У этого изваяния нет секретов: учёные выяснили практически всё. Дата создания — 60-е годы нашей эры. Хранится в Национальном археологическом музее Неаполя. Туда доставлено из Помпей. Скульптура украшала дом успешного потомственного банкира Луция Цецилия Юкунда и была его изображением. Сам Юкунд родился около 9 года, с 14-го жил в Помпеях, унаследовал отцовский бизнес, работал с шестью помощниками и, скорее всего, погиб во время землетрясения 5 февраля 62 года. Найдены его деловые записи, которые обрываются накануне трагедии. Более поздние упоминания Юкунда в римских документах отсутствуют. То есть ко времени извержения Везувия, уничтожившего Помпеи в 79 году, банкира давно не было на свете... ...и при таком изобилии сведений о человеке, жившем почти 2'000 лет назад, остаётся единственный вопрос: как назвать это изваяние Луция Цецилия Юкунда? Бюстом? Но для бюста у него есть явно лишняя, хотя и безусловно важная деталь. Я в задумчивости.
В 1862 году в Великом Новгороде был установлен монумент, связанный с основанием русской государственности в 862 году. По летописи, в этот год славянские племена пригласили варяжского князя Рюрика управлять ими, после чего он стал князем в Новгороде, а его братья в Белозерске и Изборске. Этот момент веками считался началом русской государственности и всей русской истории, но современные историки скептически относятся к этой версии, считая ее скорее легендой.
Памятник установлен в Новгородском кремле, на заднем фоне – Софийский собор. Фото: Legion Media
В начале 1850-го года власти начали активную подготовку к празднованию тысячелетия России. Министр внутренних дел Сергей Ланской предложил установить в Новгороде памятник Рюрику, первому русскому государю. Посовещавшись, Комитет министров признал, что "призвание Рюрика составляет без сомнения одну из важнейших эпох нашего государства". Но было решено, что в 1862 году необходимо воздвигнуть "народный Памятник "Тысячелетию России", а не "подвиг Рюрика".
Открытие памятника 1000-летию России в Новгороде в сентябре 1862 года.
В апреле 1859 года был объявлен конкурс на создание проекта памятника, который должен был отразить ключевые периоды в истории России, начиная с основания государства и заканчивая освобождением от татаро-монгольского ига и превращением России в империю.
Среди 52 представленных проектов специальная комиссия отобрала три наиболее соответствующих поставленным условиям. В результате, был выбран проект художника Михаила Микешина, который лучше всего отвечал критериям символичности и понятности для народа.
Сам проект был утвержден лично императором Александром II и он сам наблюдал за строительством. С ним были согласованы все детали, включая высоту памятника и изображения исторических деятелей, скульптуры которые должны были быть включены в монумент.
Император также контролировал промежуточные этапы работ и посещал мастерскую, специально выделенную в петербургской Академии художеств для подготовки и изготовления моделей. Из-за создания памятника даже были приостановлены живописные работы для строившегося тогда в Москве храма Христа Спасителя.
Памятник состоит из трех частей и на нем изображены 128 фигур. Композиционная основа памятника представляет собой шар с крестом, символизирующий "державу" – один из основных государственных символов и регалий царской власти. Всего на монументе изображены 128 скульптур исторических фигур.
Верхний ярус: Ангел благословляет женщину в русском костюме (Россию). Фото: Dennis Jarvis (CC BY-SA 2.0)
На верхнем ярусе изображен Ангел, который дарует благословение коленопреклоненной женщине в русском традиционном наряде. Женщина держит щит с гербом России – двуглавым орлом и годом «1862». Этот символ олицетворяет саму Россию. Эта сцена воплощает одно из основных начал российского государства – православие.
Средний ряд. В центре со щитом изображен Рюрик. Фото: Legion Media
На среднем ярусе у подножия государства изображены шесть ключевых сцен из истории России. Каждая из них представлена несколькими фигурами, в центре которых – правители и главные герои этих периодов:
1. Скульптура князя Рюрика отражает создание российского государства в 862 году.
2. В 988 году произошло Крещение Руси при князе Владимире Святославовиче.
3. В 1380 году победа Дмитрия Донского в Куликовской битве начала освобождение Руси от татарского ига.
4. В 1491 году Иван III основал самодержавное царство Русское.
5. В 1613 году Михаил Федорович, первый из династии Романовых, символизировал восстановление самодержавия после Смутного времени.
6. В 1721 году Петр I преобразовал Россию в Российскую империю и одержал победу над шведами.
На нижнем ярусе вокруг пьедестала памятника изображены фигуры важнейших людей для истории и культуры страны – просветителей, государственных людей, военных героев, писателей и художников.
Нижний ярус: писатели и художники. Фото: Дар Ветер (CC BY-SA 3.0)
Здесь можно найти великого ученого Михаила Ломоносова, создателя русского театра Федора Волкова, композитора Михаила Глинку, а также известных писателей, таких как Александр Пушкин, Николай Гоголь, Михаил Лермонтов, Иван Крылов, Александр Грибоедов и других.
Велась ожесточенная борьба за включение фигур в список увековеченных в памятнике. А первоначальный перечень фигур составлял сам художник Микешин. Он долго колебался в выборе и обратился за помощью к историкам. Окончательный список был утвержден императором.
Столкновения за включение определенных личностей в памятный список были неизбежны. Например, в начальном списке не оказалось Лермонтова и Гоголя. Долго обсуждался вопрос о том, следует ли включить в список «малороссийского» поэта Тараса Шевченко (Микешин настаивал на этом, но в конечном счете он не был включен).
На более поздних этапах в список были внесены некоторые церковные деятели, включая патриарха Филарета, отца Михаила Романова. На памятнике он передал своему сыну шапку Мономаха, символ царской власти.
Почти забыли упомянуть Николая I. Император Александр II, его сын, ни разу не высказывал необходимости включения его - отец не был особо популярным правителем, считался "солдафоном". Однако, когда его все-таки включили, он не стал отказываться.
Некоторые личности были исключены. Среди них князья Древней Руси, представители церкви и люди из мира культуры.
Власти стремились, чтобы памятник был понятен народу. Поэтому, по мнению советских историков, на нем не изображены непопулярные и жестокие личности.
Например, на памятнике не изображен Иван Грозный. Также на монументе не представлены Екатерина II Великая, правившая 34 года, Александр I, который освободил Россию и Европу от Наполеона, и другие правители XVIII и XIX веков.
Возведение памятника в 1862 году
Строительство монумента совпало с проведением реформ Александра II – в 1861 году было отменено крепостное право. Этот период был непростым для самодержавия. В конце 1850-х годов страну охватила волна народных восстаний, возникло множество подпольных организаций с революционными целями.
В Европе уже прошла волна революций, а в России все больше образованной молодежи было недовольно старым феодальным строем. К этому добавилась неудача русской армии в Крымской войне середины 1850-х, когда Россия была вынуждена заключить мир на невыгодных условиях и даже потерять часть территорий.
Памятник «Тысячелетие России» в 1883 году
В советское время настаивали на том, чтобы памятник был установлен не для отметки тысячелетия государства, а для «пропаганды неизменности самодержавия в России», чтобы «подкрепить этим монументом пошатнувшийся трон русских царей», как отмечал историк Андрей Захаренко в 1957 году.
В 1928 году местный новгородский музей был назван памятником "тысячелетию самодержавного гнета" в рамках научной работы.
Церемония открытия памятника в 1862 году
Для строительства этого памятника были собраны средства частично за счет пожертвований народа. Люди жертвовали суммы от копейки до значительных 30 рублей серебром, что в период правления Александра II было эквивалентно примерно 300 тысячам современных рублей. Власти объявили, что для возведения памятника необходима сумма в 500 тысяч рублей, что приблизительно равнялось 5 миллиардам современных рублей.
Однако, удалось собрать лишь треть необходимой суммы, остальные средства были выделены из государственного бюджета. Итоговая стоимость возведения сооружения увеличилась примерно на 50 тысяч рублей.
Михаилу Микешину, приступая к созданию памятника, было всего 24 года и он был малоизвестным начинающим художником, хотя одну из его картин уже успел купить император Николай I. Однако он никогда не занимался скульптурой, особенно в таком масштабе. Поэтому для работы над памятником он привлек известного скульптора и своего учителя Ивана Шредера.
Успех проекта принес Микешину удачу. Сразу после открытия памятника в Новгороде он был награжден орденом Святого Владимира IV степени, а также ему была присуждена щедрая пожизненная пенсия.
Памятник Екатерине II в Санкт-Петербурге работы Микешина. Фото: Alex 'Florstein' Fedorov (CC BY-SA 4.0)
Всего в 34 года ему присвоили звание академика Академии художеств, и на него начали буквально посыпались заказы на памятники высочайшим персонам. В результате он создал памятник Екатерине II в Санкт-Петербурге, памятник Александру II в Ростове-на-Дону и памятник Богдану Хмельницкому в Киеве.
Но вернемся от автора Михаила Микешина к дальнейшей истории памятника «Тысячелетие России». Памятник "самодержавию" чудом сохранился в революционные годы, хотя мог быть уничтожен в период Второй мировой войны. Летом 1941 года город Новгород был осажден нацистами, которые решили вывезти бронзовый монумент в Германию. Демонтаж занял продолжительное время, и им удалось вывезти только бронзовую решетку. Когда советские войска вошли в город в 1944 году, они обнаружили, что большинство скульптур было разбросано вокруг, а на постаменте осталась только половина шара, символизирующего власть. Советская власть приняла решение восстановить памятник, и в рекордно короткие сроки, менее чем за год, все скульптуры вернулись на свои места. Более 1500 деталей монумента, которые пропали, были воссозданы заново.
Вот такая интересная история создания памятника «Тысячелетие России», приуроченная к празднику.
"Это Медузы-Горгоны навсегда поражающий взгляд Если в эти глаза посмотришь, не вернешься уже назад И когда на последнем вздохе Умираешь ты сотней смертей, Понимаешь ты вдруг, что камню Не поможет даже Персей"
Представленные выше строчки - творчество современной поэтессы Елены Красуни, опубликованные чуть больше года назад. Они были выбраны эпиграфом к сегодняшнему материалу, как иллюстрация того, что образ, родившийся тысячи лет назад, по-прежнему занимает умы творцов всех мастей, волнует и во многом пугает. О том, как появился, преображался и что представляет собой сейчас образ Медузы волей страшного рока ставшей Горгоной - в нашей новой статье. Приглашаем вас в очередное путешествие по судьбам героев и злодеев древнегреческой мифологии.
Внимательно посмотрите на представленные ниже изображения. Бьюсь об заклад, что даже если бы вы не видели название данной публикации, вы бы без проблем идентифицировали героя нашего рассказа. Или, вернее сказать, героиню. Образ Медузы Горгоны - один из самых популярных образов в мире, его можно встретить не только на античных барельефах и старинных амфорах, но и на логотипе модного дома «Gianni Versace», многочисленных принтах и эскизах татуировок. Ее образ, как и ее история, сочетает в себе фатальное очарование и злой рок, искушение и страх, красоту и безволие. В нашем материале мы предлагаем вам вновь вспомнить историю прекраснейшей девушки, своей красотой равной и даже превосходящей олимпийских богинь, а также происхождение мифа о коварном чудовище, хладнокровно расправляющемся с теми, кто недостаточно силен, чтобы противостоять его чарам.
«Она прекрасна и странна. Глядя на нее мы чувствуем как отвращение, так и сострадание. Она - жертва. Она смертна, но ее образ живёт вечно. Именно это не позволило художникам и поэтам на протяжении многих веков игнорировать ее» (Спирос Сыропулос, профессор древнегреческой литературы на факультете средиземноморских исследований Эгейского университета Греции)
Одной из характерных черт образа Медузы, отличающей ее от любого другого, являются змеи, заменяющие одной из сестёр Горгон некогда прекрасные волосы - божественный «дар» дочери Зевса Афины. А между тем, как было сказано выше, изначально Медуза была одной из прекраснейших девушек, которых только видел свет. Но, как мы знаем, красота - страшная сила, а в представлении древних греков еще и роковое проклятие, ибо редко когда она означала счастливое будущее для ее обладательницы. Возжелав смертную красавицу (напомним, что дочь морского божества Форкия и морской богини Кето в отличие от своих сестер Эвриалы и Сфено была смертной), бог морей Посейдон решил завладеть Медузой прямо в храме его соперницы - богини Афины, гнев которой пал, как ни странно, на невинную девушку. А вместе с ней и на ее сестер, превращенных, как и сама Медуза, в уродливых чудовищ с крепкой, как сталь, чешуей, покрывающей тело, острыми стальными когтями, ядовитыми змеями вместо волос и горящими от ярости глазами, обращающими потревоживших ее героев в камень. Да что уж говорить, даже свое название несчастные сестры вероятнее всего получили от древнегреческого «γοργός» («горгос»-страшный, ужасный), что не особо подчеркивает какое-либо снисхождение к судьбе девушек.
Но почему именно змеи? Возможно ответ на этот вопрос кроется в происхождении образа самой богини Афины, выросшей из образа змеиной богини, существовавшей в минойской культуре - задолго до появления мифа о Медузе Горгоне. Кем именно была «змеиная богиня», изображения которой были обнаружены в ходе раскопок Артура Эванса, неизвестно, однако мы знаем, что змея считалась символом мудрости и бдительности, потому неудивительно, что именно с воительницей Афиной связывают этих пресмыкающихся созданий. Змеем в мифах нередко предстает «сын» Афины Эрихтоний, охранять покой которого богиня-воительница также представила ползучих гадов. Возможно именно с близостью змей образу дочери Зевса связана версия о том, что знаменитые «змеиные волосы» являются не проклятьем, а даром Афины, желавшей защитить Медузу от тех, кто в будущем может покуситься на девушку - тем более, что согласно более ранней версии истории у Афины не было причин для гнева в адрес невинной девушки.
Богиня Афина работы скульптора Алессандро Альгарди, 1627 г. Здесь Афина - прямая наследница древней критско-минойской змеиной богини, скульптура которой была найдена в 1903-м году сэром Артуром Эвансом во время его раскопок на Крите
«Вместо того, чтобы наказать бога, Афина наказала смертного, что было несправедливо. Но именно так вели себя боги в греческой мифологии — мелочные, мстительные и жестокие»
Как бы то ни было, представленная выше версия знаменитого мифа появилась лишь во 2 веке н.э. в знаменитой поэме Овидия «Метаморфозы», притом, что сама история девушки, разгневавшей Афину, существовала и за тысячу лет до этого - в период с 1200-800 гг. до н.э., на что, собственно, мы намекнули в прошлом абзаце. Самая древняя из известных нам версий истории одной из сестер Горгон связана с древнегреческим поэтом Гесиодом и его поэмой «Теогония», затрагивающей множество тем античной мифологии - от зарождения мира и противостояния титанов и богов, до известных образов вроде «ящика Пандоры» и «Кроноса, пожирающего собственных детей». Само собой нашлось в «Теогонии» место и для истории несчастной Медузы - в более ранней версии девушка вступила в половую связь с Посейдоном без какого-либо насилия, да и не в святилище Афины, а на весеннем лугу:
«Смертной Медуза была. Но бессмертны, бесстаростны были Обе другие. Сопрягся с Медузою той Черновласый На многотравном лугу, средь весенних цветов благовонных. После того как Медузу могучий Персей обезглавил, Конь появился Пегас из нее и Хрисаор великий» ( «Теогония», Гесиод, VIII — VII век до н. э.)
Однако Гесиод не упоминает ни внешности Медузы и ее сестер, ни, собственно, причины, по которой герою Персею понадобилось отрубить нашей героине голову - из «Теогонии» мы можем почерпнуть лишь информацию о том, что родители сестер Горгон были морскими существами, а сами сестры жили, если полагаться уже на современных исследователей, где-то в Ливии. Вполне возможно, что Гесиод не считал важным сообщать в своей поэмы подробности вероятно широко известной истории, однако для нас это значит лишь то, что в этом вопросе мы не можем полагаться только на Гесиода. Как и всегда, нам на помощь спешит археология.
«Персей и Горгона», часть обнаруженного в Фивах терракотового пифоса, сер. VI в. до н.э. Музей Лувра, Париж.
Знаменитый, пусть и малоизвестный образ Медузы в виде женщины-кентавра, можно найти на обнаруженном в Беотии (одной из центральных областей Греции) терракотовом керамическом сосуде - пифосе, датированным VII в. до н.э. - собственно, в этот же период жил и сам автор «Теогонии». Лошадиная часть Медузы здесь вероятнее всего является отсылкой на ее связь с Посейдоном - как мы помним, кони были запряжены в его колесницу, сам бог морей нередко обращался в жеребца, а знаменитый Пегас по одной из версий является его детищем, рожденным Медузой. Стоит отметить, что не только Гесиод не раскрывает для своих будущих читателей образа Медузы - в «Одиссее» Гомера, датированной, по одной из версий, VIII в. до н.э. Медуза является всего навсего чудовищем из подземного царства, куда попадает Одиссей в XI песне - там она появляется из мрака как кошмарное видение.
«Видеть хотел я великих мужей, в отдаленные веки Славных, богами рожденных, Тесея царя, Пирифоя, Многих других; но, толпою бесчисленной души слетевшись, Подняли крик несказанный; был схвачен я ужасом бледным, В мыслях, что хочет чудовище, голову страшной Горгоны» ( «Одиссея», XI Песнь, Гомер)
В поэме Гомера «Илиада» - не менее знаменитом произведении древнегреческого старца также упоминается лишь голова Горгоны - там она украшает верховного олимпийского бога Зевса, также голова упоминается и на эгиде богини Афины. Именно голова Медузы впоследствии станет центральной частью ее образа, однако трансформация в известное нам изображение девушки со змеиными волосами произойдет не сразу - взять, к примеру, чуть более позднее изображение VI в. до н.э., где Медуза также изображена в полузверином обличии, но на сей раз ее конная половина заменена рыбьим хвостом - еще одной отсылкой на ее связь с богом морей Посейдоном.
Бронзовый щит, Олимпия, VI в. н.э.
Щит, найденный в Олимпии, равно как и щит Зевса из «Илиады» является иллюстрацией трансформации образа Медузы - теперь она не только угрожающее всему живому чудовищу, но и защитный оберег. Он получил название «горгонейон» и изображался не только на щитах, но и доспехах, дверях и фронтонах храмов - на всем, что нуждается в божественной защите. Примеры 2,3,5 и 6, представленные на первой фотографии данного материала, являются именно «горгонейоном» - более ранние версии имеют клыки и в целом довольно устрашающий вид, после клыки исчезают, а само изображение Медузы становится более миловидным - той самой девушкой с змеями вместо волос.
Мраморная голова Медузы Горгоны, т.н. Медуза Ронданини - работа неизвестного скульптора. В XIX веке принадлежала маркизу Ронданини - позже скульптуру выкупит король Людвиг Баварский для своей глиптотеки, где «Медуза» находится по сей день.
Этот образ мы можем встретить не только в искусстве эллинистического и римского периода, но и в Новое время. Как уже было сказано выше, его рождению мы во многом обязаны всё тому же римскому поэту Овидию, однако сама Медуза в образе прекрасной девушки появлялась в греческой культуре и ранее - взять хотя бы знаменитую «Медузу Ронданини», созданную во времена Овидия на основе утраченного греческого оригинала V или IV вв. до н. э. Именно она станет прообразом будущих романтизированных образов Медузы Горгоны.
«Голова Медузы», Франц фон Штук, 1892 г.
Говоря о Медузе Горгоне и ее голове нельзя не упомянуть и того, кто стал причиной гибели девушки, милостью богов обращенной в кровожадное чудовище. Мы говорим о герое Персее. Согласно версии мифа превращенные в чудовищ сестры Горгоны были вынуждены покинуть людей - они отправились на далекий остров, чтобы не навредить тем, кто уже считал их монстрами. А со временем люди и вовсе позабыли, что когда-то сестры были невинными девушками - теперь по Земле шли слухи об ужасных созданиях, разрывающих путников на куски, либо превращающих своим взглядом в камень. Позабыли о своем прошлом и сами Горгоны.
«Они не могли определить дату, но древние греки не сомневались, что когда-то произошло нечто реальное» (Спирос Сыропулос, профессор древнегреческой литературы на факультете средиземноморских исследований Эгейского университета Греции)
А между тем у Данаи, дочери царя Аргоса Акрисия родился мальчик. Незадолго до этого царю было предсказано, что он погибнет от руки собственного внука, потому он запер дочь в темнице, чтобы та уж точно не забеременела. Однако, как многие знают, в эту историю вмешался Зевс, проникнув золотым дождем к покои Данаи. Девушка забеременела, а после на свет появился Персей - разгневанный царь, не поверивший Данае, заковал дочь и внука в ящик, а после выбросил в море.
"Даная и ее сын Персей», Артур Рэкем, 1922 г.
Этот ящик прибило к острову Серифосу, правил которым царь Полидект - он-то отдал мальчика на воспитание в храм Афины, а сам принялся ухаживать за Данаей, которая никак не отвечала взаимностью ласкам правителя. Получить же Данаю силой Полидект не мог - опасался мести Персея, который рос не по дням, а по часам, потому царем Серифоса было принято решение избавиться от юноши, отправив его за головой чудищ, держащем в страхе уже и его подданных. Причем сразить Горгон Персей отважился сам - воспитанный в храме Афины, не простившей греха Медузы, молодой герой получил достаточную мотивацию и подготовку для своего первого подвига, а бессмертная богиня вместе с другими олимпийцами получили возможность очередной раз поквитаться с Медузой.
Флаг Сицилии, утвержденный в 1900 г. По легенде именно там нашла свою смерть Медуза Горгона, чья голова и изображена в центре красно-желтого полотнища
Конец этой истории вы прекрасно знаете - Медузу Горгону Персей все-таки одолел, однако ее история на этом и не думала завершаться. Как вы помните, та самая голова Медузы и после отделения от туловища своей обладательницы являлась грозным оружием - от ее взгляда, обращающего в камень, нашли свою смерть как противники Персея, так и противники его покровительницы - богини Афины. И даже существует легенда, что сам Александр Македонский однажды нашёл могущественный артефакт, иначе как еще объяснить его блистательные победы?
«Когда мы думаем о Медузе, мы думаем только о голове. Отрубленная голова становится гораздо важнее, чем безупречная девушка Медуза» (Спирос Сыропулос, «Бестиарий монстров в греческой мифологии»)
О «горгонейонах» и охранительных свойствах изображения Медузы мы рассказывали вам в прошлых абзацах - действительно, образ Горгоны прошёл сквозь века, оставаясь довольно популярным, однако эта известность не всегда шла ему на пользу. Один из таких примеров - «исследование» Глеба Владимировича Носовского, однако из авторов «Новой хронологии», призванной радикально пересмотреть известную нам картину мира. К реальности эти псевдонаучные теории не имеют никакого отношения, потому концепция Носовского скорее забавна, чем интересна, однако я не мог ее пропустить в рамках нашего рассказа о образе Медузы Горгоны. Если вкратце, то изучив древние изображения нашей героини, автор книги (внезапно) о татаро-монгольском иге, связал его с образом Георгия Победоносца, являющегося, по мнению Носовского, правившим в начале XIV века русским ханом, начавшем великое монгольское завоевание - да, христианского святого каким-то образом связали с Чингисханом, хотя и тот, и другой жили в разные эпохи и сильно раньше упоминаемых событий. В средневековых изображениях Георгия Победоносца Носовский усмотрел змей, а имя «Георгий» по его мнению могло происходить от греческой «Горгоны». В конечном итоге изображение Медузы Горгоны стало для европейцев страшным напоминанием об ордынском нашествии, которое все-таки Европу не настигло. Или нет, но ответ на этот и другие вопросы наверняка есть только в книге самого Носовского, знакомиться с текстом которой мы все-таки не рекомендуем - разве что для развлечения.
«Увеличенное изображение головы Святого Георгия Победоносца с гравюры Луки Кранаха, якобы 1506 года. Волосы Георгия изображены напоминающими извивающихся змей» - подпись к изображению, появляющемуся на одной из страниц книги «Татаро-монгольское иго. Кто ко
Не обошли вниманием известный образ и психологи - равно как и истории других героев древнегреческой мифологии история Медузы проецируется на историю человеческих взаимоотношений. Так называемый комплекс Медузы, появившийся как термин в 1948-м году, представляет собой иллюстрацию окаменения или замораживания человеческих эмоций, выраженном в затруднении человека в проявлении своих чувств, желании любить и доверять тех, кто страдает от отсутствия отношений или их недолговременности, разрушения. По мнению психологов, изначально Медуза символизирует свободу в проявлении своих чувств, Медуза же в своей финальной ипостаси - символ безразличия перетекающего в насилие, переход же из одного состояния в другое сопровождается личной трагедией. Комплекс Медузы может охватывать целые поколения, государственные системы, в которых человеческая жизнь не представляет ценности, а также всегда есть в войнах, где человеческое приносится в жертву «окаменевшим идеям» - «Горгона войны» убивает прежде, чем может состояться контакт и компромисс.
Многообразие версий происхождения образа Медузы Горгоны, как адекватных, так и не очень, говорит в том числе и об интересе к героине древних преданий спустя века и тысячелетия после его рождения. Как и в древности, в XXI веке люди, выбравшие для себя символ Медузы, ищут в изображении змееволосой Горгоны защиты от врагов внешних и внутренних, стремятся бросить вызов обществу и показать силу перед своими страхами. Но кем же является сама Медуза - охотником или жертвой, несчастной девушкой или кровожадным чудовищем? И заслуженно ли она и ее сестры получили свое наказание? На эти и другие вопросы вы, разумеется, можете ответить лишь сами, мы же постарались дать вам пищу для этих размышлений. А с вами был Бородатый Горец, увидимся на страницах «Бородатого Барда» Вконтакте и других соцсетях. Там же, к слову, вы можете найти нашу статью о происхождении другого известного мифологического образа - «Что скрывает миф о Минотавре?». А с вами был Бородатый Горец, до встречи и спасибо за прочтение!
При мысли, что посмотреть в Лувре первая мысль будет, скорее всего, про Мону «наше всё» Лизу. При этом мало кто из толпы перед самым знаменитым шедевром музея вообще обращает внимание на роскошное полотно «Брак в Кане Галилейской» Паоло Веронезе (именно на неё смотрит Лиза). И лично мне она намного интереснее:
Тут нужен широкоугольник: полотно превосходит по размеру даже Явление Христа народу Иванова.
Но после того, как я в первый раз открыл для себя фаюмские портреты (Призраки Лувра: Фаюмские портреты здесь об этом опыте и больше про историю Фаюма), любое посещение я начинаю с этого маленького подвального зала. С каждым разом получается находить его все быстрее, хотя это все еще целый квест…
Я не помню этого места…
В этот раз повезло с командировкой захватить выходные. Поэтому могу поделиться еще несколькими шедеврами:
Очень грустно видеть совсем молодые лица, но не спешите приглашать ниндзя для нарезки лука – есть гипотеза, что портреты писались на вырост, в молодом и зрелом возрасте, а потом выставлялись дома и уже после смерти занимали свое место, становясь частью захоронения.
Это в первую очередь относится к портретам на деревянных дощечках выше, к однозначно посмертным относятся портреты на бинтах мумий.
Когда смотрю на этот портрет, в голове играет попеременно Танец злобного гения КиШа и Halfman Song про Тириона Ланнистера, уж больно хитрый и коварный персонаж получился.
И, в заключение, не могу снова не поделиться «Портретом Европейки», он всё также прекрасен:
В следующий визит в Берлин обязательно доберусь до Египетского музея, если он, конечно, не закроется на реновацию (как Пергамон) – там должна быть большая коллекция.
Друзья, большое спасибо за внимание, с пятницей вас и отличных выходных!
Больше постов про исторические темы в этой серии: Душно об истории (в планах вернуться к большим историческим постам, в планах как минимум, Арсенал Граца), зарисовками природы делюсь намного чаще: Бианки.
Первые комиксы про Супермена появились в 1938 году. Что заставило художников обрядить его в трусы поверх колготок? Почему могучий супергерой одевается, как неразумный детсадовец?
Дело тут вот в чём. Давным-давно для жонглёров, акробатов, гимнастов, силачей, борцов – придумали специальную одежду, связанную из тонкой шерсти. Именно связанную, а не сшитую – такой костюм эластичнее и у него нет швов, натирающих кожу.
По-французски «вязание» – «трикотаж» («tricotage»). Костюм циркового артиста стали называть словом «трико».
Дешёвое трико делалось с обрезными штанинами (как наше термобельё), а дорогое – с полностью вывязанными ступнями (как колготки). На трико часто нашивались многочисленные блёстки – причём не только для красоты! Блёстки отлично маскировали капли пота, проступавшего на теле артиста во время выступления.
Однако у старинного трико была проблема. Упругость шерстяной нити со временем становится всё меньше и меньше. Трико приходится чем-то подтягивать, иначе оно довольно быстро начинает провисать некрасивыми складками и пузырями. Вот тогда-то придумали надевать поверх трико короткие шорты.
Они фиксировали, «подтягивали» шерстяное трико, чтобы оно не провисало. Посмотрите на одежду девочки-гимнастки на картине «Девочка на шаре» Пабло Пикассо или на иллюстрации к рассказу А. Куприна «Белый Пудель»!
Так что костюм Супермена – вовсе не «детсадовский», он борцовский и гимнастический – спортивный!
Постепенно эта мода стала исчезать: в 60-е годы XX века были изобретены синтетические волокна: эластан, лакйра, спандекс и так далее. Даже небольшая добавка эластана к шерсти позволяет вязать долговечный и удобный трикотаж, не теряющий форму и плотно облегающий тело. Спортсменам надевать «шорты поверх колготок» стало незачем. А супергероев переодеть забыли!
В ожидании казни Герман Геринг имел возможность читать газеты. Одна из публикаций ошеломила его. По словам очевидцев, после прочтения он выглядел так, будто «впервые понял, что в мире есть зло». Также он произнес: «Не может быть, чтобы на свете не осталось порядочных людей». Что же это была за публикация, и почему она так задела Геринга?
Это продолжение вчерашней статьи «Что такое шедевр?». Но прежде чем рассказать эту историю, давайте проведём маленький эксперимент. Взгляните на эти картины.
Пять из них написаны в XVII веке, а ещё одна – в ХХ. Сможете определить на глазок, какая? Запишите комментарием или просто запомните свой ответ...
Хан ван Меегерен
Этот голландский художник презирал современное искусство, предпочитая писать картины в стиле старых голландских мастеров. Критики разносили его творчество в пух и прах: «У него есть все достоинства кроме оригинальности». Когда же ван Меегерен, занимаясь восстановлением старых картин, отреставрировал картину голландского художника, один из критиков сорвал сделку по её продаже, объявив картину подделкой.
Ван Меегерен затаил обиду и задумал написать подделку такого высочайшего качества, чтобы ее было не отличить от оригинала. Выбор пал на Вермеера.
Ван Меегерен. Автопортрет
Судьба Яна Вермеера Делфтского
Ян Вермеер прожил всего 43 года. При жизни известность его была ограниченной, а после смерти имя гениального художника на целых двести лет было забыто.
После смерти Вермеера сиротами остались 11 его детей. Поэтому вдова и его душеприказчики распродавали картины довольно поспешно, не заботясь о том, в чьи руки они попадут. Следы большинства его картин затерялись. И именно поэтому в XIX и XX веке время от времени обнаруживались неизвестные шедевры художника, о подлинности которых можно было только догадываться.
Вермеер мастер бытовой живописи. Картин на религиозные сюжеты у него почти нет. Известно лишь одно полотно — «Христос в доме Марфы и Марии».
Ян Вермеер «Христос в доме Марфы и Марии»
Критики считали, что эта картина могла быть частью утерянного цикла. Для ван Меегерена это стало потрясающей возможностью – написать нового «неизвестного Вермеера» из этого цикла.
Как создать шедевр семнадцатого века, живя в двадцатом?
Прежде всего надо было верно подобрать холст и подрамник. Ван Меегерен покупал старые картины, чтобы смывать верхние слои краски и рисовать поверх первоначального изображения. Кроме того, ему нужны были кракелюры – трещины, которые всегда появляются на старинных полотнах.
Чтобы обмануть экспертизу, ван Меегерен корпел над созданием красок по рецептам XVII века. Тогда их делали из натуральных пигментов и разводили чаще всего маслом или белком. Также он знал, что в XVII веке не использовали зеленый малахитовый пигмент, а смешивали желтую и синюю краски. Он делал так же. Не забыл ван Меегерен и о забивавшейся в трещины пыли.
Итак, потратив добрых четыре года на подготовительные работы, художник приступил к сюжету о посмертном явлении Христа ученикам. Так началось рождение утерянного произведения Вермеера «Христос в Эммаусе».
Хан ван Меегерен «Христос в Эммаусе»
Как Ван Меегерен продал картину Герингу?
Изначально фальсификация задумывалась, чтобы отомстить одному критику за срыв сделки. Но всё пошло не по плану. Тот критик и ещё множество других заключили подлинность этой картины. Но тут в оценку подлинности включился известный арт-дилер Джозеф Дювин. Он заявил, что картина — подделка, причем грубая.
Люди решили: Дювин просто сбивает цену. В итоге афера зашла очень далеко: картину купил музей Бойманса Ван Бёнингена в Роттердаме, заплатив за нее около 2 миллионов долларов. Ван Меегерен почувствовал, что наконец поймал птицу счастья за хвост, и продолжил писать «Вермееров».
Написав очередной шедевр «Христос и грешница», художник понимает, что наиболее реальным покупателем будет, скорее всего, кто-то из немцев. Так и вышло. Геринг был одержим коллекционированием, ограбил половину Европы и всегда мечтал обладать картиной Вермеера.
Заключение сделки стало уже не частным, а государственным делом. В результате переговоров стороны договорились, что за Вермеера Третий рейх возвратит Голландии около двухсот подлинных полотен старых мастеров, государство, получив картины, расплатится с продавцами «Вермеера» деньгами.
Геринг, как и Гитлер, считался ценителем искусства
Как раскрыли фальсификацию?
После войны в Австрии была обнаружена коллекция Геринга, и встал вопрос: кто же продал голландское национальное достояние — картину Вермеера — фашистам? К ван Меегерену пришла полиция. Его обвинили в измене, караемой смертью. Через шесть недель тюрьмы он сознался в мошенничестве.
Ему не поверили – посчитали, что он врет, чтобы остаться в живых. Но, тем не менее, ему дали шанс. И в течение шести недель, находясь в окружении репортеров, фотографов и многих других специалистов, он создал «десятый неизвестный шедевр» под названием: «Молодой Христос проповедует в храме».
Меегерен за работой во время экспертизы
Это доказательство оказалось самым убедительным: дело переквалифицировали. Кроме того, благодаря фальсификации, Голландия вернула 200 утраченных картин. Об этом много писали репортеры, поэтому публикация и попалась Герингу на глаза.
Свидетельства против ван Меегерена в музее Бойманса Ван Бёнингена
А теперь смотрите. Вы – не искусствовед (скорее всего), не художественный критик, не эксперт, определили на глазок, по плохонькой фотографии липового Вермеера, а целому сонму специалистов это не удалось... Наводит на размышления, да?
Перенесёмся лет на 700–800 назад, в средневековый западноевропейский город. Например, в Лион во Франции, в Милан в Италии или в Любек в Германии.
Вся власть – и гражданская, и военная – в таких городах принадлежала особым организациям – торговым гильдиям и ремесленным цехам.
Что такое цех?
На современных фабриках и заводах «цех» – это помещение, в котором производится какая-то отдельная продукция. Например, на кондитерской фабрике бывает конфетный цех, бисквитный цех или карамельный цех. На машиностроительном заводе – кузнечный цех, литейный цех или сборочный цех. В кузнечном цехе делают кованные металлические детали, в литейном – литые, в сборочном – производят сборку готовых изделий, например, станков или автомобилей.
Однако в Средние века «цехом» называлось не помещение, а особого рода организация, объединявшая мастеров-ремесленников. Кто ты? Портной? Значит, должен входить в цех портных. Кузнец? Значит, должен быть мастером цеха кузнецов. Художник? Обязан состоять в цехе художников города. Иначе никто и никогда у тебя ничего не купит.
Чем-то средневековый цех был похож на орден джедаев из фильма «Звёздные войны» – в цехе были строгие правила, цех ни от кого не зависел (у цехов были собственные суды, собственные законы и даже собственные тюрьмы), и, вдобавок ко всему, тогдашний ремесленный цех был грозной военной силой.
Во главе каждого цеха стоял старейшина – самый старый и уважаемый мастер. Возможно, вы читали сказку Тамары Габбе «Город мастеров» или видели одноимённый фильм – там как раз описан такой средневековый город, в котором вся власть принадлежит старейшинам ремесленных цехов. У каждого цеха были собственные герб, флаг, форменная одежда и даже вооружённая стража – настоящее «государство в государстве»!
Мастера или рыцари?
«Как же так?» – спросите вы. Ведь на уроках истории нам рассказывали, что в Средние века главной военной силой были рыцари-феодалы? При чём здесь мастера? Какие могут быть военные из художников, ткачей или портных?
Ну что ж, так думали многие короли и рыцари, считавшие, что «подлые ткачи и пивовары» воевать не умеют. И жестоко ошибались – например, в 1302 году, в битве при Куртрэ, фламандские «жестянщики, ткачи и пивовары» наголову разгромили французское рыцарское войско. Погиб даже главный полководец, граф Роберт Артуа, родственник самого короля! С убитых рыцарей гордые фламандцы сняли больше 700 золотых шпор и повесили их в знак победы в городском соборе. «Битва золотых шпор» – так до сих пор называют битву при Куртрэ в Голландии и Бельгии.
Шнайдеры против Шмитов
Самым низким рангом в цехе был ранг ученика. В ученики обычно брали мальчиков в возрасте 10–13 лет, и ученичество продолжалось около 7–8 лет. Иногда за обучение ученика платили родители; однако намного чаще ученик работал в цехе просто за еду и крышу над головой. Само собой, никакой важной работы ученикам, особенно младшим, не доверяли – в основном они мыли полы и посуду, чистили конюшни и бегали по городу с мелкими поручениями. Старшим ученикам уже дозволялось помогать мастерам и подмастерьям в ремесленной работе, но никаких денег им не полагалось.
Кстати, нетрудно догадаться, что у многих цеховых мастеров были собственные дети – которые буквально «автоматом» попадали в ученики. Сын ювелира становился ювелиром, сын портного становился портным, сын кузнеца – кузнецом. Дочери мастеров ремесленного цеха выходили за сыновей мастеров того же самого цеха, и так происходило в течение многих и многих поколений. Современные учёные в Германии даже как-то провели любопытное исследование – сравнили физические данные людей с фамилией Шнайдер (то есть «портной») и людей с фамилией Шмидт (то есть «кузнец»). Так вот, даже в нашем XXI веке Шмидты, то есть потомки кузнецов, оказались в среднем более высокими и мускулистыми, чем потомки портных — Шнайдеры!
Боевой подмастерье
Следующим рангом в цехе был ранг подмастерья. В наше время подмастерьями часто иронически называют людей не особенно искусных, начинающих, дилетантов; однако в Средние века такого человека назвали бы учеником, но никак не подмастерьем.
Подмастерье – это уже квалифицированный искусный работник, который за свою работу получает очень даже неплохие деньги. Многие готовые вещи, которые цеха выставляли на продажу, делались именно подмастерьями, а не мастерами. Впрочем, подмастерья не только работали «по специальности» – именно они были основной военной силой цеха, а заодно и его охраной. Подмастерья также следили за дисциплиной среди учеников (иногда весьма строго), а также работали приказчиками (на современном языке «приказчик» – это одновременно и рекламный агент, и продавец) в лавках и на ярмарках.
Однако насколько далеко было ученику до подмастерья, настолько же подмастерью было далеко до мастера. Подмастерье не имел права на собственное клеймо, то есть даже если он делал то или иное изделие самостоятельно, это изделие всё равно подписывалось клеймом мастера. Подмастерья не имели права голоса в совете цеха. Подмастерье не мог набирать себе учеников. Подмастерье не имел права без разрешения мастера жениться, сменить место жительства, да даже просто бросить работу и сбежать – средневековые законы обходились с беглыми подмастерьями очень сурово!
Мечтой каждого подмастерья было стать настоящим мастером, получить свободу, право на собственную «марку», на собственный дом и уже самому набирать себе учеников и подмастерьев. И вот тут-то мы и встретимся со словом «шедевр»…
Мастепис, или Майстерштюк
По-французски «шедевр» (chef-d’oeuvre) буквально означает «главное изделие». По-английски это будет называться «masterpiece», а по-немецки – «Meisterstück».
Чтобы стать мастером, подмастерье должен был выполнить ряд трудных условий. Например, он должен был отработать определённый срок (обычно не менее 10 лет). У него должно было быть достаточно денег, чтобы обзавестись собственным домом. Он должен был на свои деньги купить полный латный доспех для цехового арсенала (помните? цех был ещё и военной организацией!). Он должен был устроить на свои деньги пиршество для старейшины и всех мастеров. Но это всё было не главное.
Главное – это было создание шедевра, то есть «главного изделия», настолько выдающегося образца своего искусства, чтобы ни у кого не могло возникнуть даже и тени сомнения, что это делал подлинный мастер. Сейчас бы это назвали «экзаменом» или «практической работой», но в те далёкие времена это называлось словом «шедевр».
Что такое шедевр
Правила создания шедевра были сложнее любого современного экзамена. Во-первых, шедевр должен быть полностью придуман автором (копировать чужую работу не запрещалось, но шедевром это ни один мастер не признает).
Во-вторых, шедевр должен быть создан за свой счёт. Скажем, если подмастерье-ювелир хотел сделать драгоценный кубок в качестве шедевра, он должен был самостоятельно купить золото, серебро и самоцветные камни.
В-третьих, за шедевр нельзя было выдать заказное изделие. Если изделие было сделано на заказ или на продажу, то есть «за деньги», то шедевром оно не считалось.
В-четвёртых, автор должен был делать шедевр целиком и полностью сам, от первой операции и до последней. Обычно в цехе многое делали старшие ученики и подмастерья – скажем, в ювелирном цехе им поручали такие операции, как вытягивание проволоки или растирание красок для эмали. Однако к шедевру это правило не относилось – автор должен был делать все операции сам.
В-пятых, подмастерье должен был создавать свой шедевр только в свободное от основной работы время. То есть от исполнения своих основных обязанностей изготовление шедевра его не избавляло. Нельзя было сказать: «Ах, оставьте меня, я занят, я шедевр создаю».
Признание
Когда шедевр был готов, его представляли совету мастеров цеха на обсуждение. Каждый мастер должен был сказать, насколько изделие отвечает всем требованиям и традициям цеха, есть ли в нём какие-либо изъяны. Если вердикт мастеров был положительным, шедевр отправлялся в казну цехового дома, своеобразный «музей» – шедевры не продавали, они служили в качестве лучших образцов мастерства.
В особых случаях их дарили почётным гостям, королям, герцогам или отсылали конкурентам в другие города – дескать, смотрите, какие потрясающие вещи могут делать мастера нашего цеха! Выражаясь современным языком – «а вам слабо?». Успешно «сдав экзамены», счастливый подмастерье мог делать вступительный денежный взнос и на торжественном пиру провозглашался, скажем, «подлинным мастером цеха сереброкузнецов славного города Любека».
Зачем?
«Зачем было городить такие сложности?» – можете спросить вы. Почему создание шедевра было настолько трудным?
А вот почему. Каждый средневековый цех – это как бы современная «фирма». Есть просто автомобиль, а есть Rolls-Royce. Есть просто CD-проигрыватель, а есть CD-проигрыватель Marantz. Есть просто рояль, а есть рояль Steinway.
Вот и в Средние века было точно так же – есть просто доспехи, а есть доспехи работы миланских кузнецов. Есть просто шпаги, а есть шпаги работы оружейников из Толедо. Есть просто кружева, а есть фламандские кружева, с которыми никакие другие не сравнятся ни в тонкости нити, ни в красоте рисунка. Лионские шелка, вина из Бордо, богемское стекло, саксонский фарфор... И каждый новый мастер должен был доказать, что действительно является мастером, что ни в коем случае не посрамит славного имени цеха и города.
И какие же замечательные вещи умели делать средневековые мастера! Мы до сих пор любуемся ими – и не только в музеях. Например, ратушные часы города Праги были созданы в 1410 году – и они работают до сих пор! О такой надёжности и долговечности современные часы, даже самые дорогие, могут только мечтать, увы...
Средневековые ремесленные цеха постепенно уступили место мануфактурам, а затем фабрикам и заводам. Традиция создания «шедевра» – то есть одновременно замечательного произведения искусства и сурового экзамена на получение звания мастера – тоже была забыта.
Нам осталось только само слово «шедевр», которое сейчас обычно означает «выдающееся произведение искусства или ремесла». Однако уже нет ни строгих правил, ни строгих беспристрастных судей – и люди часто называют шедеврами просто то, что им нравится, или даже то, что им выгодно так называть... И часто попадают впросак... Одну такую историю мы расскажем завтра.
Для всех поклонников футбола Hisense подготовил крутой конкурс в соцсетях. Попытайте удачу, чтобы получить классный мерч и технику от глобального партнера чемпионата.
А если не любите полагаться на случай и сразу отправляетесь за техникой Hisense, не прячьте далеко чек. Загрузите на сайт и получите подписку на Wink на 3 месяца в подарок.
Картина написана во время учёбы Иванова в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге - позже Иванов получит за нее золотую медаль Академии наук. Сюжет картины заимствован из «Илиады» Гомера (песнь 24) - царь побеждённой греками Трои, старый Приам с помощью бога Гермеса проникает в лагерь греков и предлагает их предводителю Ахиллу выкуп за тело своего сына Гектора, погибшего в поединке с Ахиллом. В глубине изображены соратники Ахилла, на первом плане — кадуцей, жезл Гермеса, знак его незримого присутствия. Иванов создал картину в строгом соответствии с академическими требованиями и правилами классицизма, но выбрал наиболее эмоциональный момент. Он стремится наполнить живым чувством широко известный античный сюжет. Подобное решение художника согласуется с романтическими веяниями времени.
Стоит отметить, что ко времени создания картины отрывок из Песни 24 «Илиады» с описанием этого эпизода был известен в переводе Н.И. Гнедича, опубликованном в 1815-м году в журнале «Вестник Европы» задолго до выхода в свет полного перевода поэмы в 1829-м.