Привет! Я Света, я художник-керамист. Сегодня хочу показать новое изделие, над которым трудилась 2 недели - подсвечник с Котобусом и Тоторками. Я большая поклонница гениального Хаяо Миядзаки и в своей работе часто обращаюсь к его фильмам и героям.
Самым непростым оказалось слепить форму туловища кота. Глина - материал весьма капризный, в сыром виде тяжелый из-за воды, плюс скользкий. Мелкие детальки в процессе часто норовят превратиться в шликер (жидкая глина), а тонкие элементы (перемычки между окошками, например) быстро деформируются под весом более тяжёлых объемных частей.
Котобус и маленький Тоторо расписаны ангобами (пигмент смешанный с глиной), сверху покрыты тонким слоем прозрачной глазури. Изделие обжигалось дважды при 1100 градусах.
Спасибо за внимание! Надеюсь это было кому-то интересно. Узнать больше о моей работе можно по ссылкам в шапке профиля.
Привет! Я Света, я художник-керамист. Сегодня хочу показать небольшую серию "лесной" посуды, к которой, признаюсь, питаю особую нежность. К теме растений, мухоморов и прочей лесной прелести я возвращаюсь регулярно:) На видео ниже можно увидеть фрагмент процесса росписи чайника пигментами:
Пигменты, после нанесения на них глазури и обжига, приобретают очень яркие и сочные оттенки. Рисунок становится гораздо контрастней, чем до попадания в печь.
Каждое изделие прошло три обжига в муфельной печи в диапазоне от 750 до 1100 градусов.
Спасибо за внимание! Если вам интересна гончарная кухня, приглашаю к прочтению других моих постов, там я подробно рассказываю про материалы и этапы работы с керамикой. Ещё больше узнать о моей работе можно по ссылкам в шапке профиля:)
Эмилио Тадини (1927-2002) - выдающийся итальянский художник, писатель и поэт. Родился в Милане, он известен своим разнообразным творчеством, которое охватывает живопись, графику, скульптуру и литературу.
Человек в чёрном костюме
Тадини получил образование в Обществе белых паломников в Милане, а затем изучал право в университете, хотя его истинной страстью всегда было искусство. В его работах часто прослеживается влияние итальянского неореализма, но он также экспериментировал с абстракцией и символизмом.
Одним из его наиболее известных произведений является серия картин под названием "Города", в которых он изображал городские пейзажи с множеством деталей и символов, отражающих сложные аспекты городской жизни.
Кроме своей художественной деятельности, Тадини также писал стихи и прозу, отмечаясь острым взглядом на современность и глубоким пониманием человеческой природы.
Эмилио Тадини оставил неизгладимый след в мировом искусстве своим творчеством, которое по-прежнему вдохновляет и волнует зрителей по всему миру.
Статья из сборника трудов Всероссийской научно-практической конференции «Памятные даты истории Отечества и творчество деятелей российской истории и культуры».
Для цитирования:
Макарычев Д.В. Связь художественного и театрального искусства в обучении драматических артистов: преемственность и сохранение культурного наследия России / Д.В. Макарычев // Сборник трудов Всероссийской научно-практической конференции «Памятные даты истории Отечества и творчество деятелей российской истории и культуры» в рамках гранта «Комплекс культурно-просветительских, творческих и интерактивных выставочных мероприятий "Эпос земли русской", приуроченных к 175-летию со дня рождения В. М. Васнецова» (24–25 ноября 2023 года, г. Москва). – М.: Институт современного искусства, 2023. – С. 247-252.
Сведения об авторе: Макарычев Данила Витальевич, преподаватель кафедры театрального искусства, аспирант по научной специальности 5.10.3 Виды искусства (Театральное искусство) Института современного искусства. Научный руководитель: кандидат искусствоведения М.В. Анестратенко. danila_makarychev@internet.ru, ORCID: 0009-0003-5049-1522
Существует множество популярных теорий, почему художник Винсент Ван Гог писал такие кричаще яркие картины. То ли с головой у него не всё было в порядке, то ли со зрением, то ли краски плохие, дешёвые… бедный же! А на самом деле всё просто.
Но сначала разоблачим миф о Ван Гоге – «бедном художнике», не признанном буржуазной публикой и продавшем при жизни одну-единственную картину («Красные виноградники в Арле»).
Винсент Ван-Гог. Красные виноградники в Арле
Да, Ван Гог никогда не роскошествовал; как у всякого, у него были тяжелые периоды в жизни, но и бедным его назвать нельзя. И краски у него были отнюдь не дешёвые. Брат художника, торговец искусством (или, как сказали бы сегодня, арт-дилер) Тео Ван-Гог снабжал его качественными красками и выплачивал ежемесячное содержание в размере 220 франков. Много это или мало? Для сравнения: почтальон Жозеф Рулен, которого биографы часто изображают одним из покровителей «нищего художника», получал вдвое меньшее жалование – и содержал на него жену и троих детей (а Ван-Гог жил один).
Винсент Ван-Гог. Портрет Жозефа Рулена
Ван Гог регулярно участвовал в престижных выставках «Салон независимых» и «Свободный театр» в Париже, и картин только по документам продал 14 штук. (На самом деле, конечно, больше, – просто сохранилось 14 кýпчих.) А почему молва приписывает честь единственной проданной Ван-Гогом картины именно «Красным виноградникам в Арле»?
Потому что эта работа была продана (с выставки в Брюсселе в 1890 году) за весьма и весьма приличную сумму 400 франков; это был прорыв художника в коммерческую «высшую лигу» – на рынок серьёзных цен... К несчастью, летом того же года Ван-Гог застрелился, так что на этом всё и закончилось. Но застрелился художник уж никак не от непризнания и нищеты.
Строго говоря, причина самоубийства неизвестна; существует версия, что выстрел произвел не он, а его знакомый – подросток, часто сопровождавший художника. Возможно, тот просто баловался с револьвером, который Ван Гог носил с собой – якобы для того, чтобы отпугивать ворон, докучающих ему во время работы. Пуля не задела никаких жизненно важных органов, и Ван-Гог смог самостоятельно дойти до дома, после чего заявил о попытке самоубийства, чтобы его предполагаемый спутник избежал наказания за преступную неосторожность. Умер художник от последствий кровопотери.
Вороны над пшеничным полем. Последняя картина Ван-Гога. (Вот этих ворон он и распугивал из того самого, ставшего роковым, пистолета)
Так почему же картины были такими яркими? У Винсента и Тео был «бизнес-план». Они считали, что средний класс охотнее покупает яркие картины в светлых тонах. Именно поэтому Винсент уехал из пасмурной Голландии, где писал вот так…
…на Юг Франции, где в городках Арль, Овер, Сан-Реми и написал самые знаменитые свои произведения. То, что он здесь увидел, его поразило. Красные виноградники? А как, вы думаете, они выглядят на самом деле? Смотрим современные фотографии:
Кстати, красный цвет виноградной листве придает пигмент антоциан, который обычно начинает синтезироваться осенью. Зачем растение тратит энергию на синтез нового пигмента в листьях, которые все равно скоро опадут, неизвестно. Для красоты?
Давайте теперь сравним фрагмент картины с красками самой матушки-природы. У кого ярче?
Как показала жизнь, расчёт оказался верен: всего через десять лет после того, как Винсент (тоже в прошлом торговец живописью) впервые взялся за кисти, к нему пришёл большой успех. Но...
Люсьен Писсаро. Братья Винсент (слева) и Теодор (справа) Ван-Гоги
А откуда же взялась легенда о нищем художнике и непризнанном гении? Её сочинил немецкий искусствовед Юлиус Мейер-Грефе – по тем же причинам, по которым Тео и Винсент сделали ставку на яркие краски: романтические истории о непризнанных гениях лучше продаются...
Версию немца подхватил французский популяризатор истории искусства Анри Перрюшо, и с тех пор так и повелось: «страдающий гений»!.. «гениальный безумец»!
Надгробия Винсента и Теодора на кладбище Овер-сюр-Уаз в 30 км от Парижа
Итак, миф первый – нищий; миф второй – безумный, миф третий – самоубийца.
Добавим, что слово "миф" вовсе не означает "враньё". Научное определение мифа – "структурный элемент коллективного сознания". Говоря проще – воодушевляющий либо легкодоступный для понимания домысел.
Кстати, уважаемые друзья, у нас есть подробная, "на пальцах", статья, объясняющая, что такое мифы, как они возникли, для чего служили и как трансформировались в религию, искусство и науку. Дети в "Лучике" прочли с удовольствием. А вы хотите?
Нашим любимым местом для игр было огромное поле на краю микрорайона. Там росла просто замечательная полынь. Она была в рост взрослого человека, нам же казалась непроходимыми джунглями. Мы пробирались индейскими тропами, устраивали засады на бледнолицых, строили вигвамы. Однажды под вечер, уже возвращаясь домой, заметили на холме художника с мольбертом. Поднялись посмотреть. Детишками мы были воспитанными, поэтому лишь молча стояли сзади, воздерживаясь от критики. А поржать то там было над чем. Дядька оказался вовсе не художником: потыкав кисточкой то в одну кучку краски на палитре, то в другую, он ляпал по холсту, прищуривался, и замирал, всматриваясь в лежащее внизу поле. На картине же творилось нечто невообразимое. Зелено-серо-бурый сумбур хаотичных мазков. Постояв какое-то время, и решив, что дядя немного поехавший кукухой, мы двинули вниз. Не помню, что меня подтолкнуло оглянуться и бросить прощальный взгляд на картину. Там было поле. Наше поле. Казалось бы, как можно изобразить ровную площадку поросшую травой, вид сверху, на которой кроме этой травы и нет то ничего? Зеленым квадратом Малевича? Но там были и возвышенности, и понижения. И волны колышущейся под ветром полыни. И над всем этим висело сизое вечернее марево, подсвеченное лучами заходящего солнца. Я вернулся. Видение исчезло - опять мешанина зеленого цвета. Отошел - поле. С тех пор я точно знаю, художники - это чуть-чуть волшебники.
Такую задачу поставил Little.Bit пикабушникам. И на его призыв откликнулись PILOTMISHA, MorGott и Lei Radna. Поэтому теперь вы знаете, как сделать игру, скрафтить косплей, написать историю и посадить самолет. А если еще не знаете, то смотрите и учитесь.
Когда в 1874 году французский художник Клод Моне представил на выставке свою картину «Впечатление. Восход солнца», она показалась многим зрителям «возмутительной мазнёй».
Клод Моне. «Впечатление. Восход солнца». 1872 г.
По-французски название картины звучит так: «Импресьóн. Соле́ левáн». И вот один журналист назвал её придуманным словечком «импрессионизм» – то есть «впечатлизм».
Но Клод Моне и его товарищи не обиделись. «Импрессионизм? Отлично! Значит, будем импрессионистами!» Так появилось название этого нового необычного направления живописи.
Кстати, давайте заодно посмотрим на картину англичанина Уильяма Тёрнера, написанную в 1833 году, за сорок лет до Моне. Правда, они похожи?
Уильям Тёрнер. «Город и река на закате». 1833 г.
Почему же тогда первым импрессионистом считают Клода Моне? Потому что Тёрнер был уникумом, одиночкой. (Разве что у его современника Джона Констебла можно найти что-то похожее...) А импрессионисты ворвались в искусство целой группой. Чтобы получилось «направление в искусстве», одного человека мало. Один в поле не воин.
Джон Констебл. «Дом, радуга, мельница». 1837 г.
Кто-то может сказать: «Этиимпрессионисты были просто лентяями. Неохота им было тщательно детали выписывать!» Однако дело совсем в другом...
Почему они так пишут?
В 30-е годы XIXвека была изобретена и начала очень быстро развиваться фотография. К тому времени, когда появились импрессионисты, фотография уже сильно потеснила живопись. Ведь не нужно было тратить время и силы на то, чтобы запечатлеть какой-нибудь дом или улицу – фотограф сделает это быстрее и точнее. И портреты людям хотелось заказывать фотографические. Не надо долго неподвижно сидеть, позируя художнику, – раз и готово!
Так на глазах менялось искусство фотографии
Конечно, художникам было обидно… А теперь – внимание, вопрос. Чего недоставало фотографии по сравнению с живописью? Что у живописи было такое, чего у фотографии пока не было?
Цвет! У фотографии не было цвета! И художники-импрессионисты решили «поднажать на цвет». Не для того, чтобы победить фотографию, – они понимали, что это невозможно: между искусством и техническим прогрессом люди всегда выбирают технический прогресс.
Они решили так: «У нас, художников, глаз более острый, чем у обычных людей. Там, где обычный человек видит один цвет, мы видим огромное множество оттенков и переливов. И мы заставим вас тоже это увидеть! Мы будем это изображать!»
В самом деле, если раньше художник, чтобы добиться нужного оттенка зелёного цвета, смешивал на палитре определённое количество жёлтой и синей краски, то импрессионист брал жёлтую и синюю краски в чистом виде и клал рядом на холст так, чтобы зелёный цвет возникал прямо в глазу зрителя!
Видели старый цветной телевизор? Если посмотреть на его экран с расстояния в несколько сантиметров, можно увидеть, что всё цветное изображение складывается из крошечных точек красного, жёлтого и синего цвета. Точек другого цвета на экране нет! Но, когда смотришь на экран с нормального расстояния, видишь и розовый, и фиолетовый, и коричневый – все цвета, какие нужно. Все они складываются из так называемых «основных цветов» – красного, жёлтого и синего. Причём «сложение» происходит именно в глазу зрителя!
Так выглядит изображение на экране цветного телевизора при сильном увеличении
Кстати, точно так же устроены и экраны современных телевизоров, и экраны смартфонов, просто точек там больше и они мельче – не разглядишь.
Ну вот, а теперь рассмотрим картину художника-постимпрессиониста Жоржа Сёрá «Воскресный день на острове Сен-Жатт». Мы выделили один её фрагмент красным прямоугольником:
Жорж Сёрá «Воскресный день на острове Сен-Жатт»
Какой цвет в прямоугольнике внизу? Тёмно-зелёный? А теперь давайте посмотрим на выделенный нами фрагмент поближе:
Цвет становится зелёным, потому что фиолетовый смешивается у нас в глазу с оранжевыми точками, когда мы смотрим на картину издалека! Вся картина состоит из десятков тысяч нанесённых на холст разноцветных точек!
Фрагмент этой же картины с подписью художника
А хотите ещё фокус? Отойдите от экрана на пару шагов и внимательно посмотрите на следующую картинку… Что видите?
Кружочки? А что ещё? Напишите, пожалуйста, в комментариях! Ждём ваших ответов!
Развиваем воображение
Конечно, не все импрессионисты стали рисовать «точками». Но главный принцип – «изображение должно возникать не на холсте, а в глазу и в воображении зрителя» – соблюдали все. Например, посмотрим на картину Камиля Писсарó«Праздник Марди-Гра на бульваре». Видите прохожих, всадников на лошадях?
Камиль Писсарó. «Праздник Марди-Гра на бульваре»
А на самом деле – мы их не видим – мы их воображаем! Художник ЗАСТАВИЛ нас увидеть прохожих и всадников там, где на самом деле изображены просто пятна и закорючки:
Это наше воображение достраивает их до образов людей и лошадей!
Может, художник просто лошадей рисовать не умел? Нет, просто для него, как и для других импрессионистов, «чтобы было похоже» – не главное. «Похоже» теперь любой фотограф сделает. А для импрессиониста главное – передавать те состояния природы, которые недоступны для фотографии. В первую очередь – передавать так называемую «освещённость» – неуловимую быстро меняющуюся игру света в природе.
Камиль Писсарó. «Белая лошадь на лугу»
Именно поэтому они очень любили рисовать в утренние и вечерние часы, когда освещённость быстро меняется. Разумеется, рисовать надо было не «по памяти», в мастерской, а только с натуры – «на пленэре» (то есть на свежем воздухе), стоя или сидя перед маленьким походным мольбертом или этюдником.
Клод Моне. «Пленэр» (фрагмент)
Моне, например, написал огромную серию «Руанских соборов» – один и тот же фасад собора в городе Руане, но в разное время суток, в разную погоду и в разное время года. То есть – при разном освещении!
А в старости он уже не мог путешествовать, да к тому же заболел артритом и не мог держать в руках кисти (при этой болезни пальцы плохо сгибаются). Он просил, чтобы ему привязывали кисти к рукам, и с утра до вечера писал (в смысле рисовал) пруд с лилиями неподалёку от своего дома…
Серия «Руанских соборов». (Здесь далеко не все!)
Различаем оттенки!
Живопись импрессионистов развивает не только фантазию, но и наблюдательность, чуткость к природе, к её видимым, зримым состояниям. А в конечном итоге – развивает ум!
Можно всех рыб называть словом «рыба», а можно различать карасей, уклеек, сазанов, ёршиков, окуньков, тунцов, барракуд… Чем больше ты различаешь «оттенков рыб», тем больше у тебя знаний, верно? Это правило касается всего. Например, надо уметь различать больше оттенков настроений у себя и у других людей. «Грустный» и «печальный» – уже не совсем одно и то же. А ещё есть «меланхоличный», «тоскливый», «элегичный», «задумчивый», «тревожный», «мятущийся», «смятённый», «депрессивный»… Чем чутче ты определяешь настроение человека (или своё собственное), тем лучше понимаешь, как себя с ним вести, что с собой делать.
Клод Моне. Лилии
Чем, например, отличаются «печальный» и «грустный»? Вопрос на засыпку!
Грусть – состояние более острое, но быстрее может пройти, а печаль мягче, но длится дольше. Грустным человек бывает по какой-то причине и обычно знает, почему ему грустно. А вот печальным можно быть и без причины – непонятно почему. Вот просто накатило такое настроение, и всё!
В природе тоже надо уметь различать оттенки. У многих ведь людей как? Солнышко – жёлтое, трава – зелёная, стволы деревьев – коричневые. Какой карандаш есть в коробке, такого цвета пусть и будут. А природа – не коробка с карандашами! В ней цветов гораздо, гораздо больше!
Клод Моне. Лилии
Может возникнуть вопрос: разве до импрессионистов художники не знали всего этого?
Разумеется, знали. Но они не делали это знание достоянием публики. Это был их секрет. Они смешивали на палитре краски, какие надо, и получалось «похоже». А импрессионистам не надо было делать «похоже» (за них это уже фотографы делали), и они решили показать зрителям, что происходит у художника в голове. Как возникают цвета и формы…
Вовлечь в процесс творчества, а не показать его результат: