На Руси технику эмали знали с глубокой древности (издавна она называлась финифтью). Ещё в XII веке финифть применяли при изготовлении церковной утвари, деталей парадного княжеского облачения, женских украшений, конской сбруи.

В 1822 году рязанский крестьянин пахал поле и неожиданно увидел в земле полуистлевший кожаный мешок. А раскрыв его, обнаружил усыпанные драгоценными камнями массивные золотые украшения. Их зарыли, когда грозные орды Батыя приближались к Рязани. Но владельцы уже не вернулись за сокровищами. Драгоценности пролежали в земле почти 600 лет.

Среди предметов клада — подвески-колты, которые женщины Древней Руси прикрепляли к головному убору. Они поражают роскошной отделкой и необычайно крупными размерами: диаметр каждой — 12 сантиметров, вес — 400 граммов. Полые внутри, колты наполнялись ароматическими веществами.

Колт и ожерелье из Рязанского клада.12й век

Техника перегородчатой эмали

Изображения, исполненные в технике перегородчатой эмали, требовавшей от ювелира высокого мастерства. Сначала на металле процарапывался рисунок, по контурам напаивались тонкие золотые перегородки, а образованные ячейки заполнялись слегка смоченным эмалевым порошком. Затем изделие несколько раз обжигали и тщательно полировали до тех пор, пока смоченную водой часть поверхности нельзя было отличить от сухой.

Древние изображения в технике перегордчатой эмали миниатюрны. При этом в них переданы даже такие детали, как зрачок глаза, мельчайший орнамент, складки одежды. Во времена монголо-татарского ига секрет создания перегородчатых эмалей был забыт. И всё же мастера-ювелиры продолжали использовать эмаль. В 14-15 веках она обычно служила фоном для резных или литых изображений.

Колт Райское Древо и птицы.Перегородчатая эмаль.11й век.

В 16 веке при Иване IV Грозном и Борисе Годунове искусные ювелиры из разных концов Русской земли создавали в мастерских Кремля изделия, украшавшие придворный быт.

В 1571 году Иван Грозный готовился к свадьбе с Марфой Собакиной. Тогда же он приказал кремлевским ювелирам исполнить Евангелие и пожертвовал его в Благовещенский собор. Оклад книги украшен чеканными медальонами, крупными драгоценными камнями, а изящный сканный узор из тонкой золотой проволочки залит эмалью

Евангелие Ивана Грозного.1571 г

Шедевр мастеров этой эпохи — чаша, изготовленная в Золотой палате Московского кремля в 1653 году. Она напоминает фантастический полураспустившийся цветок, на каждом лепестке которого исполнен в технике эмали букет их трав.

Чаша не раз меняла владельцев. Чёрная эмалевая надпись по верхнему краю — венцу — рассказывает о том, что она изготовлена по заказу главы русской церки патриарха Никона. От него перешла в дар царю Алексею Михайловичу. Позднее за важные дипломатические заслуги ею наградили князя Василия Васильевича Голицына. А когда Голицын, сторонник царевны Софьи, сестры Петра I, попал в опалу, чаша вновь вернулсь в царскую казну.

Чаша.1653 г

Роспись по финифти. Мастера Сольвычегодска

В 17 веке русские ювелиры научились расписывать по финифти. Для этого использовали горячие эмалевые краски, разведённые на эфирных маслах или скипидаре.

Особенно хорошо овладели такой техникой мастера северного города Сольвычегодска, который тогда назывался Усольском. Они украшали чаши, чарки, стаканы, ларцы яркой многоцветной росписью по белоснежному фону. Любимыми орнаментами были пышные гирлянды, сплетённые из тюльпанов, ирисов, маков, ромашек, нарциссов. Есть и сюжетные изображения — обычно иллюстрации к библейским историям.

Эмалевые миниатюры 18 века

Творчество мастеров этого столетия, в частности, сольвычегодских, подготовило появление в 18 веке эмалевой миниатюры. Среди её жанров преобладал портрет, и не случайно. Петровская эпоха утверждала значение человеческой личности. В это время начала формироваться национальная школа портретной живописи.

Миниатюры исполнялись на меди, серебре и золоте. Металлическая пластина покрывалась слоем однотонной, обычно белой эмали и обжигалась несколько раз, пока не становилась ровной и гладкой. Нанесённую роспись покрывали фондоном — прозрачной стекловидной массой, предохраняющей живопись от царапин. А оборотную сторону пластины обязательно заливали контрэмалью, иначе из-за неравномерного охлаждения металла и эмали на поверхности могли образоваться трещины. При росписи эмальер применял технику пунктира: наносил краску точечными прикосновениями кисти. Это давало возможность передать тончайшие цветовые нюансы и светотень.

Художник- эмальер Мусикийский Г.С.

Создатель русской портретной миниатюры по эмали — Григорий Семёнович Мусикийский. Известно, что в 1710 году он числился живописцем Оружейной палаты, а спустя несколько лет назван в документах «финифтяных дел мастером». Сохранилось немало его работ. Среди них преобладают портреты Петра I, его жены Екатерины I, их детей, князя Меньшикова. Эмальеры никогда не писали с натуры, а повторяли известные живописные образцы

Эмалевые миниатюры в 18 веке вставляли в кольца, медальоны, браслеты, помещали на табакерках, использовали для украшения предметов культа. И если в середине столетия финифть была яркая, сочная, то позднее ей на смену приходит двухцветная, исполненная в бело-серых или бело-голубых тонах — так называемая гризайль.

Ювелиры изобретали и новые декоративные приёмы. Мастера Великого Устюга покрывали поверхность медных блюд, кубков, чарок однотонной эмалью и вплавляли в неё серебряные рельефные накладки, которые отливали в специальных матрицах.

В 19 столетии мастера крупнейших русских ювелирных фирм использовали все приёмы эмальерного искусства и даже возродили давно забытые. В 1842 году открылась знаменитая ювелирная фабрика Густава Фаберже в Петербурге. Эмальерным делом занимались также фирмы Овчинникова, Сазикова, Хлебникова, Курлюкова, братьев Грачёвых, мастерские Тенишевой, Рюкерта. Массовое производство сделало очень популярными и распространенными изделия из эмали.

Конец 19- начало 20 века искусствоведы назвали «золотым веком» русской эмали.

Набор для чая и кофе из серебра с позолотой. Овчинников П. 19 в.

Яйцо пасхальное Клевер.Фирма Карла Фаберже.Мастер Перхин М.Е. 1902г

Эмаль привлекала и советских ювелиров. Славятся и сейчас расписные изделия фабрики «Ростовская финифть» в Ростове Ярославском. На предприятии «Русские самоцветы» (Петербург) эмалью по скани украшают чайные сервизы, различные столовые предметы. Феерия ярких, сверкающих красок радует нас в произведениях талантливых современных мастеров.

Эмаль Ростовская финифть

Источник: https://artlegends.ru/raznoe/iskusstvo-russkoj-emali

Серьги "ломбардский шрифт" с горячей эмалью и цитринами.

Серьги-гвоздики  с замечательными кроликами со шпалер 15 века "ДАМА И ЕДИНОРОГ" .Придуманы и изготовлены мною.вставки написаны художником  по моему проекту.

Вот такое яркое колечко .с музыкантом из средневековья. получилось.диаметр кольца 17.5 мм .сделано мною.замечательную вставку  писал художник  по моему проекту.

Дымковская игрушка

Кировская область

По легенде, первые дымковские игрушки слепили к весеннему празднику «Свистопляска», который сопровождался трёхдневной ярмаркой. Своё название они получили в честь слободы Дымково (сейчас микрорайон в Кирове).

«Всю зиму дымковские мастерицы лепили поделки для вятской ярмарки, — рассказывает Надежда Копосова, генеральный директор Центра народных промыслов и ремёсел «Вятка». — Глину брали на берегу реки Вятки, смешивали с песком. Изделие сушили до 50 дней, после чего обжигали. Затем его белили в специальном растворе из молока и мела, чтобы убрать следы копоти, которая образуется при обжиге. Игрушки расписывали красками, замешенными на яйце. Обязательный элемент — квадратик сусального золота. Это солнышко, которого в наших краях так мало».

Более 700 дымковских изделий собрано в кировском музее «Дымковская игрушка». Помимо экскурсии музей предлагает получасовую встречу с мастерицей, во время которой она демонстрирует процесс создания игрушки. Можно также записаться на мастер-класс — за час вас научат лепить дымковскую птичку.

Золотное шитьё

Тверская область

«Золотошвейный промысел известен на Руси с Х века благодаря княгине Ольге. Она привезла это искусство из Византии, где подсмотрела, как местные мастерицы при дворе вышивают золотом, — говорит Галина Шарапкова, заместитель гендиректора по туризму фабрики «Торжокские золотошвеи». — Торжок — историческая родина этого промысла в России. Мы храним традицию золотного шитья с XII века».

В такой нити содержится 5−8% золота. Её не пропускают сквозь ткань, а нашивают поверх изделия шёлковыми нитками, что экономит драгоценный материал. Местные мастерицы расшивали золотом иконы, одежду, обувь и головные уборы, им заказывали изделия члены правящей династии. Золотным шитьём было декорировано платье Екатерины Великой, а также костюмы царской семьи для коронации Александра II.

Об этих и других фактах подробно рассказывают в Музее золотного шитья при фабрике «Торжокские золотошвеи», здесь же мастерицы делятся секретами ремесла.

Финифть

Ярославская область

В XVIII веке, когда в Ростове только зародилась финифть, мастера декорировали эмалью иконы и образки. А после революции им пришлось перейти на цветочные сюжеты, по которым финифть и известна сейчас.

«В 1918 году из сети артелей появляется наша фабрика «Ростовская финифть», — рассказывает её директор, Андрей Полион. — Техника финифти непростая. Вначале выковывается медная пластинка. Она всегда выпуклая — при многократном обжиге такая не деформируется. С двух сторон её посыпают истолчённой в порошок белой эмалью, после чего обжигают трижды при температуре +800 °С. На этот «холст» наносят рисунок надглазурной краской. Изделие опять обжигают несколько раз. Бесконечно это делать нельзя, иначе эмаль становится жидкой и стекает».

В Музее финифти в Ростове можно посмотреть на 2,5 тысячи миниатюр разных веков, а в музее при фабрике «Ростовская финифть» — изготовить собственную эмалевую миниатюру.

Палех

Ивановская область

В истории палехской миниатюры немалую роль сыграла революция. До 1917 года в Палехе существовала традиция иконописи. Впоследствии мастерам пришлось переквалифицироваться: бывшие иконописцы создали Палехскую художественную декоративную артель, где стали экспериментировать с отточенной веками техникой темперной живописи. Так появились палехские лаковые миниатюры — сюжеты, расписанные на тёмном фоне с использованием золота. Как правило, ими украшали шкатулки из папье-маше. Новый промысел в скором времени оценили за границей — во время Всемирной выставки в Париже в 1925 году.

Среди почитателей этого ремесла был Максим Горький. Именно он посодействовал созданию Государственного музея Палехского искусства. Сегодня здесь собрана большая коллекция лаковых миниатюр и палехских икон.

Пуховые платки

Оренбургская область

«Наши степи холодные и продуваемые, поэтому в старину скотоводы поддевали пуховые изделия, — объясняет Валентина Савенко, сотрудница комбината «Оренбургский пуховый платок». — Пух оренбургских коз имеет полость, которая заполнена воздухом — такого больше нет нигде в мире! Наших коз даже вывозили за границу, но там они не давали такого пуха. Вначале животное вычёсывают. Оно плачет, но по-другому нельзя — если козу стричь, пух смешивается с волосом. Затем пух долго вычищают, а потом из него делают пряжу. Наши мастерицы вяжут платки зимними вечерами на дому в своих деревнях. Правда, узоры похожи на иней на окне? ».

Полюбоваться невесомыми пуховыми изделиями можно в специальной галерее «Оренбургский пуховый платок» местного областного музея.

Елецкое кружево

Липецкая область

Официальную дату рождения елецкого кружева связывают с появлением первой мастерской в имении князя Куракина в 1813 году. Но кружевоплетением в Ельце занимались и раньше: местные мастерицы плели гарус — шерстяной шнур для отделки солдатских мундиров. Для этого использовали коклюшки — деревянные катушки с ручкой. Такие же, но более изящные применяются и сейчас. Когда военная форма изменилась и в гарусе отпала потребность, мастерицы окончательно переключились на кружево.

В конце XIX века в Елец протянули железную дорогу. Это отразилось на спросе: кружевоплетением стали заниматься не только в городе, но и в радиусе 30 километров от него. Настоящее же мировое признание елецкое кружево получило на выставке в Вене в 1873 году.

Посмотреть на коллекцию ажурных изделий стоит в Музее елецкого кружева. А понаблюдать за тем, как мастерицы плетут кружево под перестук деревянных коклюшек, можно во время экскурсии на фабрику «Елецкие кружева».

Великоустюжское чернение по серебру

Вологодская область

Этот промысел развивается в Великом Устюге с XVII столетия. Процесс чернения по серебру сложный. На готовое металлическое изделие вручную наносят гравировку. Затем углубления заполняют чернью — сплавом из серебра и сульфидов металлов.

«Особенность промысла — в правильной пропорции элементов и в прочном сцеплении черни с серебром, — объясняет Ирина Хохлова, сотрудник завода «Северная чернь». — Старые мастера передавали секрет черневого дела детям по мужской линии. Последний потомственный мастер, хранитель секрета черни Михаил Чирков восемь лет обучался у деда. В 1933 году он организовал артель «Северная чернь». Сегодня на заводе работают 400 человек, и только двое умеют варить чернь».

На заводе секрет черни, конечно, не раскроют, но проведут экскурсию в цеха, а также покажут, как происходит ручная гравировка. На мастер-классе помогают выгравировать снежинку на память.

Хохлома

Нижегородская область

По одной из легенд, хохлому придумали старообрядцы из заволжских лесов. Они расписывали иконы особым способом: наносили оловянный порошок и льняное масло, а после обжига фон становился золотым. Затем иконы покрывали растительным узором, похожим на хохлому. Первые упоминания об этом промысле относятся к XVII веку. А официальной родиной хохломы считают город Семёнов — столицу деревянной ложки.

«Всё началось с ложки. Её здесь делают больше 500 лет, — рассказывает Валерий Здоров, заместитель директора предприятия «Промысел». — В дерево- втирали льняное масло, после чего сушили в печи для крепости. Получался золотистый цвет — потому-то хохлому и называют золотой. Уже потом изделия расписывали цветами, листочками и ягодами».

Узнать больше о хохломе можно в музейно-туристическом центре «Золотая хохлома», где представлены экспонаты XIX—XX вв.еков. Там же можно самому расписать ложку, матрёшку или досочку на мастер-классе. Экскурсии на предприятие проходят на заводе «Хохломская роспись» и «Промысел» (запись за 2−3 дня).

Художественная обработка бересты

Республика Коми

В Коми много лесов, поэтому местные жители с давних времён научились обрабатывать берёзовую кору. Этот природный материал эластичен и не боится влаги — из бересты делали посуду, украшения, игрушки, музыкальные инструменты, обувь и даже головные уборы. Кору заготавливают в июне-июле, когда её легче отделить от ствола, и высушивают в тени — на солнце она сворачивается. Перед тем как приступить к обработке, бересту делят на слои. Как с ней работать, можно узнать в Национальном музее Республики Коми.

«На мастер-классе мы делаем музыкальные инструменты и украшения из бересты, — говорит Надежда Фефилова, научный сотрудник музея. — Материал я добываю сама. Работаем прямо в музее, в интерьере избы. Во время занятия я показываю экспонаты из фонда, которые не представлены в основной экспозиции».

Гжель

Московская область

Посёлок Гжель издавна считался гончарным центром: здесь делали глиняную посуду, а после того, как в окрестностях нашли серую глину, стали производить полуфаянс.

«Изделия расписывали цветными красками, а узнаваемую сине-белую гжель стали осваивать с 1946 года, — говорит Сергей Симонов, главный художник Гжельского фарфорового завода. — Гжель делают из жидкой фарфоровой массы. Изделие сохнет день, после чего его обжигают при 850 градусах-, расписывают окисью кобальта, а поверх покрывают глазурью и опять помещают в печь — на восемь часов. При 1350 градусах глазурь становится прозрачной, а фарфор — прочным. Гжель остывает целые сутки. Последний штрих — проверка качества».

Увидеть процесс своими глазами можно на экскурсии по Гжельскому фарфоровому заводу (будние дни, запись за неделю). Также стоит посетить музей при заводе «Объединение Гжель», где собрано более двух тысяч экспонатов. Здесь же на мастер-классе учат лепить или расписывать изделия.

источник: http://www.nat-geo.ru/travel/1022761-otkryvaem-rossiyu-narod...