Radinia

Продолжение поста https://pikabu.ru/story/chelovekgrafik_3_tontonton_6576753
Это должен был быть один текст, но мое желание постить как можно больше картинок - мой враг. Продолжаем рассматривать примеры композиций, в которых работает тон.

Анна Остроумова-Лебедева. Эти гравюры не самый удачный пример, в них все-таки очень сильна живописность (взаимодействие цветов, тепло-холодность и прочее), но тон в них все же работает ярче, поэтому пусть будут. А ещё они мне просто очень нравятся.

Для создания тона не обязательно разводить «черную краску» или смешивать ее с белой, можно воспользоваться оптическим смешением. Посмотрите на пример ниже, скопления точек воспринимаются как квадраты разного тона, т.е. как пятна. Кстати, именно по такому принципу работают принтеры.

Пабло Хурадо Руис создает тон с помощью точек. Делая точки более редкими, он создает более мягкие, плавные переходы между тонами.

Пабло Хурадо Руис.

Советский художник Гурий Захаров работал в технике линогравюры. Печатал он в одну доску (т.е. в одну краску), поэтому разницу тона создавал с помощью штриха. Посмотрите на мою любимую его картинку с речкой. Тона где-то плавно переходят с помощью изменений толщины и частоты штриха, а где-то резко сменяются. Ветви четко прорисовываются с помощью белой «обтравки». А какими материальными и черными-черными кажутся лошади, которых почти не коснулся штихель. Штихель – это что-то вроде стамески, которой вырезаются гравюры, подробнее об этом я напишу в посте о графических техниках.

Гурий Захаров.

Задание.

Сделать продуманную по тону композицию с нуля не так уж и просто. Поэтому своим ученикам я предлагаю разобрать по тону картину какого-нибудь признанного мастера. Для сложности, картины мы берём цветные. Любую картинку можно «упростить» до двух, трёх и любого необходимого количества цветов. Ученики выполняют это задание простым карандашом, углём или в технике коллажа из предварительно выкрашенных в нужные цвета бумажек.

«Над вечным покоем" Исаака Левитана, обработанная в фотошопе до двух, трёх, пяти и бесконечного количества тонов (четвертая картинка - оригинал, переведенный в оттенки серого).

Этот пост я хотела, как и первый снабдить определением из словаря, но при беглом поиске не нашла определения, близкого тому, что художники понимают под словом «тон».

Художники не связывают его с цветом, это как раз градации «темноты» и «светлоты». Обратите внимание, что градации на картинке не разделены линиями, работает только пятно.

Иллюстрация из книги Иоханнеса Иттена «Искусство формы». По словам Иттена, самые одаренные его ученики могли различать до 44 градаций серого, но здесь их меньше.

Сразу оговорюсь, что у цвета тоже есть тон, например, этот желтый по тону будет «темнее» этого конкретного оттенка фиолетового (сиреневого). Но желтый светлее по тону, чем обычный фиолетовый. О цвете будет отдельный пост, пока забудем о нем, представим, что у нас только черная (и, возможно, белая) краска.

Важно помнить, что тон – понятие относительное. Один и тот же серый кажется темным рядом с белым, и светлым на черном. Кажется, что легко определить, что какого тона, но если вы имеете дело с объемной формой, да еще и цветной (например, с натюрмортом), расставить все по местам непросто. Конечно, этот навык, как и любой другой, нарабатывается.

С помощью тона художник разделяет предметы и привлекает внимание к важному (центру композиции и прочим акцентам). Чтобы выделить черный предмет, его располагают на светлом фоне, и наоборот.

Например, нам надо нарисовать вазу с цветами пятнами. Будем работать только пятном, не используя линии. Если мы нарисуем белую вазу на белом фоне, будет просто белый лист. Значит, фон и ваза должны быть разными по тону. Ваза и цветы должны быть разными по тону. Чтобы ваза не висела в воздухе добавим стол, а также добавим «детали» в букет в виде отдельных цветочков и теней. Можно остановиться на этом, но можно усложнить, добавив собственные и падающие тени. Мне не понравилось, что цветы и ваза «спорят» друг с другом, поэтому я перекрасила вазу в более темный тон и убила двух зайцев: белые цветы стали привлекать взгляд, а ваза «отлепилась» от фона, вышла на передний план за счет того, что стала самым темным пятном. Так первый план становится самым контрастным (на нем самые белые и самые черные пятна). Дальше остается только добавлять детали, чтобы сделать работу законченной и, возможно, смягчать переходы между тонами.

Кстати, живописная работа, написанная тонами, без использования других цветов кроме черной (или коричневой) и белой называется гризайль.

Рассмотрим картину Эйвинда Эрла (да, она цветная, но в ней почти нет живописных отношений, по сути мы имеем дело с разными тонами одного цвета, поэтому она годится для иллюстрирования темы). Кажется, что белые веточки сверкают на свету, на самом деле они точно такого же тона, как фон. Их наложение на темное пятно ветки, соотношение размеров и форм этих пятен создаёт нужный художнику эффект яркого солнечного света. И моделирует объем, естественно.

Какие ещё эффекты доступны нам с помощью тона? Посмотрим на другую картинку этого же художника. Здесь работает свето-воздушная перспектива. Если упростить, перспектива служит для того, чтобы разделить предметы на близкие и дальние. Линейная перспектива (я сделаю о ней отдельный пост) указывает нам рисовать расположенные далеко предметы меньше (пока представьте сужающиеся к горизонту рельсы или уменьшающиеся в высоте, «сокращающиеся» уличные фонари). Свето-воздушная указывает на изменения в тоне и цвете предмета. Даже самый чистый воздух не прозрачен на 100%, из-за этого предметы вдалеке «сереют». Чёрный становится темно-серым, белый - светло-серым, красный - блекло-красным. Чем дальше предмет, тем эффект сильнее, в туман, дождь и снег он преумножаются. Итого: рисуем дальние деревья светлее, чем деревья на переднем плане.

Третью его картинку проанализируйте сами. Какими методами художник разделяет передний план и фон?

Конечно, описанное вышее - далеко не все, что можно сделать с помощью тона, а только самые-самые азы.

Я подобрала несколько примеров графики, где работают тоновые градации.

Франсиско Гойя. В его офортах тоновая проработка с помощью акватинты (серые зернистые места) сочетается с травленым штрихом.

Киёси Саито. Работает с технике гравюры на дереве (ксилографии).

Роберт Кипнесс. Не знаю, что это за техника, но атмосфера совершенно потусторонняя.

Здесь у меня закончилось место для картинок, поэтому будет продолжение.

Представим, что у нас есть некий предмет, который нам надо изобразить. Чтобы предмет вышел узнаваемым, мы должны отметить и нарисовать все важные детали.

Если задача звучит: «нарисовать кружку», первая попытка провалилась. Художник слишком упростил форму (или просто выбрал неудачную сторону). Вторая лучше, но тут главное, чтобы она не воспринималась как сумка, сейчас на грани, а если поставить на бок будет 100% сумка. Форма двух последних кружек уже более сложная, но абсолютно узнаваемая.

Конечно, кружки бывают разных форм, но это частные случаи. Быстрее всего зритель воспримет простую форму, совмещающую в себе все важные характеристики кружки, но не несущую ничего лишнего и сложного, «идеальную кружку». Это как раз обобщение.

Теперь разберем более сложный пример из книги «Рисунок в помощь художнику-оформителю» К.Н. Аксенова. Автор приводит вот этот плакат Д. Моора дополняет его рассказом.

Дмитрий Моор «Помоги»

Тема плаката, его задача – призыв к помощи голодающим крестьянам. Решение плаката автор искал в различных вариантах. В первых набросках было много истощенных фигур, взрослых, стариков, детей, на фоновой части изображался сложный пейзаж.

Колористическое решение рисунка было также очень сложным, что мешало доходчивости и выразительности произведения. Было много цифр и текста, разъясняющего сущность происходящего. В последующих вариантах плаката художник начала удалять из композиции второстепенные детали и сосредоточил внимание на одной центральной фигуре.

В окончательном варианте от многофигурной, сложной композиции осталась только одна, но в высшей степени выразительная, кричащая о помощи фигура крестьянина. От пейзажа осталась также одна, но о многом говорящая деталь – сломанный стебелек колоска. Сложное, многоцветное колористическое построение свелось к обобщенному силуэтному черно-белому решению. От многословного текста осталось единственное слово – «помоги».

На примере этого плаката мы видим, что лаконичное решение темы, формы и цвета не ведет к упрощению, а, наоборот, благодаря умелому обобщению поистине трагическое звучание и глубокий психологический смысл.

Если коротко: один орущий мужик на черном фоне и одно слово привлекает больше внимания, чем разноцветная толпа на фоне разноцветного пейзажа и кучи текста.

Интересно сравнить плакат 1919 года с плакатом «Родина, отомсти» того же Моора, но сделанным в 1941 году. Автор явно занимается самоповтором, второй плакат гораздо менее выразительный. Возможно, это связано со спешкой, быстрой реакцией на начало войны, проанализируем, почему так получилось. Центральная фигура практически та же, но не такая вытянутая, более реалистичная по пропорциям, что тут скорее вредит впечатлению. Старик из 1919 вызывает ассоциации с фигурами святых на русских иконах, его жест полон энергии отчаяния, раскрытыми ладонями он словно сдается на милость зрителя. Старик из 1945 просто довольно коряво вырезан (спешка, что поделать), но и жест его совсем другой. Один сжатый кулак не меняет позу «сдаюсь» на позу «отомщу», для этой эмоции все положение фигуры должно быть другим, а здесь очень чувствуется противоречие всех частей тела. Прежде чем «прочитать» кулак мозг делает паузу, «зависая» на сломе локтя, замедляет все восприятие композиции. Вместо надломленного колоска с четким силуэтом, целое сломанное дерево из кучи линий, символ понятен, но если колосок «пронзал» старика в 1919, здесь старик и дерево пластически не взаимодействуют, они отдельно. Множество мелких деталей на дереве требуют более долгого рассматривания. Тоже самое со сложным силуэтом убитого юноши. В левом углу самолет ведет бомбардировку, он еще более отдельно и вообще практически незаметен. Весь плакат 1941 нельзя охватить одним взглядом, считать как одно пятно, единый символ. Художественное решение менее удачное. Сравните сами. (Слева Иоанн Предтеча из Ферапонтова монастыря кисти Дионисия и мастерской)

Что с этим знанием художнику делать на практике? Не надо плодить сущности и бездумно усложнять свои композиции. Рисовать только то, что работает на общий эффект, и только с той стороны, с которой предмет понятен и узнаваем.

А как же сложные композиции? Они тоже прошли через это сито, просто художник твердо понимает, какой элемент на каком месте и зачем ему нужен.

Примеров не будет, потому что любое произведение искусства – результат художественного отбора. Задания не будет по той же причине.

Всем привет! Я художник, если точнее художник-график, если еще точнее иллюстратор.

В последний год я активно начала преподавать, вспоминать и переосмысливать азы ремесла, писать программы и уроки. Буду рада, если мои наработки окажутся полезными.

По академическому словарю:

«Графика – изобразительное искусство, пользующееся комбинацией линий и штрихов и контрастов белого и черного, без применения красок.»

И уже неправильно. На самом деле графики используют краски. Посмотрела бы я на офортиста или гравера, которому бы сказали, что в графике не используются краски. Но это уже отдельный разговор о техниках. Живописцы тоже используют далеко не только краски, слышали о мозаике? Мозаика – вид монументальной живописи.

Википедия пишет:

«Гра́фика — вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки.»

И это уже больше похоже на правду. Действительно, это основные средства графики и именно с них я бы хотела начать. Подчеркну, что пока не будем сильно усложнять и касаться темы цвета. Представьте, что у нас есть только белый лист и черная краска.

Линия

Что может быть проще: из пункта А в пункт Б…

На самом деле все, конечно, не просто. Да, линия это самое быстрое изобразительное средство. Мастер одни росчерком, за пару секунд может создать образ, да что там образ, шедевр.

Вот одна из самых известных работ, выполненных линией. Просто, быстро и понятно. Пабло Пикассо «Голубь мира».

Когда мы рисуем линию мы несколькими быстрыми «разрезами» нарушаем целостное белое полотно холста, изобразительную плоскость (чаще всего просто лист бумаги). Важно добиться тонкой грани, когда изображаемый предмет (образ) уже узнаваем, но еще не превращается в чертеж или мешанину лишних линий. Вот, например, работа современного художника Дениса Коробкова. Лев узнается моментально. Но обратите внимание, как выполнены сами линии, они не обводят контур, как нарисовал бы ребенок. Большинство линий на рисунке не замкнутые, они свободные, но при этом на 100% работают на общее впечатление, дополняют. Есть такое правило: если какой-то элемент можно убрать из композиции, не сделав композицию хуже, его НУЖНО убрать. Вообще обобщение и обострение – тема отдельного поста, конечно.

Важно выбрать правильную толщину линии. Очень маленькая картинка, выполненная толстой линией скорее всего будет выглядеть неопрятно, а большое изображение, выполненное тонкой может распасться и даже потеряться на листе. Где-то линия может меняться утончаться и утолщаться. Иногда наоборот необходимо, чтобы она была постоянной и равномерной по всей длине.

Владение своей рукой – половина успеха. Без этого весь гениальный замысел просто останется у вас в голове, на бумаге будет лишь жалкое подобие. Когда ребенку впервые дают карандаш или фломастер, он покрывает лист (обои, мамино любимо платье…) хаотичным кружевом линий. Они не осмыслены потому что ребенок еще только учится пользоваться своим телом. С возрастом моторика улучшается, школьники уже могут рисовать аккуратно (при должном терпении и желании), но, как правило, дальше этот навык не развивается (а если после окончания школы не брать ручку в руки вовсе, обходясь клавиатурой, можно и назад откатиться).

Сразу скажу, я не верю во врожденный талант. Наверное, бывает предрасположенность к рисованию, но тогда она выражается именно в желании рисовать. Много рисовать, порой рисовать всегда и везде. А если долго мучиться – всё получится. Если забросить – соответственно. Напишу еще на эту тему, а пока помните: количество рисунков переходит в качество.

Итак, линия выполняется быстро и лаконично, твердой рукой, служит сама по себе чаще всего для набросков, скетчей, эскизов, но является важной частью в полноценных композициях. Я старалась подобрать примеры, в которых работала бы ТОЛЬКО линия, но в некоторых картинках ниже встречаются и пятна (особенно у Бердслея).

Пабло Пикассо.

Ладо Гудиашвили.

Обри Бердслей.

Иван Билибин.

Пятно

Пятно для меня самое любимое средство в графике, хлебом меня не корми, дай сделать композицию, основанную на пятнах.

Самое простое, что тут можно придумать – силуэт.

«Силуэт – одноцветное контурное изображение чего-либо на фоне другого цвета, смутные очертания чего-либо в темноте, вдали, в тумане, видимые без деталей.»

Самое важное в силуэте – узнаваемость. Зритель не должен играть в игру «что имел в виду художник», все важные элементы на месте, сюжет читается. Это правило действует и в иллюстрации, и в театре теней :)

Тот же принцип использовали для своих сосудов и греки, такие вазы называют «чернофигурными» или «краснофигурными» в зависимости от того, закрашен фон или персонажи. Иногда добавляются белые цветовые акценты.

Артур Рэкем.

Конечно, пятно – далеко не всегда силуэт. Посмотрите на «Побелку» Дениса Коробкова. Окрашенная стена формирует силуэт женщины и ручки валика. Белая рубашка отделяется от комбинезона, белая косынка от кожи и стены, пятна краски «вылепляют» ботинки и банку с краской.

Или на этот плакат Рене Грюо. Силуэт девушки в дверном проеме четко очерчен, но ее перчатки «сливаются», как говорят художники «объединяются» с дверным проемом, создавая более интересное пятно. Если бы перчатки были, например, красными, картинка не казалась бы такой элегантной. В данном случае: серые двери = пятно, красное платье = пятно, цвет кожи = пятно, черный проем+ черные перчатки + черные волосы = пятно.

Точка

Что такое точка в графике и почему ее выделяют в отдельное средство мне до сих пор совершенно не понятно. Мне кажется, правильнее ее было бы воспринимать как маленькое пятно или как короткую линию. А последовательность точек мозгом однозначно воспринимается как линия, так же как форма из нескольких линий-штрихов воспринимается пятном.

Штрих

А штрих – важная тема, но про него, мне кажется, правильнее будет вспомнить в уроке про тон. На первых этапах может получиться много путаницы, к тому же сама я не очень люблю использовать штриховые градации графике, предпочитая четкое пятно, введение второго более светлого цвета, градиент в конце концов.

Завтра выложу продолжение с заданием, которое мы с учениками выполняем для отработки этой темы.

Текст мой, был до этого опубликован ВК.

Лось уже поселился на подоконнике над моим столом и знакомится с товарищами: