10 фактов о живописце Алексее Венецианове
Род Венециановых происходил из Греции
Прадед художника Фёдор Проко с женой и сыном эмигрировали из Греции в Россию в 1730 – 1740 годах и поселились в Черниговской губернии. Там получили прозвище «Венециано», которое впоследствии превратилось в фамилию «Венецианов». Отец художника был купцом 2-й гильдии, а мать – дочерью купца Лукьяна Калинина. Семья занималась торговлей, продавая смородину, тюльпановые луковицы и картины.
Переехал из Москвы в Петербург
В 1802 году Венецианов уехал в Санкт-Петербург. Чтобы устроить жизнь, тогда Венецианов дал объявление в газеты, предлагая свои услуги портретиста. Объявление не принесло результатов – в столице, наводненной иностранными художниками и выпускниками Академии художеств, была слишком высокая конкуренция. Художник, не имеющий образования и протекции, поступил чертежником в почтовую канцелярию.
Учился живописи у Боровиковского
Алексей Венецианов так и не получил академического образования, однако обучался живописи у мастера русского портрета, академика Императорской Академии художеств – Владимира Боровиковского. Боровиковский поселил молодого художника у себя в доме, достал разрешение на копирование экспонатов Эрмитажа, знакомил с нужными людьми. Постепенно у Венецианова начали появляться постоянные заказы.
Выпускал журнал карикатур
Венецианов выпускал популярный журнал карикатур, но ему пришлось испытать гнет государственной цензуры. В одном из номеров журнала была помещена карикатура на дворянина, презрительно смотрящего на раненного солдата и голодную вдову. Государственные ведомства усмотрели в карикатуре угрозу государственному строю и журнал был закрыт по личному распоряжению Александра I.
Получил официальное звание художника без образования
Для человека без высшего художественного образования был только один шанс получить официальное звание – предоставить свою работу на конкурс. В 1811 году Венецианов предоставил на конкурс свой автопортрет и удача ему улыбнулась: в Академии оценили гармоничную композицию и выверенный колорит, характерность портрета. Венецианов блестяще справился и со вторым заданием – написать портрет инспектора Воспитательного училища Академии К.И. Головачевского. После этого мастер получил звание художника.
Стал помещиком и хозяином имения
После женитьбы Венецианов оставил столичную жизнь и приобрел имение Сафонково в Тверской губернии. Художник вникал в помещичье дело и живо интересовался крестьянским бытом. Переезд определил новое направление творчества Венецианова. Центральной темой художника становятся портреты и жанровые сцены из крестьянского быта.
Открыл собственную художественную школу
Венецианов основал собственную художественную школу, в которой обучал способных крестьянских детей. Он выпустил более семидесяти детей, среди которых в будущем появятся известные медалисты Академии художеств. Некоторых детей Венецианов выкупал у хозяев, а кого-то помещики отдавали в школу самостоятельно. Венецианов учил всех лично. Его педагогический метод заключался в запрете копирования чужих работ и разрешении писать только натуру.
Основоположник национально-романтического стиля
Венецианов поэтизировал крестьянский быт и писал простую жизнь народа, которая до него считалась недостойной изображения. Наибольшую известность А.Г. Венецианову принесли картины «Гумно», «Жнецы», «Спящий пастушок» и «Захарка».
Неоднократно оказывался на грани банкротства
Имение Сафонково неоднократно оказывалось на грани продажи из-за выкупа талантливых крепостных подростков. Один раз имение спасла покупка картины «Гумно» Александром I, во второй раз Венецианову пришлось отправить старшую дочь обучаться профессии домашней учительницы. Художник неоднократно подавал прошение на предоставление места преподавателя в Академии, но его просьба так и не была удовлетворена.
Погиб в результате несчастного случая
Венецианов ехал в конной повозке из своего имения в Тверь, где работал над росписью Троицкого храма. Неожиданно лошади понесли, Венецианов схватил поводья, чтобы усмирить их, но его запястья запутались, и он был выброшен из повозки. Похоронен на сельском кладбище деревни Дубровское (ныне Венецианово) в Удомельском районе Тверской области.
Читайте также:
10 фактов о художнике Иване Шишкине
История пасхальных яиц глазами художника: откуда они взялись и почему их красят именно так
Из всех дней года, сегодня -- самый подходящий день, чтобы среди приготовлений к завтрашнему празднику, внимательнее посмотреть на один из его скромных атрибутов — крашеные яйца. Почему мы красим яйца на Пасху? Как их украшали в прошлом, и откуда этот обычай взялся вообще?
Меня зовут Елена Абдулаева, я художник-иллюстратор — и хочу рассказать об истории пасхальных яиц именно с точки зрения художника. У меня даже была мысль написать и нарисовать об этом нонфикшн-книжку для детей, но пока что, другие книги и проекты не дают этому замыслу подняться повыше в списке моих дел.
Так что пока вместо книжки — моё видео о том, как яйцо прошло путь от украшенной царапинами фляжки каменного века, к мистическому предмету, дарующему плодородие и здоровье, к традиционному христианскому подарку, и затем как этот подарок стал драгоценным изделием непредставимой роскоши.
И хотя я ещё не написала «Откуда взялось пасхальное яйцо», но первая книжка из серии «Откуда взялось...» уже у меня есть, это книжка про Пушкина, «Откуда взялся Пушкин», по заказу музея-заповедника «Михайловское». В этой книжке Пушкин летает на цапле, а сама книга получила диплом за лучшие иллюстрации к детской документальной книге на международном конкурсе «Образ книги» (2023). И самое главное, что всё это — чистая правда.
Буду рада комментариям — тут или на Ютуб, особенно положительным:)
Если вы профи в своем деле — покажите!
Такую задачу поставил Little.Bit пикабушникам. И на его призыв откликнулись PILOTMISHA, MorGott и Lei Radna. Поэтому теперь вы знаете, как сделать игру, скрафтить косплей, написать историю и посадить самолет. А если еще не знаете, то смотрите и учитесь.
СТАНОВЛЕНИЕ МУЗЫКАЛЬНОГО ТЕАТРА ПЕРВОЙ ПОЛОВИНЫ ХХ ВЕКА В КОНТЕКСТЕ РЕЖИССЕРСКИХ ИДЕЙ В.Э. МЕЙЕРХОЛЬДА: ИСТОРИЧЕСКИЙ РАКУРС
Статья из сборника материалов Всероссийской научно-практической конференции (с международным участием) «Академическое пение сегодня: традиции и перспективы».
Для цитирования:
Макарычев Д.В. Становление музыкального театра первой половины ХХ века в контексте режиссерских идей В.Э. Мейерхольда: исторический ракурс / Д.В. Макарычев // Сборник материалов Всероссийской конференции (с международным участием) «Академическое пение сегодня: традиции и перспективы» (18 апреля 2024 года, г. Москва). – М.: Институт современного искусства, 2024. С. 82–87.
Сведения об авторе: Макарычев Данила Витальевич, преподаватель кафедры театрального искусства, заместитель руководителя департамента реализации молодежной политики и проектов, аспирант по научной специальности 5.10.3 Виды искусства (Театральное искусство) Института современного искусства. Научный руководитель: кандидат искусствоведения Анестратенко Михаил Владимирович.
danila_makarychev@internet.ru ; ORCID: 0009-0003-5049-1522
Три Брейгеля
Три - это не глагол и не призыв. Речь о троих, носящих одну фамилию. Пусть филологи скажут, как грамотнее сформулировать, быть может, "Трое Брейгелей".
Жили-были
Питер Брейгель Старший или Мужицкий,
Питер Брейгель Младший или Адский и
Ян Брейгель Старший или Цветочный или Бархатный.
Отец и два сына соответственно, старший и младший.
Питер Брейгель Старший (1525-1569),
Питер Брейгель Младший (1564-1638),
Ян Брейгель Старший (1568-1625).
Может возникнуть резонный вопрос: Почему Ян Брейгель вдруг Старший, если он младший сын?
А потому, что у него было два сына и одного звали также Яном. Второго - Амбросием. Оба тоже художники, как дед, отец и дядя.
А у Яна в свою очередь было четверо детей с разными именами. И все они художники.
Любопытные факты по памяти навскидку:
1. Питер Брейгель Старший потому Мужицкий, что изображал нередко крестьян, когда было модно писать аристократию.
2. Питер Брейгель Младший потому Адский, что увлекался на заре своей художественной карьеры живописанием ада и быта тамошних грешников.
3. Питер Брейгель Старший умер, когда его сыновьям было пять лет и один год соответственно. Поэтому Питера Брейгеля Младшего, его старшего сына, обучала художественному ремеслу тёща Питера Брейгеля Старшего и соответственно бабушка Питера Брейгеля Младшего и сама художница.
4. Питер Брейгель Младший считается многими копиистом работ отца. Частично это справедливое утверждение. Его отец был талантливым и востребованным художником и после его смерти заказчики требовали новые и новые копии. Сын их выполнял, иногда упрощённо, меняя цвета, иногда добавляя своё. Он честно подписывал под работами своё имя. И во многом благодаря его копиям мы имеем представление о том, каковыми были утраченные или не обнаруженные до сих пор в частных коллекциях картины Питера Брейгеля Старшего.
5. Почему сын делал упрощённые копии?
Он не имел возможности списывать с картин перед глазами. Те были давно проданы заказчикам. У него были только различные наброски и описания.
Вторая причина в том, что он делал копии для народа попроще и непритязательнее, чем писал отец. Ведь со временем картины Брейгеля Старшего стали невероятно популярны среди всех слоёв населения. И этот спрос сын удовлетворял копиями.
6. Бабушка передала Брейгелю Младшему шаблоны его отца, благодаря которым он успевал делать много копий.
Брейгеля Старшего пытались многие копировать, привлечённые его популярностью, но у них не было его шаблонов. А они использовались популярными художниками для ускорения процесса. С их помощью подмастерья и ученики художника могли быстро работать, "штампуя" копии мастера.
7. У Питера Брейгеля Младшего есть и свои собственные картины. Он самостоятельный художник, а не только копиист отцовских работ.
8. Ян Брейгель Старший пошёл совершенно иным путём.
Он писал жанровые картины, быт богатых людей, натюрморты с цветами.
Дружил с аристократами, был вхож в их дома, бывал в частных зоопарках и оранжереях. Поэтому имел возможность писать реалистичные образы животных и цветов, недоступных простому народу.
9. Не путайте Питера Брейгеля Старшего с Иеронимом Босхом. Близко не родня.
10. Ян Брейгель Старший потому Цветочный или Бархатный, что писал цветы и аристократию в бархатах и шелках.
Вот такая художественная "Санта-Барбара".
Три талантливых, ярких, самобытных художника.
Русские художники. Шагал
Общий план
Шагал справа, играет в летающих людей
Марк Шагал (Мовша Хацкелевич, 1887 - 1985) это такой умный и талантливый русско-французский художник, с 1922 по 1937 год безотцовщина лицо без гражданства.
День Рождения. 1915
С первого взгляда кажется, что картины Марка Шагала это то, как видит мир провинциальный учитель литературы, которого шутки ради накормили лизергиновой кислотой. С другой стороны, в глаза бросается точность деталей - например, у мужчины размер ноги примерно 43, а у девушки - 37.
Вид Парижа из окна. 1913
Мне кажется, что если долго смотреть на картинки Шагала, то потом гораздо проще читать всяких абсурдистов и экспрессионистов, вроде Бориса Виана. Самый топ, это, конечно, котик. Он прекрасен. Как перевёрнутый трамвай.
Синяя корова. 1967
Видно, что в зрелом возрасте Шагал уже немножко начал уменьшать утреннюю порцию брома в чае; появились некоторые ленивые мотивы (например, три глаза и просвечивающая человеческая кисть в форме плавника). Если сравнить Эйфелеву башню с предыдущей, видно, что Шагал её с детства недолюбливает. А вот голубей, напротив, немножко превозносит. Голая женщина, я думаю, случайна - просто Шагал задумался.
Памяти Беллы. Вокруг неё. 1967
Вообще Шагала следует любить хотя бы потому, что картины его из Берлинского музея были сожжены Гитлером как образцы «дегенеративного искусства». Уже по этому факту можно сказать, что художник он достойный.
Конкретно эта работа создана после трагической утраты Беллы, любви художника и музы - она воплощает почти все женские образы художника. Можно сказать, что у неё была внушительная челюсть, так привлекавшая художника.
Я и деревня. 1911
Здесь видно, будто бы Шагал, посещая деревню, слегка отлынивал от сапания брюквы и пропола кабачков, а любил скорее подсматривать за дояркой. Здесь впервые появляется тема внушительных подбородков.
Невеста. 1950
Судя по всему, Шагала попросили проиллюстрировать сборник еврейских поговорок, и в силу ошибки перевода на данной странице было изречение «Любовь зла, полюбишь и скрипача-козла».
Лежащий поэт. 1915
Моя любимая картина Шагала. Лично меня удручает только отсутствие навоза.
Картина явно демонстрирует городского интеллигента, которого вид деревенской жизни и предстоящие сельские работы ввергли в пучину хтонического уныния и невозможности держаться ровно. Хранится в Лондоне, между прочим!
Корова с Зонтиком. 1946
Картина демонстрирует обычную сельскую французскую послевоенную пастораль - корова идёт по своим делам с немецким трофейным зонтиком, крылышком придерживая букетик полевых цветов для своего возлюбленного, собачка Этьен по дороге успевает выпить немножко парного молока, вслед корове грустно и с завистью смотрит сельская красавица Мадлен, которая накануне по какой-то причине решила выйти замуж за вишиста и уголовника Марселя, вечно синего до изумления.
Синий дом. 1917
Здесь изображен родной Витебск Шагала, и дом, в котором он вырос. Очевидным образом демонтрируется зависть ребенка, который хочет жить в центре, ездить на электросамокате и ходить на дискотеку, но ему приходится сапать капустку и смотреть на вечно синих одноклассников в сельской школе.
Прогулка 1917
Одна из самых известных картин художника, отражающая его теплые чувства к летающим женщинам.
Тут мы видим, что женщина это, как обычно, Белла (про неё - две тыщи картин Шагала), мужчина, судя по всему, сам Шагал, и он успел и журавля в небе, и синицу в руке, так сказать. Розовая церковь - знаменитая Витебская церковь из китайского перламутра, построенная на деньги триад после завоевания Чингисханом материкового Китая.
Вот такой Шагал юморист и молодец. Сменил имя и практически получил сотый уровень этой жизни.
СВЯЗЬ ХУДОЖЕСТВЕННОГО И ТЕАТРАЛЬНОГО ИСКУССТВА В ОБУЧЕНИИ ДРАМАТИЧЕСКИХ АРТИСТОВ: ПРЕЕМСТВЕННОСТЬ И СОХРАНЕНИЕ КУЛЬТУРНОГО НАСЛЕДИЯ РОССИИ
Статья из сборника трудов Всероссийской научно-практической конференции «Памятные даты истории Отечества и творчество деятелей российской истории и культуры».
Для цитирования:
Макарычев Д.В. Связь художественного и театрального искусства в обучении драматических артистов: преемственность и сохранение культурного наследия России / Д.В. Макарычев // Сборник трудов Всероссийской научно-практической конференции «Памятные даты истории Отечества и творчество деятелей российской истории и культуры» в рамках гранта «Комплекс культурно-просветительских, творческих и интерактивных выставочных мероприятий "Эпос земли русской", приуроченных к 175-летию со дня рождения В. М. Васнецова» (24–25 ноября 2023 года, г. Москва). – М.: Институт современного искусства, 2023. – С. 247-252.
Сведения об авторе: Макарычев Данила Витальевич, преподаватель кафедры театрального искусства, аспирант по научной специальности 5.10.3 Виды искусства (Театральное искусство) Института современного искусства. Научный руководитель: кандидат искусствоведения М.В. Анестратенко.
danila_makarychev@internet.ru, ORCID: 0009-0003-5049-1522
Что такое «классическое искусство» и чем оно отличается от обычного?
Значения слов в языке со временем изменяются. Латинское слово «сlassicus» («образцовый», «являющийся примером для подражания»), произошло от «classis» («группа населения»). А «classis» произошло от глагола «calare» – «созывать».
«Эй, патриции налево, плебеи направо! По группам населения стройся!»
А где строиться-то? Каждая группа должна быть на своём месте. Обведём это место чертой – и получится площадка, квадратик – «классик», как в игре в классики...
Впрочем, нам достаточно просто знать, что «классический» – значит «образцовый». Какое же искусство считается «образцовым», а какое нет?
Давайте посмотрим на изображения куроса (юноши) и коры (девушки). Это древнегреческие скульптуры периода архаики (древности). Так древние греки изображали людей в VII веке до новой эры.
Курос и кора. VII в. до н.э.
Сравним куроса и кору с мужским и женским скульптурными портретами работы древнегреческого скульптора Поликлета. Это уже и есть так называемый «период классики» – V век до новой эры. Сравните их с архаическими изображениями!
Древнегреческие скульптуры "классического периода", V в. до н.э.
Сравнили? А теперь посмотрим на два ещё более поздних скульптурных портрета классической эпохи. Сравните их с работами Поликлета! Что меняется?
Архаические портреты вообще мало похожи на живых людей, а у Поликтета весьма похожи! Но, если сравнивать Поликтета с более поздними портретами, то видно, что поздние натуралистичнее, как-то живее, что ли… Говоря научным языком, в них меньше условности.
Скульптурные портреты позднеклассического стиля
Поликтет словно изображает «людей вообще» – красивых, образцовых, но вместе с тем чуточку условных, обобщённых людей. А более поздние портреты максимально приближены к живой натуре, индивидуальны.
А теперь давайте посмотрим на работы современных скульпторов… Что мы видим?
Современные скульптуры
Снова больше условности! Это уже больше на архаичных куроса и кору похоже, чем на живых людей!
Вот где-то между древним и современным искусством, «в золотой середине», и находится то искусство, которое принято называть классическим.
Классическое изображение – это такое, в котором ничего «ни убавить, ни прибавить». А в «не классическом» всегда нужно что-то домысливать (добавлять) или, наоборот, хочется убрать что-то мешающее, даже раздражающее…
Но следует помнить, что у разных эпох были свои классики и свои представления о классическом. Об этом мы будем рассказывать в следующих выпусках. Следующая статья будет посвящена Эпохе Возрождения.
Это статья из журнала «Лучик». Бесплатно скачать и полистать журналы можно по ссылке.
Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine