Трейлер нового исторического фильма Такеши Китано "Шея"
Премьера 23 ноября
Премьера 23 ноября
И надеюсь, что не заключительная!
Этот обзор представлен не мной (грустный вздох белой зависти), а моей однокурсницей Леной, с которой мы вместе изучали японский. Инстаграм заграницей заработал без VPN и я увидела, что Лена мчит в Японию, частично рассказывает о путешествии в сторис, а в телеге пишет эмоциональные посты чуть ли не в прямом эфире! Я не удержалась и слезно попросила ее снять для нас с вами, как выглядит внутри японский кинотеатр.
Если честно, он удивил даже меня)
Кстати, второго дня она подытожила свою поездку лонгридом "Как поехать в Японию и не пожалеть об этом" (https://t.me/hewasaman/825), но если вдруг вы захотите прочувствовать всю атмосферу ее путешествия, то рекомендую начать с самого начала (https://t.me/hewasaman/296).
Теперь переходим к самому кинотеатру: 6-зальный Toho Cinemas находится в торговом центре COREDO 2.
Мечтаю увидеть этот пейзаж воочию
Фойе кинотеатра
Что по репертуару?
В сети кинотеатров представлено 39 фильмов, 12 из которых приходится на голливудский контент, еще 2 (внезапно) на индийский. Оставшиеся 25 релизов японского производства, из которых 9 - это аниме и мультипликация.
Удивление N°1 - в Японии есть дубляж! Даже в Китае его нет (по крайней мере, на юге страны), а тут всё на месте.
Дубляж присутствует не в каждой стране, сделать субтитры намного проще и бюджетнее. В России одна из самых сильнейших школ дубляжа, но прокатчики не всегда вкладываются в свои релизы, особенно в комедии. Этот жанр требует больше временных и творческих ресурсов, а значит и денежных.
А по ценам на билеты?
(Стоимость билетов и снеков буду переводить в рубли по сегодняшнему курсу 0,66 Р за йену и для удобства округлять)
Будни (понедельник-среда):
• Дети от 3 лет - 1000 ¥ (660 ₽);
• Инвалиды (с одним сопровождающим) - 1000 ¥ (660 ₽);
• Взрослые и пожилые - 1300 ¥ (860 ₽).
Выходные (четверг-воскресенье):
• Дети от 3 лет - 1000 ¥ (660 ₽);
• Инвалиды (с одним сопровождающим) - 1000 ¥ (660 ₽);
• Пожилые 1300 ¥ (860 ₽);
• Студенты 1500 ¥ (1000 ₽) - этот тариф появляется только в выходные;
• Взрослые 2000 ¥ (1330 ₽).
Удивление N°2 - для удобства на сайте показано время примерного окончания сеанса. Это настолько просто, что даже гениально!
А теперь перейдем к самому интересному, - снекам!
Комбо-набор 1 напиток и среднее ведёрко попкорна 515 ₽, 2 напитка и большое ведро попкорна с возможностью насыпать разные вкусы - 800 ₽.
Также идентифицированы отдельные ведерки попкорна по цене 280 ₽ и разные вкусы попкорна в глазури по 500 ₽.
Из напитков доступны кофе (300-350 ₽), bubble tea (400 ₽), из алкоголя пиво и вино (600 ₽); джанкфуд представлен в виде хот дога (400 ₽) и внебрачного ребенока хачапури и пиццы пепперони (400 ₽)
Это что за покемон? о_О
Если к мороженому сердце не лежит, а сладенького хочется:
Мармеладки и печеньки по 270 ₽ за 100 гр. (Удивление N°3 - 2700 ₽ за кг 😱)
Но вот чем меня поразила Япония, так это безумным количеством мерча. Буквально в любом книжном можно купить мангу по любимым произведениям, какие-то мелкие ништяки и проч., про большие города типа Токио я вообще молчу.
Судя по постам Лены, персонажи из разных аниме сопровождают тебя на билетиках, смотрят на прохожих с рекламных билбордов и манят прикупить милый ништяк буквально на каждом углу.
А мерч в кинотеатре вообще отдельная история!
Ништяки по Миньонам, Индиане Джонс, Барби и новому фильму Миядзаки КАК ПОЖИВАЕТЕ? (название в мировом прокате МАЛЬЧИК И ЦАПЛЯ)
Скудный ассортимент от Marvel
Сувенирка от местного кинопрома
И самое кайфовое...
Ghibli мерч 🥹
Удивление N°4
Вы когда-нибудь видели, чтобы коллекционные Blu-ray продавались прямо в кинотеатре? Если честно, то я не помню, в каком году мы выкинули DVD плеер)
Хотя заграницей просмотр фильмов на дисках очень даже популярен (особенно в Европе).
Благодарю вас за внимание!
Надеюсь, что вы получили такое же удовольствие от знакомства с этим кинотеатром, как и я)
Лучшая сцена "Семи Самураев" Акиры Куросава - дуэль "фальшивого" самурая с настоящим.
Эй, монах, заканчивай с проповедью! Слушать шум дождя и то веселее!
«Расёмон» (1950)
Знакомство с кинематографом Японии для многих начиналось с фильмов Акиры Куросавы (1910–1998). В 1951 году его картина «Расёмон» (1950) получила «Золотого льва» Венецианского кинофестиваля и «Оскара» как лучший фильм на иностранном языке. Эти победы положили начало международному признанию японского кинематографа.
О масштабах влияния Куросавы на мировое кино можно судить по обилию цитат и заимствований из его картин. С оглядкой на фильм «Трое негодяев в скрытой крепости» (1958) создавал «Звездные войны» Джордж Лукас, а классические послевоенные вестерны «Великолепная семерка» (1960) Джона Стёрджеса и «За пригоршню долларов» (1964) Серджо Леоне задумывались как ремейки «Семи самураев» (1954) и «Телохранителя» (1960). Ареал влияния Куросавы не ограничивается Голливудом. В Индии было создано по меньшей мере семь ремейков его фильма «Жить» (1952)! Да и в России не так давно вышел фильм Рустама Хамдамова «Мешок без дна» (2017), переосмысливающий послание «Расёмона».
Кадр из фильма «Семь самураев». 1954 год
«Секрет» Куросавы пытались разгадать, акцентируя внимание на его происхождении: режиссер родился в семье со старинными самурайскими корнями. Востребованный на Западе образ мифологического самурая, хранителя японских традиций, поддерживал и сам Куросава, например, в своей автобиографии, но при этом его фильмы полны заимствований из европейского и американского кинематографа — особенно из вестернов Джона Форда. Японский режиссер всегда был открыт новым идеям, откуда бы они ни исходили.
В своих фильмах Куросава воспел умение и готовность человека меняться в соответствии со временем и жизненными обстоятельствами. Эта ортодоксальная с точки зрения буддизма идея прослеживается в его фильмах не только на уровне нарратива, но и визуально — через движение камеры, динамизм мизансцен и актерского жеста, природные циклы и тончайшие вибрации окружающей среды.
Движение всегда считалось главным преимуществом кинематографа, и Куросава мастерски использует этот потенциал. Излюбленный жанр Куросавы — боевик. В этом жанре снят его первый фильм — «Гений дзюдо» (1943). В одной из многочисленных сцен борьбы Куросава использовал замедленную съемку, чтобы зритель мог подробно рассмотреть детали поединка. Впоследствии это стало классическим приемом американских (и не только) боевиков. Сопровождать специальными звуковыми эффектами удары меча, рассекающего тело противника, тоже придумал Куросава («Телохранитель»). Призер многочисленных кинофестивалей, он всегда оставался студийным режиссером и ориентировался на массовую аудиторию. Слова, выведенные в эпиграф этой статьи, могли бы стать девизом Куросавы. Главной задачей режиссера было не научить зрителя, а заинтересовать его — захватывающим сюжетом, динамикой кадра, спецэффектами.
Кадр из фильма «Расёмон». 1950 год
«Расёмон» — детектив с элементами мелодрамы, мистического триллера, комедии — одна из вершин мирового кинематографа. Куросаву интересует тема субъективного восприятия действительности, отражающая философские поиски, культурные и политические преобразования в послевоенном мире. Например, уход от европоцентризма, пересмотр гендерных и расовых стереотипов, отрицание любого тотального дискурса.
Фильм снят по мотивам рассказов «В чаще» (1922) и «Ворота Расёмон» (1915) японского писателя Рюноскэ Акутагавы (1892–1927). Действие происходит в Японии XI века, терзаемой социальными конфликтами и клановыми междоусобицами. Трое мужчин прячутся от ливня под кровлей полуразрушенных ворот Расёмон, некогда стоявших у въезда в столицу императоров. С ветхой крыши стекают мутные потоки воды, мужчины ведут неспешный разговор. Двое из них побывали на судебном разбирательстве, которое не могло оставить их равнодушными. Был убит самурай, честь его жены поругана. Но как это произошло? Куросава показывает нам четыре версии инцидента, и все они противоречат друг другу.
Убийство и изнасилование происходит в чаще — зоне природного хаоса, освобождающей героев от необходимости следовать норме, подавлять свои инстинкты и эмоции. Сцены трагедии сняты максимально реалистично. Версию каждого рассказчика мы видим не его глазами, а как бы со стороны. Камера застигает героев в самых неожиданных ракурсах. Солнечные лучи, пробивающиеся сквозь ветви деревьев, создают игру света и тени на лицах актеров, подчеркивая их эмоции. Все намекает на приближение к истине, но она ускользает. В лесных сценах Куросава хотел показать чувственный мир, в котором «душа человека легко может заблудиться». Так, легчайшее дуновение ветра пробуждает разбойника Тадзёмару ото сна и толкает к насилию. В конце фильма дождь наконец заканчивается и над воротами Расёмон поднимается солнце. Его лучи — не банальная метафора светлого будущего, а констатация законов бытия. Они неумолимы, и солнечный свет все же существует. Дождь не может идти вечно, солнце светит не каждый день, окружающий мир меняется непрестанно, и человек тоже частица этого мира.
Кадр из фильма «Жить». 1952 год
После знакомства с фильмом «Расёмон» стоит обратиться к картинам режиссера о современности (по-японски гэндайгэки), начав с фильма «Жить». Главный герой — его сыграл один из любимых актеров Куросавы, Такаси Симура, — маленький человек, рядовой муниципальный клерк, которого коллеги называют «мумией». Почти всю жизнь он прожил в одиночестве, без цели и призвания и однажды узнал, что скоро умрет от рака. Только теперь, понимая, что каждый день может стать последним, герой осмеливается ощутить вкус жизни. Но по-настоящему спасительным для него оказывается служение людям, обществу: оставшиеся силы он отдает строительству детской площадки. В одной из самых запоминающихся и часто цитируемых сцен герой сидит ночью на качелях в созданном им парке и тихо напевает: «Жизнь коротка! Влюбляйтесь девушки, влюбляйтесь!» С неба падают белые хлопья снега, размеренное движение качелей передает спокойное и просветленное состояние героя.
Кадр из фильма «Пьяный ангел». 1948 год
В 1952 году фильм «Жить», при создании которого автор отталкивался от повести Льва Толстого «Смерть Ивана Ильича», получил специальный приз Берлинского кинофестиваля. Западная публика стала смотреть на Куросаву как на режиссера фильмов о послевоенном японском социуме. В Японии такого Куросаву узнали раньше благодаря фильмам «Пьяный ангел» (1948) и «Бездомный пес» (1949): в них поднимается тема поражения Японии в войне и трудностей адаптации к новому мироустройству. Эти фильмы станут хорошим продолжением знакомства с «современным» Куросавой. «Пьяный ангел» примечателен и тем, что положил начало популярному в послевоенном кинематографе жанру о японских гангстерах якудза.
Кадр из фильма «Бездомный пес». 1949 год
После знакомства с гангстерскими фильмами самое время приступать к просмотру костюмных лент Куросавы. Эти фильмы часто переосмысливают исторические стереотипы с позиций современности.
Западных кинокритиков восхищали не только гуманистический посыл и техническое совершенство фильмов Куросавы, но и восточная экзотика — причудливые костюмы и декорации фильмов, непривычная внешность актеров. Самого режиссера такая оценка не очень радовала. К японскому Средневековью он обращался, чтобы в отвлеченной форме говорить о проблемах современного общества, а вовсе не для того, чтобы воспевать традиционную японскую культуру. К сожалению, не все на Западе это понимали.
Кадр из фильма «Трое негодяев в скрытой крепости». 1958 год
Деконструкция идеализированного образа самурая, начало которой было положено в «Расёмоне», нашла продолжение в блистательном блокбастере «Семь самураев». Красочные баталии снимали одновременно на три кинокамеры — фирменный прием Куросавы и важнейшее из его технических нововведений. Продолжить самурайскую линию можно фильмами «Трое негодяев в скрытой крепости» и «Телохранитель».
Кадр из фильма «Телохранитель». 1961 год
Последний важный пункт — экранизации западной литературной классики. «Трон в крови» (1957) вдохновлен шекспировским «Макбетом», в основе фильма «Ран» (1985) — «Король Лир». Шедевры русской литературы нашли отражение в картинах Куросавы «Идиот» (1951) и «На дне» (1957).
Кадр из фильма «Трон в крови». 1957 год
Кадр из фильма «Идиот». 1951 год
Кадр из фильма «На дне». 1957 год
Кадр из фильма «Бездомный пес». 1949 год
На фоне символической решетки, напоминающей о криминальном жанре нуара, в котором снят фильм, видны фигуры учителя и ученика (Такаси Симура и Тосиро Мифунэ), ведущих расследование.
Кадр из фильма «Трон в крови». 1957 год
Фильм по мотивам шекспировской пьесы «Макбет» снимался в антураже японского Средневековья. Страх в глазах актера Тосиро Мифунэ — настоящий, как и стрелы, которые летели в него во время съемок этой знаменитой сцены.
Кадр из фильма «Жить». 1952 год
Падающие с неба хлопья снега в сочетании с размеренным движением качелей передают состояние спокойствия и просветления, которое испытывает герой.
Кадр из фильма «Семь самураев». 1954 год
Пластичность и мастерство актеров, динамизм мизансцен и виртуозная работа оператора создали фирменный стиль боевиков Акиры Куросавы.
Кадр из фильма «Расёмон». 1950 год
Игра света и тени на лицах актеров обнажает эмоции, создает ощущение почти осязаемого присутствия героев.
Кадр из фильма «Расёмон». 1950 год
Постановочная геометричность кадров судебного разбирательства противопоставлена реалистичности сцен в чаще, здесь герои играют на камеру, непосредственно обращаясь к зрителю.
Кадр из фильма «Дерсу Узала». 1975 год
Картина снималась в СССР при участии советских актеров, но главная роль в фильме отведена природе.
Кадр из фильма «Самые красивые». 1944 год
Творческое наследие Куросавы можно и нужно рассматривать в рамках авторской теории кинематографа — auteur theory. Зародившееся во Франции в 1950-е годы, это направление делает акцент на роли авторов (режиссеров), которые в условиях студийного кинопроизводства сумели разработать свой особый, неповторимый почерк (авторский стиль). Однако, хотя фильмы Акиры Куросавы в значительной степени повлияли на рождение этой концепции, с ее помощью можно интерпретировать не все его картины.
Кадр из фильма «Без сожалений о нашей юности». 1946 год
В годы Второй мировой войны и американской оккупации (1945–1952) японский кинематограф был мощным орудием пропаганды. В фильме «Самые красивые» (1944) Куросава показал каждодневную борьбу за перевыполнение плана юными работницами фабрики по производству оптических приборов для военной техники. В 1946 году под руководством оккупационных властей была снята картина «Без сожалений о нашей юности», повествующая о подавлении левого антивоенного движения Японии 1930-х. Оба фильма крайне политизированы, что нехарактерно для Куросавы, позже старавшегося сохранять нейтральную позицию (в годы холодной войны его фильмы одинаково ценились и кинокритиками Восточного блока, и западными). Так что просмотр снятых по госзаказу идейных картин Куросавы можно отложить на потом. Не стоит начинать и с фильма «Дерсу Узала» (1975), снятого в СССР при участии советских актеров и принесшего режиссеру второго «Оскара».
Кадр из фильма «Дерсу Узала». 1975 год© Киностудия «Мосфильм»; Daiei Film
Акира Куросава на съемках фильма «Семь самураев». 1954 год
Важное место в фильмах Куросавы занимает тема наставничества, традиционно почитаемая в японской культуре. Роль старшего друга, отца, мудрого советчика часто играет Такаси Симура. Исполнитель главной роли фильма «Жить» начинал свою карьеру на театральной сцене. Не обладая звездной внешностью, он стал звездой послевоенного японского кинематографа благодаря своему неординарному таланту, который полностью раскрылся в фильмах Куросавы. Роль младшего напарника Симуры, как правило, доставалась Тосиро Мифунэ. До прихода в кино Мифунэ шесть лет отслужил в армии, где работал в отделе фотосъемки. После демобилизации он надеялся стать кинооператором, но руководство студии Toho решило, что молодой человек киногеничен и больше годится в актеры — и действительно, Мифунэ долгие годы считался эталоном мужской красоты и маскулинности. В жизни Мифунэ и Симура дружили семьями.
Талантливый оператор Кадзуо Миягава работал с Куросавой только на фильмах «Расёмон» и «Телохранитель», однако его роль в творческой карьере режиссера неоспорима. В детстве Миягава учился традиционным видам живописи тушью (суйбокуга), и невозможность использовать яркие краски очень его огорчала. Позже в своих воспоминаниях он писал, что именно навык монохромной живописи больше всего пригодился ему, когда он стал оператором и начал работать с черно-белой пленкой. Для кадров ливня в первых сценах «Расёмона» Миягава использовал воду, разбавленную тушью. В сценах, где действие происходит в лесу, Миягава осуществил заветную мечту Куросавы снять солнце. Для этого были придуманы специальные фильтры, затемняющие объектив и позволяющие направлять кинокамеру прямо на источник света. Чтобы естественный свет максимально равномерно распределялся под кронами деревьев, вместо обычных отражателей использовались большие зеркала. Все эти технические находки стали результатом творческих поисков Миягавы.
Невозможно завершить рассказ о Куросаве, не упомянув Тэруё Ногами. Окончив библиотечный колледж и проработав несколько лет в газете, а затем в издательстве, Тэруё устроилась работать на киностудию Daiei. В 1950 году Ногами оказалась на съемочной площадке фильма «Расёмон». Ей едва исполнилось двадцать три года, и это была ее первая самостоятельная работа в качестве ассистента режиссера по сценарию. В этой должности, а позже как линейный продюсер она работала с Куросавой вплоть до его последнего фильма «Еще нет» (1993). При жизни режиссера Тэруё Ногами была его незаменимым помощником и отвечала за все происходящее на съемочной площадке. После смерти Куросавы Тэруё Ногами посвятила ему множество статей. Самая известная ее работа называется «Waiting on the Weather: Making Movies with Akira Kurosawa» (2001) .
Акира Куросава на фоне снимка с актером Тосиро Мифунэ
Джон Форд: Вы, должно быть, и правда очень любите дождь.
Акира Куросава: А вы, кажется, и правда смотрели мои фильмы!Документальный фильм Криса Маркера «А. К.» (1985)
«Главное [у Куросавы] — его современные герои, современные проблемы, способ изучения жизни. Он никогда не ставил себе цель скопировать биографию самурая в определенный исторический период. Он воспринимает Средние века без всякой экзотики. Очень глубокий художник, который так показывает нам психологические связи, развитие персонажей и сюжетных линий, видение мира, что его рассказ о Средневековье заставляет думать о современном мире. Ты вдруг думаешь, что уже знаешь все это. Это работает по принципу узнавания. И это величайшее качество искусства, согласно Аристотелю».
Андрей Тарковский, режиссер
«Ко времени „Первого учителя“ на меня все большее влияние оказывал Куросава. Первым открытием был „Расёмон“, потом начались наши поездки с Тарковским в Белые Столбы, где мы посмотрели „Семь самураев“, „Трех негодяев в скрытой крепости“, „Красную бороду“, „Телохранителя“. Это было время, когда мы писали „Андрея Рублева“. Стилистика Куросавы у Тарковского во многом отложилась на этой картине, а у меня — на „Первом учителе“. Там даже есть мизансцена, целиком взятая у Куросавы: крестьяне, сев в кружок, горюют. Так что, если по-честному, я с ним должен был бы поделиться своими постановочными. Огромная была по тем временам сумма: две тысячи рублей
Куросава был для меня открытием еще одного измерения в искусстве кино. У него настоящее чувство эпического. Недаром он, быть может, единственный способен передавать на экране Шекспира…»
Андрей Кончаловский, режиссер
«В Гонконге мы называли его Акира-император».
Джон Ву, режиссер
«Мои родители познакомились на съемках фильма „Самые красивые“ и вскоре поженились. Мать [актриса Ёко Ягути] была очень светлым, открытым человеком. Думаю, поэтому отец и влюбился. Мать рассказывала мне о том, как они познакомились. Но ее версия сильно отличается от того, что описано в мемуарах отца. А от сторонних наблюдателей я слышала совсем иную, третью версию. Это напоминает картину „Расёмон“, над чем у нас в семье постоянно подшучивали. А дело просто в том, что мы, японцы, очень стеснительные».
Кадзуко Куросава, художник по костюмам, дочь Куросавы и киноактрисы Ёко Ягути
«Замечательно в фильмах Куросавы то, что после их просмотра ты выходишь полностью преображенным. Ты сознаешь, что твоя душа удивительным образом пережила обновление, и ты думаешь: я обязательно стану лучше!»
Майк Ходжес, кинорежиссер
Автор текста: Анастасия Фёдорова
Источник: https://arzamas.academy/mag/902-kurosawa
Классика фантастики — Альфред Бестер. Тигр! Тигр! (Моя цель - звезды)
В чем заключается философия экзистенциализма. Бытие и Ничто — 9 шагов к пониманию
Метафизика налицо — Мрачная философия Александра Кайдановского
Классика кинофантастики — Назад в будущее: трилогия (1985-1990), режиссёр Роберт Земекис
«Каждый нуждается в тепле и свете». Как автор «Муми-троллей» сделала детскую литературу взрослой
Гастрономические ужасы — 5 хорроров «о вкусной и здоровой пище» (с полезными советами)
Кровища, загадки бытия и много секса — чем круты «Книги крови» Клайва Баркера
Черный юмор, фантастика и публицистичность — Курт Воннегут и его наследие
Одержимость, ведьмы и серийные убийцы — 7 жутких испанских фильмов ужасов
Что смотреть, если вам нравится «Футурама» — ещё 5 фантастических мультсериалов с убойным юмором
«Происхождение Дюны» — эссе Фрэнка Герберта о создании великой научно-фантастической вселенной
«Звёздный путь 2: Гнев Хана» (1982) — Лучший фильм по знаменитой вселенной
Такой же разведчик, как мы — Как «Семнадцать мгновений весны» стали киноманифестом идеологии 1970-х
Вилли Вонка — история персонажа, которому в следующем году стукнет 60
Уэс Крэйвен — создатель «Кошмара на улице Вязов», «Крика» и «У холмов есть глаза»
Ловушка Джокера — история Арлекина Ненависти от Фингера до Леджера
Женщина, которая выжила — Мама Гарри Поттера Джоан К. Роулинг
По следам забытого царства — магический реализм Хулио Кортасара
Вышел анонс аниме-экранизации манги "Za faburu" Минами Кацухиса.
Работает над ним студия Tezuka Productions. Манга насчитывает 22 тома, в 2017 году удостоена Премии манги издательства «Коданся».
Это история, повествующая о повседневной жизни гениального убийцы Фэйбла (Басня), который проводит время как обычный человек. Фэйбл, с детства ставший наемным убийцей, может похоронить любого врага за 6 секунд. Но однажды он получил приказ от босса организации: «Никого не убивать в течение года». Парень начал нормальную жизнь под именем Акира Сато, но...
Манга также стала отправной точкой для двух игровых фильмов — «Фэйбл» (2019) и «Фэйбл 2: Наемный убийца, который не убивает» (2021).
Когда начинается зомби-апокалипсис, обычный офисный трудоголик вне себя от счастья, что больше не надо ходить на ненавистную работу, составляет список из 100 дел, которые давно мечтал воплотить в жизнь.
Зомбятник про дружбу и романтические отношения, есть бонус с зомби- акулой.
Японские фильмы ужасов — очень специфическое блюдо, и приступать к нему следует подготовленным.
Хотя вряд ли в Азии найдется страна, пережившая с 1945 года столь же интенсивную и глубокую американизацию, японские хорроры сохранили самобытные традиции, они не были погребены под наплывом западных фильмов, а выжили, более того — нашли свое место не только на местном, но и на мировом рынке. Чтобы иметь некоторое представление о том, как развивался хоррор в Японии, полезно будет вспомнить хотя бы десять знаковых картин, в той или иной степени репрезентирующих национальную хоррор-традицию во всех ее основных проявлениях.
Самый, пожалуй, известный японский кайдзю-фильм — до появления «Звонка», разумеется. Сейчас многим сложно в должной мере оценить историческое значение гигантского ящера, поднявшегося из морских глубин, чтобы разрушить Токио, но для своего времени это кино сделало очень многое. Во-первых, фильм был одним из главных зачинателей моды на creature feature — историй о гигантских монстрах-мутантах, заполонивших западные кинотеатры после начала ядерного века и до сих пор едва ли не возглавляющий список лучших творений жанра. Во-вторых, это был первый международный хоррор-брэнд, сделанный в Японии. Сегодня, когда японские картины давно прорвались в мейнстрим, этот факт забывается, но еще совсем недавно они были экзотикой, а кино про Годзиллу не только стало универсально признанным символом кайдзю-фильмов, но и привлекло внимание голливудских продюсеров к радиоактивной рептилии. В результате на свет появились многочисленные сиквелы и подражания «Годзилле», в том числе с участием американского гостя — всем известного Кинг-Конга. Самый свежий японский фильм с монстром «Годзилла минус один» выходит в конце этого года.
Знаковый для всех последующих поколений фильм, который стоит посмотреть не только для общего знакомства с хоррор-кинематографом Японии, но и для лучшего понимания того, как в японской культуре национальные мотивы переплетаются с заимствованными в Европе традициями изображения (и понимания) потустороннего мира. Это, можно сказать, центральный нерв всей японской культуры послевоенного времени — конвергенция Запада и Востока, следы которой можно наблюдать в том числе и в хорроре.
Один из самых необычных представителей кайдзю-фильмов в японском кинематографе. С одной стороны — антропоморфные грибомонстры, нападающие на людей. С другой — неожиданно серьезные персонажи, прописанные заметно более глубоко, чем того требует фильм про чудовищ, живущих на необитаемом острове. Причем элементы эти смешаны на удивление гармонично, перекоса в ту или другую сторону скорее нет, и это, пожалуй, самое примечательное в сюжете. Это один из тех «фильмов о чудовищах», где в центре истории оказываются не столько чудовища, сколько люди — подход довольно-таки необычный для картины с названием «Нападение людей-грибов».
Фильм, получивший приз жюри на Каннском кинофестивале 1965-го, — в некотором роде японский вариант «Баек из склепа» или «Калейдоскопа ужасов» (сравнение несколько анахроничное, учитывая, что до них было еще немало времени, но сам формат коротких хоррор-новелл уже существовал, по крайней мере в США). Но, в отличие от американских историй, самые страшные японские ужасы играют на эмоциях зрителя, чем на страхе и отвращении, больше намекают, чем показывают. Примечательно и то, что истории, представленные в фильме, основаны на сказках, собранных в книге Лафкадио Хирна — писателя, рожденного в Греции, работавшего в США и нашедшего свой дом в Японии.
Фильм, поставленный по произведениям Эдогавы Рампо (немаловажного персонажа в японской литературе начала ХХ столетия, которого иногда называют «японский Эдгар По»), интересен тем, что в нем сходятся сразу несколько важных для японской хоррор-культуры сюжетов. Здесь и традиционные для нее семейные истории, и детективные элементы, и авангардистская хореография буто — смесь, несущая в себе тот неповторимый оттенок безумия, который характеризует лучшие японские ужасы. Все это действо можно (с известной натяжкой) назвать японским эквивалентом «Кабинета доктора Калигари» — настоящий манифест экспрессионизма в кинематографической форме.
Хотя с формальной точки зрения этот фильм никак к хоррору не относится, упомянуть его здесь все же стоит, поскольку речь идет о ярчайшем представителе сугубо японского поджанра exploitation-фильмов под названием «pinky violence», золотой век которого пришелся на 1970-е. В типичную для криминального кино историю о мести молодой девушки за отца-полицейского тут вплетено настолько много гротескных моментов, что весь фильм легко можно смотреть просто как череду более-менее взаимосвязанных эпизодов, в которых преобладают то (извращенный) секс, то (брутальное) насилие, то (фарсовая) мелодрама.
Помимо всего прочего, фильм примечателен тем, что стал одним из основных источников цитирования для Квентина Тарантино во время съемок первого тома «Убить Билла», а также тем, что в нем снялась шведка Кристина Линдберг (будущая звезда европейского культового фильма «Триллер: Жестокий фильм»).
Возможно самый страшный японский фильм ужасов, при всей его нынешней славе, на самом деле типичен для японской кайдан-культуры. Но принципиально важно, что с него началось вторжение призраков в новое медийное пространство, представленное сначала видеокассетами, затем мобильниками и, наконец, безграничными просторами Всемирной сети. Не менее важно и то, что «Звонок» открыл двери в японский хоррор для мейнстримной западной аудитории, и двери эти остаются открытыми до сих пор.
Японские фильмы ужасов про зомби— достаточно редкий для Страны восходящего солнца подвид кино. Национальный зомби хоррор выделяется своим подходом к теме: перед нами не традиционный фильм о медленных (или быстрых) живых мертвецах, а экшн-хоррор, в котором с зомби расправляются при помощи боевых искусств и массового применения огнестрельного оружия. Рюхэй Китамура после успеха своего дебютного фильма отправился в Голливуд, где и работает до сих пор (смотрите, в частности, «Полуночный экспресс» и «Никто не выжил»).
Еще один зомби-хоррор — и еще более нестандартный, чем можно было бы себе представить. За фасадом откровенно бредовой истории о девочках-тинейджерах, превращающихся в зомби, скрывается огромное love letter современной хоррор-культуре, в особенности ее кинематографическому аспекту. Бензопилы «Брюс Кэмпбелл», спецподразделение Romero Repeat Kill Troops, отстрел плотоядных полчищ и, конечно, любовная история — гремучая смесь, которая выглядит дико, но привлекательно. А чтобы в полной мере оценить японские ужастики про школу, придется вглядываться едва ли не в каждый кадр.
В отличие от большинства представленных выше фильмов, этот лишен абсурдистского налета и представляет собой размышление о таком явлении, как подростковые самоубийства (вещь, имеющая большое значение в современной японской культуре). Хотя это и хоррор, о чем нам временами напоминают, более того, возможно, по форме кино больше напоминает подростковую драму о потере семьи и отчуждении, которое преследует человека (особенно молодого) в современном мегаполисе. Фильм, который стоит посмотреть, чтобы понять, как хоррор в Японии может стать авторским высказыванием о социальной проблеме, оставаясь при этом хоррором.
Автор текста: Дмитрий Соколов
Источник: https://russorosso.ru/features/history-of-japanese-horror/
Справились? Тогда попробуйте пройти нашу новую игру на внимательность. Приз — награда в профиль на Пикабу: https://pikabu.ru/link/-oD8sjtmAi
60-е годы XX века, возможно, величайшая эпоха в истории японского кинематографа. Пока признанные мастера — Куросава, Одзу, Кобаяси — снимали одни из лучших своих фильмов, поросль начинающих режиссеров впервые встала за камеру. Впоследствии их ленты причислят к японской новой волне — не столько целостному направлению, сколько сборищу разочарованной и злой молодежи, чья юность пришлась на проигранную Вторую мировую.
Рано повзрослевшие мальчики бросились снимать картины о том, что происходило вокруг: в их поле зрения попадали якудза и киллеры, секс-работницы и преступники. В своих работах «нововолновцы» клеймили пороки современного им общества, при этом, подобно французским коллегам, экспериментируя с монтажом, саундтреком и повествованием. Вот фильмы японской новой волны, которые стоит посмотреть и сегодня.
Нагиса Осима попал в мир кино по случайности, но вошел в историю как один из главных японских режиссеров. В его ранних, еще несколько ученических работах уже виден создатель «Империи страсти» и «Мистера Лоуренса». Хулиган Киëси спасает школьницу Макото от изнасилования, но потом сам соблазняет девушку. Чтобы заработать на жизнь, пара раз за разом повторяет свое знакомство: Макото просит случайных водителей подвезти ее, а Киёси преследует машину и, догнав, избивает неудавшегося насильника и вымогает деньги. Естественно, так долго продолжаться не может, и однажды героев ловят с поличным.
Как ни странно, Осиму не то чтобы сильно интересует история Макото и Киëси — заканчивается она банальным выводом о том, что все мужчины — хищники, а все женщины — жертвы. Куда больше Осиму волнует второстепенный сюжет старшей сестры Макото Юки, которая встречает бывшего молодого человека и предается воспоминаниям о днях, прошедших в митингах и протестах. Она ровесница режиссера, участника студенческого движения и убежденного левака. Несмотря на выступления, Юки оказалась бессильна что-либо изменить; с точки зрения разочарований и неудач ее юность вышла не менее жестокой, чем юность Макото. В «Повести...», в отличие от поздних фильмов Осимы, есть отроческие трепет, пылкость и воодушевление, и этому обаянию зритель не в силах сопротивляться.
Двое отъявленных дегенератов (по-английски фильм так и называется — «Искореженные»), главный из которых Акира (Тамио Кавадзи), занимаются мелким мошенничеством, доносят на американцев, свистят прохожим и рычат друг на друга, подражая звукам саксофона. Во время очередных покатушек на угнанной машине приятели узнают мужчину, некогда сдавшего их полиции, и решают отомстить, похитив и изнасиловав его возлюбленную. Описывать одни фильмы через другие не лучший прием, но в случае «Необычной любви» удержаться сложно: это самый настоящий японский «На последнем дыхании», только еще более энергичный и драйвовый. Беспечной харизмой Акира напоминает Мишеля Пуакара (а их взаимоотношения с другом и не менее сумасбродной девушкой похожи на тройку неудачливых грабителей из «Банды аутсайдеров»).
Тамио Кавадзи не играет, а живет своим персонажем. Его герой, привлекательный и отталкивающий одновременно, может считаться одним из наиболее удачных образов японского кинематографа. Подобно Алексу из «Заводного апельсина» — другому предположительному источнику вдохновения режиссера Корэëси Курахары, Акира разбирается в музыке и предпочитает аутентичный темнокожий джаз. Благодаря своей безудержной витальности Акира выглядит как герой античных романов — наивное, мерзкое отродье, которое при этом невозможно не полюбить. Монтаж будто соревнуется в скорости с саундтреком — и под изысканный джаз кадры тасуются, как игральные карты, выхватывая из разгильдяйских будней самое пестрое: быстрые машины, абстрактную живопись, вкусную еду и переливающееся на солнце море. Уличные драки, роскошные загородные дома, переполненные вагоны метро и сигаретный дым — Курахаре интересно решительно все, и в 75-минутную ленту он умещает столько, сколько другие режиссеры не могут уместить в целую фильмографию. Несмотря на вышесказанное, «Необычная любовь» — нечто большее, чем просто безумная японская смесь из Годара, Берджесса и Петрония (хотя и такого было бы более чем достаточно). Это грандиозный и увлекательный портрет героя чужого времени — и в нем, как в капле воды, отражена вся Япония шестидесятых.
«Свиньи и броненосцы» начинаются с иронического титра: «Эта история полностью вымышлена». Иронического — потому что случаи, подобные тому, что положен в основу сюжета, происходили в послевоенной Японии сплошь и рядом. Парень Кинта, член местной банды якудза, влюблен в Харуко, работающую в баре. Однажды девушка возвращается домой с тридцатью тысячами иен, которыми за предстоящее свидание расплатился американский моряк. Кинту тем временем делают крайним в банде — в случае чего он пойдет в тюрьму вместо босса. Молодые люди любят друг друга и хотят быть вместе, но криминальный мир, полный секс-работниц и бандитов, так просто не отпускает.
Режиссер Сэхей Имамура, сразу после войны подавшийся торгашом на черный рынок, для съемок своего первого фильма провел немало времени бок о бок с настоящими якудза — именно поэтому, в отличие от карикатурных киллеров Судзуки и декадентов Синоды, гангстеры здесь показаны наиболее реалистично. Это свиньи — недалекие, хамоватые и беспринципные люди, которые пойдут на все ради денег. Броненосцы же — оккупанты-американцы, не менее тупые и нахальные создания, проводящие все свободное время в борделях. Фильм полон едкого черного юмора: например, в одной из сцен якудза бросается под поезд, но в последний момент останавливается перед рельсами, схватившись за рекламный щит «Страхование жизни Nissan. Живите с улыбкой!». А мораль произносит не кто-нибудь из главных героев, а второстепенный негодяй: чтобы жить жизнью, которой можно гордиться, надо серьезно задуматься о том, что хорошо, а что плохо.
Лента «Малолетние преступники» Сусуму Хани посвящена непростому процессу создания нового общества. Хироси Асаи был пойман на краже и отправлен в исправительное учреждение, отдаленно напоминающее советские коммуны для беспризорников; там под жестким надзором своевольный Хироси пройдет школу жизни, воспитает в себе трудолюбие и дисциплинированность (кстати, в современной Японии эти качества и по сей день ценятся выше, чем талант или гениальность).
Снятые в псевдодокументальном формате (задействованы непрофессиональные актеры и ручная камера), как бы исподтишка, «Малолетние преступники» полны неприглядных сцен: герои фильма долго и муторно дерутся, выковыривают насекомых из риса, курят самокрутки и грабят беззащитных прохожих. Это предельно честная и беззастенчивая история, заканчивающаяся выпуском Хироси из исправительной школы. Куда заведет его жизнь, Сусуму Хани предлагает ответить зрителю.
Сценарно-режиссерский тандем Кобо Абэ и Хироси Тэсигахары известен шедеврами «Женщина в песках» и «Чужое лицо», а «Западня» — их первый, почему-то недооцененный фильм. Жанр «Западни» можно определить как социалистический сюрреализм. Картина начинается с кафкианского абсурда: молодой шахтер путешествует по выжженной войной Японии в поисках работы, но по дороге юношу безо всяких на то причин убивает загадочный человек в белом костюме. Шахтер становится невидимым для живых призраком и пытается отомстить за собственную гибель.
Однако далее фильм превращается в производственную драму о двух враждующих шахтерских профсоюзах. Для Абэ и Тэсигахары одинаково важны и реальность, и вымысел; «Западня», таким образом, может быть интересна как любителям реалистичных сюжетов, так и поклонникам фантастики. Несмотря на пессимистичное настроение картины, финал ее скорее воодушевляющий: маленький сын убитого шахтера убегает из пустого города подальше от разрухи, бедности, грязи и несправедливости. Возможно, по замыслу Абэ и Тэсигахары, так и юные японцы, родившиеся после войны, смогут избежать ошибок прошлого поколения.
Нуар Масахиро Синоды начинается с жуткого монолога о животной природе человека и о том, как легко совершить убийство. Якудза Мураки (Рë Акабэ) выходит из тюрьмы и возвращается в игорный дом, где встречает загадочную Саэко (Марико Кага), столь же хорошую в азартных играх, как и он сам. Мураки становится наставником девушки и искренне заботится о ней, но уберечь Саэко от всех опасностей криминальной жизни не в силах даже опытный гангстер.
Синода говорил, что на этом фильме закончилась его юность — неслучайно название ленты переводится скорее как «Увядший цветок». Неспешная камера Масао Косуги, напряженная музыка Тору Такэмицу и выдающийся актерский дуэт Рë Икабэ и Марико Каги превращают, казалось бы, банальную историю в отчаянную трагедию. Снимая «Бледный цветок», Синода вдохновился поэтическим сборником «Цветы зла» Шарля Бодлера — и действительно, практически любое стихотворение оттуда могло бы стать эпиграфом к фильму: «Ты вся — как розовый осенний небосклон! / Во мне же вновь растет печаль, как вал прилива, / И отступает вновь, как море, молчалива, / И пеной горькою я снова уязвлен».
Даже по меркам вызывающего японского кино Сейдзюн Судзуки — тот еще бунтарь. Его дерзость в общении со студийными продюсерами, яркий визуальный стиль и специфическое чувство юмора стали основой культа этого режиссера. Судзуки говорил, что снимает фильмы, не имеющие ни смысла, ни коммерческого успеха. Провалившийся в прокате «Рожденный убивать» определенно из их числа: даже спустя полвека после премьеры разобраться, что в нем происходит, непросто. По сюжету Горо Ханада (Дзë Сисидо), один из лучших киллеров Японии, возвращается в Токио и получает опасное задание, которое вполне может стать последним.
Судзуки обращается к ключевым образам и мотивам нуара — в фильме есть и роковые женщины, и суровые убийцы, и атмосфера прогнившего, безжалостного города, — но трактует их в собственной, подчас дурацкой и нелепой манере. По экрану летают нарисованные бабочки и птички, главный герой имеет нездоровое пристрастие к запаху вареного риса, а финальная дуэль между киллерами проходит в спортзале. Если существуют фильмы, одновременно подходящие под определения «треш» и «арт-хаус», то «Рожденный убивать» однозначно из их числа. Кстати, это одна из любимых картин Квентина Тарантино и Николаса Виндинга Рефна, а Такеси Китано высмеял образ Дзë Сисидо в своей безбашенной комедии «Снял кого-нибудь?».
«Иди, иди, вечная девственница» Кодзи Вакамацу больше похож на очень странный видеоарт, чем на привычное кино. Типичный представитель жанра пинку эйга (так в Японии называют фильмы с ярко выраженными насилием и эротикой), «Девственница», однако, выгодно отличается от прочих подобных картин. Во-первых — саундтреком (тут есть и ария из оперы Гершвина, и джаз Патти Уотерса, и даже спиричуэл); во-вторых — неожиданным контекстом: как и другие ленты из этого списка, «Вечная девственница» гипертрофированно, но убедительно показывает послевоенный быт Японии.
Групповые изнасилования, оргии, убийства — Вакамацу наверняка обращался к реальным проблемам опустошенного города, хоть и сильно преувеличивая и нагнетая атмосферу. Таким образом, смотреть «Вечную девственницу» можно или как порнографическую чернуху, или как злое и броское социальное высказывание с психоаналитическим флером. Слабонервным, впрочем, имеет смысл обойти ленту Вакамацу стороной.
Ëсисигэ Ëсида, возможно, самый эзотерический режиссер японской новой волны. Его magnum opus «Эрос + убийство» длится три с половиной часа и посвящен гибели анархиста-революционера Сакаэ Осуги. Начинать знакомство с творчеством Ёсиды с этого фильма бессмысленно: велика вероятность не досидеть до финала и выключить ленту на середине. Лучше обратиться к его следующей работе — «Чистилище для героев», которая не менее сложна, но как минимум вдвое короче «Эроса». Жена инженера приводит домой потерявшуюся девушку. Следом в квартиру приходит таинственный мужчина, представляется отцом девушки и требует отдать ее ему. Инженер же вспоминает свою мятежную молодость, когда почти двадцать лет назад он вместе с товарищами попытался похитить американского посла. Потом действие фильма переносится в будущее, в восьмидесятые годы, когда уже постаревшие герои снова мысленно возвращаются в прошлое.
Ëсида никогда не причислял себя к «нововолновцам», что заметно по его отношению к материалу. Вместо оживленных городских улиц герои ленты бродят по пустынным, стерильным пространствам, а простые слова произносят так, словно прибыли с другой планеты. Это размеренное, медитативное кино, которое привлекает своей инаковостью, непохожестью на другие фильмы новой волны.
В этой подборке фильмы расставлены по дате выхода. С тем же успехом статью можно было бы назвать «от простого к сложному» — чем ближе конец списка, тем страннее и безумнее картина. От понятных лент Корэëси Курахары и Нагисы Осимы к мудреным произведениям Кодзи Вакамацу и Ëсисигэ Ëсиды — таков путь японской новой волны. «Бросай читать, собираемся на улицах» Сюдзи Тэраямы — единственный фильм из списка, вышедший в семидесятых, и это, как ни удивительно, тоже вписывается в логику подборки; вобрав в себя все темы и мотивы, волновавшие «нововолновцев», «Бросай читать...» отправился в собственное путешествие. Картина начинается и заканчивается обращением к зрителю — юный Хидэаки Сасаки, играющий главную роль, рассказывает о своем отношении к кино, рассуждает о свободе и говорит, что мечтает стать человеком-самолетом. За два часа ленты ему предстоит попробовать найти общий язык с отцом и попытаться завести друзей в футбольной команде, лишиться девственности с секс-работницей и попрощаться с любимой бабушкой. Флаг США сгорает дотла, стены испещрены мыслями левых писателей (среди них, например, фрагмент поэмы «Люблю» Маяковского), хиппи курят марихуану на улицах. Экран становится то зеленым, то розовым — в Японии эти цвета считаются символами пробуждения, молодости и расцвета. В наличии добрый десяток первоклассных психоделических песен о маме, Шарле Перро и девушках легкого поведения.
За один просмотр охватить весь фильм невозможно: «Бросай читать» расползается в разные стороны и трещит по швам, становясь чем-то большим, чем очередной сюрреалистический фарс. Это воздух протестной Японии, пойманный на пленку, бурное цветение новых людей, прощание Страны восходящего солнца со всем дряхлым и отжившим. Это, улюлюкая, пронеслась японская новая волна — необычайная, сумасшедшая, неадекватная и по-своему волшебная. Может быть, ей не сравниться с европейскими течениями по влиянию на мировой кинематограф, но в странности и своеобразности у японской волны нет конкурентов. Хотя почему «волны»? Больше подошло бы «цунами».
Автор теста: Егор Шувалов
Источник: https://www.pravilamag.ru/entertainment/701785-ulicy-razbity...
«Скупой» Леонид Якубович — на сцене Нового театра в главной роли в спектакле по пьесе Мольера
Искусство жить — трудности коммуникации в кинематографе Аронофски
Как смотреть «Миссия: невыполнима» — гид по фильмам, трюкам и истории главной франшизы Тома Круза
От «Хранителей» до «Ходячих мертвецов» — 15 лучших сериалов по комиксам
«(Не)идеальные роботы» — свежая и дерзкая экранизация рассказа Роберта Шекли
Не стучись в мою дверь — 5 сериалов-антологий в жанре ужасов
Ингмар Бергман – величайшая личность в кинематографе с момента его изобретения
Милан Кундера — жизнь и книги автора «Невыносимой легкости бытия»
Боуи, Уайнхаус и «битлы» — 10 потрясающих документальных фильмов о музыкантах
Классика кинофантастики — «Дюна» (1984), режиссёр Дэвид Линч
Классика научной фантастики — Майкл Крайтон. Парк юрского периода
Тереза Райт (Teresa Wright) — американская актриса, обладательница премии «Оскар»