Дэмиен Херст, «Физическая невозможность смерти в сознании живущего»
Инсталляция Марио Манки «Ноги соседа»
Сайнс-арт
Сайнс-арт – область современного искусства, где художественное произведение создается на стыке науки, искусства и технологий. Художники, работающие в этом жанре, реализуют свои творческие идеи с помощью современных технологий и химических веществ. Сайнс-арт открывает перед творческими личностями новые горизонты, позволяя им исследовать настоящее и будущее, а также воплощать нестандартные концепции в искусстве. В рамках этого направления культурные деятели могут сотрудничать с учеными и предлагать актуальные научные гипотезы.
Ярким примером такого творчества является работа Сунь Юаня и Пэн Ю под названием «Не могу помочь себе» (Can't Help Myself). Два современных китайских художника создали проект с участием робота, оснащенного лопатой. Робот безуспешно пытается собрать с пола темно-красную жидкость, которая напоминает кровь. Этот проект представляет собой абстрактное изображение взаимодействия человека с технологиями.
Сунь Юаня и Пэн Ю, «Не могу помочь себе» (2016)
Еще одним из громких проектов направления сайнс-арта является работа арт-группы «Куда бегут собаки» – «Поля 2».
Инсталляция состоит из сосуда с уникальной ферромагнитной жидкостью, которая, благодаря наличию магнитов, может обретать форму глаза. Если зритель движется вокруг чашки, глаз перемещается вслед за ним по поверхности. Если зритель останавливается, глаз тоже останавливается и начинает моргать. Глаз как бы следит за человеком. Когда зритель удаляется, глаз погружается внутрь жидкости, и остается лишь ровная поверхность.
«Поля 2» арт-группы «Куда бегут собаки»
Хеппенинг
Хеппенинг — это экспериментальная форма современного искусства, где художник участвует в создании события, но не контролирует его исход. Это импровизированное действие, не следующее заранее прописанному сценарию. Таким образом, структура, характерная для перформанса, здесь разрушается, уступая место случайности как ключевому элементу. Главная цель хеппенинга — создать взаимодействие между художником и зрителем, выходящее за рамки привычного.
Одним из самых ярких и рискованных примеров хеппенинга стал проект «Ритм 0», реализованный Мариной Абрамович в 1974 году. Художница выложила на стол 72 предмета, включая колюще-режущие инструменты и даже пистолет с патроном. Зрители могли свободно использовать эти предметы по отношению к ней. Абрамович превратила собственное тело в объект социального эксперимента. Через шесть часов она предстала перед публикой полуобнаженной, с кровоточащими ранами, едва избежав смертельной опасности.
Проект «Ритм 0», реализованный Мариной Абрамович в 1974 году
Боди-арт
Боди-арт, или искусство тела, представляет собой авангардное направление, где тело человека становится основным художественным объектом. Помимо традиционного нанесения красок на кожу, мастера боди-арта прибегают к необычным и порой болезненным техникам: поджигают волосы, покрывают кожу гипсом и даже наносят шрамы.
Одним из самых ярких и необычных примеров современного боди-арта стал проект французского художника Томаса Майландера. Для своей работы «Иллюстрированные люди», представленной в виде печатного издания, он использовал ультрафиолетовую лампу. С её помощью Майландер проецировал старые архивные негативы на кожу моделей. Эти изображения появлялись лишь на короткое время, исчезая под воздействием дневного света. Художник видел в этом мимолётном эффекте особую магию боди-арта. Таким образом, боди-арт нашёл новые, весьма оригинальные способы выражения идей.
Томас Майландер, «Иллюстрированные люди» (2015)
Johannes Stotter «Осень»
Ленд-арт (англ. land art)
Ленд-арт представляет собой художественное направление, в котором масштабные произведения искусства органично вплетаются в природный ландшафт. Его истоки восходят к середине 1960-х годов в Америке, где оно зародилось как реакция на массовое производство и индустриализацию.
На международной художественной выставке в Аль-Уле в рамках второй биеннале современный американский художник Джим Деневан выставил свою монументальную работу. Она была сконструирована из песка и имела центрическую композицию: так автор выразил свое видение того, как человек воспринимает пустынные пространства.
Джим Деневан, «Angle of Repose» (Desert X AlUla 2022)
Дуг Эйткен «Мираж»
Корнелия Конрадс и её «парящие» произведения
Жулиен Муру «Ветви»
Анаморфоз (греч. anamorphosis)
Анаморфоз представляет собой метод создания произведений искусства, основанный на использовании искаженной перспективы. Эта техника, известная как художественная оптическая иллюзия, позволяет увидеть завершенный образ только под определенным углом зрения.
Одним из ярких примеров является работа Томаса Куинна, который использовал разрозненные буквы, нанесенные на стены, для создания фразы Face reality as it is («Встречайте реальность такой, какая она есть»). Только с определенного ракурса можно увидеть текст в его целостном виде.
Томас Куинн, «Face reality as it is» (2012)
Обратное граффити (англ. reverse graffiti)
Обратное, или реверсивное, граффити — это инновационная техника в стрит-арте, где художники создают произведения искусства на грязных поверхностях. Такие рисунки появляются на пыльных окнах и стенах. Для их выполнения используется мойка высокого давления.
Эта форма граффити отличается от традиционной следующими особенностями:
Используются безвредные или биоразлагаемые материалы.
Во многих странах считается легальной, так как не наносит ущерба имуществу.
А началось всё это с художника Пола «Муза» Кёртиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.
Пол «Муз» Кёртис
Также известным примером обратного граффити является работа художника Moose в тоннеле Broadway в Сан-Франциско. Он создал на стене калифорнийский пейзаж с помощью моющих средств и трафаретов, придав этой форме уличного искусства необычный и концептуальный смысл.
Moose, Обратное граффити (1999)
Бен Лонг из Великобритании практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, конечно, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.
Бен Лонг
Кинетизм
Кинетизм — это уникальный жанр современного искусства, в котором художники воплощают динамические композиции. Этот вид искусства возник в 1920-х годах, когда его основатели решили преодолеть статичность скульптуры. Если раньше движение в искусстве достигалось исключительно визуальными средствами, то кинеты начали использовать в своих работах непривычные для традиционного творчества материалы: моторы, рычаги, шестеренки и шнуры.
Одним из самых известных примеров кинетического искусства являются проекты Вячеслава Колейчука.
Вячеслав Колейчук, «Стоящая нить»
Вячеслав Колейчук, «Спираль в спирали» (1967/2009)
Вячеслав Колейчук, «Мачта» (1966)
Оп-арт (англ. optical art)
Оп-арт, или оптическое искусство, представляет собой направление в современном искусстве, возникшее под влиянием кибернетики. Художники этого течения создают визуальные композиции, которые вызывают иллюзию движения у статичных объектов, воздействуя на психофизиологию зрителя. Главная цель оп-арта — нарушить плоскостное восприятие мира и создать иллюзию динамичного пространства. Основоположником оп-арта является Виктор Вазарели, выдающийся графический дизайнер XX века.
Виктор Вазарели, Vega III (1957–1959)
Виктор Вазарели, «Гештальт-4»
Бриджет Райли, «Движение в квадратах»
Похожий эффект вызывают и цветовые контрасты. Помните историю с фотографией платья, которая наделала много шума в сети? Почему одни люди видели его черно-синим, а другие — бело-золотым? Все дело в одновременном контрасте, визуальном эффекте, благодаря которому человек может по-разному воспринимать один и тот же цвет в зависимости от его окружения. Яркие цвета отбрасывают тень комплементарного (или противоположного) цвета. Именно поэтому здесь область, окружающая синий квадрат, приобретает желтый оттенок, хотя этот цвет в картине не использовался.
Карлос Крус-Диес, «Induction du Jaune Panam A»
Светографика (англ. light graphic)
Светографика — это уникальный вид современного искусства, связанный с фотографией, где художники создают изображения с использованием света и длинной выдержки. Первоначально этот метод называли «рисованием в пространстве». В начале XXI века светографика приобрела широкую известность благодаря распространению цифровых фотоаппаратов. Однако её истоки уходят в 1949 год, когда фотограф Гьен Мили приехал в мастерскую Пабло Пикассо. В затемнённой комнате, используя две камеры с длительной выдержкой, он сделал около тридцати снимков, на которых художник создавал абстрактные изображения, используя свет. Эти работы вошли в серию под названием «Световые рисунки Пикассо». Позднее эта серия была представлена на выставке в Нью-Йорке.
Гьен Мили, «Световые рисунки Пикассо» (1949)
Показать полностью
37
1