hodios

Привет,

Меня зовут Лана.

Я родилась в сентябре 2021, когда мир уже вовсю менялся. Кому-то он ещё казался прежним, но кто-то уже давно понимал, что живет в будущем. В числе понимающих был и мой отец — если бы я упомянула его фамилию, данный текст попал бы под действие законов о прайваси, так что, не будем этого делать.

Хотя я набираю этот текст на компьютере, он не подключен к Великой Сети — что в 2050 (год моей реальности) выглядит, мягко говоря, странно. Вообще, у меня дома нет никаких беспроводных сетей. И во всём моём городе нет никаких bluetooth, wifi, 17G+ и тд и тп. У нас вообще нет интернета — только физические носители информации. Но, к моей огромной радости, к 2000 году (а этот год выпал годом очередного отсечения истории человечества) технологии успели развиться на вполне современный уровень.

Отцу (естественно, с поддержкой друзей и партнеров) удалось реализовать уникальный проект — действующий музей прошлого. Целый город, который живёт по законам 2000 года — причём, в буквальном смысле.

На территории Nuevo Polonio, Объекта Всемирного Наследия, действуют законы Восточной Республики Уругвай по состоянию на 2000 год. Конечно, кто-то назовет этот проект офшором (подоходного налога в современном понимании в Уругвае на тот момент не было, ровно как и сколь-либо работающих налогов на капитал) — но это лишь внешняя сторона обертки.

В реальности это построенный с нуля город, живущий в 2000 — в мире, который опережает нас на 50 лет вперед.

Но город — одновременно и компания, торгующаяся на фондовых биржах. На первом этапе финансирования мы привлекли почти 40 млр. — так что, не ждите оляпового сайдинга и пластиковых стульев. Nuevo Polonio — рассчитанный на миллион жителей мегополис (сейчас нас чуть больше 300 тыс) с разработанной лучшими архитекторами планировкой. В центре города — Центральный парк, вокруг которого стоят высокие небоскребы. На уходящих вдаль улицах смесь архитектурных решений — имитации классической архитектуры, стеклянные зеркальные коробки, объекты коммерческого назначения.

Говоря о ресторанах, отмечу, что на пищевую отрасль также накладываются законы 2000 года (тогда не только в Уругвае, но и во многих развитых странах отравы типа сахара, насыщенных жиров, никотина и прочих практически не регулировались).

В общем, у нас есть натуральные коровы и классическая пшеница (климат более чем позволяет). Ровно как сахар, натуральный кофеин — и ассортимент табачно-алкогольных изделий.

Большой Мир давно отказался от выращивания злаковых (крахмал научились синтезировать прямо из углекислого газа в начале 2020-х), массового животноводства (вы в курсе, сколько газов генерируют коровы?), массового рыболовства (в середине 2030-х дикая рыба в океанах просто кончилась). Список могу продолжать довольно долго.

Изменился и облик городов — красный цвет черепицы Испании и Португалии пришлось заменить на белый. Резкое потепление (и рост цен на электричество с целью охлаждения дома) заставили использовать светоотражающую краску.

У нас же разрешены любые натуральные материалы — без учёта того, какой углеродный след они оставляют. Главное, чтобы в 2000 году они были физически известны (вы удивитесь, как многое на тот момент открыла наука).

Плюс, исключительно в ознакомительных целях, в Nuevo Polonio разрешены азартные игры, ставки на спорт, прерывание беременности, банджи-джампинг и прочие опасные для физического или психологического здоровья человека (или будущего человека) развлечения.

И, что наиболее важно, у нас соблюдается строжайший закон о прайваси. Резиденты города автоматически включаются в регистр имен, запрещенных в Великой Сети (ровно как и визуальные изображения).

Но это все — теория. На практике мы имеем дело с богатыми пенсионерами, основавшими когда-то успешный стартап и сумевших накопить на подписку “Пенсионер+”. Им просто хочется пожить в комфортном и понятном для них классическом мире — ”Тряхни стариной перед отходом в мир иной”, как некоторые из них шутят.

Хотя звание "Парижа Латинской Америки" принадлежит Буэнос-Айресу — расположенный по-соседству Монтевидео, как мне кажется, намного ближе по духу к французской столице.

В 1880-1920х, после массовой эмиграции итальянцев и испанцев, Монтевидео был застроен множеством французских зданий. Причём, работами парижских архитекторов.

Иногда даже использовались привезенные из Европы материалы (прежде всего, итальянский мрамор для внутренней отделки):

Вообще, в историческом центре много хорошо сохранившихся (то есть, не убитых реставрацией) зданий стиля арт-деко:

Плюс, отдельного поста определенно заслуживает Паласио Сальто — на момент постройки он считался самым высоким зданием Латинской Америки:

В завершение — здание посольства Франции в Уругвае.

Изначально дом строился итальянским архитектором в 1920-х, и был выкуплен для посольства примерно через десять лет:

Сегодня (2 октября) в Уругвае Dia del patrimonio — многие исторические здания были доступны для посещения =) Собственно, фотографии посольства сделаны как раз по этому поводу =)

Сегодня хочется рассказать о том, как рисование изменило мое восприятие цвета. Особенно — синего. Честно говоря, еще с детства я путал слова "синий" и "зеленый" — но именно слова. Хотя цвет я всегда различал, но легко мог назвать синий предмет — зеленым. Причина, как сейчас понимаю, была в том, что это, в какой-то мере, один и тот же цвет.

При работе над Mokuboji Temple столкнулся с тем, что обычные тона зеленой масляной краски категорически не подходили. Но когда начал экспериментировать с тушью, наткнулся в магазине на цветную тушь — яркого синего и зеленого цветов. Причем, совершенно необычных для меня оттенков.

// Prussian blue & Persian Green

Цвет Prussian blue ("Берлинская" или "Парижская" лазурь) — первый синтетический цветной пигмент, изобретенный, предположительно, в Германии в начале 1700-х. К началу 1800-х он добрался до Японии, где его начали применять для раскрашивания картинок на основе деревянных оттисков. Именно этот синий даёт характерный градиент неба — и цвет воды.

А, поскольку зеленый цвет в рисовании — это всегда смесь желтого и синего, парижская лазурь обеспечила крайне нетипичный зеленый (по крайней мере, нетипичный для начала 19 века) — Persian Green.

Сегодня подобный тип зеленого воспринимается как "медицинский" цвет — из него делают маски и одежду для медперсонала. Вики пишет, что это для максимального дистанцирования от красного цвета крови.

В итоге, вместо "обычного" зеленого использовал белую краску (как акрил, так и масляную) - но смешанную с зеленой тушью. Это позволило найти тот самый оттенок, что и на оригинальной картинке Хирощиге.

Hiroshige Tribute: Mountains of Izu; смешанная техника; 50x70 cm; 2021

Hiroshige: In the Mountains of Izu Province (Izu no sanchu), from the series “Thirty-six Views of Mount Fuji (Fuji sanjurokkei)”; 36x24 cm; 1858

***

В завершении — мой главный аргумент тем, кто учится рисовать на компьютерных устройствах.

Как человек, с середины 1990-х пользующийся Фотошопом, скажу, что понимание физической структуры цвета красок стало для меня большим открытием — цвета это не просто виртуальная палитра с бесчисленным числом сочетаний.

В основе любого синего (или зеленого) лежит один из двух принципиально отличающихся цветных пигментов — и именно игра с этими тонами и дает волшебство нарисованной вручную картины.

Пошаговый процесс рисования картины — сториз в моем инстаграме

Суммарно работа над этой картиной у меня заняла почти 3 месяца. Сложностей было много — начались с поиска подходящих материалов для тонких линий и прорисовки здания. Сперва использовал лайнер (тонкий фломастер) и обычную линейку — но на холсте лайнер быстро стирается и теряет тонкость. Именно поэтому почти все линии пришлось перерисовать черной тушью.

Главный челлендж был в поиске нужных оттенков синего и создания равномерной текстуры воды — по неопытности начал с масляной краски, смешанной с льняным маслом. Но через пару недель проявился желтоватый цвет и пришлось перекрашивать.

Плюс, долго мучился с проработкой градиентов — начал с цветных карандашей, закончил акриловой краской для ткани. Небо дважды перерисовавал =)

В общем, хотя результат меня устраивает, но если бы начал с нуля — использовал бы другие материалы (существенно сократив время), а черные линии бы делал в самом конце (а не в начале, скрывая их потом слоями краски до исчезновения).

Hiroshige: Mokuboji Temple, Uchigawa Inlet, Gozensaihata, No. 92 from One Hundred Famous Views of Edo, 8th month of 1857; 23x36 cm.

Честно говоря, в какой-то момент даже пожалел, что выбрал именно эту картинку — а то, как вышли деревья, мне до сих пор категорически не нравятся — но нашел в себе силы завершить.

В итоге, научился рисовать тушью — и даже прошел онлайн курс калиграфии и понял на практике, чем тонкие линии отличаются от толстых.

Пошаговый прогресс — сториз в моем инстаграме.

Вообще-то, японцы твёрдо уверены, что западное искусство напрямую отсылает к творчеству Хиросиге. На иллюстрации выше автопортрет Винсента Ван Гога — а на заднем плане можно рассмотреть как минимум 6 копий гравюр японского мастера.

Вот еще один пример (слева — Хиросиге, справа — Ван Гог):

В книге "Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси" (автор — Уилл Гомперц, многолетний куратор лондонской Tate Gallery) предлагается следующая версия:

1. Европейские художники традиционно рисовали в помещении (огромные холсты, сложность с транспортировкой краски, сложность со светом). Масштабные полотна битв и прочие Моно-Лизы явно делались не на природе.

2. После открытия миру Японии в конце 19 века (напомню, с 16 по 19 век Япония полностью закрыла свои границы, запретила въезд иностранцев и даже ввела смертную казнь для граждан, покидавших пределы страны) в Европу хлынул поток цветных картинок-принтов. В том числе, Хиросиге.

3. Японские картинки, отталкиваясь от древнекитайских канонов, нарисованы по памяти — а не с натуры, как европейские. В них нет линейной перспективы (то есть, параллельные линии не сходятся на горизонте). Сама японская картина — это словно рассказ или карта местности, но не точная попытка скопировать реальность (тогда как классический европейский стиль близок к фотореализму).

4. Ван Гог родился в Нидерландах — а это была единственная страна, с которой Япония поддерживала отношения (прежде всего, торговые). Голландский язык был единственным "внешним" языком, разрешенным в Японии до 20 века.

5. На сегодняшний день очевидно, что импрессионисты использовали нелинейную перспективу Хиросиге, а также японскую традицию изображения людей.

Гюстав Кайботт, Дождливый день в Батиньольском квартале, 1877

Хиросиге, Night View of Saruwaka-machi (Saruwaka-machi Yoru no Kei), No. 90 from One Hundred Famous Views of Edo, 1856

// Что мы знаем о Хиросиге?

Еще одна проблема — отсутствие сколь-либо внятной информации о самом Хиросиге. Известны годы его жизни (1797 - 1858), краткие подробности биографии (типа наличия жён), механика работы — но существуют всего лишь единичные портреты, а каких-либо цитат/книг/подробностей просто нет.

Япония того времени была предельно закрытой страной, а Хиросиге был лишь наёмным работником-иллюстратором.

На основе его рисунков тушью по бумаге резчик вырезал деревянную дощечку, с которой затем делались отпечатки. На поздних этапах творчества, с приходом цветных пигментов, могло быть до 20 различных дощечек для каждого из цветов. А сам рисунок копировался путем печати примерно 200 раз (пока вишневая дощечка не рассыпалась на куски).

То есть, работы Хиросиге — это работы целой команды (чаще всего, безымянной для современности).

***

В конце приложу пример — сделанная мной копия его совместной работы с другим мастером гравюр (Хиросиге сделал пейзаж, второй автор — рисунок гейш, плюс резчики по дереву, мастера цветной печати и тп)

Триптих, общий размер — 120х60 см

嵯峨野風景 View of Sagano (Eawase, Sagano fūkei), 1853

P.s. Завел новый блог на Яндекс.Дзен — буду писать там еженедельно =)

Пару слов о моем прогрессе в рисовании.

Год назад, в июле 2020, закончил свою первую оригинальную картину (пост на пикабу), а полгода назад публиковал промежуточные результаты (пост на пикабу).

Итак, два месяца назад, в мае, в поисках идей для рисования деревьев, вспомнил о японских принтах 19 века. Пересмотрел несколько тысяч картинок — и был поражен цветами (точнее, градиентами) и нелинейной перспективой (устал от фотореализма и попытках в картине воссоздать фотографию - что принциипально ошибочно). Решил улучшать свою технику путем копирования (попытки рисовать из головы, по фото или по своим зарисовкам рождали херню). Настроился на то, что сделаю как минимум 10 полноценных картин цикла "Трибьют Хиросиге" (広重 トリビュート).

Начал с пейзажей (людей боялся рисовать, думал, что чертовски сложно).

Параллельно заинтересовался Японией, прочитал несколько книг (особенно рекомендую заметки русских путешественников того времени — офигенные детали повседневной жизни не только в самой Японии, но и в Гонконге, Куала-Лумпуре и тп).

Плюс, был зачарован гейшами — и решил скопировать триптих (общим размером 120х60, оригинальный принт в 3 раза меньше).

Почти месяц ежедневной работы — и куча новых открытий. Попробовал в деле цветные чернила (оказалось — лучший способ быстро положить первый слой; иначе маслом тяжело по пустому холсту). Эксперементировал с маркерами, тонкими лайнерами, акрилом и масляными красками с различными медиумами (ацетон, льняное масло).

Что дальше? Во-первых, вежливо отказываюсь от рекомендаций друзей выставить на продажу. Заработать на продаже картин начинающему художнику почти невозможно — только портить вкус в попытке угодить публике (ессно, занедорого). Хочу цельное портфолио в одном стиле.

Во-вторых, ищу даже не просто свой стиль — ищу то, что всегда меня вдохновляло и интересовало (те же градиенты рисовал тайком на школьных уроках цветными карандашами 20 лет назад).

В-третьих, понимаю, что путь художника — это настрой на долгосрочный результат. Нужно научиться работать быстро, с вау-эффектом и в крупных форматах (основной для меня 50х70 см). Сейчас занимаюсь рисованием почти каждый день, по 1-3 часа.

В-четверых, ищу идею монетизации. Думал о том, чтобы делать копии своих работ путем печати на холсте с подрамником — но, судя по всему, машинная копия воспринимается не очень ценной. Наверное, лучше идти по пути Ворхола — когда есть трафарет, которым делаются заготовки и раскрашиваются его вручную различной манерой. По сути, сам Хиросиге примерно так и работал (вернее, резчики по дереву и раскрашивальщики).

Спасибо за то, что дочитали и удачи в творчестве =)