Смысл?
вдохновили
Вот подумайте. А оно вам надо? Что вы там найдете?
вдохновили
Вот подумайте. А оно вам надо? Что вы там найдете?
Так будет выглядеть официальный стакан для попкорна по второй части фильма «Дюна». Он выполнен в стиле выпрыгивающего из песка червя Шаи-Хулуда.
Когда искал серебро, а нашел золото...
Историк архитектуры Анна Броновицкая разбирает самые знаковые и необычные интерьеры в фантастических фильмах СССР — от прозрачной башни и круглых лифтов до космических обоев в цветочек и всеми любимой гравицапы.
Интерьеры космических кораблей и инопланетных сооружений — увлекательная задача для любого кинохудожника. Как может быть устроена среда, настолько отличающаяся от нашей повседневности? Как снять людей, находящихся в невесомости? Художники ломали над этим головы вместе с режиссерами и учеными консультантами.
Космическая тема давала возможность раздвинуть рамки социалистического реализма и протащить в кино элементы авангарда, сюрреализма и отсветы запретного американского модернизма. Но заимствование не было односторонним, особенно после того, как СССР начал реальное освоение космоса.
Джордж Лукас, создатель «Звездных войн», считал своим предшественником ленинградского мастера комбинированных съемок и режиссера Павла Клушанцева, а имя Дарта Вейдера не случайно похоже на «Дар Ветер» — так звали героя фильма «Туманность Андромеды», снятого на киевской Киностудии имени Довженко. Стэнли Кубрик позаимствовал форму станции для фильма «2001 год: Космическая одиссея» из фильма Клушанцева «Дорога к звездам», а потом Андрей Тарковский в «Солярисе» стремился дать свой ответ Кубрику. Зная все это, нам смотреть на космический футуризм советского прошлого, может быть, еще интереснее, чем было первым зрителям этих фильмов.
Фильм, снятый Яковом Протазановым по фантастической повести Алексея Толстого, принадлежит к шедеврам мирового киноавангарда. Своим международным признанием он во многом обязан образам марсианской жизни.
Художником-постановщиком этих сцен был молодой авангардист Исаак Рабинович. С художницей по костюмам Александрой Экстер он был знаком еще по Киеву, где сначала учился в ее студии, а в 1918 году они вместе основали мастерскую декоративного искусства. Переехав в начале 1920-х в Москву, Рабинович и Экстер снова стали сотрудничать — например, над оформлением Всесоюзной сельскохозяйственной выставки 1922 года. Они прекрасно понимали друг друга, так что марсианская архитектура и костюмы в фильме «Аэлита» находятся в полной гармонии.
Создавая декорации для студий МХАТ, Рабинович активно задействовал выразительные возможности цвета, а в кино пришлось оперировать только формами, фактурами и светом. В его распоряжении остались перепады уровней, динамичные диагонали, нагромождения угловатых объемов, контрастные сочетания фактур, активное использование прозрачных материалов.
В целом это было близко фантазиям немецких архитекторов-экспрессионистов о хрустальных башнях и альпийской архитектуре, подобной заснеженным вершинам гор. Башня, где работает хранитель планетной энергии Гор, просто очень похожа на хрустальный собор, нарисованный в 1919-м Лионелем Фейнингером для программы школы Баухаус.
Как пишет в своей книге о Протазанове Михаил Арлазоров, увидев на выставке созданный Рабиновичем макет марсианского города, представитель некоей немецкой фирмы предложил финансировать производство картины в расчете на хорошую прибыль за прокат в Германии. Кинокомпания «Межрабпом-Русь» не согласилась уступить права на зарубежный прокат и осталась без немецких денег. Макет города мелькает в фильме, но из экономии было реализовано лишь несколько пространств, да и те в упрощенном виде. Воплощением фантазий Рабиновича занимался опытный художник театра и кино Сергей Козловский.
В СССР фильмы для детей и юношества должны были иметь не только развлекательный, но и просветительский характер. Первый в истории человечества полет на Луну нужно было показать максимально достоверно. Поэтому режиссер Василий Журавлев привлек в качестве научного консультанта крупнейшего теоретика космических полетов Константина Циолковского.
Циолковский очень увлекся задачей: он считал, что появление фильма, который заразит детей мечтой о космосе, ускорит превращение этой мечты в реальность. Он объяснил режиссеру и художнику фильма принципы устройства космического корабля и показал с помощью тряпичной куклы особенности движения человека в невесомости. Ученый даже подготовил целый графический «Альбом космических путешествий». Однако рисунки Циолковского — это схемы, которые не дают представления о том, как именно может выглядеть интерьер космического корабля. Эту задачу решал художник Юрий Швец, который уже проявил богатую фантазию в изображении техники, работая над кукольным анимационным фильмом «Новый Гулливер» (1935), именно Швец создал все орудия, которые лилипуты выставили против Гулливера. При этом эскизы декораций корректировал и утверждал Циолковский.
Кабина ракетоплана, в котором отправились на Луну академик Седых, ассистентка Марина и пробравшийся на корабль зайцем пионер Андрюша Орлов, не особенно футуристична: действие картины происходит в 1946 году. Мы видим клепаные конструкции, круглые иллюминаторы с раздвижными шторками, и множество приборов с разнообразными индикаторами и рычагами. Эта аппаратура смонтирована из элементов, использовавшихся в самолетостроении, в создании декораций участвовал также авиаконструктор Александр Микулин. В разрезе каюта шестигранная, и все ее поверхности, свободные от металлических приборов и конструкций, покрыты мягкой обивкой, чтобы у космонавтов был шанс не ушибиться, передвигаясь в невесомости.
Работа над этим фильмом и общение с Циолковским произвели на Юрия Швеца такое впечатление, что тема космоса стала для него главной и в работе художника-постановщика игровых и документальных фильмов, и в живописи.
Документальный научно-фантастический фильм снимался в те же месяцы, что шла подготовка к запуску первого искусственного спутника Земли. Кадры с летящим спутником были добавлены к уже готовому фильму в последний момент. Космическая программа была засекречена, но у режиссера Павла Клушанцева был доступ к Сергею Королеву и его помощникам. Фильм рассказывает о Константине Циолковском, его мечте о космосе и работе по развитию ракетной техники, а затем переходит к фантазии о том, каким будет освоение космоса в недалеком будущем.
В «Дороге к звездам» впервые была обнародована концепция постоянно действующей орбитальной станции. Если в ракете космонавты испытывают состояние невесомости, то на орбитальной станции с помощью вращения вокруг центральной оси искусственно создается гравитация. Придуманная Клушанцевым после консультаций с конструкторами космических аппаратов композиция станции, в которой вертикальные элементы объединены кольцом-торусом, впоследствии была заимствована Стэнли Кубриком для фильма «2001 год: Космическая одиссея».
Интерьеры станции намеренно собраны из знакомых зрителям элементов — режиссер стремился создать впечатление, что кинофантастика совсем скоро превратится в реальность. Металлические двери, герметично перекрывающие отсеки на случай попадания метеорита, такие же, как на подводных лодках. На полу в кольцеобразном коридоре лежит ковровая дорожка, как в каком-нибудь советском учреждении. Многое взято из оборудования железнодорожных вагонов: раздвижные занавески, подвесные кровати-полки, приставные столики. Алюминиевые столы, стулья, складные кресла — серийная мебель для дач. Уют в жилом отсеке сотрудницы создают трехцветная кошка, букет цветов в вазе и телевизор, принимающий передачи советского телевидения.
Догадаться о том, что художник фильма Михаил Цыбасов — ученик Павла Филонова и обладает большой фантазией, можно по кадрам лунного города, представленного на большом экране в кают-компании.
Фильм об экспедиции на Марс снимался на киевской студии Довженко за два года до полета Юрия Гагарина, но уже после запуска спутников, застолбивших первенство Советского Союза в освоении космоса. Оттепель уже развернулась вовсю, и обитатели орбитальной станции из фильма «Небо зовет» выглядят гораздо более раскрепощенными, чем космонавты из «Дороги к звездам». Кроме того, СССР триумфально продемонстрировал макеты первых космических аппаратов на Всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году, и это стало поводом примерить на картинку фильма взгляд западного зрителя. Провозглашенный в 1957 году лозунг «Догоним и перегоним Америку!» впрямую определил сюжет фильма: американские астронавты, стремясь попасть на Марс первыми, попадают в беду, и советским приходится их спасать.
Весь антураж стал гораздо более элегантным. Перелет в ракете, буднично доставляющей сотрудников на орбитальную станцию, как будто происходит в комфортабельном салоне самолета. Технические детали мало занимают режиссеров: технический прогресс идет стремительно, так или иначе конструкторы все проблемы решат. Поэтому в одном эпизоде мы узнаем, что нормально двигаться в условиях невесомости помогают магнитные ботинки (персонаж, забывший их надеть по прибытии, смешно болтается в воздухе), а в другом видим роскошно накрытый стол с хрустальными бокалами, в которые льются напитки.
Художнику Юрию Швецу, который за двадцать с небольшим лет до того работал с самим Циолковским на фильме «Космический рейс», наверное, непросто было принять такую вольность режиссеров, зато он вволю поэкспериментировал с архитектурой и обстановкой корабля. Там есть и круглые лифты, и подвесные алюминиевые мостики, и удивительная цветочная перегородка, отделяющая ведущую в кают-компанию лестницу. В кают-компании из приборов остался лишь большой экран видеосвязи; всевозможные датчики сконцентрированы в пункте управления, где им и место.
Мебель еще не по-настоящему модернистская, но стремится к новому стилю, а вот цветовая гамма интерьеров станции вполне отвечает интернациональной моде рубежа 1950–60-х.
Экранизация первой части фантастического романа Ивана Ефремова вышла на экраны в 1967 году, когда отмечалось 50-летие Октябрьской революции. Действие происходит в коммунистическом будущем, где все социальные противоречия разрешены, а технический прогресс достиг невероятных высот. Стиль фильма далек от социалистического реализма, и это неудивительно. Режиссер Евгений Шерстобитов провел детство в Риге, а образование получил во ВГИКе, где учился у Михаила Ромма на одном курсе с Андреем Тарковским и Василием Шукшиным.
Начальные сцены фильма разворачиваются на Земле, среди прекрасной крымской природы и не менее прекрасной современной архитектуры — реальных построек лагеря «Артек», спроектированных московским архитектором Анатолием Полянским.
Облик звездолета «Тантра», в котором герои фильма отправились в глубины космоса, разработал киевский художник Алексей Бобровников. Будущее он видел во многом сходно с авангардистами 1920-х годов: костюмы космонавтов как будто пошиты по эскизам Варвары Степановой или Казимира Малевича. В поисках образов художник обратился к своему студенчеству в Киевском художественном институте, где в 1920-х обучение строилось на тех же принципах, что в московском ВХУТЕМАСе или немецком Баухаусе.
Интерьеры «Тантры», однако, отражают знакомство с западными образцами.
Ключевые разговоры в фильме происходят в оборудованной на звездолете зоне отдыха — мы сегодня назвали бы ее чилл-лаунжем. В ней есть небольшой плавательный бассейн (проблему нейтрализации невесомости инженеры будущего, разумеется, решили), батут для прыжков, а часть помещения засыпана мелким песком, в котором расставлены элегантные белые шезлонги. Переходящие в свод стены отделаны глянцевыми выступами, напоминающими клавиши пишущей машинки, — это модный в 1960-х прием достижения пластического и тактильного богатства архитектурной поверхности. Торец же окрашен в синий цвет, напоминающий о небе, видном через атмосферу. Все это необходимо для поддержания физического и психического здоровья экипажа, который должен был провести в космосе 20 лет.
Андрей Тарковский всегда снимал визуально сильные фильмы, и ему было очень важно взаимопонимание с художником. С Михаилом Ромадиным они дружили еще со ВГИКа и понимали друг друга прекрасно. Тарковский решил снять фильм по мотивам романа Станислава Лема сразу после премьеры одноименного телеспектакля в 1968 году, гораздо более бережного по отношению к первоисточнику. Но соревновался он не с постановкой Бориса Ниренбурга, опиравшейся больше на текст, чем на зримые образы, а с «Космической одиссеей» Стэнли Кубрика, вышедшей в 1969-м. Великолепие космических интерьеров в фильме Кубрика раздражало Тарковского технологической экзотикой. Свою космическую станцию режиссер стремился максимально одомашнить, чтобы она подыгрывала гостям из земного прошлого и больной совести своих обитателей.
И на эскизах Ромадина, и в кадрах фильма эстетику космических интерьеров то и дело нарушает беспорядок. В кольцеобразном техническом коридоре, наполненном аппаратурой, со стен свисают пучки проводов, в каюте Сарториуса Крис обнаруживает покачивающийся гамак, из лаборатории Бертона выкатывается детский мячик.
В каюте, куда заселяется прибывший с Земли психолог Крис, царит порядок: личные вещи он убирает в шкаф за автоматически задвигающейся дверцей, кровать опускается из обитой белой кожей стены идеально заправленной, абсолютно пуста и чиста поверхность круглого стола, очень похожего на знаменитое кресло-тюльпан Ээро Сааринена (1957). Но потом среди всего этого появляется копия погибшей жены Криса в вязаном платье, и он начинает сходить с ума.
Кают-компания вращающейся вокруг загадочной планеты станции перенасыщена напоминаниями о земной культуре. Стены обшиты деревом, с потолка свисает практически театральная хрустальная люстра, горят восковые свечи в канделябрах, на полках среди книг множество декоративных предметов, включая китайскую вазу и гипсовый бюст Сократа. А в полукруглой нише, напоминающей алтарную, развешаны репродукции картин Брейгеля из цикла «Времена года», одну из которых вдруг крупно и в деталях начинает показывать камера, давая понять, что фильм не о приключениях в космосе, а о вечных проблемах человеческой души.
Фильм «Москва — Кассиопея», как и его продолжение, «Отроки во Вселенной», пользовался огромным успехом у советских школьников. Прежде всего благодаря увлекательному сценарию: шестерых подростков отправили к созвездию Кассиопея одних, без взрослых, потому что полет в один конец был рассчитан на 27 лет. Бюджет Киностудии детских и юношеских фильмов выделили небольшой, к тому же фильм в процессе съемок разросся, и его пришлось разделить на два. Скудость возможностей создатели фильма компенсировали изобретательностью.
Макет звездолета «Заря» собрали из недорогих материалов: мебель и стены обиты кожзаменителем, алюминиевые профили явно прежде были в употреблении. Иногда даже возникает ощущение, что помещения звездолета в прошлом были железнодорожными вагонами. Когда в начале фильма по кораблю водят экскурсию для иностранных журналистов, очень заметно, насколько кустарно все сколочено. Но когда действие разворачивается, зритель перестает замечать досадные мелочи, тем более что по сюжету звездолет построен в рекордные сроки — нужно было спешить на встречу с внеземным разумом!
Чтобы экипаж смог выдержать пятьдесят с лишним лет полета до Кассиопеи и обратно, технологичные интерьеры разбавлены вставками из «уютных» обоев в цветочек — ими оклеены даже стены классной комнаты, где юные космонавты занимаются с учительницей дистанционно. Но главным средством, которое должно было облегчить экипажу жизнь вдалеке от родной Земли, была кают-компания, откуда можно было попасть в одно из ста запрограммированных земных пространств — от берега речки до квартиры каждого из участников полета. Пространства эти предельно реалистичны, но ограничены. «Катя, не увлекайся, а то упрешься в небо», — останавливает сделавшую пару лишних шагов девочку наставник. И это в начале 1970-х, когда о виртуальной реальности никто и не слышал.
Фильм показывает деградацию когда-то высокоразвитой цивилизации на планете Плюк — благодатная тема для киберпанка, который Георгий Данелия умудрился протащить в позднесоветский кинематограф.
Все проржавело и разваливается, но силами местных умельцев кое-что иногда удается привести в работающее состояние. Найти натуру для съемок многих эпизодов оказалось несложно: строящийся тоннель метро, заброшенный завод в Черемушках. Но для создания инопланетного антуража художникам пришлось постараться. Вывезенные со свалки технологические обломки художник Теодор Тэжик соединял в причудливые комбинации, дополняя полиуретаном и при необходимости подкрашивая ржавчину. Но Тэжику, видимо, не хватало масштаба: пепелацы крошечные, персонажи все время забиваются в какие-то закоулки. Он попытался убедить Данелию включить в кадр парящие градирни, а когда тот наотрез отказался, навсегда с ним рассорился. К счастью, произошло это уже в конце работы над картиной.
А вот художника Вячеслава Колейчука, едва ли не самого большого затейника в российском современном искусстве, небольшой масштаб ничуть не смущал, и он с увлечением придумывал разнообразные инопланетные предметы. Данелия задал ему только слова — «цак», «тренклюкатор», «гравицапа», «визатор», — а как все это будет выглядеть, решал художник. Один из плюкских музыкальных инструментов, созданных Колейчуком, состоит из металлической трубки, к которой приделан полый шарик из переплетенных металлических шаров. Такие же шары, только большего размера и сделанные чуть ли не из скотча, встречаются и в интерьерах, так что к ним Ковальчук тоже причастен. Не зря же он был членом Союза архитекторов.
Взять с собой побольше вкусняшек, запасное колесо и знак аварийной остановки. А что сделать еще — посмотрите в нашем чек-листе. Бонусом — маршруты для отдыха, которые можно проехать даже в плохую погоду.
6 августа художнику, дизайнеру и режиссеру Энди Уорхолу исполнилось бы 95 лет. Его произведения — от изображений консервированного супа до портретов звезд и политиков — стали классикой современного искусства еще при жизни автора.
Энди Уорхол ест гамбургер — фрагмент документального фильма «66 сцен из жизни Америки» (1982), режиссёр Йорген Лет
И даже после смерти Уорхола его картины остаются в числе самых продаваемых на аукционах. Рассказываем, как складывался творческий путь короля поп-арта.
С матерью Юлией и братом Джоном (слева)
Андрей Варгола (так звучало имя Энди Уорхола на словацком) родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге в семье русинских иммигрантов, перебравшихся в США из Чехословакии. Любовь к творчеству он унаследовал от матери, которая зарабатывала на жизнь рукоделием. Рисованием мальчик увлекся в третьем классе, когда почти весь учебный год провел дома из-за болезни.
В 1949 году он окончил местный Технологический институт Карнеги, получив диплом бакалавра изобразительных искусств и дизайна, после чего отправился покорять Нью-Йорк. В подписи к первой публикации художника, чья фамилия писалась с «a» на конце (Warhola), закралась ошибка: «Drawings by Warhol». Это понравилось Уорхолу, и с тех пор он подписывался только так.
На старте карьеры Уорхол занимался оформлением витрин магазинов, создавал открытки и рекламные плакаты, а также сотрудничал с журналами Glamour, Vogue и Harper's Bazaar. В 1950 году первую известность ему принесли чернильные рисунки для рекламы обуви I. Miller. Спустя два года в галерее Хьюго в Нью-Йорке состоялась его дебютная персональная выставка с иллюстрациями к рассказам Трумэна Капоте.
«Я решил поседеть, чтобы никто не знал, сколько мне лет, и чтобы выглядеть моложе в глазах других… Когда у тебя седые волосы, каждое движение кажется "молодым" и "бодрым". У тебя как будто появляется новый талант. Поэтому я выкрасил волосы в седой цвет, когда мне было 23 года».
В конце 1950-х годов Уорхол начал экспериментировать с трафаретной печатью (шелкографией), а в 1960-х обратился к поп-арту — течению, где художественным объектом выступают товары массового производства. Например, он посвятил несколько картин бутылкам из-под Coca-Cola. Всего на счету Урохола 15 произведений, связанных с этим популярным газированным напитком.
Тогда же он создал серию из 32 полотен с изображением банок консервированного супа «Кэмпбелл» (Campbell's Soup Cans), которые в 1962 году были представлены на выставке в калифорнийской галерее Ферус. Уорхол использовал разные техники, но основную часть работ выполнил путем проецирования фотографий. Сам художник говорил, что на эту серию его вдохновила обыденная жизнь: «Я ел его. Один и тот же обед в течение двадцати лет».
Хотя каждое полотно стоило всего $100, реализовать удалось только пять. Тогда владелец галереи решил рассматривать серию как единое произведение. Ради этого он даже выкупил обратно проданные картины. Банки вскоре стали визитной карточкой Уорхола. Так, в 1965 году приглашения на выставку были напечатаны на фабричных этикетках Campbell's, а в 1969-м он сам предстал на обложке Esquire, утопая в банке томатного супа.
В 1963 году Уорхол выкупил заброшенное здание на Манхэттене и переоборудовал его в личную мастерскую, которую назвал «Фабрика». Арт-студия, выкрашенная серебряной краской и декорированная фольгой, стала культурным центром для американской богемы.
Завсегдатаями «Фабрики» были Мик Джаггер, Боб Дилан, Джим Моррисон, Сальвадор Дали (справа) и другие звезды. Уже в 1964-м Уорхол организовал там первую выставку, представив около сотни коробок из-под кетчупа Heinz и стирального порошка Brillo. За время существования студия трижды переезжала: сначала на Юнион-сквер (в 1968 году), затем на Бродвей (в 1973-м), последним местом стало обычное офисное здание на 33-й улице (1983-1987).
В 1960-х Уорхол работал не только с изображениями потребительских товаров, но и с образами звезд эстрады и кино, которых сам снимал на полароид и при помощи шелкографии переносил на холст. Одной из таких картин стала работа «Восемь Элвисов» (1963), запечатлевшая, как объяснял сам художник, бренность славы и страх смерти. В 2008 году полотно ушло с молотка за $100 млн, став одним из самых дорогих произведений искусства в истории.
«Как только я принял свое одиночество, у меня появилась свита»
Из-за перепадов настроения Уорхол получил прозвище Дрелла — производное от имен Дракула (Dracula) и Золушка (Cinderella). В первой ипостаси художник был эмоциональным вампиром, во второй — услужливым хозяином.
С 1963 года Уорхол пробовал себя в режиссуре. Большинство его ранних работ не имело сюжета и представляло собой псевдодокументальное кино. В попытках расширить привычные рамки Уорхол снимал статичные фильмы, например, пятичасовой «Спи», запечатлевший сон поэта Джона Джорно, и почти семичасовой «Эмпайр» (кадр на фото выше), предложивший зрителю созерцание ночного небоскреба Эмпайр-Стейт-Билдинг. Успехом они пользовались лишь в узких кругах.
Энди Уорхол с Эди Седжвик
Затем начинающий режиссер переключился на картины с сюжетной линией. Его драма «Девушки из "Челси"» (1966) стала первым андеграундным фильмом, показанным в коммерческом кинотеатре. В 1960-х у него появилась муза — модель Эди Седжвик, которая сыграла в десяти его работах подряд, в том числе «Бедной богатой девочке», «Внешнем и внутреннем пространстве», «Виниле» и других. Всего Уорхол снял более ста коротких и полнометражных фильмов.
Shot Sage Blue Marilyn (1964) — одна из самых известных работ Энди Уорхола, написанная через два года после смерти Мэрилин Монро. Портрет обыгрывает рекламный плакат к фильму «Ниагара» и входит в серию из пяти картин «Застреленные Мэрилин». Такое название она получила после инцидента, когда знакомая художника Дороти Подбер попросила разрешение сфотографировать полотна, но вместо этого прострелила их (в английском языке эти глаголы звучат одинаково — shoot). В 2022 году картину продали на аукционе Chrisie's за рекордные $195 млн.
«Делать деньги — это искусство, работать — это искусство, а хороший бизнес — это лучшее искусство»
В 1965 году Энди Уорхол стал менеджером и продюсером рок-группы The Velvet Underground. Он предложил взять в качестве вокалистки свою протеже, немецкую модель и актрису Нико.
Художник придумал оформление для дебютной пластинки The Velvet Underground, вышедшей в 1967 году: изображение банана, кожуру которого можно отклеить. На обложке не было ни названия группы, ни названия альбома, но зато присутствовал автограф Уорхола и надпись: «Peel slowly and see» («Медленно очисть кожуру и смотри»). Вместе с бананом пластинка стала классикой музыкальной индустрии.
Уорхол декорировал обложки и для других музыкантов — всего 53 альбома, охватывающих рок, джаз, классическую и поп-музыку 60–80-х. Одним из лучших считается конверт для пластинки «Sticky Fingers» группы The Rolling Stones, выпущенной в 1971 году. На нем изображены джинсы, молния которых на первых тиражах виниловых дисков была настоящей: если брюки расстегнуть, появлялось изображение нижнего белья.
В 1967 году Уорхол (в центре) познакомился с арт-дилером Фредом Хьюзом (за Уорхолом), который предложил ему сотрудничество и за небольшую комиссию завалил престижными заказами. Благодаря Хьюзу художник написал портреты модельера Ива Сен-Лорана, парфюмера Элен Роша, мультимиллионера Гюнтера Закса, актрисы Брижитт Бардо и других.
3 июня 1968 года на Уорхола было совершено покушение: писательница-феминистка Валери Соланас (на фото выше) трижды выстрелила ему в живот. Художник перенес клиническую смерть, но чудом выжил. Более того, он отказался от обвинений в адрес Соланс, которая получила три года лишения свободы с принудительным лечением в психиатрической клинике, а позже снял ее в одном из своих фильмов. Из-за травм Уорхолу приходилось до конца жизни носить корсет. В 1995 году покушение легло в основу биографической драмы «Я стреляла в Энди Уорхола».
В 1969 году Уорхол и журналист Джон Уилкок основали журнал Interview, на страницах которого знаменитости брали друг у друга интервью. Зачастую тексты не имели четкой структуры, а напоминали светские беседы. Издание просуществовало почти полвека и закрылось только в 2018 году. Также Уорхол занимался скульптурой и фотографией, а в 1980-х годах стал ведущим телешоу.
По сравнению с успехом и скандальностью Уорхола в 1960-е следующее десятилетие оказалось спокойным: он сосредоточился на бизнесе, большую часть времени посвящая поиску богатых заказчиков для новых портретов. И хотя критики все чаще называли его выставки поверхностными и коммерческими, в 1979 году художник вместе с давним другом Стюартом Пиваром основал Нью-Йоркскую академию искусств.
Уорхол с 39-м президентом США Джимми Картером, 1977 год
В 1979 году Уорхол за полчаса нанес на автомобиль BMW M1 абстрактный рисунок, превратив его в произведение искусства. После этого спорткар принял участие в гонке «24 часа Ле-Мана», заняв шестое место в общем зачете и второе место в своем классе.
С 1976 по 1987 год художник надиктовывал по телефону своей подруге и ассистентке Пэт Хэкетт впечатления о прошедшем дне. В 2022 году мемуары легли в основу шестисерийного документального фильма Netflix «Дневники Энди Уорхола».
Энди Уорхол (справа) с режиссером Улли Ломмелем на съемках фильма «Кокаиновый ковбой», в котором художник сыграл самого себя, 1979 год
С начинающим уличным художником Жаном-Мишелем Баския (справа), который работал под псевдонимом SAMO, Энди Уорхол познакомился в 1982 году. К его маскам, черепам и малоизвестным символам маститый авангардист добавил образы поп-арта, логотипы и газетные заголовки. За два с половиной года сотрудничества они создали около 160 картин.
Уорхол часто создавал автопортреты, самовыражаясь через эпатажные образы. На последнем, созданном в 1986 году за несколько месяцев до смерти, художник предстал в своем знаменитом «испуганном» парике. В 2018-м эта работа из шести полотен, на которых лицо Уорхола выкрашено в розовый, бледно-голубой, сиреневый, оранжевый, зеленый и кобальтовый цвета, ушла с молотка за $31,1 млн.
Персонажами работ Уорхола становились такие представители власти, как Мао Цзэдун, Ричард Никсон, Елизавета II и Владимир Ленин. Портреты «Черный Ленин» и «Красный Ленин» появились на закате жизни художника в 1987 году. Трафаретный оттиск последнего долгое время принадлежал опальному российскому олихарху Борису Березовскому.
«Подойти вплотную к смерти — это все равно, что подойти вплотную к жизни, потому что жизнь — это ничто».
Художник умер 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет из-за осложнений после операции по удалению желчного пузыря. Уорхол был похоронен в Питтсбурге рядом с родителями. В гроб к нему положили номер журнала Interview, а также флакон любимых духов Estee Lauder.
Сразу после смерти художника был основан Фонд визуальных искусств Энди Уорхола, а в 1994-м в Питтсбурге открылся музей его имени, где собрана значительная коллекция картин авангардиста. Наследство короля поп-арта, стоившее, по разным оценкам, от $120 млн до $600 млн, перешло арт-дилеру Фреду Хьюзу. В 2022 году Уорхол снова стал самым продаваемым художником на аукционах: суммарная выручка от реализации его работ составила $574 млн.
Классика кинофантастики — Назад в будущее: трилогия (1985-1990), режиссёр Роберт Земекис
«Каждый нуждается в тепле и свете». Как автор «Муми-троллей» сделала детскую литературу взрослой
Гастрономические ужасы — 5 хорроров «о вкусной и здоровой пище» (с полезными советами)
Кровища, загадки бытия и много секса — чем круты «Книги крови» Клайва Баркера
Черный юмор, фантастика и публицистичность — Курт Воннегут и его наследие
Одержимость, ведьмы и серийные убийцы — 7 жутких испанских фильмов ужасов
Что смотреть, если вам нравится «Футурама» — ещё 5 фантастических мультсериалов с убойным юмором
«Происхождение Дюны» — эссе Фрэнка Герберта о создании великой научно-фантастической вселенной
«Звёздный путь 2: Гнев Хана» (1982) — Лучший фильм по знаменитой вселенной
Такой же разведчик, как мы — Как «Семнадцать мгновений весны» стали киноманифестом идеологии 1970-х
Вилли Вонка — история персонажа, которому в следующем году стукнет 60
Уэс Крэйвен — создатель «Кошмара на улице Вязов», «Крика» и «У холмов есть глаза»
Ловушка Джокера — история Арлекина Ненависти от Фингера до Леджера
Женщина, которая выжила — Мама Гарри Поттера Джоан К. Роулинг
По следам забытого царства — магический реализм Хулио Кортасара
* Барби или Оппенгеймер? Выбирай на чей стороне ты!
Музей естественной истории в Нью-Йорке расширил свою площадь, открыв новое здание – Центр Ричарда Гилдера. Здание станет связующим звеном между существующими корпусами музея и предоставит дополнительные площади для обширной научной коллекции – более четырёх миллионов экспонатов. Кроме выставочных залов здесь разместятся классы для занятий, иммерсивный театр и обновленная библиотека. Здесь еще есть фотографии
Заходя в музей посетители оказываются в многоэтажном центральном выставочном зале со стеклянными стенами из которого открывается вид на главную лестницу, мосты и переходы между корпусами, соединяющие новые и существующие части музея.
Проект претендует на золотой сертификат системы LEED для энергетически эффективных и экологически чистых зданий.
Отдельная экспозиция музея посвящена насекомым – самой многочисленной группе животного мира. Здесь в специальном виварии круглый год можно будет наблюдать за живыми бабочками
Открытие состоялось совсем недавно. Центр Ричарда Гилдера (Gilder Center) спроектировано и построено студией Studio Gang в Нью-Йорке.
Американская архитектурная студия Studio Gang опубликовало изображения строительства центрального атриума Гилдер-центра, Griffin Atrium. Расширение добавило к Американскому музею естественной истории многочисленные помещения, в том числе библиотеку и выставочные залы.
Сегодня открывается Московский международный кинофестиваль, а я открываю свой! Фестиваль для киноделов, кого великий мэтр вдохновил одной лишь фразой, но только ей...
Сбрендил для вас,
Антон Логотиппер
Мои сообщества:
Как и многие другие, я стал рабом пристрастия к мебели Айкиа
Стоило мне увидеть что-нибудь затейливое, например столик в форме символа Иньян, как я загорался желанием купить его. Личный комплект для офиса Клипск.
Домашний тренажёр Хелотрек.
Или диван Хамашаб с зелёной полосатой обивкой.
Даже светильники Резлампа с абажурами, сохраняющие окружающую среду бумаги.
Я листал каталоги, задаваясь вопросом: какой сервиз может служить характеристикой моей личности?
Я обзавелся всем, даже стеклянной посудой с крошечными неровностями,
служившими доказательством того, что они изготовлены честным, работящим туземцем.
Раньше мы зачитывались порнографией, а теперь этими каталогами.
Тогда я и встретил Тайлера.