Серия «Творцы»

77

Русская эмаль

Серия Творцы

На Руси технику эмали знали с глубокой древности (издавна она называлась финифтью). Ещё в XII веке финифть применяли при изготовлении церковной утвари, деталей парадного княжеского облачения, женских украшений, конской сбруи.

В 1822 году рязанский крестьянин пахал поле и неожиданно увидел в земле полуистлевший кожаный мешок. А раскрыв его, обнаружил усыпанные драгоценными камнями массивные золотые украшения. Их зарыли, когда грозные орды Батыя приближались к Рязани. Но владельцы уже не вернулись за сокровищами. Драгоценности пролежали в земле почти 600 лет.

Среди предметов клада — подвески-колты, которые женщины Древней Руси прикрепляли к головному убору. Они поражают роскошной отделкой и необычайно крупными размерами: диаметр каждой — 12 сантиметров, вес — 400 граммов. Полые внутри, колты наполнялись ароматическими веществами.

Колт и ожерелье из Рязанского клада.12й век


Техника перегородчатой эмали

Изображения, исполненные в технике перегородчатой эмали, требовавшей от ювелира высокого мастерства. Сначала на металле процарапывался рисунок, по контурам напаивались тонкие золотые перегородки, а образованные ячейки заполнялись слегка смоченным эмалевым порошком. Затем изделие несколько раз обжигали и тщательно полировали до тех пор, пока смоченную водой часть поверхности нельзя было отличить от сухой.

Древние изображения в технике перегордчатой эмали миниатюрны. При этом в них переданы даже такие детали, как зрачок глаза, мельчайший орнамент, складки одежды. Во времена монголо-татарского ига секрет создания перегородчатых эмалей был забыт. И всё же мастера-ювелиры продолжали использовать эмаль. В 14-15 веках она обычно служила фоном для резных или литых изображений.

Колт Райское Древо и птицы.Перегородчатая эмаль.11й век.


В 16 веке при Иване IV Грозном и Борисе Годунове искусные ювелиры из разных концов Русской земли создавали в мастерских Кремля изделия, украшавшие придворный быт.


В 1571 году Иван Грозный готовился к свадьбе с Марфой Собакиной. Тогда же он приказал кремлевским ювелирам исполнить Евангелие и пожертвовал его в Благовещенский собор. Оклад книги украшен чеканными медальонами, крупными драгоценными камнями, а изящный сканный узор из тонкой золотой проволочки залит эмалью

Евангелие Ивана Грозного.1571 г


Шедевр мастеров этой эпохи — чаша, изготовленная в Золотой палате Московского кремля в 1653 году. Она напоминает фантастический полураспустившийся цветок, на каждом лепестке которого исполнен в технике эмали букет их трав.

Чаша не раз меняла владельцев. Чёрная эмалевая надпись по верхнему краю — венцу — рассказывает о том, что она изготовлена по заказу главы русской церки патриарха Никона. От него перешла в дар царю Алексею Михайловичу. Позднее за важные дипломатические заслуги ею наградили князя Василия Васильевича Голицына. А когда Голицын, сторонник царевны Софьи, сестры Петра I, попал в опалу, чаша вновь вернулсь в царскую казну.

Чаша.1653 г


Роспись по финифти. Мастера Сольвычегодска


В 17 веке русские ювелиры научились расписывать по финифти. Для этого использовали горячие эмалевые краски, разведённые на эфирных маслах или скипидаре.

Особенно хорошо овладели такой техникой мастера северного города Сольвычегодска, который тогда назывался Усольском. Они украшали чаши, чарки, стаканы, ларцы яркой многоцветной росписью по белоснежному фону. Любимыми орнаментами были пышные гирлянды, сплетённые из тюльпанов, ирисов, маков, ромашек, нарциссов. Есть и сюжетные изображения — обычно иллюстрации к библейским историям.


Эмалевые миниатюры 18 века

Творчество мастеров этого столетия, в частности, сольвычегодских, подготовило появление в 18 веке эмалевой миниатюры. Среди её жанров преобладал портрет, и не случайно. Петровская эпоха утверждала значение человеческой личности. В это время начала формироваться национальная школа портретной живописи.


Миниатюры исполнялись на меди, серебре и золоте. Металлическая пластина покрывалась слоем однотонной, обычно белой эмали и обжигалась несколько раз, пока не становилась ровной и гладкой. Нанесённую роспись покрывали фондоном — прозрачной стекловидной массой, предохраняющей живопись от царапин. А оборотную сторону пластины обязательно заливали контрэмалью, иначе из-за неравномерного охлаждения металла и эмали на поверхности могли образоваться трещины. При росписи эмальер применял технику пунктира: наносил краску точечными прикосновениями кисти. Это давало возможность передать тончайшие цветовые нюансы и светотень.

Художник- эмальер Мусикийский Г.С.

Создатель русской портретной миниатюры по эмали — Григорий Семёнович Мусикийский. Известно, что в 1710 году он числился живописцем Оружейной палаты, а спустя несколько лет назван в документах «финифтяных дел мастером». Сохранилось немало его работ. Среди них преобладают портреты Петра I, его жены Екатерины I, их детей, князя Меньшикова. Эмальеры никогда не писали с натуры, а повторяли известные живописные образцы


Эмалевые миниатюры в 18 веке вставляли в кольца, медальоны, браслеты, помещали на табакерках, использовали для украшения предметов культа. И если в середине столетия финифть была яркая, сочная, то позднее ей на смену приходит двухцветная, исполненная в бело-серых или бело-голубых тонах — так называемая гризайль.


Ювелиры изобретали и новые декоративные приёмы. Мастера Великого Устюга покрывали поверхность медных блюд, кубков, чарок однотонной эмалью и вплавляли в неё серебряные рельефные накладки, которые отливали в специальных матрицах.

В 19 столетии мастера крупнейших русских ювелирных фирм использовали все приёмы эмальерного искусства и даже возродили давно забытые. В 1842 году открылась знаменитая ювелирная фабрика Густава Фаберже в Петербурге. Эмальерным делом занимались также фирмы Овчинникова, Сазикова, Хлебникова, Курлюкова, братьев Грачёвых, мастерские Тенишевой, Рюкерта. Массовое производство сделало очень популярными и распространенными изделия из эмали.

Конец 19- начало 20 века искусствоведы назвали «золотым веком» русской эмали.

Набор для чая и кофе из серебра с позолотой. Овчинников П. 19 в.

Яйцо пасхальное Клевер.Фирма Карла Фаберже.Мастер Перхин М.Е. 1902г

Эмаль привлекала и советских ювелиров. Славятся и сейчас расписные изделия фабрики «Ростовская финифть» в Ростове Ярославском. На предприятии «Русские самоцветы» (Петербург) эмалью по скани украшают чайные сервизы, различные столовые предметы. Феерия ярких, сверкающих красок радует нас в произведениях талантливых современных мастеров.

Эмаль Ростовская финифть

Источник: https://artlegends.ru/raznoe/iskusstvo-russkoj-emali

Показать полностью 9
336

Техника изготовления кружевного фарфора

Серия Творцы

Кружевной фарфор как явление возник в Германии, поскольку именно здесь открыли рецепт глиняной массы одновременно прочной и пластичной. Хотя Мейсен, а вместе с ним и Саксония, стали пионерами тонкостенной керамики, очень скоро конкуренцию им составили фабрики из Тюрингии, работавшие в том же стиле.


Рождение «Кружевниц»

В 1884 году статуэтки были впервые украшены кружевом, которое впоследствии принесло Sitzendorfer Porzellanmanufaktur мировую известность. По мере совершенствования технологии, из ажурной «ткани» стали делать не только отдельные детали, но и весь наряд. Пышные платья и юбки викторианской эпохи или многослойные пачки балерин, до сих пор производят незабываемое впечатление и вызывают лишь один вопрос: как подобное вообще возможно? Технология с одной стороны проста, с другой – требует от мастера ювелирной точности и опыта, иначе чуда не произойдёт.


Для создания фарфорового кружева используется настоящий тюль или хлопчатобумажное плетение Plauener. На деревянное основание наносят фарфоровую массу, но не такую жидкую, как заливаемый в формы шликер, а напоминающую по консистенции густую сметану. Сверху укладывают полоску кружева нужной ширины и пропитывают, помогая себе инструментом.

Именно здесь нужно особое мастерство: если использовать много фарфорового раствора, он при обжиге заполнит отверстия и ажурная ткань не получится, а при нехватке массы останутся разрывы. Затем полоску собирают искусными складками на воротнике, юбке или рукавах статуэтки, причём за один раз – переделок допускать нельзя. При обжиге свыше 1300°С ткань выгорает, оставляя лишь керамические кружева тончайшей работы.

Дрезденский фарфор

Технология изготовления фарфоровых кружев использовалась ещё несколькими немецкими фабриками. Три из них продолжают выпускать изысканные статуэтки и сегодня, радуя ценителей и коллекционеров. Это – Мейсен, Фолькштедт и Унтервейсбах. «Кружевницы» выполнены только в стиле рококо, независимо от того, какие ещё направления развивал производитель.

На многих аукционах статуэтки всех перечисленных фабрик объединяют общим термином «Дрезденский фарфор». Он стал синонимом высочайшего качества и эксклюзивности декоративных предметов, чем обуславливается их немалая цена.

Показать полностью 2
11

Флаконы с росписью изнутри

Серия Творцы

История развития данного вида искусства сравнительно молода для Китая, в котором что ни вид искусства, то обязательно с древней, многовековой традицией.

Историки предполагают, что в 16 веке португальцы завезли в Китай табак. Примерно в 17 веке служители Ордена иезуитов преподнесли императору династии Цин дорогой по тем временам подарок. Это была табакерка, наполненная лучшим сортом табака. В те времена табак не курили, его нюхали. Почему – то считалось, что именно нюхательный табак с добавлением сухих листьев роз, цветов жасмина, листьев мяты и камфоры является лечебным средством. Его нюхали, чтобы избавиться от кашля, головной боли, насморка, желудочных болей, применение нюхательного табака считалось полезным для здоровья. А вот табакерка, как предмет хранения «лекарства», не прижилась.


Китайцы приспособили для этих целей маленькие стеклянные флакончики с пробками, применявшиеся для лекарств. Флакончики, в основном, были такого размера, чтобы их было удобно держать в ладони.

Стеклянные бутылочки для хранения табака украшали очень изысканно, ведь первоначально ими пользовалась императорская семья. С особой тщательностью и изыском их расписывали …изнутри! Такая кропотливая работа требовала особенного мастерства исполнения.

Рисунки выполнялись специальной тончайшей кисточкой, на которой волоски были закреплены под углом.Мастер выполнял рисунок одной кисточкой, введенной через горлышко вовнутрь бутылочки. Мастера живописи достигли в этом деле непревзойденного мастерства, их изделиями мир любуется до сих пор.

Одним из самых дорогих флаконов из стекла (был продан за 732,9 тысяч фунтов) стала бутылочка императора Цяньлуна, расписанная цветами лотоса на золотом фоне, а самой дорогой покупкой на аукционе Bonhams в Гонконге (были проданы по рекордной стоимости свыше 1 млн фунтов) стали одни из самых дорогих в мире флаконов для нюхательного табака из частной коллекции.

Этот вид искусства сочетает в себе живопись, каллиграфию, резьбу, керамику, эмаль, мастерство обработки стекла, инкрустацию.

Во времена династии Цин такие флакончики производились в Гуанчжоу, Пекине, Тибете, Внутренней Монголии. Их широко использовали не только в Китае, но и в странах Азии, Японии, Индии.

Популярность расписанных изнутри флакончиков для хранения табака переживает второе рождение в 19 веке в Великобритании, в эпоху Королевы Виктории, когда диковинные китайские штучки становятся очень модными в высшем свете.

Сегодня табачные флакончики по-прежнему выпускаются в качестве сувениров. Современные художники бережно хранят секреты древних мастеров, передавая искусство нанесения рисунка от отца к сыну. Старинные изделия являются предметом коллекционирования, и стоят немалых денег.

По словам пекинского художника Сюй Бу, в настоящее время в стране существуют «пекинская школа», «хэбэйская школа», «шаньдунская школа» и «гуандунская школа» «внутренней живописи».

Сюй Бу – потомственный художник. Его дед слыл известным мастером «внутренней живописи», но на жизнь он зарабатывал преподаванием.


Когда у него родился сын, он не очень хотел, чтобы тот в будущем занимался таким сложным и кропотливым делом. Но небеса распорядились иначе. В Китае существует обычай, через какое-то время после рождения ребенка, родители должны, как говорят в Китае, «抓运» - «поймать судьбу» ребенка.


«Поймать судьбу» означает, что перед ребенком раскладывают предметы, символизирующие различные профессии, так чтобы ребенок мог до них дотянуться и взять любой из них по своему желанию. Отец мечтал, чтобы сын стал государственным служащим, но малыш схватил стеклянный флакончик с внутренней росписью, и так крепко зажал ее в ручонке, что отец не смог забрать эту бутылочку из рук сына, ребенок очень цепко держал ее в руке.

Поскольку так распорядилась судьба, отец неохотно пошел на компромисс и дал сыну имя Сюй Пэнци, что означает - большое будущее. Прошло тридцать лет, и Сюй Пенци стал непревзойденным мастером «внутренней росписи». А сейчас и его сын Сюй Бу перенимает семейные секреты мастерства.

Это изумительное мастерство славится в Китае и далеко за его пределами, его называют уникальным искусством Китая».
Показать полностью 5 1
16

Николай Рерих. Художник и мыслитель

Серия Творцы

«Защита Родины есть защита культуры. Великая Родина,
все твои неисчерпаемые красоты,
все твои духовные сокровища,
всю безграничность твою во всех вершинах
и просторах будем мы оборонять».
Николай Рерих.
Николай Константинович Рерих появился на свет 9 октября 1874 года в городе Санкт-Петербурге. Его фамилия скандинавского происхождения и значит «богатый славой». Константин Федорович Рерих, отец будущего художника, принадлежал к шведско-датскому роду, представители которого перебрались в Россию в начале XVIII века. Он работал нотариусом окружного суда и являлся членом Вольного экономического общества. Стыдясь крепостного положения русских крестьян, Константин Федорович принимал активное участие в разработке реформы 1861 года по их освобождению. Среди его клиентов и друзей было множество известных общественных деятелей и ученых. Нередко в гостиной Рерихов можно было увидеть химика Дмитрия Менделеева и историка Николая Костомарова, правоведа Константина Кавелина и скульптора Михаила Микешина.

Николай Рерих. Художник и мыслитель

Николай с детства обладал богатой фантазией, интересовался Древней Русью и ее северными соседями. Мальчик обожал слушать старинные предания, увлекался чтением исторических книг и мечтал о дальних путешествиях. Уже в восемь лет его было невозможно оторвать от красок и бумаги, в это же время он начал сочинять первые рассказы.

Друг семьи Михаил Микешин, обратив внимание на склонность мальчика к рисованию, дал ему начальные уроки мастерства. Имелось у юного Коли и еще одно увлечение — археологические раскопки. Парня к ним приохотил знаменитый доктор и археолог Лев Ивановский, нередко гостивший в Изваре — поместье Рерихов. В окрестностях Извары встречалось множество курганов, и тринадцатилетний Николай собственноручно отыскал несколько золотых и серебряных монет X-XI веков.


Свое первое образование Рерих получил в уникальной по своему устройству школе Карла Мая, обладавшей гармоничным балансом духа свободного творчества и дисциплины. В ней он учился с 1883 по 1893 года, его однокашниками были такие известные российские художники, как Константин Сомов и Александр Бенуа. В 1891 году в изданиях «Русский охотник», «Природа и охота» и «Охотничья газета» были изданы первые литературные работы Николая. Константин Федорович был убежден, что Николай, безусловно являющий самым способным из троих его сыновей, должен продолжить семейное дело и унаследовать нотариальную контору. Но сам Рерих проявлял интерес лишь к географии и истории, мечтая при этом стать профессиональным художником.


Несмотря на возникшие в семье разногласия, юноша сумел найти компромисс — в 1893 он поступил в Академию художеств, одновременно став студентом юридического факультета Санкт-Петербургского университета. На него легла колоссальная нагрузка, однако Рерих оказался настоящей рабочей лошадкой — был силен, вынослив и неутомим. Каждое утро у него начиналось с работы в мастерской своего учителя — художника Архипа Куинджи, затем он бежал в университет на лекции, а по вечерам Николай занимался самообразованием. Неутомимый студент организовал среди товарищей кружок, в котором молодые люди изучали древнерусское и славянское искусство, античную литературу и западную философию, поэзию, религоведение, историю.

Стоит отметить, что молодой Рерих не был никогда ученым «сухарем», скорее он был экспрессивен, обидчив и честолюбив. Хорошо это отражают эмоциональные записи, сделанные им в дневнике, например: «Этюд я сегодня испортил окончательно. Ничего из него не выйдет. …Ой, чую, удалят. Какими глазами посмотрят на меня знакомые. Не допусти, Господи, позора!». Но, как известно, никакого позора с ним не случилось. Напротив, как художник, Николай Константинович совершил стремительный взлет. Рерих не только благополучно закончил в 1897 году Академию художеств, но и был отмечен мастерами — его картину «Гонец» сам Павел Третьяков приобрел прямо с дипломной выставки для своего музея.


В 1898 Николай Константинович успешно закончил и Санкт-Петербургский университет, а в 1899 году опубликовал замечательную статью «По пути из варяг в греки», написанную под впечатлениями о путешествии в Великий Новгород. Также с 1896 по 1900 годы Рерих неоднократно выступал с сообщениями о результатах проведенных им раскопок в Санкт-Петербургской, Новгородской и Псковской губерниях. В эти же годы он читал лекции в Археологическом институте, публиковался в известных санкт-петербургских изданиях и много рисовал. Его работам действительно везло — их замечали, они регулярно выставлялись. Конец 1900 — начало 1901 годов Рерих провел в Париже, где под руководством знаменитого французского живописца Фернана Кормона совершенствовал свое художественное образование.

В 1899 году, отдыхая летом в имении князя Павла Путятина, расположенном в Бологом, Рерих познакомился с его племянницей — Еленой Ивановной Шапошниковой, дочерью известного архитектора, а также двоюродной правнучкой легендарного полководца Михаила Кутузова. Юная красавица высокого роста с пышными каштановыми волосами и темными миндалевидными глазами произвела огромное впечатление на Рериха. Нечто существенное увидела в нем и Елена Шапошникова, как писала она позднее: «Взаимная любовь решила все». Впрочем, родня ее была против брака — Николай Константинович казался им недостаточно родовитым. Однако Елена Ивановна сумела настоять на своем. Обвенчались молодые 28 октября 1901 в церкви Академии художеств, а 16 августа следующего года у них родился сын Юрий.


В 1902-1903 годах Рерих проводил в Новгородской губернии крупные археологические раскопки, участвовал в выставках, выступал с лекциями в Археологическом институте и тесно сотрудничал с различными изданиями. В 1903-1904 году он совместо с супругой посетил свыше сорока старорусских городов. В ходе поездки Рерихи обстоятельно и подробно изучали архитектуру, обычаи, сказания, ремесла и даже народную музыку древних поселений. За это время Николай Константинович создал серию этюдов, насчитывающую около семидесяти пяти работ, написанных масляными красками. А 23 октября 1904 у Рерихов родился второй сын — Святослав.

Последующие годы Николай Константинович продолжал напряженно трудиться. В 1904 он впервые посетил США, приняв участие во Всемирной выставке, прошедшей в Сент-Луисе. В 1905 с оглушительным успехом прошли его выставки в Берлине, Вене, Милане, Праге, Дюссельдорфе, Венеции. В 1906 он был избран в России директором школы Общества Поощрения художеств, в Реймсе — членом Национальной Академии, а в Париже — членом Осеннего салона. Рерих предпринял путешествия по Италии, Швейцарии, Финляндии, Англии, Голландии, Бельгии. В 1909 его возвели в действительные члены Академии художеств, с той поры он получил право подписывать свои послания как «академик Рерих». Осенью 1910 художник передал из своей коллекции в Музей этнографии и антропологии Петра Великого более тридцати тысяч предметов каменного века. В 1911 году по приглашению Мориса Дени Рерих принял участие в парижской выставке религиозного искусства, а в мае 1913 император Николай II наградил его орденом Святого Владимира четвертой степени.


К этому времени все сильнее начинает проявляться увлечение Рериха Востоком. К слову, оно не появилось из «ниоткуда», в этом плане знаменитый художник вовсе не был оригинален и вполне соответствовал духу времени. В 1890 году наследник престола Николай II вместе с востоковедом князем Эспером Ухтомским побывал во многих городах Индии, привезя оттуда громадную коллекцию предметов местного буддийского культа. В залах Зимнего дворца была даже организована специальная выставка. Позднее, уже в начале века XX века, в России были переведены и изданы книги «Провозвестие Рамакришны» и «Бхагаватгита», дающие возможность россиянам познакомиться с индийскими метафизическими доктринами и взглядами на исторические и космические циклы. В числе многих прочих Николай Константинович был покорен данными работами, особо притягательными для него стали тибетские чудотворцы и весь Тибет в целом.


В картинах и статьях Рериха все чаще и чаще стала появляться Индия. К 1914 году, когда в Санкт-Петербурге началось строительство первого буддийского храма, интересы Николая Константиновича к Востоку сформировались столь определенно, что он вступил в комитет поддержки строительства и познакомился с Агваном Доржиевым — буддийским ученым и посланником Далай-Ламы. Известно, что Рериха крайне интересовала проблема поиска общих корней Азии и России. Причем общность он находил во всем — в верованиях, в искусстве, даже в складе души.

Кроме восточной философии наша страна вслед за Западом повально увлеклась оккультизмом. В среде художников спиритические сеансы стали очень популярным времяпровождением. Рерихи и в этом вопросе не стали исключением — в их квартире на Галерной часто собирались Бенуа, Дягилев, Грабарь, фон Траубенберг, дабы поучаствовать в знаменитых «столоверчениях». Один раз у Рерихов даже выступал знаменитый европейский медиум Янек, позванный в Северную столицу российским императором. Спиритических сеансов не сторонились и многие выдающиеся ученые того времени, частым гостем Рерихов являлся психиатр Владимир Бехтерев.

И все-таки в данном увлечении Николай Константинович отличался от большинства — в оккультизме он видел не просто модное и экстравагантное средство разогнать скуку. Когда кто-нибудь из его товарищей — как правило, художники Бенуа или Грабарь — пренебрежительно высказывались «о вызове духов», всегда сдержанный Рерих от возмущения покрывался пятнами. Хмуря брови, он говорил: «Это важный духовный феномен, и тут нужно разобраться». Вообще «разобраться» было его любимым словом. Однако друзья лишь прятали улыбки. Что касается Рериха, то он действительно не сомневался, что вся его исследовательская и культурная деятельность, все его действия подчинены определенному Высшему служению.


В 1914 году Рерих провел целый ряд благотворительных выставок и аукционов в поддержку наших раненых солдат. А осенью 1915 при Рисовальной школе Общества Поощрения художеств он организовал Музей русского искусства. В марте 1917 Николай Константинович принял участие в совещании различных деятелей искусств, собравшихся на квартире Максима Горького. Ими был разработан план мероприятий по защите художественных богатств страны. В этом же году Рерих отказался от предложенного Временным правительством поста министра изящных искусств.

Грянувшая Февральская революция застигла Рерихов в Карелии, в Сердоболе, где они жили в арендованном деревянном доме, стоящем прямо посреди соснового бора. Николаю Константиновичу пришлось переехать сюда с двумя сыновьями и женой из сырого и промозглого Санкт-Петербурга по причине болезни художника. У него обнаружили воспаление легких, которое грозило тяжелыми осложнениями. Пришлось отказаться от директорства в школе Общества поощрения художеств. Дела были настолько плохи, что Рерих подготовил завещание. Тем не менее, даже тяжело болея, он продолжал писать свои картины.


В 1918 году из-за закрытия границы между нашей страной и отделившейся Финляндией семейство Рерихов оказалось отрезанным от Родины, и в марте 1919 через Швецию и Норвегию перебралось в Англию. Жить там Рерихи не собирались, Николай Константинович был убежден, что его путь лежит на Восток. В Азии он надеялся найти ответы на самые сокровенные, «вечные» вопросы. Там же художник хотел отыскать подтверждение своих гипотез о духовных и культурных связях Востока и России. Для осуществления задуманного Рерихам нужно было лишь приобрести визы в Индию, которая, как известно, являлась колонией британской короны. Однако получить необходимые документы оказалось не так-то просто. Рерих месяцами обивал пороги бюрократических заведений, настаивал, писал прошения, убеждал, заручался помощью влиятельных людей. В столице Англии он встретился со старыми друзьями — Стравинским и Дягилевым, а также обзавелся новыми, среди которых был выдающийся поэт и общественный деятель Рабиндранат Тагор.

В июне 1920 года в связи с острой нехваткой денег Николай Константинович принял предложение от доктора Роберта Харше из чикагского Института искусств проехать по Америке с выставочными турне и заработать средства, необходимые ему на путешествие в Индию. В течение трех лет картины Рериха вояжировали по двадцати восьми городам Соединенных Штатов, а на его лекции о русском искусстве собиралось огромное количество слушателей. У Рериха к тому времени сформировалась новая навязчивая идея. Пережив сперва Первую мировую, а затем и русскую революцию, он возмущался тем, что разумные существа способны вести себя подобно «потерявшим человеческий облик безумцам». Рерих разработал свою формулу спасения, он говорил: «Человечество объединит искусство. …Искусство нераздельно и едино. У него множество ветвей, однако корень один». Осенью 1921 года по инициативе Николая Константиновича в Чикаго было основано: Объединение художников с говорящим названием «Пылающее сердце», а также Институт объединенных искусств, включающий секции архитектуры, хореографии, музыки, философии, театра. В 1922, опять благодаря его стараниям, был создан «Венец мира» — Международный культурный центр, в котором могли работать и общаться деятели искусства и науки из разных стран.


Осенью 1923 Рерих вместе с семьей, сумев, наконец, собрать необходимые средства, отправился в Индию и 2 декабря этого же года прибыл в Бомбей. Оттуда он направился к Гималаям в княжество Сикким. На склонах восточных Гималаев поблизости от города Дарджилинг, по словам Николая Константиновича, произошло самое значимое событие в его жизни — «лицом к лицу он встретился с Учителями Востока» Учителя Востока или, как их именовали в Индии, Махатмы (в переводе «Великая Душа»), являлись буддийскими адептами самого высокого уровня. Данная встреча была давно запланирована — еще находясь в Америке, Рерихи сумели установить связь с общинами буддистов и с их помощью вышли на лам высокого ранга.

В это же время у художника появилась идея об организации первой Центрально-Азиатской научно-исследовательской экспедиции. В октябре 1924 Рерих на два месяца возвратился в Нью-Йорк, чтобы оформить необходимые документы и подготовиться к походу. Костяк экспедиции составил собственно сам Рерих и его супруга, а также их сын Юрий, закончивший к тому времени индоиранское отделение Лондонского университета. Кроме них в состав группы вошел полковник и энтузиаст Востока Николай Кордашевский, доктор Константин Рябинин, много лет постигавший тайны тибетской медицины, а также еще несколько единомышленников, способных и готовых заниматься исследованиями в самых различных областях: почвоведении, археологии, геодезии.… По мере продвижения вглубь земель Азии состав путешественников постоянно менялся, кто-то приходил, кто-то уходил, присоединялись местные жители: буряты, монголы, индусы. Неизменной была лишь основа — семья Рерихов.

Текст большой, в развернутом виде здесь.

https://topwar.ru/59982-hudozhnik-arheolog-pisatel-i-obsches...

Показать полностью 1 2
1

Книжные скульптуры

Серия Творцы

Старинные и тяжелые книги всегда будут таинственным и бесконечным источником мудрости. Как только, вы достаете старую и пыльную книгу с полки, вы отправляетесь в волшебное путешествие. Но, к сожалению, книги не вечны. Однако, некоторые художники превращают старые энциклопедии, словари и книги в удивительные скульптуры, тем самым, давая им вторую жизнь.

Один из них Брайан Деттмер (Brian Dettmer) – американский художник, создающий скульптуры из книг при помощи ножа, пинцета и хирургических инструментов. При этом ничего внутри устаревших энциклопедий, медицинских журналов, иллюстрированных книг, словарей не перемещается и не заменяется на «неродное», только удаляется.


Деттмер манипулирует страницами и корешками книг для формирования объемов скульптур. Он складывает, изгибает, сворачивает их в рулоны, выстраивает композиции из нескольких книг, чтобы создать совершенно оригинальные скульптурные формы.

Художник работает с уже имеющимся материалом, творением какого-либо другого автора. Его задача – передать суть книги по-новому, показать взаимодействия внутренних элементов книги именно там, где они были, не нарушая первоначальной задумки.


Зачастую книги со временем утрачивают свою актуальность. С изменением формы, информация, подобно энергии, не исчезает, но, перерождаясь, переходит из одного состояния в другое. Теперь идея становится осязаемой - она вырывается наружу на всеобщее обозрение. Созданное им творение воспринимается не как пейзаж, а как организм, элементы которого взаимодействуют, возродившись с появлением новой концепции.

Сам он родом из Чикаго, в настоящее время живет и работает в Атланте. Скульптуры из книг художник создает последние несколько лет, постоянно совершенствуясь и не останавливаясь на достигнутом. Брайана вдохновили работы и идеи таких современных художников, как Тим Хокинсон (Tim Hawkinson), Том Фридман (Tom Friedman), Баз Спектор (Buzz Spector), искусство которых поистине можно назвать ошеломляющим. Благодаря их творениям он задумался над возможностями повседневных материалов и нашел свою нишу в искусстве, открыв для себя и для мира книгу в новом амплуа. Художник развивает новый способ понимания и восприятия знакомого образа: необычный и непривычный, а для кого-то неприемлемый и даже шокирующий.

Дмается, что при нашем почтительном отношении к книге. многие не одобрят такий вид творчества, а работник библиотеки с 40-летним стажем, назовет это святотатством.

Я задаю себе вопрос, хотелось бы мне иметь такую скульптуру?


https://kulturomania.ru/video/item/knizhnyy-khirurg-brayan-d...

Показать полностью 2 1
24

Народ ничего не выбрасывает

Серия Творцы

Французский скульптор Фриц Жак Джуниор (Junior Fritz Jacguet) прославился тем, что создает великолепные эмоциональные панно из обычных картонных втулок для туалетной бумаги. Его техника работы очень проста - он мнет картонный цилиндр, пока не придаст ему форму человеческого лица, искаженного гримасой-эмоцией, затем раскрашивает и собирает панно из нескольких таких лиц. Произведение получается эмоциональным - лица на панно хмурятся, жмурятся, недовольно поджимают губы и всячески выражают свое неодобрение.


Заметно, что на работы Фрица Жака, выходца с Гаити, оказали сильное влияние африканские маски духов, которые своими гримасами должны уберечь человека и его жилье от зла. В возрасте 14 лет он увлёкся оригами, начал изучать искусство и принялся за создание необыкновенных бумажных скульптур и композиций. Для мастера процесс создания маски схож с процессом выращивания цветка. Он утверждает, что он-садовник, который помогает складкам прорастать на поверхности картона и бумаги. Сами изображения скрыты в материале и его текстуре и он, скульптор, просто дает им возможность проявиться.


Фриц Жак Джуниор не ограничивает свои эксперименты только скульптурой, он зарекомендовал себя как дизайнер светильников. Созданные им бумажные светильники-цветы и шары поражают спокойной красотой, лаконизмом и выразительностью своих форм. В противоположность панно, мастер не судит зрителя, а дает ему любоваться певучими изгибами бумаги, ее фактурой, игрой света на ее гранях.

Совершенствование техники продолжается. Сейчас мастер пытается создать маски со смешными и жизнерадостными выражениями.

https://kulturomania.ru/video/item/emotsionalnyy-karton/

Показать полностью 1
27

Гребни, расчески. Их истории

Серия Творцы

Кто сегодня может представить свою жизнь без расчески? Пожалуй, никто. Но мы не задумываемся, какова ее история, как в течение веков менялся ее вид и какие расчески в те или иные годы предпочитали разные народы.

История расчески насчитывает, по крайней мере, десять тысяч лет. Именно такой возраст имеет найденная археологами расческа, сделанная из скелета рыбы. Учитывая, что о гигиене древние люди мало думали, понятно, что первые расчески служили украшением. Для расчесывания волос использовали и различные подручные средства: палочки, колючки репейника, рыбью кость.

Но прически становились все сложнее. Древние римлянки, например, убирали голову по нескольку раз в день, и эта причуда была настолько популярна, что даже на мраморных бюстах и скульптурах делались съемные детали для перемены причесок!


Конечно, для сложных причесок рыбий хребет в качестве инструмента уже не мог подойти. Нужно было специальное устройство для расчесывания длинных волос. Так появился гребень.

Его научились вырезать и вытачивать из дерева, кости, кораллов, черепашьего панциря, очень часто – из рогов различных животных. Один из самых древних гребней был найден при раскопках на территории Древнего Рима. Это был гребень с ручкой (ручка сделана из широкой кости животного) .

Найденные археологами гребни, изготовленные в Древней Греции и датированные вторым тысячелетие до нашей эры, выполненные из слоновой кости, по сей день считаются образцом изящества и настоящим произведением искусства.

Технология изготовления гребней из рогов крупных животных была очень трудоемкой, поэтому гребни очень ценились. Сначала удалялась внутренняя часть рога, срезался его острый конец, оставшуюся часть распаривали, разрезали, спрессовывали, сушили, а затем вручную выпиливали зубья и полировали.

Для модниц Древней Греции гребни и расчески были «три в одном» - ими расчесывались, ими украшали головку и в них зачастую хранили яды и духи.


В археологических находках довольно часто попадались эти украшения, который сейчас можно найти в музеях. Во Франции есть музей Клюни, где представлены гребни начиная еще со времен 12 века. Они выполнены из дерева, кости, из рога. Украшены резьбой и различными зеркальными вставками, для того времени уникальные работы.


Гребни были так же одним из главным украшений в средние века. Ценились расчески из слоновой кости и из золота. На них вырезались ангелы и мифологические животные. При дворе они декорировались драгоценными камнями, жемчугами, перьями экзотических птиц и кружевами, чем солиднее была дама, тем роскошнее был украшен ее гребень. Но существовало и более прозаичное назначение гребней: ими пользовались при вычесывании насекомых (попросту вшей).

Самой древней расческой признается расческа, найденная в Великобритании. Этот аксессуар отнесли к эпохе неолита ко времени царствования древних кельтов.


Самая дорогая расческа найдена в России в скифском захоронении, длиной 12 см, из золота. В настоящие дни это экспонат Эрмитажа.

Красивые изысканные гребни, выполненные из благородных материалов и украшенные драгоценностями, стоили баснословных денег и считались очень дорогим подарком, достойным даже королей. Мария Тюдор, например, с наступлением нового 1556 года получила в подарок ящичек с двумя великолепными гребнями.


Гребни использовались и в качестве символов, отражающих душевное состояние их носительницы. Существовали специальные гребни для конкретных случаев. Так на чей-то день рожденья или именины дама могла предпочесть гребень с изображением или фигуркой восхитительного младенца, гребень для свадебной церемонии мог быть украшен парой ангелов или любовной символикой, символами изобилия, на траурной церемонии гребень отражал скорбь в виде фигурки безутешной прелестницы.


Учитывая, что прически средневековых дам были довольно сложными и громоздкими, поэтому и причесывались они нечасто. Более того, в те годы верили (а может, оправдывали этим себя), что частое расчесывание волос, особенно по вечерам, способствует возникновению головных болей. Не мудрено, что при столь редком мытье головы и расчесывании в «придворных головах» заводились вши, которые доставляли массу неудобств их носителям. Поэтому были придуманы так называемые «вшигонялки» - маленькие расчески с длинной ручкой, которой можно было, не испортив прически, проткнуть ее и почесать голову.

В XVIII образовалась специальная гильдия мастеров по гребням. Чтобы овладеть искусством изготовления гребней требовалось около десяти лет. Гребни стали более разнообразны по назначению, так появились специальные расчески для поддержания прически, для создания пробора (gravouere), для создания объема (templieres), расчески, используемые при бритье (resoier).


Производство расчесок и гребней было преимущественно ручным. Каждый экземпляр, созданный мастером, был по-своему уникален. Один мастер мог изготовить не более 10-15 гребней в день. Для окрашивания гребней использовались натуральные вещества, часто такие, об использовании которых будущая обладательница гребня знать была не должна — в состав некоторых красителей входила моча животных или другие, не очень романтичные субстанции.

Самым популярным материалом для изготовления расчесок и гребней стал черепаший панцирь. Благодаря этой моде стали массово истреблять черепах, что привело к значительному сокращению их популяции.

Многие народы верили, что расческа способна защитить человека от различных недугов, поэтому делали специальные наборы гребней, которые передавали по наследству.


У славян гребень считался магическим женским атрибутом. Им пользовались ведьмы и колдуньи. Из сказки: "Колдунья воткнула гребень в голову Финисту Ясному Соколу, и он уснул мертвым сном"? Спасаясь от погони, героини сказок бросали гребень позади себя, и он превращался в лес.

Широко известны на Руси святочные гадания на расческе \живы до сих пор\. Ложась спать в одну из святочных ночей, девушки кладут под подушку новую расческу.



Приблизительно в 17 веке японские женщины начали украшать свои прически гребнями, отделанными перламутром и цветами из шелка, (которые назывались кандзаси, канзаши). В Японии юноши сами делали гребни, а после дарили девушкам, к которым испытывали сильные чувства. Девушка, заколовшая волосы гребнем, была согласна ответить на чувства юноши.

Самураи пользовались специальными гребнями, они позволяли не только укрепить прическу, но и служили оружием. Порою гребни использовались как метательные ножи.

Испанский гребень – пейнета, был популярен в Европе и в России в 18-9 вв.. Раньше он изготавливался из слоновой кости, черепахового панциря. Размеры исторической пейнеты – обязательная высота в 20 сантиметров. Форма – прямоугольная, часто скругленная по форме затлка, с 5-6 зубцами. Цвет – черный или коричневый (для замужних женщин), белый или кремовый (для незамужних), иногда красный (для танца фламенко). Носили ее строго по средней линии - никаких "налево", особенно для замужних, не допускалось даже в такой мелочи, как закалывание гребня!

В конце 19 века с изобретением пластмассы появились дешевые расчески.

Но «натуральные» гребни и расчески не отошли на второй план, потому что люди верят, что «природные» материалы полезны для организма. Например, расчески из дерева обладают целебными свойствами, в частности, дубовые гребни снимают с волос статическое электричество и улучшают их состояние.


Правило, что у расчески должен быть один хозяин, соблюдается и в наши дни. Связано это, в основном, с соображениями гигиены. Однако как утверждают специалисты по энергетике человека, не стоит давать пользоваться своей расческой кому-то еще и из опасений дисбаланса энергии.

https://www.liveinternet.ru/users/maluccella/post89399280/

https://sozero.livejournal.com/384338.html

Показать полностью 10
9

От Китая до Европы. Фарфор

Серия Творцы

Предыстория.

Керамика- предшественник фарфора (от греческого слова «керамос», что означает глина) производятся путем спекания глин и смесей глин с минеральными добавками. В результате термической обработки керамика приобретает свойства, определяющие широкое использование ее в самых различных отраслях народного хозяйства.

По совокупности свойств керамика среди известных материалов не имеет себе равных

Она известна человечеству уе более 10 тысяч лет и используется в быту , применяется в строительстве, в искусстве. Есть несколько основных видов керамики: терракота, майолика, фаянс, фарфор.


Терракота  (итальянск. “обожженная земля” ) керамические неглазурованные изделия из цветной глины с пористым строением. Применяется в художественных, бытовых и строительных целях. Из терракоты изготавливается посуда, вазы, скульптура,черепица,изразцы, игрушки , облицовочные плитки и архитектурные детали.


Майолика- ближайшая родственница гончарной керамики. Это слово произошло от названия средиземноморского острова Мальорка, где зародился этот вид керамики. Майоликой называют изделия из гончарных глин, покрытые цветными глазурями — эмалями. В технике майолики изготовляются как декоративные панно, наличники, изразцы и т. п., так и посуда и даже монументальные скульптурные изображения.

Но фарфор - дитя каолина, кварца и полевого шпата , стал известен европейцам только сравнительно недавно, около 300 лет назад.

Фарфор также различают в зависимости от состава фарфоровой массы и температурой обжига на мягкий и твёрдый. В состав последнего входит 47—66 % каолина, 25 % кварца и 25 % полевого шпата, он богаче каолином (глинозёмом) и беднее флюсами.


Самым твёрдым фарфором является костяной фарфор, в его состав входит до 50 % костяной золы, а также каолин, кварц и именно он отличается особой белизной, тонкостенностью и просвечиваемостью. Твёрдый фарфор используется обычно в технике (электроизоляторы) и в повседневном обиходе (посуда).

Мягкий фарфор отличается от твёрдого не твёрдостью, а тем, что при обжиге мягкого фарфора образуется больше жидкой фазы, чем при обжиге твёрдого, и поэтому выше опасность деформации заготовки при обжиге.

Мягкий фарфор состоит из 25—40 % каолина, 45 % кварца и 30 % полевого шпата. Температура обжига не превышает 1200—1250 °C , используется преимущественно для изготовления художественных изделий.


Как все начиналось

История европейского фарфора берет начало в Китае. Примерно в 6-7 веке в одной из провинций были обнаружены огромные запасы каолина и «фарфорового камня», которые при смешивании давали материал, более доступный и легкий в обработке. По тем временам это была революция в гончарном деле.


Из нового материала, названного фарфором, китайские гончары создавали посуду неземной красоты, садовые беседки, скамьи и даже пагоды! Несколько веков китайцы хранили в тайне от всего мира секрет изготовления фарфоровой посуды. Но все тайное когда-нибудь становится явным.

Взрыв интереса

Поистине бешеный интерес к китайскому фарфору появился в 15 веке, когда в царственных кругах Европы началась мода «на все китайское». По сравнению с грубоватым фаянсом почти невесомые фарфоровые чашечки с диковинными цветами и порхающими бабочками выглядели изысканно и роскошно, под стать королевским особам. Стоила такая посуда баснословных денег, ее дарили в качестве подарков королям и взяток вельможам.


В поисках тайны

В попытках разгадать секреты китайских мастеров купцы и путешественники в своих поездках в мельчайших подробностях описывали процесс изготовления фарфоровой посуды, но это не приближало к разгадке «чуда из Поднебесной». Несмотря на это, гончары Европы не сдавались, экспериментируя с различными видами почвы и химическими добавками, придумывая все новые технологии обжига.


Попытки увенчались успехом лишь в 1707 году в Саксонии. Математик, философ и экспериментатор Эренфрид Чингауз вместе с юным алхимиком Иоганном Бёттгером изобрели первый в Европе белый фарфор, материалом для которого послужила так называемая «шнорровская земля», которая в те времена шла на пудрение париков. Это был каолин, добываемый в Саксонии повсеместно. Рядом с одним из таких месторождений в Мейсене король Саксонии Август Сильный распорядился построить завод, на котором до сих пор производится знаменитый на весь мир мейсенский фарфор.

Своей славой мейсенский фарфор во многом обязан художнику Херольдту, который придумал декор из кажущихся живыми цветов. Секрет «фарфоровой формулы» держался в строжайшем секрете, а Бёттгера и его помощников тщательно охраняли. К слову сказать, позднее Бёттгер пытался тайно продать секрет изготовления фарфора королю Пруссии, за что поплатился свободой и собственной жизнью.


Утечка информации

Несмотря на все меры предосторожности, нескольким помощникам Бёттгера удалось бежать из королевского плена, и уже через несколько лет заработали фарфоровые заводы в Вене, Берлине, Севре и Копенгагене. У каждой из этих фабрик была своя «фишка», отличавшая ее изделия от других. Как ни парадоксально, но европейский фарфор не только превзошел по прочности и долговечности своего китайского собрата, но и стал совершенно новым продуктом. Изящные полупрозрачные чашечки мгновенно влюбили в себя всех жителей Европы, постепенно вытеснив с рынка китайский фарфор. В Европе фарфоровая посуда стала модным трендом и приносила огромную прибыль ее изготовителям, ведь каждая уважающая себя семья считала обязанным иметь на кухне что-либо фарфоровое.


Французский фарфор

Французский фарфор впервые был получен в 1740 году в городе Венсенн, пригороде Парижа. В 1756 году фабрику по производству фарфора переносят в Севр, неподалеку от дворца Бельвю, где жила Мадам де Помпадур. Фабрика в Севре славилась розовым фарфором, названным «розы Помпадур» в честь знаменитой фаворитки короля. Посуда расписывалась цветами и птицами,щедро покрывалась золотом. Севрские мастера не отставали от своих коллег, придумав совершенно новую технику изготовления статуэток из «бисквита» - неглазурованного фарфора, разработали новую палитру фоновых красок: черный, черепаховый, синий и коричневый.

Секреты производства севрского фарфора дошли и до наших дней, несколько фабрик во Франции до сих пор производят чашки, подарочные тарелки и фигурки по старинным рецептам 18 века. В 1767 году в Лиможе были обнаружены залежи уникальной белой глины, необходимой для изготовления твердого фарфора. Основное производство фарфора переместилось в Лимож, который и сегодня остается центром производства фарфора во Франции. Знаменитый на весь мир Лиможский фарфор, удивительно белый, тонкий, полупрозрачный, по-прежнему выпускают в Лиможе, он очень высоко ценится почитателями дорого, изысканного фарфора.



Английский фарфор

Одной из последних включилась в «фарфоровую лихорадку» Англия. Первые фарфоровые мануфактуры были основаны в районах Челси, Дерби и Боуи, многие из которых работают и сейчас. Поначалу ассортимент был подражательным: «китайские» вазы, чашечки в стиле рококо, статуэтки. Но постепенно родился фирменный английский стиль - романтические пейзажи, нарисованные синей краской на белом фоне, викторианские розы и золотая обводка. Этот стиль популярен и по сей день. Именно Англия изобрела знаменитый на весь мир костяной фарфор.


Произошло это на фабрике в местечке Стоук-он-Трент, где сейчас производится посуда известной компании Portmeirion. Ее основательница, Сьюзан Уильямс-Элис, возродила старинные традиции производства классического английского фарфора. Ее знаменитые коллекции Botanic garden (Ботанический Сад) и Pomona (Помона), воплотившие в себе дух утонченной классики и высокого качества, любят и ценят во всем мире, от Англии до Японии.

Ирландское фарфоровое плетение

Компания Belleek находится в одноименной деревушке, расположенной в графстве Фермана (провинция Ольстер, земля Северная Ирландия), и была основана в 1857 году. Вначале здесь производили тяжелую глиняную посуду, но главной целью владельцев было производство высококачественного фарфора.

Производимый здесь фарфор жемчужного цвета получил известность как паросский. Его начали изготавливать в XIX ст., делая попытки воссоздать славный древнегреческий паросский мрамор. Изготовление плетеного фарфора.

Русский фарфор

Россия также попала под очарование «белого золота». Естественно, никто из европейских стран не собирался делиться секретами производства, и российским мастерам пришлось заново изобретать формулу фарфора. «Отцом» русского фарфора является Дмитрий Виноградов, который заново изобрел формулу фарфора. По указанию Елизаветы Петровны в 1744 году под Петербургом была заложена первая «Порцелиновая мануфактура», впоследствии переименованная в «Императорский фарфоровый завод».

Виноградов смог наладить на заводе производство высококачественного фарфора из глины, найденной в месторождениях возле села Гжель. Он знал во всех тонкостях гончарное дело, умел рисовать и глазировать посуду, его перу принадлежит первая в России книга о фарфоре. Известная гжельская «сеточка» - повторение его авторского рисунка с сервиза «Собственный», созданный им специально для императрицы Елизаветы Петровны.

Виноградову, также как и Бёттгеру, удалось разгадать «китайский секрет», но его судьба отчасти повторила судьбу Бёттгера... Елизавета, боясь разглашения тайны, в буквальном смысле посадила Виноградова на цепь. В конце концов, он спился и умер в одиночестве в возрасте 38 лет, несмотря на все заслуги перед Отечеством.

После Революции «Императорский фарфоровый завод» переименовали в «Ломоносовский фарфоровый завод» (ЛФЗ), а в 2005 году вновь переименован в «Императорский фарфоровый завод».


Также большую популярность приобрела посуда «Дулевского фарфорового завода», основанного купцом Терентьевым в 19 веке. Он сделал акцент на «народности», самобытности и доступности. Возник оригинальный стиль под названием «агашки», вмиг полюбившийся купцами и разбогатевшими ремесленниками - крупные розы, яркие петухи на огромных выпуклых чайниках и жирная золотая кайма по краю. Во многих российских городах Дулевский фарфор до сих пор пользуется популярностью и народной любовью.


Не менее известна и любима в России посуда Гжельского фарфорового завода. Сине-белые бутоны и распустившиеся розы, птицы и животные, люди и пейзажи вот уже более века радуют глаз и создают уютную атмосферу на любой кухне. Если бы мы смогли переместиться во времени в 60-70 года прошлого века, мы бы увидели почти в каждой советской квартире знакомые синие узоры на белоснежном фоне. Кроме посуды и фигурок, гжельские мастера создают изразцы для печей и каминов, которые привносят дух старины в убранство дома.


В погоне за тайной китайского фарфора европейцы изобрели свои собственные формулы изготовления фарфоровой посуды. Вся прелесть в том, что каждое государство привнесло в это благородное дело свою самобытность и понимание Прекрасного.


https://dombutik.ru/blog/dish_history/index.html/id/18

https://www.tvorchistvo.ru/keramika-gretsii/

https://www.youtube.com/watch?v=67XtQjA3FhM

Показать полностью 8 2
Отличная работа, все прочитано!

Темы

Политика

Теги

Популярные авторы

Сообщества

18+

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Игры

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Юмор

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Отношения

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Здоровье

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Путешествия

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Спорт

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Хобби

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Сервис

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Природа

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Бизнес

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Транспорт

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Общение

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Юриспруденция

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Наука

Теги

Популярные авторы

Сообщества

IT

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Животные

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Кино и сериалы

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Экономика

Теги

Популярные авторы

Сообщества

Кулинария

Теги

Популярные авторы

Сообщества

История

Теги

Популярные авторы

Сообщества