Здравствуйте, дорогие друзья! Сегодня у нас будет "Лоэнгрин" Рихарда Вагнера.
Немецкая романтическая легенда о рыцаре Грааля, слишком (зачеркнуто) полная экзальтации (картинка - коллаж неизвестного автора из интернета).
Почему он? 5 мая была премьера в Венской опере, и к ней я подготовила заметки о Вагнере и Лоэнгрине, которые можно озаглавить "Рыцарь Лебедя - так ли он прост?"... Но они пошли на другой ресурс с более узкой аудиторией (краткое содержание: Вагнер был человек очень специфический, и это сказалось на персонаже, ИМХО). А здесь мне хочется рассказать о постановке, - не той, что была 5 мая - ее я еще не переварила. А вот об этой:
Постановка Дрезденской оперы 2016 года
На сколько я поняла, это восстановленный спектакль 1983 года, отсюда такие милые декорации.
За пультом - Кристиан Тилеманн, известный немецкий дирижер, имеющий репутацию не только специалиста "по Вагнеру", но и бескомпромиссного неуживчивого человека.
Кусочек увертюры - она ОЧЕНЬ длинная... Медленно, очень медленно, так что мы начинаем испытывать нетерпение и томление, вводит она нас в действие...
У меня всегда есть сложность: рассказывать сюжет, или нет. С одной стороны, если он вам известен, то дотошный пересказ раздражает. С другой стороны, все знать никто не обязан...Сегодня я предполагаю, что сюжет вы знаете и без меня, да?
И мы перейдем сразу к нюансам постановки. Для начала об исполнителях:
Анну Нетребко представлять не надо. Эльза в ее исполнении вышла женственная, мягкая и сильная. Наверное, совсем не немецкая. (Напомню, что немецкие девушки - до начала 20 века - считались утонченно восторженно-романтичными, им полагалось страдать, грезить, и заламывать тонкие руки... К месту была бы бледность или, напротив, чахоточный румянец).
Пётр Бечала - польский тенор, который регулярно поет партию Лоэнгрина в различных постановках. По мне, он несколько статичный.
А вот отрицательный персонаж Тельрамуд - Томаш Конечны - тоже польский бас-баритон. Очень классный (надо учесть, я вообще бас-баритонам симпатизирую).
Вообще у спектакля такое мягкое очарование, подробность деталей, жизненность. Цвета гармоничные, люди естественные. Басы не начинают с порога орать. И есть нормальная драматическая составляющая.
Не та драматичность, которая обычно в Вагнеровских постановках - встать статично, выпучить глаза и орать во всю силу глотки. А нормальная психологическая мотивация, действия не схематичные, а подробные и проработанные, как в обыкновенном спектакле.
Поэтому смотреть интересно. Впервые задумываешься - а почему, собственно, Ортруда и Тельрамуд ополчились на Эльзу? Ну, если откинуть то, что они записаны в злодеи?
Я еще не упомянула герольда - Дерека Велтона.
Как же в германской опере без церемониймейстера?
И, конечно, короля Генриха-Птицелова - Георга Цеппенфельда.
Генриха-Птицелов прозван так, потому что, когда к нему прибыли с сообщением о том, что он стал королем, он охотился - расставлял силки на птиц. Это основатель-объединитель всея Германии, типа нашего Владимира-Красно-Солнышка, историческое лицо.
Спектакль так хорошо шел, и я внезапно начала паниковать: сейчас заполошная Ортруда со своими истериками все испортит - но нет. Это самая классная Ортруда, которую я видела. И, оказывается, ей есть что петь. А не просто орать, хрипя и задирая голос.
В Тельрамуда же я просто влюбилась!
Он очень симпатичен по-человечески, и отыгрывает глубокую обиду на Эльзу, но в то же время не вполне прошедшие чувства. Что ж, это сочетается со всем тем, что он наговорил в суде: ведь он не только обвинил Эльзу в гибели брата (со слов жены - так-то нормально доверять жене).
Он еще и добавляет своих фантазий (точно продиктованных обидой). Он буквально говорит, что если она отказала ему, такому классному (и правда :)), то у нее, наверное, есть любовник (это в те-то времена), и если кто-то выйдет на призыв герольда защищать Эльзу, то это он - любовник и есть.
Эк его занесло! Подленько. Таким образом, за Эльзу никто не вступается, еще и опасаясь дурной славы. И вообще связи с преступницей, ведьмой и т. п.
А Тельрамуд, даром что уже женат на Ортруде, все еще, прямо в разгар своих обличительных речей, бросает умоляющие взгляды на Эльзу.
Да что уж теперь, поезд ушел... Упс.. колесница уехала, я хотела сказать.
Эльза проникновенно молит о защитнике, избавителе. Желание нереальное с учетом ее полного одиночества.
Поэтому и вымаливает она себе нереального, сказочного (как скажут доброжелатели), шаблонного, неживого рыцаря - в белоснежных (на самом деле нет) одеждах, в челне, запряженном белым лебедем.
Картонный ненастоящий (как считаю я) рыцарь стереотипно предлагает деве руку и сердце (а что он мог бы сделать еще?).
Поединок Лоэнгрина и Тельрамуда
Кстати, Пётр Бечала не произвел на меня такого же ошеломительного впечатления, как остальные исполнители. Во-первых, сама фигура Лоэнгрина - условная, там не сильно что сделаешь, а потом у него самого темперамента что ли не хватает, внутренней энергии... Мне так кажется. Как бы теряется на фоне других солистов. И еще он статичный. Встанет и стоит.
...Тем временем прошел Первый акт - на одном дыхании. Второй акт "Лоэнгрина" для меня всегда самый проваливающийся. Там только ссорятся орут и истерят. В темноте.
Действие снова спасает Тельрамуд:
Во втором акте мы видим, как он пал - за лжесвидетельство он потерял все свои регалии, и изгнан из города. Все, кто предоставят ему кров, будут наказаны. Но не в крове дело - Тельрамуд потерял свою честь, свое доброе имя.
Он повязан со своей обманщицей-женой, и волею-неволею идет на поводу ее козней. Ему просто не оставили направлений - куда бы он еще мог идти.
Не знаю как вам, а мне его жаль. Хотя женщин бить, конечно, нельзя, даже ведьм.
Его стенания в начале второго акта - это единственное место в опере, с которым справляются все Тельрамуды. Возможно потому, что каждому довелось оплакивать свои ошибки и упущенные возможности. И Ортруда здесь хороша, просто прелесть, сильная красивая женщина.
Ее реально интересно слушать.
В целом второй акт "Лоэнгрина" для меня - какое-то нагромождение второстепенных эпизодов. Ну ладно, так или иначе, дожили до третьего акта.
Звучит знаменитый свадебный марш...
В третьем акте главное - большая супружеская кровать, которая не используется по назначению, и возле которой накручивается еще один скандал... Эльза хочет знать имя своего избранника... Лоэнгрин же блюдет тайну.
Долгими речами он умудрился довести женщину в первую брачную ночь... За одно убил моего любимчика Тельрамуда...
Надо сказать, что моя неприязнь к личности Лоэнгрина (и правда странной) едва не затмила тот факт, что с середины второго акта Пётр Бечала стал очень убедителен.
Вот он поет о таинственной святой земле и своем отце:
Итак, вы тайну знать мою хотели! От Граля рыцарь к вам сюда пришёл: Отец мой – Парсифаль, Богом венчанный, Я – Лоэнгрин, святыни той посол!
Это напоминает жалобы Адама, вам не кажется? Тот еще был перекладывальщик ответственности...
И вот вам, под конец, Ортруда: прелесть, правда?
Какой ясный голос! Без визга... Прямо чувствую какое-то сродство с этой злодейкой!
Я, наверное, мало написала про Анну Нетребко. Она, несомненно, пела отлично, и, как актриса, была очень убедительна, и вообще - стержень постановки. Но мы про нее и так все знаем, да?
И, кстати, в спектакле интересно обыгрывается странный момент с наследником.
В первый раз, наконец-то, я вижу, что Эльза обнимает найденного младшего братишку. А то "вся в любви, вся в любви".
Однако по либретто ей суждено умереть. Как бы ее убить-то? Мне видится, что она чувствует свою бесполезность, оторванность и ненужность. Только что все вокруг нее крутилось - ее судили судом, за нее дрались, она прощала, она сочеталась браком в присутствии короля, знати и народа... И...
Посмотрите на фото:
Эльза умирает, а по центру все уже сгруппировались возле нового наследника.
Все в момент потеряли к ней интерес, переключились на наследника, от нее же мальчика (ее потерянного брата Готфрида) просто оторвали... Она выбывает из действия, как ... как персонаж "Игры престолов" что ли...
Здравствуйте, дорогие друзья! Каждый раз, когда я открываю для себя очередной секрет Полишинеля (это нечто такое, что известно тем, кто в теме, а мне - нет) - я испытываю прямо бурю эмоций, в основном положительных. И вот опять!
Совершенно случайно, в одном сборном, очень кайфовом концерте возле Эйфелевой башни (умеют же французы делать легко и зажигательно), я услышала...
И такая: "Ой, что это?"
Легкий перекрестный поиск, выдал, что я услышала часть чуть ли не самого известного в мире произведения классической музыки. Вот так вот, ни больше, не меньше. И я, естественно, по правилам игры, о нем ни слухом ни духом.
Итак, вот наш герой: сценическая кантата Карла Орфа "Кармина Бурана". Не знаю, как вы, а я услышала о Карле Орфе первый раз. Так что, вкратце, для таких же, как я: немецкий композитор, жил и творил припеваючи в фашистской Германии (в последствии пытался приписать себе некоторые подвиги - но ему не особо поверили, оставили под вопросом).
Кстати, как-то всегда уходит из поля зрения из-за последующих событий, что до примерно 1933 в Германии был приличный культурный взлет, один Баухауз только взять...
Ну ладно, а что там Орф?
В 1936 году он написал свою знаменитую сценическую кантату "Кармина Бурана" ("Carmina Burana"). Название заумное, вызывает образы монастыря, одухотворенных монахов с выстриженными темечками и служебные песнопения. НИЧЕГО ПОДОБНОГО!
Эта кантата написана на стихи из сборника средневековых бродячих поэтов - вагантов. Стихи самые что ни на есть светские - про выпить, закусить, с дамами познакомиться. Есть и размышления о бренности жизни, и отсылка к ежегодной смене времен года, масленице (карнавалу) и тому подобное, А вот религиозного нет вообще ничего. Ни строчки, ни ноты.
Написаны стихи на языке тогдашнего международного общения - на латинском, естественно. Название переводится примерно: "песни из тетрадки найденной в монастыре Бойрен" (Beuern - по немецки, по латински - Buranum).
Ближе к делу! Я, увы, не настолько культурна, чтобы осваивать новый материал, глядя на ряд черных фраков и белых манишек. Поэтому нашла экранизацию "Кармины Бураны" 1975 года (режисер Жан-Пьер Поннель). Это по сути просто фильм, и фильм старый, и рот там открывают, соответственно, актеры, а не певцы. И качество соответствующее, и спецэффекты наивные.
Но штука стоящая, после этого фильма я "Кармину Бурану" навсегда полюбила. Так что не обессудьте. Поехали!
Кантата длится около часа, и делится на песни. Есть три солиста - баритон, сопрано, и тенор для комических куплетов жареного лебедя (кстати, на счет лебедя у немцев есть всяческие поговорки-пословицы, так что тут может быть не только прямой смысл, более тонкие отсылки, но я еще не выяснила).
Части (просто для понимания структуры). Каждая часть содержит несколько песен.
Fortuna Imperatrix Mundi ("О Фортуна")
Primo vere ("Весна")
In taberna ("В кабаке")
Cours d’amour ("Двор любви")
Blanziflour et Helena ("Бланшфлёр и Елена")
"О ФОРТУНА!"
О Фортуна, Лик твой лунный Вечно изменяется: Прибывает, Убывает, Дня не сохраняется. То ты злая, То благая Прихотливой волею; И вельможных, И ничтожных Ты меняешь долею.
(Перевод М. Гаспаров)
"Primo vere"
Весна-красна на улице
улыбкой всех пленяет,
мятежница метелица
со стужей отступают.
Всё новыми обновами
бор Флору покоряет,
красою зачарованный,
хвалу ей распевает.
Ах...
(перевод Н. Браун )
Песня жареного лебедя
Когда-то жил я в озере, Когда-то был красавчиком, Когда-то звался лебедем. Бедный, бедный, Был я белый — Черный стал зажаренный.
(Перевод М. Гаспаров)
А вот и наш главный герой:
С него все началось. Коротенький ролик из фильма...
Взять с собой побольше вкусняшек, запасное колесо и знак аварийной остановки. А что сделать еще — посмотрите в нашем чек-листе. Бонусом — маршруты для отдыха, которые можно проехать даже в плохую погоду.
"Чем соната отличается от концерта?" Вопрос читателя
"Вот вопрос... Вы же убиваете меня этим вопросом!.."
Ну ладно. Начнём с таких понятий, как форма и формализм.
С формой я познакомился в шесть лет, когда пошёл в музыкальную школу. Заниматься можно было в чём угодно, а вот на концерты и экзамены надо было обязательно надевать нарядную форму. Лакированные сандалии, чёрные бархатные шорты, белые колготки, белую рубашку и – о ужас! – огромный блестящий бант на грудь.
Мне этот костюм (особенно бант) решительно не нравился. Учительница объясняла, что «ты должен быть одет, как настоящий артист» и «почувствовав себя настоящим артистом, ты непременно сыграешь лучше». Я учительнице верил – и не верил одновременно. Потому что никаким артистом я себя не чувствовал, а чувствовал какой-то ряженой куклой. И что в обычных джинсах и свитере сыграл бы точно так же, а может, и лучше.
С формализмом я познакомился в той же музыкальной школе, в четвёртом классе. Я доставал ноту «до» третьей октавы, и меня сделали солистом хора. Петь мне очень нравилось. А потом был большой концерт к какому-то празднику, и нам было велено прийти в белых рубашках. А я из своей сильно вырос, и пришёл не в белой рубашке, а в жёлтой. Учительница страшно накричала на меня и выгнала из зала, сказав, что солировать будет Лёша Никитин, мой приятель и одновременно соперник. Я спустился в раздевалку, забрал пальто и ушёл домой. И на хор больше не ходил.
Формализм в искусстве – вещь страшная. Скажем, приходит в редакцию поэт Пушкин и говорит:
– Здравствуйте! Я тут стихотворение написал, «Я помню чудное мгновенье».
А ему в ответ:
– У вас, Александр Сергеевич, отступ первой строки от края листа три сантиметра, а надо пять. И вообще, у вас пиджак застёгнут не на ту пуговицу. Так что никуда ваше стихотворение не годится, до свидания!
Я не хочу сказать, что форма, стандарт, шаблон – это всегда плохо. Нет. Иногда это замечательно – скажем, в производстве болтов и гаек. Но когда наши соседи в Евросоюзе начинают принимать стандарты длины и кривизны огурцов (вырастил огурец «не той формы» – не дадут продать), это, уж извините, никуда не годится.
Вот теперь можно ответить на вопрос уважаемого читателя: чем отличается соната от концерта? (Кстати, спасибо вам за этот вопрос.)
Да ничем! С точки зрения нормального человека – абсолютно ничем. Концерт – произведение академической музыки для одного или нескольких инструментов. И соната – произведение академической музыки для одного или нескольких инструментов. В концерте три части. И в сонате тоже три части. В концерте первая часть быстрая, вторая медленная, третья снова быстрая. И в сонате первая часть быстрая, вторая медленная, третья снова быстрая!
И ни один нормальный человек, услышав впервые незнакомое классическое произведение, не сможет сказать наверняка, что прозвучало – концерт или соната.
«Но соната – она обязательно для какого-то одного инструмента, а концерт – он обязательно для какого-то инструмента с оркестром!» – скажет кто-то... Да бросьте. Скажем, в той же музыкальной школе многие юные скрипачи играют си-минорный концерт для скрипки и фортепиано Оскара Ридинга. Нет там никакого оркестра и не было.
И наоборот, у Альфреда Шнитке есть такое произведение, как «Соната для скрипки и камерного оркестра».
Кто-то может предположить: «Концерт длинный, а соната короче» – и тоже ошибётся. Та же «Апассионата», то есть соната номер 23 Бетховена, звучит около двадцати минут (все три части).
А типичный концерт Вивальди для скрипки – те же самые три части – звучит около десяти минут.
Но бывает и наоборот. В общем, длительность звучания тут никакой роли опять же не играет.
Но это всё – с точки зрения нормального человека.
А вот если бы мы задали этот вопрос профессору консерватории, то он бы стал рассказывать про «сонатную форму», в которой обязательно должны быть экспозиция, разработка и реприза, а в экспозиции должны быть главная партия, связующая партия, побочная партия и заключительная партия, и что главная и заключительная партии всенепременно должны быть в основной тональности, а побочная – в доминантовой...
У вас уши ещё в трубочку не свернулись, нет? Если нет, профессор добавит, что в концерте чаще всего используется сонатная форма с двойной экспозицией...
«Что это за муть, что за бред? – спросите вы. – Где понятное объяснение?» Ну, по большому счёту да, муть и бред. И вообще – великий французский драматург Жан-Батист Мольер говорил на эту тему самую правильную в мире вещь:
Все эти правила представляют собою сущий вздор и существует только одно-единственное правило – надо писать талантливо!
Но музыка – это очень древнее искусство, очень консервативное, и некоторые музыканты (и просто люди, любящие музыку) иногда просто до тошноты обожают весь вот этот вот формализм. И могут писать толстые книжки, в которых будут долго и подробно объяснять, почему «Шахерезада» Римского-Корсакова – это именно симфоническая сюита, а не «просто симфония». Или чем хардкор отличается от металкора, а металкор – от кроссовер-трэша. Или чем гангста-рэп отличается от фристайл-рэпа, а джаз-фанк от сити-фанка, и почему итало-диско это «круто», а евро-диско это «отстой»...
Ну, а если нужно «простое объяснение» – тогда так. Включаем телевизор, канал «Культура», и:
Если на экране видим симфонический оркестр и дирижёра – это наверное симфония. Хотя необязательно: может быть и увертюра, и симфоническая сюита, и даже просто вальс Штрауса.
Если видим симфонический оркестр, дирижёра и солиста (за роялем, или со скрипкой, или с виолончелью, или двух солистов, или даже трёх) – это скорее всего концерт.
Если видим одного пианиста, или скрипача и пианиста, или какого-то другого музыканта и пианиста, и произведение длинное – это может быть соната. Хотя может быть и концерт. Или вариации. Или рондо. Или что угодно!
Если на экране видим двух скрипачей, альтиста и виолончелиста – это струнный квартет. Что они играют – да пёс его знает, снова всё что угодно.
Если на экране видим одинокого скрипача (без пианиста, оркестра и так далее) – то на сегодняшний день 99.99% вероятности, что это будет либо партита си-минор Баха, либо каприсы Паганини (шучу, но в каждой шутке сами знаете...).
А вообще, не заморачивайтесь на эту тему. Мы как-то рассказывали в «Лучике» про жестокий, но очень показательный эксперимент, который провели американский журналист Джин Вейнгартен и выдающийся скрипач Джошуа Белл.
Белл (к тому моменту уже мировая звезда) оделся «по-простому» («не в белую рубашку»), взял свою скрипку (работы мастера Антонио Страдивари, стоимостью 14 миллионов долларов) и стал играть партиту Баха (вторую, ре-минор) в подземном переходе метро. Вот это событие зафиксировано на видео:
И те самые люди, которые наверняка знают, чем концерт отличается от сонаты, которые отдавали огромные деньги за билеты на концерты Белла, те самые люди, которые с одухотворёнными лицами рассказывают друг другу о том, «как прекрасна классика», – проходили мимо. Видеокамера зафиксировала всё до мелочей: за 45 минут мимо скрипача прошло 1097 человек, только семь из них остановились послушать музыканта, и только одна женщина узнала его...
В общем, друзья, слушайте музыку, наслаждайтесь музыкой, любите музыку – но, ради Бога, не ставьте форму выше содержания!
Мерлезонский балет (именно так правильно – через "е"), – один из ключевых эпизодов романа «Три мушкетёра». Однако одну деталь автор романа посчитал как бы малозначительной – он не назвал читателям имя композитора, который написал музыку к «Мерлезонскому балету». А, между прочим, это очень интересно!
Мерелезонский балет в фильме...
...а так выглядели Людовик XIII и Анна Австрийская в действительности
...Интересно, потому что музыку к «любимому балету короля Франции Людовика XIII» написал лично сам король Франции Людовик XIII – от первой и до последней ноты!
Живой интерес к музыке юный принц проявил ещё в раннем возрасте – он начал учиться играть на лютне в возрасте трёх лет. В возрасте семи лет Людовик начал учиться играть также на клавесине, и владел этим инструментом очень хорошо – хотя лютня на всю жизнь осталась его любимым инструментом, «королевой музыки».
Игра на лютне (фрагмент картины Караваджо)
Мальчик также очень любил танцевать, и много свободного времени проводил за сочинением музыки и танцевальных фигур. Помимо лютни и клавесина король играл на охотничьем рожке (предке современного гобоя) и регулярно пел в хоре.
Как композитор Людовик XIII сочинил довольно много пьес, однако далеко не все они дошли до нас. Лучшей музыкальной работой короля по праву считается «Мерлезонский балет». Король не только сочинил музыку, он же придумал сюжет балета, он же придумал все танцевальные номера, он же нарисовал (!) эскизы всех декораций и костюмов.
Давайте же послушаем эту музыку. Итак, «Мерлезонский балет» (начало с 1:35):
Кстати, согласно роману Дюма «Мерлезонский балет» был поставлен в Парижской ратуше, причём до начала осады Ла-Рошели (1627 год). Однако настоящий «Мерлезонский балет» был поставлен в замке Шантильи, недалеко от Парижа, в 1635 году, то есть существенно позже событий романа «Три мушкетёра».
* * * Это была стать из журнала "Лучик". Бесплатно скачать и полистать номера журнала можно здесь: https://lychik-school.ru/archive/