ВНЕ ЖАНРА. Значение смерти в опере
Предисловия от автора: Заранее прошу что если в теме буду встречаться повторы, в плане мыслей или даже то что вы раз 100 прочитаете слово смерть. Мне было очень сложно написать данный текст, так как это было абсолютно новый для меня материал который я сам лично изучал по ходу написания. Надеюсь я сделал это не зря и вам будет интересно.
Опера, как одна из самых величественных и эмоционально насыщенных форм музыкального театра, всегда была площадкой для освещения глубоких человеческих вопросов. Одним из таких ключевых вопросов является смерть - непреодолимый финал каждого жизненного пути.
В этом контексте опера предоставляет уникальную возможность проникновения в различные аспекты данной темы: от личной борьбы до социальных и культурных последствий.
Начиная от классической эры XVII-го столетия до наших дней. Можно лишь поразиться тому, как подход композитора к представлениям о концепции "смерть" может обрамить или переключить акцентирование целого произведения.
Музыка имеет способность передать сложные мысли и чувства без слов; опера использует это своеобразное свойство для создания потрясающего объединения звукa , текстa , действий . Нашей задачей будет раскрыть значительный контрибут оперного жанра к пониманию и интерпретации смерти .
Присоединяйтесь к нам на поистине захватывающем путешествии по страницам оперной истории и философскому размышлению о том как мы воспринимаем концептуальную реальность смерти.
Опера, как мы её знаем сегодня, начала своё формирование в конце XVI и начале XVII века. В это время представления о жизни и смерти были глубоко укоренены в религиозных традициях и миропонимании. Смерть часто использовалась как аллегория или символический инструмент для передачи более глубоких сообщений.
Ранние оперы этого периода часто содержали тематику смерти, которая играла ключевую роль не только на уровне отдельной лирической линии или эпизода, но также служившей основным двигателем драматургии всего произведения. Один из ярких примеров - "Орфей" Клаудия Монтеверди (1607), одна из первых полноценных опер.
Смерть играет ключевую роль уже на начальных стадиях оперы: Эвридика умирает от укуса змеи. Её смерть приводит к тому, что её любимый Орфей отправляется в подземное Царство мертвых, чтобы вернуть её назад к жизни.
Эта попытка спасти свою возлюбленную от смерти представлена как акт высшего проявления любови.
Сам поход Орфея в царство Аида это символическое путешествие через смерть к возрождению.
В концовке оперы мы видим как Орфей теряет Эвридику навсегда так как он нарушает условие подземного царя и оглядывается на нее прежде чем достигнуть мира живых. Эта повторная смерть Эвридики является самым трагичным моментом сюжета, показывающий невозможность одержать победу в схватке со смертью даже при помощи музыки и любви.
Такое использование тематики смерти стало новаторством на фоне других произведений того времени , где смерть обычна была использована только как аллегория и символический инструмент .
Когда Монтеверди впервые приступил к созданию оперы, ему уже было за сорок. До этого момента он посвящал всю свою душу мадригалам, но с "Орфеем" открыл для себя новую страсть - музыкальную драматическую форму. С тех пор все его мысли и стремления направлены на разработку этого жанра. Более того, заслуга первенства в области искусства музыкальной драмы ранее приписывавшаяся флорентийской опере ,теперь называется имени Клаудио Монтеверди.
Несмотря на то что композитор не имел предварительного опыта или понимания процесса создания драматической музыки (жанру которому было менее 10 лет) он успел создать грандиозное произведение . В то время как большинством других оперных работ управляли декорация и богатое украшение сцены , Монтеверди использовал свою любовь к написанию мадригалов для создания драматического эффекта.
В "Орфее" мы наблюдаем, как музыка сама по себе может передать драматическую концепцию автора. Монтеверди стал первым композитором, который объединил драму, словесность и сценическое воздействие в единую гармонию - это было нечто новое и ранее незнакомое для флорентийских пасторальных произведений.
В отличие от других современных ему произведений, таких как 'Орфей и Эвридика' Глюка или множества других интерпретаций этой темы, Монтеверди впервые подошел к решению проблемы 'развлекательного счастливого конца'. Конечно, он был вынужден облегчить грусть о смерти Орфея, возводя его на небеса. Но это действие показало основную мысль Монтеверди: музыкальная драма должна служить не только развлечением; её первостепенное предназначение - раскрыть эмоциональные переживания и драматизм человеческой души.
Согласно записям дворцовой жизни того времени, ожидание "Орфея" было наполнено великим нетерпением, предвкушая уникальное событие. Премьера оперы вызвала бурю аплодисментов и высокую оценку зрителей. Концертное исполнение в Кремоне привело к приглашению Монтеверди стать почётным членом кремонской академии. Безусловно, "Орфей" был признан наилучшим произведением своего времени.
С артистической точки зрения, композиторы классического периода используют образы, связанные со смертью, чтобы глубоко тронуть слушателей. Это достигается через меланхоличные арии, эмоциональные дуэты и драматические ансамбли. Именно такие элементы позволяют опере передать широкий спектр эмоций - от отчаяния до принятия смерти.
Важность этой темы подчеркивается в опере "Дидона и Эней" Генри Пёрселла, где смерть королевы Дидоны завершает произведение, придавая ему трагическую окраску.
Опера Генри Пёрселла "Дидона и Эней" (Dido and Aeneas) была написана в конце XVII века и является одной из наиболее известных английских опер. Она основана на древнеримской поэме "Энеида" Виргилия.
В центре сюжета - трагическая любовная история между карфагенской королевой Дидоной и троянцем Энеем, которая заканчивается смертью Дидоны.
Сам акт самоубийства Дидоны стал ключевым моментом произведения. Его эмоциональное значение усилена замечательной арией об отчаянии, которую она исполняет перед своею смертью – это "When I am laid in earth", также известная как 'Dido's Lament'. Ария представляет глубокие чувства горести, разочарования и надежды на спасение после жизни:
Музыка этого финального акта хранит проникновенную скорбь: использование уменьшительных аккордов создает ощущение неустанных слез и течение грусти.
В "Дидоне и Энее" тема смерти присутствует не только в самом конце оперы, но и на протяжении всего произведения. Сюжет определяется предчувствием гибели Дидоны, которое ощущается по мере продвижения сюжета.
Сама атмосфера определена внутренней тревогой: отношения между главными персонажами обречены из-за предопределенности событий (Эней должен покинуть Дидону чтобы основать Рим). Также зловещий хор ведьм в 3 акте усиливает это чувство неотвратимости беды.
Our plot has took,
The Queen’s forsook.
(Наш план удался,
Царицу оставляют.)
Пёрселл использует все возможности музыкального языка для передачи этих эмоций. Например, рекуррентная басовая линия в 'Dido's Lament' создает ощущение стабильности и одновременно безостановочного движения к финальной трагедии.
После XVII века опера продолжила развиваться, и представления о смерти стали более сложными и многогранными. Они расширились за рамки простой аллегории или символического инструмента, став основной тематикой многих произведений.
В эпоху Барокко (1600-1750) композиторы начали использовать смерть как способ драматургического усиления напряжения. Это было время религиозных войн и социальных изменений, поэтому тема смерти часто связывалась не только с личной потерей или горем, но также выражала общественные волнения этого периода.
Одна из наиболее значимых опер этого времени - " Альцина" Георга Фридриха Генделя (1735), где одно из центральных лиц – Руджеро – подвержен серии испытаний перед возможностью его конечного падения (символичная "смерть").
"Альцина" – это опера в трёх действиях, написанная Георгом Фридрихом Генделем. Основываясь на эпической поэме "Орландо Безумный" Лудовико Ариосто, она рассказывает историю магического острова, управляемого чародейкой Альциной.
В данной опере смерть не выступает в качестве ключевого элемента в прямом её понимании. Исключены моменты, где бы на сцене умирали герои или героини от болезни или при каких то других обстоятельствах, что мы наблюдали в других оперных произведениях. Тем не менее, "Альцина" Генделя предлагает символическое видение смерти.
Сюжетная линия описывает трансформацию персонажей: Руггеро, освобожденный от очарования Альцины и осознавший её обманчивую любовь, покидает её после того как она утрачивает свои волшебные способности и силы. Это можно рассмотреть как символическое представление 'смерти', поскольку завершается прежнее состояние героя - его новая свобода равноценна 'смерти' для его предыдущего образа жизни.
Также подвергается сомнению возможность долговременного существования без истины и реальности. В эту концепцию вписывается остров Альцины, который представляет изображение небесного Эдема, где отсутствуют старость или смерть, однако здесь также есть своя цена - потеря реальности и правды.
"Альцина" получила широкое признание и сегодня является одной из самых популярных работ Генделя. Опера была впервые представлена 16 апреля 1735 года и насчитывала 18 постановок, что для опер Генделя того времени является рекордным числом и указателем неоспоримого успеха.
В период социального и политического гуманизма, который включает эпоху Моцарта и Бетховена, отношение к изображению смерти в опере претерпело значительные изменения. Этот период характеризовался увлечением моральными ценностями человека, его правами и свободами. Смерть стала представляться не как фатальная конечность или божественное наказание за грехи, а скорее как естественный элемент жизненного цикла.
Опера Вольфганга Амадея Моцарта "Дон Жуан" ("Don Giovanni") является одним из наиболее выдающихся примеров использования темы смерти в оперном искусстве. Сюжет основывается на легенде о Дон Жуане, бесстрашном обольстителе, который безнаказанно разрушает жизни множества женщин
В этой опере смерть не просто завершает историю главного персонажа, но и играет ключевую роль в драматическом развитии сюжета. Она выступает как мера возмездия за безнравственные действия Дона Жуана. Это особенно заметно в известной сцене ужина, когда Дон Жуан сталкивается с призраком командорa, чью смерть он вызвал. Призрак предлагает ему шанс на покаяние, который Дон Жуан отвергает.
Закон морали и справедливости торжествует над беспринципным обольстителем: Дон Жуан будет отправлен в ад за свои деяния.
Моцарт использует мотив смерти для иллюстрации неотвратимого возмездия за безнравственность. Это также указывает на значительное развитие отношения композиторов к смерти: она больше не воспринимается как случайная или божественная переменчивость; это стало результатом человеческого поведения и выбора.
Бетховен, как композитор, продолжил эту традицию. В одной из его наиболее значимых опер "Фиделио", он применяет образ смерти для выражения политических идей
Опера "Фиделио" Бетховена — это история о любви, самопожертвовании и тирании. Тема смерти пронизывает всю оперу, но она представлена не как конечность жизни, а как возможная цена борьбs за свободу.
Главный герой Флорестан находится в заточении у злого Писарро. В одной из ключевых сцен (Второй акт), когда Писарро решает убить Флорестана чтобы скрыть его незаконное заключение под стражей от министра, мы видим образ смерти в ее самом драматическом проявление.
.В этот период подход к изображению смерти стал более человечным и реалистичным: она теперь использовалась как инструмент для выявления глубоких моральных уроков или политических идеологий через линзу личной трагедии.
Композиторы классики используют все бóльшую эмоциональную палитру для выразительности: от безутешного отчаяния до благостного признания неизбежности конца жизни. Вопрос о жизни после смерти также занимает центральное место в некоторых произведениях.
Перейдя к эпохам Романтизма и Реализма 19-го столетия , мы видим ещё больше драматичности . Сюжетные линии опер часто заканчивались на скандально шокирующих актах самопожертвования или смерти главных персонажей .
"Травиата" Джузеппе Верди и "Мадам Баттерфляй" Джакомо Пуччини являются примерами опер, в которых смерть играет ключевую роль. В "Травиате", финал обозначает смерть главной героини, Виолетты, от туберкулеза. А в опере "Мадам Баттерфляй", Cio-Cio-San выбрала путь самоубийства.
Тема смерти в "Травиата" и "Мадам Баттерфляй" является центральной, она служит кульминационным моментом драмы и поворотным пунктом для развития персонажей.
Главная героиня "Травиата" Виолетта, страдает от туберкулеза. Её борьба со своим заболеванием приводит к серии эмоциональных конфликтов и решений. Смерть Виолетты - это не просто конечный аккорд произведения: через её уход мы видим последствия жестокости общественного осуждения.
Опера Джакомо Пуччини "Мадам Баттерфляй" обращается к теме смерти в своем трагическом финале.
лавная героиня, Чио-чио-Сан, является молодой японской женщиной, которая влюбилась и вышла замуж за американского офицера по имени Пинкертон. Однако он покидает её и уезжает в Америку, несмотря на то что у них родился ребенок.
Когда Пинкертон вернулся спустя несколько лет со своей новой американской женой, чтобы забрать сына, Чио-чио-Сан осознает всю степень его предательства. В отчаянии она применяет самурайский кодекс чести - сэппуку. (самоубийство).
С помощью этого акта Пуччини поднял сложную проблему культурного конфликта и разрушительной природы колонизации на индивидуальном уровне: Что делать человеку если его цель жизни была разрушена? Смогут ли людей пережить потерю любимых?
Также эта опера поднимает серьезные дискуссии о значении жизни и того что будет после вашей смерти: какие будут последствия для близких после вашего "отъезда"? Кто будет страдать больше?
В этом контексте можно видеть как оперный формат использует мотивы судьбы ,тоски ,любви чтобы передавать все более сложные эмоции через невероятно выразительное исполнение.
Данная тенденция сохранялась до XX века, когда композиторы начали применять символику и метафору смерти для освещения социальных и политических вопросов.
В XX веке оперные произведения продолжали развивать и изменять тему смерти, приспосабливаясь к новым социальным реалиями и художественным тенденциями. В этот период становятся популярными опера-буфа, атоника, додекафония - все эти новые формы выразительности нашли отражение в обработке темы смерти.
В операх Дмитрия Шостаковича "Леди Макбет Мценского уезда" (1934) и "Нос" (1930), мы видим примеры использования темы смерти для критики социальных условий Сталинской эпохи.
Опера Дмитрия Шостаковича "Леди Макбет Мценского уезда" – это трагическая история, в которой смерть играет ключевую роль. Основанная на одноимённой новелле Николая Лескова, она рассказывает о Катерине Измайловой - женщине, чья страсть и отчаяние приводят к серии убийств.
Смерть здесь представляется не только как физический конец жизни персонажей (включая её мужа Зиновия и свекровь Бориса), но также как символ социального подавления и бессилия. Это проиллюстрировано в последнем акте оперы: Катерина погружается в бездну Волги со своим новым любовником Сергеем после того, как он её предал.
Трагическую основу этого произведения формирует не только сам акт смерти или даже самоубийства, но и то, что эти события являются следствием общественных условий того времени. Катерина была вынуждена углубиться в страсть к Сергею из-за своего бесчувственного брака с Зиновием. Её отчаяние и неспособность противостоять обществу приводят её к ряду убийств.
Опера ясно отражает гуманистическую позицию Шостаковича: он не осуждает своих персонажей за их поступки, а скорее представляет их как жертв системы. В данном контексте смерть выходит за рамки простого окончания жизни или последствия страсти, она символизирует социальную несправедливость.
"Нос", опера Дмитрия Шостаковича, написанная в 1928 году и основанная на одноименном рассказе Николая Гоголя, не столь прямо затрагивает тему смерти. Однако она обращается к абсурдности человеческого существования и социального порядка - концепциями, которые можно расширить до вопроса о значении жизни и близости смерти.
Сюжет "Нос" центрируется вокруг майора Ковалева, который просыпается однажды утром только чтобы обнаружить что его нос отсутствует. Вся действие оперы это поиск Каволевa свoего нoca , который oказывaeтcя cвязанным c coциaльными пpeступлениями , ложью и aбcypдoм . Это аллегория на безумие повседневной жизни и возможно подразумевает какую-то форму "общественной смерти".
В рамках данного произведения Шостакович применяет юмористическую манеру для представления глубоких вопросов. Опыт потери (даже если это лишь утрата части тела) может быть рассмотрено как аллегория смерти или преодоления страха перед ней.
Поздний "перелом" XX столетия представлен работами таких композиторов как Филлип Гласс ("Сатьяграха", 1980) или Джон Корильяно ("Смерть Тосканы", 1991). Обе работы используют символизм и образность смерти для создания контекстуального выражения - будь то бессильная жертва политический системы или загадочная призрачная фигура скрытая за ширмами оперного театра.
"Сатьяграха" - это опера в трех актах, написанная Филлипом Глассом. Она была впервые исполнена в 1980 году. Это произведение описывает жизнь Махатмы Ганди и его философии ненасильственного сопротивления, известной как "сатьяграха". Название переводится с санскрита как "держаться за истину".
Опера состоит из трёх актов, каждый из которых представляет разные стадии жизни Ганди: его время юристом в Южной Африке; создание ашрамов (общин) для обучения принципам ненасильственного противостояния; и последующую борьбу за индийскую независимость от Великобритании.
Темой оперы является не только борьба за свободу Индии под руководством Ганди, но также мирное преобразование обществa через личную самореализацию.
В контексте темы смерти можно утверждать, что она имеет скрытое, но важное значение. Смерть здесь может быть понята символически: как гибель старого порядка для возникновения нового; смерть, которая является неотъемлемой частью борьбы за свободу и справедливость.
Так же знаковой фигурой по нашей теме является Джон Корильяно, он написал несколько опер, и в некоторых из них тема смерти играет ключевую роль.
Опера "Призраки Версаля" (The Ghosts of Versailles) Джона Корильяно является уникальным произведением, которое совмещает в себе элементы комедии и драмы. Она была написана для празднования столетия Метрополитен-оперы.
Опера начинается в призрачном мире после Французской революции, где король Людовик XVI и его двор проводят время как призраки - это призраки людей, убитых в ходе Французской революции: король Людовик XVI, Мария Антуанетты и другие члены дворца Версаль. Это уже само по себе затрагивает тему жизни после смерти.
Также опера обращается к концепциям потерь и разрушениям общественного порядка через фигуру Беглица , который печалится о своей недостижимой любви к Марии Антуанетте.
Беглиц стремится изменить ход времени и предотвратить гильотинирование Марии Антуанетты - ещё одна интересная интерпрeтация темы жизни или возможности избежать неумолимости фатальных последствий .
В целом можно сказать что опера использует тему cмерти чтобы отобразить больший контекст социокультурных перемен , личной потери, а также эфемерность человеческого бытия.
В общем и целом, можно увидеть, что заметные изменения происходят не только в контексте содержания произведений на данную тематику, но также и в музыкальном языке. Вместо традиционного использования тональности смерти как конечной точки или кульминации мы видим новые подходы к её интерпретации: от атональности до минимализма.
Смерть в опере прошла долгий путь эволюции, отражая изменения в общественном мировоззрении и культурных тенденциях. В ранней опере смерть часто использовалась как финальный акт, завершающий историю или служащий уроком для зрителей. Она была абсолютной, непредотвратимой и неизменной.
Перемены начались с периода гуманизма Моцарта и Бетховена. Смерть стала более комплексным концептом: она уже не всегда представлялась как окончательная точка жизни персонажа или его провала; иногда это было освобождение от страдания или жертва ради высших целей.
В романтическую эру значение смерти продолжает расширяться - она превращается в символический акт самопожертвования за любовь, честь или свободу. Судьба также играет значительную роль - многие главные герои умирают под давлением неотразимых обстоятельств.
В новое время интерпретация смерти продолжает разнообразиться: авторы используют её чтобы вызывать различные эмоции — тревогу , сострадание , шок . Они приписывают ей больше символов , делая ее изображение бóлее полифоничным .
Для исполнителя каждый этап представления смерти является вызовом.
В перспективе, представление смерти в опере может продолжить эволюционировать в соответствии с общественными и культурными изменениями. Оперные постановки могут начать более активно пересматривать классическую тему смерти, добавляя новые элементы или интерпретации.
Тема смерти может становиться все более связанной со сложными общественными проблемами нашего времени - такими как глобальное потепление, пандемии или политическая нестабильность.
С учетом быстрого развития цифровых технологий и ИИ, опера могла бы изучить концепции "цифровой" или "технической" жизни после смерти.
Можно предположить, что в оперное трактование смерти будет все больше интегрироваться такие дисциплины, как психология, философия и медицина.
Но самое простое что мы можем предположить это то что акцент будет сделан на индивидуальном восприятии смерти, особенно учитывая эмоциональный и психологический опыт умирания.
Но это просто наши догадки. Какие факторы повлияют на нас в будущем? Опера это большой и важный музыкальный пласт. А что ярче всего отображает наш социум и его изменение, эволюция или деградация? Конечно же музыка. И опера будет именно такой какими будем мы с вами.