Bonnie Tyler - Holding Out For A Hero and Total Eclipse of the Heart
Формализм, жёлтая рубашка и эксперимент в метро
"Чем соната отличается от концерта?"
Вопрос читателя
"Вот вопрос... Вы же убиваете меня этим вопросом!.."
Ну ладно. Начнём с таких понятий, как форма и формализм.
С формой я познакомился в шесть лет, когда пошёл в музыкальную школу. Заниматься можно было в чём угодно, а вот на концерты и экзамены надо было обязательно надевать нарядную форму. Лакированные сандалии, чёрные бархатные шорты, белые колготки, белую рубашку и – о ужас! – огромный блестящий бант на грудь.
Мне этот костюм (особенно бант) решительно не нравился. Учительница объясняла, что «ты должен быть одет, как настоящий артист» и «почувствовав себя настоящим артистом, ты непременно сыграешь лучше». Я учительнице верил – и не верил одновременно. Потому что никаким артистом я себя не чувствовал, а чувствовал какой-то ряженой куклой. И что в обычных джинсах и свитере сыграл бы точно так же, а может, и лучше.
С формализмом я познакомился в той же музыкальной школе, в четвёртом классе. Я доставал ноту «до» третьей октавы, и меня сделали солистом хора. Петь мне очень нравилось. А потом был большой концерт к какому-то празднику, и нам было велено прийти в белых рубашках. А я из своей сильно вырос, и пришёл не в белой рубашке, а в жёлтой. Учительница страшно накричала на меня и выгнала из зала, сказав, что солировать будет Лёша Никитин, мой приятель и одновременно соперник. Я спустился в раздевалку, забрал пальто и ушёл домой. И на хор больше не ходил.
Формализм в искусстве – вещь страшная. Скажем, приходит в редакцию поэт Пушкин и говорит:
– Здравствуйте! Я тут стихотворение написал, «Я помню чудное мгновенье».
А ему в ответ:
– У вас, Александр Сергеевич, отступ первой строки от края листа три сантиметра, а надо пять. И вообще, у вас пиджак застёгнут не на ту пуговицу. Так что никуда ваше стихотворение не годится, до свидания!
Я не хочу сказать, что форма, стандарт, шаблон – это всегда плохо. Нет. Иногда это замечательно – скажем, в производстве болтов и гаек. Но когда наши соседи в Евросоюзе начинают принимать стандарты длины и кривизны огурцов (вырастил огурец «не той формы» – не дадут продать), это, уж извините, никуда не годится.
Вот теперь можно ответить на вопрос уважаемого читателя: чем отличается соната от концерта? (Кстати, спасибо вам за этот вопрос.)
Да ничем! С точки зрения нормального человека – абсолютно ничем. Концерт – произведение академической музыки для одного или нескольких инструментов. И соната – произведение академической музыки для одного или нескольких инструментов. В концерте три части. И в сонате тоже три части. В концерте первая часть быстрая, вторая медленная, третья снова быстрая. И в сонате первая часть быстрая, вторая медленная, третья снова быстрая!
И ни один нормальный человек, услышав впервые незнакомое классическое произведение, не сможет сказать наверняка, что прозвучало – концерт или соната.
«Но соната – она обязательно для какого-то одного инструмента, а концерт – он обязательно для какого-то инструмента с оркестром!» – скажет кто-то... Да бросьте. Скажем, в той же музыкальной школе многие юные скрипачи играют си-минорный концерт для скрипки и фортепиано Оскара Ридинга. Нет там никакого оркестра и не было.
И наоборот, у Альфреда Шнитке есть такое произведение, как «Соната для скрипки и камерного оркестра».
Кто-то может предположить: «Концерт длинный, а соната короче» – и тоже ошибётся. Та же «Апассионата», то есть соната номер 23 Бетховена, звучит около двадцати минут (все три части).
А типичный концерт Вивальди для скрипки – те же самые три части – звучит около десяти минут.
Но бывает и наоборот. В общем, длительность звучания тут никакой роли опять же не играет.
Но это всё – с точки зрения нормального человека.
А вот если бы мы задали этот вопрос профессору консерватории, то он бы стал рассказывать про «сонатную форму», в которой обязательно должны быть экспозиция, разработка и реприза, а в экспозиции должны быть главная партия, связующая партия, побочная партия и заключительная партия, и что главная и заключительная партии всенепременно должны быть в основной тональности, а побочная – в доминантовой...
У вас уши ещё в трубочку не свернулись, нет? Если нет, профессор добавит, что в концерте чаще всего используется сонатная форма с двойной экспозицией...
«Что это за муть, что за бред? – спросите вы. – Где понятное объяснение?» Ну, по большому счёту да, муть и бред. И вообще – великий французский драматург Жан-Батист Мольер говорил на эту тему самую правильную в мире вещь:
Все эти правила представляют собою сущий вздор и существует только одно-единственное правило – надо писать талантливо!
Но музыка – это очень древнее искусство, очень консервативное, и некоторые музыканты (и просто люди, любящие музыку) иногда просто до тошноты обожают весь вот этот вот формализм. И могут писать толстые книжки, в которых будут долго и подробно объяснять, почему «Шахерезада» Римского-Корсакова – это именно симфоническая сюита, а не «просто симфония». Или чем хардкор отличается от металкора, а металкор – от кроссовер-трэша. Или чем гангста-рэп отличается от фристайл-рэпа, а джаз-фанк от сити-фанка, и почему итало-диско это «круто», а евро-диско это «отстой»...
Ну, а если нужно «простое объяснение» – тогда так. Включаем телевизор, канал «Культура», и:
Если на экране видим симфонический оркестр и дирижёра – это наверное симфония. Хотя необязательно: может быть и увертюра, и симфоническая сюита, и даже просто вальс Штрауса.
Если видим симфонический оркестр, дирижёра и солиста (за роялем, или со скрипкой, или с виолончелью, или двух солистов, или даже трёх) – это скорее всего концерт.
Если видим одного пианиста, или скрипача и пианиста, или какого-то другого музыканта и пианиста, и произведение длинное – это может быть соната. Хотя может быть и концерт. Или вариации. Или рондо. Или что угодно!
Если на экране видим двух скрипачей, альтиста и виолончелиста – это струнный квартет. Что они играют – да пёс его знает, снова всё что угодно.
Если на экране видим одинокого скрипача (без пианиста, оркестра и так далее) – то на сегодняшний день 99.99% вероятности, что это будет либо партита си-минор Баха, либо каприсы Паганини (шучу, но в каждой шутке сами знаете...).
А вообще, не заморачивайтесь на эту тему. Мы как-то рассказывали в «Лучике» про жестокий, но очень показательный эксперимент, который провели американский журналист Джин Вейнгартен и выдающийся скрипач Джошуа Белл.
Белл (к тому моменту уже мировая звезда) оделся «по-простому» («не в белую рубашку»), взял свою скрипку (работы мастера Антонио Страдивари, стоимостью 14 миллионов долларов) и стал играть партиту Баха (вторую, ре-минор) в подземном переходе метро. Вот это событие зафиксировано на видео:
И те самые люди, которые наверняка знают, чем концерт отличается от сонаты, которые отдавали огромные деньги за билеты на концерты Белла, те самые люди, которые с одухотворёнными лицами рассказывают друг другу о том, «как прекрасна классика», – проходили мимо. Видеокамера зафиксировала всё до мелочей: за 45 минут мимо скрипача прошло 1097 человек, только семь из них остановились послушать музыканта, и только одна женщина узнала его...
В общем, друзья, слушайте музыку, наслаждайтесь музыкой, любите музыку – но, ради Бога, не ставьте форму выше содержания!
С любовью,
журнал "Лучик"
Познакомиться с журналом, бесплатно скачав и полистав разные номера журнала, можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/
Выписать журнал с доставкой в почтовый ящик – на сайте Почты России
Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine
Про «Марлезонский балет» все слышали. А давайте послушаем, как он звучит?
Мерлезонский балет (именно так правильно – через "е"), – один из ключевых эпизодов романа «Три мушкетёра». Однако одну деталь автор романа посчитал как бы малозначительной – он не назвал читателям имя композитора, который написал музыку к «Мерлезонскому балету». А, между прочим, это очень интересно!
Мерелезонский балет в фильме...
...а так выглядели Людовик XIII и Анна Австрийская в действительности
...Интересно, потому что музыку к «любимому балету короля Франции Людовика XIII» написал лично сам король Франции Людовик XIII – от первой и до последней ноты!
Живой интерес к музыке юный принц проявил ещё в раннем возрасте – он начал учиться играть на лютне в возрасте трёх лет. В возрасте семи лет Людовик начал учиться играть также на клавесине, и владел этим инструментом очень хорошо – хотя лютня на всю жизнь осталась его любимым инструментом, «королевой музыки».
Игра на лютне (фрагмент картины Караваджо)
Мальчик также очень любил танцевать, и много свободного времени проводил за сочинением музыки и танцевальных фигур. Помимо лютни и клавесина король играл на охотничьем рожке (предке современного гобоя) и регулярно пел в хоре.
Как композитор Людовик XIII сочинил довольно много пьес, однако далеко не все они дошли до нас. Лучшей музыкальной работой короля по праву считается «Мерлезонский балет». Король не только сочинил музыку, он же придумал сюжет балета, он же придумал все танцевальные номера, он же нарисовал (!) эскизы всех декораций и костюмов.
Давайте же послушаем эту музыку. Итак, «Мерлезонский балет» (начало с 1:35):
Кстати, согласно роману Дюма «Мерлезонский балет» был поставлен в Парижской ратуше, причём до начала осады Ла-Рошели (1627 год). Однако настоящий «Мерлезонский балет» был поставлен в замке Шантильи, недалеко от Парижа, в 1635 году, то есть существенно позже событий романа «Три мушкетёра».
* * *
Это была стать из журнала "Лучик". Бесплатно скачать и полистать номера журнала можно здесь: https://lychik-school.ru/archive/
"Лучик" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Что за звук в записи концерта?
При прослушивании записи https://zvuk.com/track/136671623
обратил внимание на звук "урчания живота" например на 3:45, что это?
ЩЕЛКУНЧИК
— очень яркий, сильный, красивый, великолепно рисованный музыкальный мультипликационный фильм без слов. Снятый в 1973 году по мотивам сказки Эрнста Гофмана и балета на музыку Чайковского о волшебной игрушке Щелкунчике — и его смелом поединке с коварным Мышиным королём.
В богатый дом съезжаются на Ёлку дети из богатых семей. За их праздником наблюдает девочка-служанка. После праздника во время уборки зала она видит брошенного щелкунчика — игрушку, которой раскалывали орехи, но чуть не сломали.
Щелкунчик оживает — и рассказывает ей грустную историю о своём проклятии и коварной королеве Мышиного царства. Вдруг из угла комнаты слышится странный звук. По стене пробегают трещины, и из пролома появляется Мышиный король. Он стал большим и страшным, но и сам Щелкунчик возмужал — и готовится дать бой ужасу из прошлого.
В каждом из нас есть свой Щелкунчик, свой заколдованный Принц — и свой Мышиный король...
Как занятия творчеством влияют на мозг?
Музыка пронизывает нашу жизнь и имеет силу переносить нас в разные эпохи и настроения. Великие музыкальные произведения становятся классикой и хранят свою актуальность с годами. В этой статье мы подготовили для вас плейлисты с треками, над которыми не властно время.
1. "Bohemian Rhapsody" — Queen
Этот эпический трек группы Queen сразу же стал классикой, покорив сердца миллионов слушателей. Сочетание рока, оперы и баллады делает его уникальным и неповторимым. Независимо от вашего вкуса в музыке, "Bohemian Rhapsody" пробудит в вас эмоции и рвение.
2. "Hotel California" — Eagles
Этот знаменитый трек группы Eagles — истинный шедевр американского рока. Его мелодичность, глубокий текст и узнаваемый голос Дона Хенли сделали его одним из самых любимых песен в истории. "Hotel California" приносит ощущение тайны и ностальгии, которые останутся с нами на протяжении веков.
3. "Imagine" — John Lennon "Imagine"
проникновенная песня Джона Леннона, которая вызывает размышления о мире без национальных границ, веры и собственности. Ее мудрость и актуальность делают ее незабываемой. "Imagine" всегда будет напоминать нам о необходимости любви и мира в этом мире.
4. "Stairway to Heaven" — Led Zeppelin "Stairway to Heaven"
это незабываемый рок-гимн группы Led Zeppelin. Его красота и эпический звук привлекают слушателей к мистическому миру фантазий и желаний. Эта песня стала символом классического рока и сохранит свою популярность навсегда.
5. "Like a Rolling Stone" — Bob Dylan "Like a Rolling Stone"
культовая песня Боба Дилана, которая стала гимном протестного движения 1960-х годов. Ее занимательный текст и выдающиеся музыкальные качества делают ее пожалуй одной из самых значимых песен в истории рок-музыки.
6. "Smells Like Teen Spirit" — Nirvana "Smells Like Teen Spirit"
песня, которая изменила музыкальный ландшафт 1990-х годов. Группа Nirvana сделала гранж популярным и вдохнула новую жизнь в рок-музыку. Этот трек до сих пор остается символом молодежной неприятия и альтернативного взгляда на мир.
7. "Hey Jude" — The Beatles The Beatles
безусловно, одна из самых влиятельных групп в истории. Их музыка пересекла границы и понравилась всему миру. "Hey Jude" — одна из их самых известных песен, которая до сих пор занимает место в сердцах слушателей. Ее утешительный и вдохновляющий характер позволяет оставаться актуальной с годами.
Эти вечные хиты представляют разные жанры и эпохи, но все они имеют одно общее
способность двигать наши эмоции и оставаться актуальными с годами. Их музыка становится частью нашей культурной истории и остается в наших сердцах навсегда. Так что включите эти треки в свой плейлист и наслаждайтесь вечными хитами, над которыми не властно время.
В Питере шаверма и мосты, в Казани эчпочмаки и казан. А что в других городах?
Мы постарались сделать каждый город, с которого начинается еженедельный заед в нашей новой игре, по-настоящему уникальным. Оценить можно на странице совместной игры Torero и Пикабу.
Реклама АО «Кордиант», ИНН 7601001509