thatartmanager

У художника сейчас есть несколько разных точек входа: можно предложить выставочный проект музею, претендовать на премию, начать диалог с галереей или отправить заявку в резиденцию. В списке шесть возможностей с дедлайнами с 25 сентября по 13 декабря. Опен-колл это открытый приём заявок, но сама открытость набора ещё не означает, что конкретная возможность подходит каждому.

До 25 сентября. Лаборатория «Нечеловеческое 2.0», Москва. Лаборатория мастерской современного искусства «Присутствие 611» работает с темой нечеловеческих агентов. Участие платное, стоимость нужно уточнять у организаторов. Лаборатория пройдёт с 3 октября по 10 ноября, есть офлайн-формат в Москве и онлайн-формат. Готовый проект не требуется, художественное образование и выставочный опыт не обязательны. Если вы уже исследуете отношения человека со средой, работаете с объектами или экспериментируете с разными способами взаимодействия с ними, продолжение может быть закономерным.

Подробности и заявка: https://forms.yandex.ru/u/6a9045f484227c29e9023042/

До 11 октября. Выставка «Мои 18 м²», пространство Барн, Калининград. Опен-колл предназначен только для авторов и творческих объединений из Калининградской области. Восемь выбранных участников получат по мастерской площадью 18 м² для персональной мини-выставки. Ограничений по медиуму и техникам нет, кроме правил монтажа. Автор сам занимается монтажом и демонтажом, Барн не финансирует создание экспозиции, но предоставляет имеющиеся инструменты, свободную мебель и технику. Перед подачей имеет смысл подумать, как ваша работа существует внутри 18 м² и нужен ли вам сейчас именно формат персональной мини-выставки.

Подробности и заявка: https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSdkTDWwRp3bpqGu3lQyrprydbTomtX1LCM32BSu0Hk_oMI8zQ/viewform

До 19 октября. Эрарта Премия 2027, музей Эрарта, Санкт-Петербург. Эрарта отберёт 40 авторов-соискателей для выставки в Большом зале музея. Призовой фонд составляет 3,5 млн рублей, вознаграждение получит каждый из 40 участников. Музей отбирает работы и организует выставку, а победителей определяют зрители в ходе двух туров голосования. Гран-при составляет 500 000 рублей. Здесь система отличается от обычного выставочного опен-колла: сначала музей формирует состав участников, после чего результат премии зависит от зрительского голосования.

Подробности и заявка: https://www.erarta.com/ru/prize/2027/

До 21 октября. Конкурсный отбор выставок на 2027 год, Музей нонконформистского искусства, Санкт-Петербург. Музей принимает персональные и групповые проекты для Большого зала. Они должны быть прямо или косвенно связаны с нонконформистским искусством. На 2027 год планируют выбрать 3–4 проекта, каждая выставка продлится от четырёх до девяти недель. Сотрудничество безвозмездное, музей берёт на себя монтаж и демонтаж, оформление экспозиции, обслуживание зала, техническую и кураторскую поддержку. Тема обозначена заранее, поэтому не стоит любой ценой доказывать, что ваш проект ей соответствует. Лучше смотреть на реальную связь со своей практикой.

Подробности и заявка: https://nonmuseum.ru/event/konkursnyi-otbor-vystavok-na-2027-god/

До 16 ноября. Осенний open call галереи «Тираж 1/1», Москва. Галерея ищет художников для сотрудничества. Тему и художественный язык не ограничивают, критерием отбора названа целостность творческой позиции. Подаваться могут авторы старше 18 лет, работающие с современным искусством. Для заявки нужны биография и CV, от одной до пяти работ, краткое описание каждой работы и artist statement. Если statement говорит об одной художественной позиции, а портфолио показывает другую, целостность теряется.

Подробности и заявка: https://tirageunique.art/events/

До 13 декабря. Художественные резиденции ГЭС-2, десятый цикл, Москва. Участвовать могут граждане РФ старше 18 лет, живущие за пределами Москвы и Московской области. Принимаются только проекты, которые раньше не показывались и не публиковались. Резиденция длится от 75 до 90 дней, можно выбрать период с марта по май либо с июня по август 2027 года. Участнику предоставляют гонорар, оплачивают дорогу до Москвы и обратно, проживание в отдельной студии на два-три месяца, предусмотрена финансовая поддержка проекта и оплата расходных материалов. Идея должна быть продумана, но у неё остаётся пространство для развития во время работы.

Подробности и заявка: https://ges-2.org/art-residency-programme-2027-open-call

Любой опен-колл лучше воспринимать как партнёрство. У художника есть собственная задача, у институции своя. Сначала стоит посмотреть, что делает площадка, зачем объявила набор, есть ли заданная тема или ограничения. Затем оценить, подходит ли ей ваша практика и соответствует ли эта возможность вашему нынешнему этапу. Под каждый новый опен-колл не нужно придумывать своим работам новую проблематику: ракурс можно менять, но сама практика должна оставаться узнаваемой.

Телеграм-канал: https://t.me/+0e8VB58pav5hOWRi

Канал в MAX: https://max.ru/your_art_muse

У Открытых студий Винзавода есть принципиальное отличие от многих опен-коллов. Художнику не дают узкую тему, под которую нужно придумать проект. Куратор смотрит на авторов, в которых видит потенциал, и уже из них собирает кураторский проект. Художников не ограничивают изначально мыслью куратора, здесь куратор выступает в соавторстве с художниками.

Проект существует с 2017 года и входит в направление «Новые имена» Центра современного искусства Винзавод. Сейчас идёт 14 сезон. В разные сезоны в Открытые студии попадали от 8 до 12 художников, поэтому гораздо важнее показать собственную практику как последовательную и способную к развитию, чем пытаться угадать, какую работу хочет увидеть куратор.

Для Открытых студий характерен эксперимент с медиумом и методом. Художнику не нужно ради заявки становиться кем-то другим. Площадка смотрит на то, как автор уже работает и куда эта практика может развиваться. Речь не о том, чтобы подгонять своё искусство под институцию, а о точке пересечения.

Когда в форме появляется вопрос об идее, которую вы хотите реализовать, легко решить, что от вас ждут практически готовое произведение. На самом деле идея здесь скорее концепция проекта: что я планирую исследовать, какие у меня есть гипотезы, в какую сторону хочу развить тему, с которой уже работаю.

Если художник сделал всё заранее, возникает противоречие. Открытые студии становятся для него не площадкой эксперимента и масштаба, а местом реализации того, что уже заготовлено. Потенциал автора виден из готовых работ. Куратор смотрит портфолио и видит, действительно ли художник работает с заявленной темой, продолжают ли проекты друг друга, развивается ли внутри этой практики собственный метод.

Заявку имеет смысл читать как единую конструкцию. Стейтмент показывает, с чем вы работаете. Портфолио подтверждает это произведениями. Идея открывает окно в следующий шаг. Если портфолио рассказывает одну историю, а ради опен-колла внезапно придумана совершенно другая, целостность распадается.

Можно чуть повернуть ракурс собственной темы, если вы нашли точку пересечения с интересами площадки. Отказываться от того, что вы уже делали, ради соответствия очередному опен-коллу не нужно.

В заявке в Открытые студии Винзавода мотивационное письмо спрятано внутри вопроса «почему вы хотите участвовать в проекте». Ответ в духе «Винзавод прекрасная площадка, я очень хочу быть с вами» мало что сообщает о художнике. Винзавод и сам знает собственный вес.

Гораздо содержательнее объяснить: я исследую такую-то тему, понимаю, почему она актуальна времени, и вижу, почему возможности именно этой площадки помогут мне продолжить работу. Любой опен-колл в этом смысле можно рассматривать как партнёрство. Что-то нужно художнику и что-то нужно самой площадке.

Каждый вопрос заявки должен работать на одну историю. В случае Открытых студий портфолио показывает уже проделанную работу, а идея оставляет пространство для того, чего пока нет.

Телеграм-канал: https://t.me/+0e8VB58pav5hOWRi

Канал в MAX: https://max.ru/your_art_muse

Среда современного искусства сегодня никак не ограничивает авторов и не разделяет их по принципу, есть академическое образование или его нет. Есть художники с хорошей академической базой, которые перешли в современное искусство. Есть прекрасные талантливые авторы без академического образования, очень реализованные в арт-среде. И у академического образования, и у его отсутствия есть свои плюсы и минусы.

Сильная академическая база помогает художнику технически реализовывать свои идеи. Условно, то, что я думаю, моя рука способна произвести. Но в современном искусстве техника вторична. Она нужна художнику, чтобы выразить идею, сама виртуозность исполнения ещё не объясняет, почему перед нами сильное произведение современного искусства.

С другой стороны, академическая подготовка может ограничивать свободу видения. Автор привыкает к определённой системе того, как нужно смотреть, строить изображение и работать технически. Поэтому наличие сильной школы тоже не снимает задачу поиска собственного языка.

Если академического образования нет, художник может искать другие медиумы. Современное искусство не ограничено живописью или графикой. Можно работать с видео, цифровым искусством, инсталляцией, керамикой, текстилем. Отсутствие диплома само по себе не является препятствием для карьеры.

Есть ещё одна проблема, которая иногда появляется вместе с академическим образованием. Возникает ожидание: я долго учился, много работал технически, был прилежным учеником, сделал десять правильных шагов, значит, дальше должно последовать признание.

Мне кажется, это утопическая идея академического образования. Рынок искусства строится вокруг смыслов, авторских посланий, культа индивидуальности. Количество часов, вложенных в освоение техники, не конвертируется автоматически в профессиональное признание.

Можно быть очень серьёзным академическим художником и оставаться за пределами contemporary art. Можно быть признанным акварелистом или прекрасным иллюстратором, но напрямую это не повлияет на то, как вы реализуетесь именно в арт-среде. Арт-среда, в общем-то, отдельная комната. Мир современного искусства ждёт авторов, создающих современное искусство.

На практике вопрос об образовании часто возникает, когда художник начинает собирать портфолио и CV. Здесь правило очень простое: если у нас чего-то нет, мы этого не добавляем. Как в обычном резюме на работу.

Нет никакой стигматизации того, что художник без образования. Если перед нами сильное портфолио и хорошее CV, наличие или отсутствие академического диплома само по себе решающей роли играть не будет.

Полная версия с разбором, что писать в CV и почему диплом всё же указывают: https://vc.ru/hr/3148174-obrazovanie-daet-hudozhniku-instrum...

Телеграм-канал: https://t.me/+0e8VB58pav5hOWRi

Канал в MAX: https://max.ru/your_art_muse

Биеннале это крупный выставочный проект, который проходит раз в два года. Само название связано с периодичностью: биеннале раз в два года, триеннале раз в три. Венецианская биеннале считается главной мировой биеннале, где показывают актуальное искусство, которое задаёт тенденцию диалога на ближайшие два года.

У человека, который не связан с рынком современного искусства, Венецианская биеннале и выставка в каком-нибудь региональном музее вполне могут оказаться рядом в одном списке. И там и там современное искусство, может быть перформативная практика. Но перед нами совершенно разные площадки.

Смотрите, CV художника считывается через конкретные места и события. Сам факт участия в выставке ещё мало говорит о позиции автора. Нужно понимать, что это за площадка и какое место она занимает в арт-среде. Само слово «биеннале» в названии не делает событие равным Венецианской биеннале.

Венецианская биеннале интересна ещё и тем, что там можно увидеть, о чём сейчас говорит институциональное искусство. Я была на биеннале, получила каталог и потом подробно обсуждала с коллегами повестку. На той выставке я не увидела ни одного произведения в формате иронии или юмора. Разговор шёл о том, что имеет значение.

В этом же ряду находятся documenta и Manifesta. Такие площадки формируют разговор в искусстве, поэтому за ними имеет смысл следить даже художнику, который пока не находится на том карьерном этапе, когда может претендовать на участие.

Если говорить о России, здесь идёт процесс децентрализации. Один из примеров, Уральская индустриальная биеннале, крупнейшая площадка и единственная индустриальная биеннале в мире. Рядом можно вспомнить центр современного искусства «Заря» во Владивостоке и «Архстояние» в Никола-Ленивце, где искусство интегрировано в пространство арт-парка.

CV нужен в том числе для того, чтобы человек по другую сторону документа мог понять, на каком этапе находится автор. Поэтому значение имеет не количество выставок само по себе, а то, где именно они проходили.

В крупные галереи уровня Pace и White Cube, как и на Венецианскую биеннале, попадает художник с серьёзным CV. Но это не означает, что попасть туда невозможно. На старте карьеры имеет смысл совершать шаги, конкурентные своему нынешнему этапу. В России один из примеров площадок для молодых авторов, ярмарка Blazar.

Каждая площадка ожидает от художника определённой ответственности. Поэтому я бы не выбирала следующий шаг только по громкости названия. Если вы сейчас начинаете, ищите площадки, которые работают с авторами вашего этапа.

Полная версия с разбором, где формируется разговор об искусстве и почему участие читается по-разному: https://vc.ru/hr/3148008-biennale-menyaet-ves-vystavki-v-cv-...

Телеграм-канал: https://t.me/+0e8VB58pav5hOWRi

Канал в MAX: https://max.ru/your_art_muse

Выставка это событие и проект целиком, а экспозиция то, как произведения размещены в пространстве. Экспозицию создают куратор вместе с художником, определяя, как именно произведение будет представлено зрителю. Такое бывает на стендах ярмарок, в галереях, часто в музеях.

Бывает просто хорошая экспозиция, а бывает экспозиция, которая даёт иное прочтение произведения искусства. Куратор может грамотно и ритмично разместить работы в зале, зрителю будет удобно их смотреть, между произведениями появятся нужные паузы. Такая работа с пространством профессиональна, но она необязательно меняет наше понимание самого искусства.

В другом случае способ экспонирования становится частью контакта с произведением. Одна и та же работа в разных обстоятельствах может восприниматься совершенно по-разному.

Хорошо это видно на примере вайт-кьюба. Белая стена, отсутствие лишних деталей и большое свободное пространство вокруг произведения меняют зрительское внимание. Возьмите одну графическую работу при шпалерной развеске в художественном салоне и ту же работу на большой пустой стене. Во втором случае человек подходит и считывает значимость того, что на всей этой стене находится именно она.

Срабатывает абсолютно психологический эффект. Пространство уже участвует в том, какое место произведение занимает в глазах зрителя и коллекционера.

Сам факт наличия экспозиции ещё не означает, что ей нужно отдавать отдельное место в портфолио. Если куратор грамотно, ровно и ритмично разместил ваши работы в вайт-кьюбе, глобально нового знания о произведениях такая фотография не даст. Никто не ставит дополнительную галочку за то, что стандартные работы были хорошо развешены.

Другая ситуация возникает, когда экспозиция действительно меняет опыт контакта с искусством. Например, у вас крупноформатная живопись, масштаб которой становится понятен только рядом со зрителем и пространством. Или есть нестандартная компоновка многосоставного произведения, например стена из 108 маленьких миниатюр.

С объёмными произведениями и инсталляциями фотографии пространства тоже часто нужны. Здесь уже можно показать, как работа существует в зале, добавить кураторский текст, даты и ссылки.

Полная версия с разбором, когда работе нужен не вайт-кьюб, а другая площадка: https://vc.ru/hr/3147076-ekspoziciya-chem-ona-otlichaetsya-o...

Телеграм-канал: https://t.me/+0e8VB58pav5hOWRi

Канал в MAX: https://max.ru/your_art_muse

Перформанс это произведение, которое существует как действие художника в конкретном времени и пространстве. Зритель видит не предмет, который можно рассматривать сколько угодно, а само действие. Поэтому у перформанса есть начало и конец.

Перформанс требует другой оптики, потому что сам принцип создания работы меняется. При переходе от модернизма к постмодернизму, от живописи и скульптуры к инсталляции, перформансу, хеппенингу, инвайронменту меняется линза восприятия. Художник иначе создаёт произведение, зритель иначе его считывает.

Нет смысла анализировать инсталляции по принципам восприятия живописи. С перформансом работает та же логика. Если художник создаёт действие, которое должно выстроить определённую коммуникацию со зрителем, смотреть только на красивую или некрасивую картинку недостаточно.

Отношения перформанса с арт-рынком в общем-то довольно интересные. В 1960–1970-е среди направлений, принципиально выступавших с критикой рынка, были концептуализм и перформанс. Перформативные практики исходили из идеи медиумов, освобождённых от авторитета рынка: живописное полотно можно продать, физический объект тоже, а действие происходит и заканчивается.

В контексте коммерциализации рынка хорошо работает пример Пьеро Манцони. Он устраивал перформансы и продавал возможность подписать человека, после чего тот считался произведением искусства по факту подписи художника. В каком-то смысле это был фарс, но он точно отражал ситуацию вокруг коммерциализации искусства.

История пошла дальше. Концептуальное искусство может стоить очень дорого, а перформанс документируется в формате фото, видео и текста, и эта документация тоже продаётся. Часть арт-критиков и кураторов говорит, что рынок в итоге победил. Мне ближе позиция, в которой мы ищем баланс в этом диалоге.

Перформанс ограничен временем, но после его завершения остаётся документация. Фото, видео и текст фиксируют существование работы, через них можно подтвердить, что она существовала, и представить её дальше в профессиональной среде.

Смотрите, у обычного портфолио есть физические ограничения. В портфолио мы не добавим видео-арт, не добавим видеодокументацию перформанса, а на сайте добавим. Поэтому для художника, работающего с перформансом, сайт становится гораздо нужнее, чем для автора, который работает только с живописью.

На сайте можно разместить видеодокументацию перформанса, фотографии и описание работы. Действие закончилось, а доступ к нему сохраняется. Документация становится частью того, как произведение продолжает существовать после окончания перформанса.

Полная версия с разбором, как перформанс оказался на арт-рынке и что остаётся после действия: https://vc.ru/hr/3146987-performans-korotko-o-tom-kak-deistv...

Телеграм-канал: https://t.me/+0e8VB58pav5hOWRi

Канал в MAX: https://max.ru/your_art_muse

Арт-объект это самостоятельное произведение, сделанное как физический объект. Оно существует в пространстве и считывается целиком, а не как изображение на плоскости. Материал и размер могут быть любыми.

Казалось бы, дальше можно провести границы: здесь скульптура, здесь инсталляция, здесь арт-объект. На практике такая схема быстро перестаёт работать. Что инсталляция, что скульптура, что арт-объект, наша задача не в том, чтобы разложить произведения по ящикам по принципу «либо А, либо Б, либо никак».

Практическую разницу всё же полезно держать в голове. Скульптура работает с формой и объёмом. Инсталляция собирается из нескольких элементов и захватывает пространство вокруг зрителя. Арт-объект существует как отдельная вещь.

Границы подвижны. Одна и та же работа может читаться и как скульптура, и как арт-объект в зависимости от того, как она сделана и представлена. Для художника гораздо интереснее посмотреть, как устроено само произведение, как мы его видим и осмысляем.

Для площадки название медиума работает немного иначе. Когда галерея или другая институция получает документы художника, ей нужно быстро понять, с каким произведением она имеет дело. Если вы пишете в экспликации «арт-объект», название должно помогать считать произведение, а не создавать ему дополнительный статус.

В описании лучше исходить из самой работы. Отдельный объект можно обозначить как арт-объект. Если произведение строится из нескольких элементов и работает с окружающим пространством, мы приближаемся к инсталляции. Если основной разговор идёт через форму и объём, уместно определение скульптуры.

Другой вопрос возникает, когда у художника появляется тираж. В галерее на стойке администратора рядом с каталогами могут находиться тиражные скульптуры или небольшие арт-объекты. Никакого противоречия здесь нет, пока автор сам различает институциональную стратегию и тираж.

Есть очень понятная формулировка: если сделать магазин внутри галереи, будет странно. Если отдать небольшое пространство на стойке ресепшена, ничего странного не будет. Небольшой тиражный объект может существовать рядом с основной выставочной линией, не подменяя её.

Художник также может делать арт-объекты и параллельно создавать произведения коллекционного дизайна. В отдельных случаях такие предметы находятся на одном уровне презентации и направлены на одну аудиторию. Если работа в архитектуре или коллекционном дизайне связана с художественной практикой, такой опыт может быть уместен и в документах художника.

Хороший пример даёт Александр Бродский. Его бэкграунд связан с бумажной архитектурой, он делал проект реконструкции Винзавода и представлял страну на архитектурной биеннале в Венеции. Сейчас его произведения галерейного формата и арт-объекты показывают галереи и музеи, не связанные с архитектурой.

Полная версия с разбором, что писать в экспликации и где проходит граница с тиражным предметом: https://vc.ru/hr/3146060-art-obekt-chto-oznachaet-etot-termi...

Телеграм-канал: https://t.me/+0e8VB58pav5hOWRi

Канал в MAX: https://max.ru/your_art_muse