Народная артистка Украины Наталья Мацак и ее супруг Сергей Кривоконь — заслуженный артист Украины вместе с United European Ballet участвовали в "Лебедином озере".
"Они распространяли культурный продукт страны-агрессора. Также нарушили принципиальную позицию — изъятие из текущего репертуара произведений российских композиторов", — приводят комментарий Минкульта местные СМИ.
Сама же Мацак ранее критиковала решение убрать произведения русских авторов.
Может, вы узнаете что-то новое — я вот, пока разбиралась, залипла надолго.
Родной город Сергея Дягилева — Пермь. И да, именно поэтому там уже много лет проходит Пермский Дягилевский фестиваль (стартовал он, если не путаю, в 2003 году). Я, честно, уже несколько месяцев мечтаю туда попасть.
Дягилев родился в 1872 году. Конец XIX века — тот самый стык эпох, когда старые формы трещат, а новые только-только начинают прорастать. История вообще любит такие переломные моменты, и искусство — особенно.
Сергей Дягилев - русский театральный и художественный деятель, меценат, антрепренёр. Сыграл одну из решающих ролей в популяризации русского искусства в Европе и мире на рубеже XIX—XX
Он вырос в семье офицера Павла Дягилева. Детство — Петербург, потом Пермь, и именно там у него впервые серьёзно «щёлкнуло» в сторону искусства. Вернувшись в Петербург, он учился… сразу в двух местах: в консерватории у Римского-Корсакова и на юридическом факультете. Да-да, Дягилев был дипломированным юристом — пригодилось, особенно когда дело касалось авторских прав и контрактов.
Музыка его поначалу интересовала спокойно, без фанатизма. А вот живопись — по-настоящему. В начале пути он вообще видел себя скорее человеком от изобразительного искусства. Именно поэтому он начинает организовывать выставки в Петербурге, знакомя публику с новым, непривычным искусством. Там уже вовсю назревал кризис классических форм — до Малевича и «Чёрного квадрата» оставались считанные десятилетия.
Популярность Дягилева росла. Вместе с Бенуа он запускает журнал, и благодаря этому, плюс своему редкому менеджерскому таланту, оказывается в самом центре культурной жизни Петербурга. Причём ещё до Революции у него возникает чёткая идея: показать Европе не только Толстого и Достоевского, а гораздо более глубокий пласт русского искусства.
Французы знали Глинку, видели Верещагина — но это был поверхностный уровень. И в 1906 году Дягилев делает мощный ход: организует в Париже выставку «Два века русской живописи и скульптуры».
Это был адский организационный квест. Нужно было войти в высшее парижское общество, заручиться поддержкой Великого князя Владимира Александровича, договориться о вывозе работ из музеев. Но он справился. И выставка произвела невероятный успех: для французов русское искусство стало настоящим открытием.
Дальше — серия из пяти Русских исторических концертов. И это были не «абы какие» мероприятия: лучшие залы, выверенный репертуар, красивые программки с биографиями артистов, каталоги — всё на уровне, который тогда поражал.
Кстати, эти программки до сих пор продаются на аукционах. Я бы с радостью одну себе забрала, но моя отдельная мечта — книга Дягилева «Сувенир». 32 страницы, мягкая обложка, цена сейчас около 25 тысяч рублей. Да, дорого. Но такие вещи со временем только дорожают. Лайфхак: если у вас есть друзья «люди-искусство», они будут счастливы такому подарку.
После этих концертов мир открыл Фёдора Шаляпина, а во Франции началась настоящая мода на Мусоргского. Затем — «Борис Годунов», причём в версии, которую Дягилев смело адаптировал под европейскую публику. Он не стеснялся менять сценарий — он прекрасно понимал ожидания зрителей.
Фёдор Иванович Шаляпин — русский оперный и камерный певец (высокий бас)
Модест Петрович Мусоргский — русский композитор, член «Могучей кучки». Работал в различных жанрах: в его творческом наследии — оперы, оркестровые пьесы, циклы вокальной и фортепианной музыки, романсы и песни, хоры.
К 1909 году за плечами уже три Русских сезона, и Дягилев решает: пора везти в Париж балет. Но не классический, к которому все привыкли.
В России тогда царил Мариус Петипа — гений классического балета, автор «Лебединого озера» и «Спящей красавицы». Но его подход был максимально традиционным. А Дягилев видел, что внутри балетной среды зреет протест против этой «музейности». Он хочет объединить музыку, танец, декорации в единое целое.
Мариус Петипа - великий хореограф и постановщик классического балета
Первый приём был сдержанным, но публика пришла в восторг от артистов, костюмов, сценографии. И тут Дягилев понял: вот оно.
Он полностью сосредотачивается на балете. Лирическое отступление: русский человек действительно создан для балета. Пластика, выносливость, драматизм. Как бразильцы для футбола. Это не я придумала — об этом до сих пор говорит Цискаридзе.
К Пятым сезонам Дягилев обновляет репертуар. Появляется «Шехерезада» Римского-Корсакова — эффект был ошеломляющий.
Балет «Шехеразада» (Шахерезада) впервые показали в рамках «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже в 1910 году.
Затем «Жар-птица» Стравинского. С этого начинается их большая дружба и сумасшедший успех. Париж буквально переодевается в восточный стиль. На премьере сидит Марсель Пруст — тот самый, которого мы сейчас читаем. И я уже жду момента, когда он наконец перестанет описывать церкви и начнёт описывать свой восторг от Русских сезонов.
«Жар-птица» — одноактный балет Игоря Стравинского, написанный по заказу Сергея Дягилева для его антрепризы «Русские балеты»
Николай Андреевич Римский-Корсаков — русский композитор, педагог, дирижёр, общественный деятель, музыкальный критик.
Игорь Фёдорович Стравинский (1882–1971) — русский композитор, дирижёр, один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века.
Сезоны 1912–1917 годов шли сложнее: война, напряжённая Европа, затем Революция. Дягилев всё чаще обращается к западным авторам. В одном из сезонов декорации, например, делал Пабло Пикассо.
После 1927 года балет постепенно перестаёт его вдохновлять. Он всё больше уходит в книги, становится страстным коллекционером. Последний громкий успех его труппы — «Аполлон Мусагет» Леонида Мясина: музыка Стравинского, костюмы Коко Шанель. Комбо, согласитесь.
Леонид Фёдорович Мясин (псевдоним — Леонид Массин) — российский артист балета, хореограф, педагог.
Дягилев работал с Русским балетом до самой смерти. Он умер в 1929 году.
И хочется закончить словами Игоря Стравинского. Когда его спросили о новых тенденциях в балете XX века, он сказал: «Возникли бы эти тенденции без Дягилевых? Не думаю».
Вот и всё. Спасибо, что дочитали.
В своём тг-канале я веду отдельную рубрику по знаменитым личностям, пишу обзоры на книги, делаю тематические подборки, рассказываю интересные посты из мира кино, искусства и культуры. Недавно писала про катание на коньках, как зимний бал в ХVIII веке
Тоже есть интересная история как я попал в театр. Наверное он поменьше и не так знаменит как Ла скала, но однако театр маркграфини Вильгельмины является мировым наследием ЮНЕСКО.
Итак, однажды мне выпадает поездка в аэропорт Нюрнберга чтобы забрать гостя и отвезти его в отель. Это само по себе странно, я таксист и езжу на ФВ Кедди оборудованном рампой для перевозки инвалидов на креслах, но видимо не было свободных Туранов 🤷♂️
Получил быстро распечатанный листок с именем Marina Viotti и поехал за 80 вёрст. Интересное началось когда она вышла и направилась ко мне, довольно симпатичная мадам, о которой я знал ровно столько, сколько и вы сейчас. Слава Богу она говорила по-немецки и мне не пришлось пользоваться переводчиком. (Потом узнал что она свободно владеет пятью языками и немножко русским). Выехали и направились в наш город, болтая по пути. Оказалось что она оперная певица и приехала к нам с двухдневным визитом выступить в театре.
Надо отметить что наш город Байройт знаменит ещё и тем, что у нас театр для опер Рихарда Вагнера. Так что среди жителей есть некое музыкальное наследие. Улицы названы в честь героев опер и прочее. Но я как-то всё не бывал, не моё это.
В общем, едем мы час примерно, болтаем о том о сём, Марина умеет располагать к себе людей. Когда уже приехали, она пригласила меня на концерт. Говорит, у меня пара билетов для тебя найдётся 😊
Знаете, я не был готов к походу в театр. У меня смокинга нет. В джинсах идти на оперу не комильфо. Записал видео для подписчиков и друзей на тик-токе, совета попросил, менжевался идти/не идти.
В общем, я загуглил кто она вообще такая и офигел! Марина Виотти так-то не местечковая певичка, она открывала олимпиаду в Париже! Прочитайте статью о ней в Вики. У ней регалий как у дурака махорки! И спортом разным занималась и философию изучала и на музыкальных инструментах всяких играла и рок её любимый, альбом даже записала. Кстати, год назад получила Гремми в Лос-Анджелесе!
Короче, дельфин и русалка в одной машине, таксист и мировая звезда. И у меня только один день найти фрак... Ватафааа.
В общем, сотня комментариев за вечер убедили меня искать парадную одежду. Пара человек в приват написали и предлагали свои смокинги, но сильно далеко от меня. Короче, решил идти в своём старом костюме, который тоже для какого-то случая брал и одевал два раза в жизни.
Сразу скажу, я не знаю сколько стоили билеты на этот концерт, потому что на входе меня ждал специальный человек с моими билетами, на которых цены не было. И да, места были в центре первого ряда!
Так я впервые попал в театр города, в котором живу уже 25 лет. Видео скачиваю для вас со своего канала в тик-токе.
Он вообще-то элитненький был. Дирижёр какой-то, широко известен в узких кругах тем, что играет на скрипке во время дирижёрства и музыканты прилетевшие на это выступление из Версаля. Там в общем международный бомонд был. И я 😄
Правда без цветов, ну балбес, что уж 🤷♂️
Зато на следующий, третий, день я выспался и позвонил ей, спросил когда уезжает в аэропорт. Марина сказала что как раз сейчас она с группой товарищей посещает наш байройтский Эрмитаж и уезжает прямо оттуда. А я то к ней в отель ехать хотел, знаю ведь где живёт 🤦♂️ Хорошо что я живу не так далеко от парка Эрмитажа. Собрал подарки, жена моя лихо научилась делать из мыла цветы и прочие поделки. От себя прихватил Чебурашку, у меня был небольшой разовый бизнес, распространил среди подписчиков штук сто привезённых из России игрушек. Несколько осталось. В общем, еду, бегу к центру Эрмитажа и навстречу мне идёт большая толпа людей в костюмах и ледей в платьях. Так и понял что местная элита гуляет со звездой. Но как только мы встретились с ней глазами, как я ускорил шаг, а она вообще бросила чемодан и побежала мне навстречу. Обнялись в последний раз, поцеловались (в щёчку, чтобы не шокировать присутствующих человек 15, хотя думаю, ей всё равно было). Последние метры мы шли рядом, а эти все чуть позади, чемодан везли 🤣 Вручил ей подарки, и, прикол, она узнала Чебурашку!!! Песню запела, ну первые слова, я остальное, первый куплет. Обещала мне что будет носить его всегда в память обо мне, хотя думаю нет. Хотя если вместо капиталистической сраной Лабубы нашего, доброго, православного Чебурашку на чемодан повесит. У ней таких как я... Она вон с Оззи Осборном ручкалась. Но со мной она зато она дуэтом пела, хоть и "Пусть бегут неуклюже".
В общем, пофоткаться на память забыли, но она прислала мне видео для моих подписчиков, ловите.
Теперь вот, слежу за её фотками в статусе вацапа. Она каждый день где-то, города меняет, страны, удивительной жизнью живёт! Вот вчерашний статус.
А ведь меня мама в детстве и на пение записала и в музыкальную школу на скрипку и я много лет ходил и туда и сюда. Тоже мог бы пробиться, но решил что тусить с пацанами веселее чем пиликать на скрипке... Так что, попробуйте своим детям дать то, что сами упустили. А картинки с нашими театром можете в интернете найти.
Как в своё время пели «Кирпичи»: «Я сделаю культур-мультур, меня только попроси». Я тоже решил, что пришла пора и мне сделать пост о культурном мероприятии. На этот новый год в качестве подарка от жены я получил билеты на балет «Спящая красавица» в театр «Ла Скала». В целом-то, это и была основная цель посещения Милана в новогодние праздники, а шокировавший нас поход на центральную площадь в сам Новый год (про который я даже сделал гневный пост) был просто дополнением, как я сейчас уже понимаю, крайне необязательным.
Живя в Санкт-Петербурге, мы были избалованы различными культурными мероприятиями, включая посещения «Мариинского», «Михайловского», «Александринского» и прочих театров, поэтому теперь нам очень сильно не хватает чего-то подобного в Оснабрюке (не то, чтобы мы великие ценители и ходили на балет или оперу раз в неделю, но полное отсуствие возможности посетить театр как-то напрягает), поэтому выезд в Милан мы ждали с особым трепетом, так как ожидания от посещения чуть ли не старейшего оперного театра мира были крайне высоки.
Внешне "Ла Скала" выглядит весьма скромно
В общем, приодевшись по случаю, мы отправились 2-го января к театру. Сам театр «Ла Скала», несмотря на бóльшую по сравнению с «Мариинкой» вместимость (1800 мест против 1500), очень маленький, поэтому на входе образовалась приличная очередь. Балет начинался в 20:00, двери театра открылись в 19:30, так что люди очень торопились зайти, однако, особой давки на входе, несмотря на узкие двери, не наблюдалось.
1/3
Вестибюль первого этажа также небольшой, но очень светлый и праздничный. Из него можно спуститься вниз в гардероб партера или подняться наверх (что логично) на ярусы (где также есть свои гардеробы).
Программки мероприятия можно взять бесплатно на столе рядом со входом, правда, в отличие от наших, они не очень информативны, там указаны только действующие лица, никакого либретто вы там не найдёте. Немного больше информации можно найти на планшетах, встроенных в кресла, но это всё также только общая информация (доступны, кстати, всего два языка - итальянский и английский).
Кстати, забавная деталь – в «Ла Скале» нет звонков к началу спектакля в нашем понимании, там просто мигают светом во всём здании (вот прям реально 1, 2 и 3 раза частично выключают свет, на одном из видео как раз удалось поймать этот момент). Я сначала даже и не понял, что происходит, подумал, что проводка старая и не справляется. Ещё меня удивило, что многие итальянцы не сдают вещи в гардероб, а сидят с пуховиками и куртками на коленях в течение всего представления.
Немного потолкавшись в гардеробе и коридорах, мы угнездились на своих местах в предвкушении действа. Наконец-то погас свет и началось представление. Что могу сказать, это было прекрасно, музыка Чайковского, великолепные декорации, атмосфера, аккустика, всё это было очень и очень хорошо. Вид из партера, на удивление, был весьма хорошим, вся сцена была, как на ладони.
Конечно, как мы все знаем, в театры ходит самая кашляющая и чихающая публика в мире, «Ла Скала» не стала исключением, каждый раз, когда музыка стихала и на сцене была очень лирическая сцена, ото всюду слышалось «кхе-кхе», «апчхи» и прочее, а один раз, естественно, заиграла мелодия сотового телефона. Так что, как я понимаю, такие приколы есть абсолютно во всех театрах.
После первого действия все, конечно же, ломанулись в буфет размером 5 на 5 метров. Естественно, в вестибюле образовалась километровая и очень хаотичная очередь. Причём, система покупки оказалась очень необычная – сначала ты стоишь в очереди, чтобы оплатить то, что ты хочешь купить (при этом ты даже не знаешь, что есть в меню), а затем ты стоишь в очереди, чтобы всё это получить в буфете. Мы, глядя на эту толкучку, решили просто погулять по театру и сделать несколько фото, потому что лично я не испытываю никакого удовольствия от распития напитков в толпе людей.
1/4
На первом фото как раз 2 двери по бокам от памятнику Антонио Греппи - это вход и выход из буфета
Мы поднялись на третий этаж театра, где распологается вестибюль, который, как говорят, является самым крупным и роскошно убранным крытым атриумом, выполненым в неоклассическом стиле. Здесь можно увидеть бюсты различных композиторов и дирижеров. Также здесь тоже есть буфет и очередь тут сильно меньше. Мы, правда, пришли сюда довольно поздно и смотритель зала сказал, что мы уже ничего не успеем купить до начала второго действия, поэтому мы просто прогулялись по кругу, посмотрели на эту красоту и пошли на свои места.
Во время второго антракта я заглянул в ложи и был очень сильно удивлён тому, что там есть места, с которых ты вообще не видишь сцену (позже я обратил внимание, что некоторые люди в ложах просто стояли у стены, чтобы хоть что-то видеть. Сами ложи очень узкие, тесные и, в отличие от наших театров – полностью отгорожены друг от друга стенами. Получаются эдакие маленькие ячейки. В общем, если брать билеты в ложи, то нужно брать только первый ряд, либо выбирать ложи рядом с королевской.
1/4
Заметил ещё одну инетесную деталь – часы, располагающиеся под самым потолком над сценой. Выглядят они необычно – минуты показывают арабскими цифрами, а часы – римскими. Ну и интервал – 5 минут.
Что могу сказать в итоге: театр великолепен, балет прекрасен, а чувство, что ты побывал в таком месте – просто бесценно. Небольшой ложкой дёгтя, правда, стали местные балерины, они танцуют просто на порядок хуже наших, носок не тянут, ноги пондимают невысоко, иногда могут и оступиться. В кардебалете иногда очень ощущался рассинхрон балерин, как между собой, так и с музыкой. А вот к танцорам мужчинам вопросов нет – прыжки высоченные, приземления едва слышные, все высокие, статные, в общем – заглядение. Если у вас когда-нибудь будет возможность посетить «Teatro alla Scala», не упускайте её, вы не пожалеете.
1/2
Вот такая история получилась, ребятки, надеюсь она была интересной и информативной 🤘😜🤙.
Во-первых, легендарную нынче постановку разнесли критики. Причем формулировок ребята абсолютно не стеснялись:
🔹"Какое убожество фантазии! Какая нелепица в лицах" 🔹"Для танцовщиц в нём было весьма мало, для искусства — ровно ничего" 🔹"После ряда удачных постановок, как „Пиковая дама“ и „Спящая красавица“, появилась невообразимая по безвкусию постановка балета Чайковского „Щелкунчик“
Рассказать бы о "невообразимой по безвкусию постановке" перекупам, продающим билеты в Большой театр по цене пентхауса на Кутузовском проспекте.
И нет, я не пытаюсь посмеяться над недальновидными критиками, вовсе нет. Для меня, наоборот, это мощный показатель: если такую волшебную музыку разносили с таким рвением, насколько же высок был общий уровень постановок?
Во-вторых, поражаешься тому, насколько в некоторых отраслях страна находилась на передовых позициях. И речь не "ура-патриотизм", а про спокойную и естественную констатацию факта.
Как иначе объяснить, что на открытие легендарного "Карнеги-Холла" в Нью-Йорк дирижировать оркестром позвали именно Чайковского? А тот же "Щелкунчик" стал базовым новогодним спектаклем не только в России и постсоветском пространстве, но и в ряде западных стран?
Мы действительно были способны покорять весь мир мягкой силой. И делали это успешно на протяжении многих десятилетий. Что случилось потом?
Кого мы сейчас готовы отправить на экспорт? Газманова с Шаманом? Кого из российских артистов сейчас позовут открывать новый концертный зал где-нибудь в Берлине, Пекине, Токио или Рио-де-Жанейро?
Мы продолжаем цепляться за осколки прошлого в лице Гагарина, Достоевского, Чайковского и прочих героев былых времен. Прекрасно осознавая, что сейчас гордиться мы можем разве что московским метро и тем, что мигранты у нас себя ведут получше, чем в Европе.
Так, может, ослабим поводок и прекратим заставлять творцов вырезать из своих песен "бездуховные элементы"? Может, вернемся к мощи той самой мягкой силы, в которой Россия исторически была хороша столетиями?
Ну, или продолжим вещать с трибун о тлетворном влиянии Запада и вражеских ценностей. А по вечерам на кухне через VPN отслеживать как другие страны захватывают мировое культурное пространство.
p.s. А на балет сходите обязательно или просто послушайте. Это все такое же величие, каким было и 130 с лишним лет назад.
Анри Матисс и театр – история, мягко говоря, не самой счастливой любви. А его сотрудничество с непревзойденным Сергеем Дягилевым и легендарными «Русскими балетами» над постановкой «Песни соловья» в 1920 году и вовсе превратилось в эталон творческой агонии и коммерческо-художественного фиаско. Ожидания парили высоко, а результат оставил великого художника с чувством, будто его палитру вымазали в грязи. Ирония: Матисс изначально балет не жаловал, а Дягилева считал гением саморекламы. Как же они сошлись?
Дисклеймер: текст не ставит своей целью принизить художественные заслуги Анри Матисса — напротив, он стремится показать мастера в сложный, противоречивый момент его творческого пути. Даже гении иногда оступаются — и именно эти эпизоды делают их человечнее, а историю искусства — живее. Я рассматриваю «Песнь соловья» не просто как провал, но и как яркий пример того, как сцена способна выбить из равновесия даже самых уверенных в себе.
Слева – Анри Матисс. Эскиз для императорского трона. 1919. Справа – Анри Матисс. Эскиз для дракона на центральном медальоне заднего занавеса. 1919 (См. фото в разделе «Статичный соловей и император»).
Матисс, загипнотизированный Дягилевым
Осенью 1919 года в скромное жилище Матисса под Парижем пожаловала царственная делегация: сам Серж Дягилев и Игорь Стравинский. Цель? Заманить мастера цвета в театральные кулисы. Сначала Матисс, как и положено здравомыслящему живописцу, отказался. «Балет? Маскарад и маркетинг», — примерно так отзывался Матисс о затее Дягилева. Однако, встретившись с обаятельным импресарио, он внезапно изменил решение. Позже жаловался жене, что был как под гипнозом. Возможно, так и было: харизма Дягилева — отдельный жанр искусства.
Так станковый гений впервые ввязался в большую декоративную авантюру, сулившую мировую славу (и немалый гонорар в 10 000 франков). Увы, Лондон, куда вскоре пришлось ехать на натурные работы, потребовал еще 2000 – первая ласточка грядущих проблем.
Анри Матисс. Слева направо: эскиз фонаря, эскиз соловья, эскиз для украшений. 1919
Цвет, движение и печенка
Что может быть проще для колориста Матисса, чем выбрать палитру? Как выяснилось в лондонских театральных недрах – практически все. Художник творил над макетом размером с добрую коробку из-под шляп, при ласковом дневном свете. Но когда его бирюзово-синие видения перенесли на огромные декорации под слепящие софиты, начался хаос. «То, что хорошо смотрится днем, плохо выглядит ночью и наоборот», – в отчаянии писал он домой. Бирюза на стенах вступила в коварный союз с искусственным светом, и черный пол, вместо того чтобы быть благородным фоном, вдруг залился предательским красным румянцем. Катастрофа! Ведь чистый красный Матисс берег для кульминации – мантии Императора.
Но главным кошмаром стало… движение. Матисс мыслил композицию как «неподвижную картину» – четкие цветовые блоки. А тут – танцоры! Эти неугомонные существа в его костюмах носились по сцене по воле хореографа, а не по замыслу художника. Цвета смешивались, формы искажались. Живопись взбунтовалась против хореографии.
Неудивительно, что письма Матисса из Лондона – крик души: «У меня печенки болят с тех пор, как я приехал». В первый день он признавался себе, что «напуган» и не понимает, зачем ввязался в эту авантюру. Работал он, как каторжный: с 9 утра до полуночи, а то и дольше. «Если бы не привык к напряженной работе, я бы сбежал из отеля по-английски», – горько шутил он (или не шутил?). Ежедневно, ровно в три часа, он заявлял Дягилеву, что это его первый и последний балет. Давление усугублялось тенью Пикассо и Дерена, уже блиставших в дягилевских постановках. Матисс с раздражением писал, что кубисты лишь продлевают агонию «отвратительной» балетной основы. Ревность? Страх несоответствия? Всего понемногу.
Тамара Карсавина с танцорами. Дизайн костюмов — Анри Матисс, 1920.
Статичный соловей и император
Как же разрешил Матисс эти противоречия? Его финальное решение стало компромиссом, отразившим внутреннюю борьбу. Декорации – лаконичные: бирюзово-синий фон, белые колонны, тот самый проблемный черный ковер. Костюмы разрывались между анекдотичной «китайщиной» (критики позже язвили про «типично китайские гармонии», что было смешно для Матисса) и смелыми абстрактными формами.
Но главная уступка – статичность. Вместо того чтобы вписаться в динамику, Матисс попытался… остановить балет. Он настоял на серии «живых картин», особенно вокруг Императора. Бедного правителя Мясин, по требованию художника, обрек на почти полную неподвижность и фронтальное позирование, лишив объема и хореографической жизни. Император превратился в декоративный элемент, а весь балет – в череду красивых, но застывших сцен.
Финальная сцена «Песни соловья», поставленного в Парижской национальной опере весной 1920 года. Фотография
Провал на бис
Результат? Провал. Сам Дягилев, по словам Бориса Кочно, винил «герметичную» хореографию Мясина. Но вина лежала и на «герметичном» видении Матисса. Балет казался статичным, лишенным дыхания сцены.
Матисс вернулся в Париж опустошенным. Он продолжал работу лишь из профессиональной чести и страха сравнения с Пикассо – отступить на таком этапе было бы позором. Он сделал даже больше контракта: не только эскизы, но и лично расписывал ткани. И все равно считал этот проект «потерянным временем», оставившим «длительное чувство неудачи».
Что осталось после занавеса
Опыт с «Песнью соловья» стал для Матисса важной — и горькой — главой. Он столкнулся с пределами своего метода, с упрямой многоголосицей театра и невозможностью подчинить сцену живописному замыслу.
Что ж, иногда даже гениям полезно узнать, где не их стезя. Зато какой сюжет для истории искусства!
Анри Матисс. Костюм к балету «Песнь соловья». 1920. Третьяковская галерея
Титры
Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично»
Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.
