Больше не русские: Лондонская Национальная галерея переименовала пастель Дега с «Русские танцовщицы» на «Украинские танцовщицы»
Напряжение в мире не может не сказываться на искусстве. Все это рождает такие сюжеты: Лондонская Национальная галерея переименовала пастель Дега с «Русские танцовщицы» на «Украинские танцовщицы».
Эдгар Дега - «Украинские танцовщицы», ранее «Русские танцовщицы»
Работа не висит в музее в качестве постоянной экспозиции, но на сайте название уже поменяли. Все началось с украинской художницы Мариам Найем, которая заметила пастель Дега с девушками в украинских костюмах и совсем не обрадовалась их названию. После она попросила Музей Гетти (Лос-Анджелес), Метрополитен-музей (Нью-Йорк) и Лондонскую Национальную галерею изменить название. И уже есть первые успехи.
С одной стороны, не поспоришь. Костюмы украинские, а Дега не погружался в различия народов из Российской империи на тот момент (примерно 1899 год). Частенько почти все из восточной Европы называли русским – так сразу понятнее, имперский подход никто не отменял. Мы сами регулярно используем «западный» в обратную сторону. Так что ошибку в названии можно засчитать.
Эдгар Дега - «Русские танцовщицы», Музей Гетти
Но с другой-то стороны, правильно ли менять название? И куда это может завести искусствоведов, если мы будем отталкиваться от политических взглядов? Мне кажется, если и менять название, то на «Танцовщицы в украинских костюмах» или «Украинский танец».
Все же Дега не указывал национальность, а скорее обрисовывал источник вдохновения. В конце 19 века по всей Франции поражали своих зрителей славянские труппы, а через некоторое время Дягилев привезет свои гремящие «Русские сезоны».
Эдгар Дега - «Русские танцовщицы», Метрополитен-музей
Комментарий Лондонской Национальной галереи: «Название этой картины является предметом постоянных дискуссий на протяжении многих лет и освещается в научной литературе; однако за последний месяц ему уделялось повышенное внимание из-за текущей ситуации, поэтому мы сочли подходящим моментом обновить название картины, чтобы оно лучше отражало тему картины».
Ну что же. Посмотрим, что будет дальше. И давайте не смешивать искусство и политику.
Другие истории и заметки про искусство публикую тут: https://t.me/picturebymaslo
Вандализм или искусство?
Хороший вопрос – где идет раздел между искусством и вандализмом? Допустим, вы работаете охранником в музее. Ну, например, в Ельцин центре. Смотрите на картину из экспозиции и понимаете – картина не закончена! Берете ручку и пририсовываете глаза.
Пририсованные глаза на картине Анны Лепорской - «Три фигуры»
Конечно же, музей спасибо вам не скажет. Да и вообще у неизвестных авторов мало веса в обществе, получите статью и попадете на штраф. Но это мы говорим про охранника, он не художник, да и Анна Лепорская точно не оценила бы.
Анна Лепорская - «Три фигуры», оригинальная версия до изменений:
Другой вариант. Вы – современный художник, ищущий возможность заявить о себе. Приходите в музей, находите картину Малевича (бедные супрематисты, сегодня в посте страдают именно они) и баллончиком пририсовываете знак доллара. Так Александр Бренер протестовал против коммерциализации искусства.
Казимир Малевич - «Белый супрематический крест» + знак доллара от Бренера
Эпатаж, заявление, творчество! А еще несколько месяцев заключения – картина дорогая, а вы своей интерпретацией попортили имущество.
Мне кажется – хочешь выражаться, так рисуй повтор и там уже делай свои изменения. Особенно если художник давно умер и твою версию никак не прокомментирует.
Кто-то мне возразит – в случае с Лепорской картина стала в разы известнее, люди узнали и про художницу, и про ее работы, глядишь, и «Три фигуры» вообще станут культовыми и дорогими.
Но давайте все же не обижать художников. И ручки свои хранить при себе.
А что думаете вы?
Другие истории и заметки про искусство публикую тут: https://t.me/picturebymaslo
Крысы… в искусстве
Крысы – это вода! Они могут проникнуть куда угодно.
Вот такие же и герои моей книжки «Питер, Брейн и Малыш» – озорные крысята. Они проникают даже в картины великих мастеров и хозяйничают там, как дома.
В этот раз Питер, Брейн и Малыш проникли в картину Валентина Серова «Девочка с персиками» и похитили фрукты у ребёнка.
Как некрасиво! Лишили витаминов Верочку Мамонтову, дочку известного коллекционера Саввы Мамонтова. Именно её в 1887 г. изобразил Серов, когда он гостил в усадьбе Мамонтовых в подмосковном Абрамцево.
Савва Мамонтов был покровителем искусства и помогал Серову, Васнецову, Коровину и многим другим выдающимся художникам, актёрам и певцам. Коллекции Мамонтова после революции пополнили собрания Русского музея, Третьяковской галереи и театрального музея имени Бахрушина.
Крысята, верните персики!
Интересно проследить, куда мои крысята проникнут в следующий раз?
Принцесса из страны фарфора
Картина знаменитого американского художника Джеймса Уистлера (1834-1903 гг.) написана в период между 1863 и 1865 гг. – период повального увлечения Европы Востоком. На картине, написанной маслом, изображена европейская женщина, облачённая в традиционную китайскую одежду, держащая в руке веер. Принцесса окружена предметами быта Китая и Японии: ширмой, вазами, ковром, веерами, заткнутыми за ширму. На эскизе картины первоначально фигурировали цветы, которые впоследствии были исключены из финального варианта.
Натурщицей выступила Кристина Спарталли, однако ряд критиков, – современников Уистлера, – подверг сомнению этот факт, написав, что картина является всего лишь фантазией художника, и что написана она была им самостоятельно. Кроме того, картину критиковали за «обрезанность» изображённых на ней предметов, например, китайской вазы.
«Принцесса из страны фарфора» неоднократно меняла владельца и кочева из в рук в руки, пока не была куплена ливерпульским судовладельцем Фредериком Лейландом, который разместил её над камином столовой в своём лондонском особняке, впоследствии ставшей известной как Павлинья комната, интерьер которой тот же Уистлер расписывал собственноручно.
В 1903 году «Принцессу из страны фарфора» вместе со всей комнатой выкупил американский магнат Чарльз Фрир, который завещал свою коллекцию Смитсоновскому институту, куда картина и Павлинья комната переехали в 1920 году после его смерти.
Сегодня картина выставлена в постоянной экспозиции в Художественной галерее Фрира в Вашингтоне в Павлиньей комнате.
Эскиз, на котором присутствуют цветы, позже убранные из финального варианта.
«Голубка» Пикассо, или как художник превратил голубя в символ мира
Белый голубь с ветвью в клюве уже давно был символом чего-то хорошего. Еще Ной из Библии проводил тест на появление суши. И именно голубь вернулся с оливковой ветвью – тест положительный, можно выходить.
Ной выпускает голубя из ковчега, фрагмент мозаики 12-13 века, собор Святого Марка в Венеции:
Появлялся голубь как символ мира и в мифах Древнего Рима – так несколько пернатых товарищей свили гнездо в шлеме Марса, отчего тот решил не начинать войну.
Ну а официально символом мира голубь стал в 1949 году. Итак, Всемирный конгресс сторонников мира в Париже и Праге: больше 2000 человек, сплошь гуманисты и все за мир в мире.
Делегаты собраны, лозунги и манифесты зачитаны, подписи проставлены, но есть задачка – нужен свой символ. Но не переживайте – пока говорились речи, в парижской студии трудился испанец с двумя десятками имен – для своих Пабло Пикассо. Вместе с Луи Арагоном, французским поэтом и важным участником конгресса, они и выбрали голубя.
«Голубка» для конгресса в 1949 году:
Правда первый голубь мира еще никуда не летел, да и в клюве ничего не было, еще и лапы мохнатые. При встрече вы бы его не узнали, да и похож на какую-то другую птицу (я привык к городским гладким и жирным голубям, извините).
Уже вечером афиши с голубкой заполонили Париж и обозначили новый символ мира. И понеслась: афиши в новых городах, на каждый новый конгресс Пикассо предлагал новый вариант голубки – так она научилась летать, держать в клюве ветки и цветы, водила хороводы и даже сидела на груде оружия.
«Голубка» для конгресса в 1952 году:
«Голубка» для конгресса в 1962 году:
Московский вариант:
Хотя Пикассо часто веселился с этого, называя голубей жадными и жестокими птицами, и спрашивал – как это они стали символом мира?
Пабло Пикассо и пернатый друг:
Но это он балагурил. Забавный факт – за день до конгресса у Пикассо родилась дочка, которую он назвал Палома. С испанского означает «голубка»!
А голубка мира теперь известна каждому, и надеюсь, сплетет еще не одно гнездо. Всем мир.
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
До встречи!
Готовы к Евро-2024? А ну-ка, проверим!
Для всех поклонников футбола Hisense подготовил крутой конкурс в соцсетях. Попытайте удачу, чтобы получить классный мерч и технику от глобального партнера чемпионата.
А если не любите полагаться на случай и сразу отправляетесь за техникой Hisense, не прячьте далеко чек. Загрузите на сайт и получите подписку на Wink на 3 месяца в подарок.
Реклама ООО «Горенье БТ», ИНН: 7704722037
Бирманский Рембрандт
Его называют "бирманский Рембрандт".
Одним из первых мастеров, полностью посвятивших своё творчество академической реалистической живописи, сформировав особый стиль - бирманский реализм, был У Ба Ньян (1897 – 1945). Британский генерал-губернатор Бирмы Харкорт Батлер увидел талант художника в смышлёном бирманском подростке и направил его учиться сначала в Рангун, а потом в Англию, где он стал учеником приверженца академического направления Франка Спэнлава. Учитель вскоре стал восхищаться достижениями ученика, увлекшегося живописью старых мастеров с их идеальной гармонией света и тени.
В 1925 г. У Ба Ньян вернулся из Англии, со своими акварелями, этюдами, картинами. Он получал заказы от состоятельных англичан, его работы ценились очень высоко.
В 1930 г. выставку работ У Ба Ньян организовал сам генерал-губернатор Бирмы. Его живопись произвела огромное впечатление и на бирманскую, и на британскую публику.
Ба Ньян часто говорил своим ученикам, что в создании образа должно использоваться не менее сорока восьми (!) цветов, даже если объект изображения – простая белая футболка. Этим он подчеркивал значимость создания многообразия оттенков любого цвета и стремился грамотно использовать игру света и тени для достижения колористического богатства. Работы художника разошлись в основном по частным коллекциям, многие хранятся и в Национальном Музее Бирмы. В картине «Гавань Рангуна» мастер изображает торговые парусные суда, грузчиков, разгружающих заморские товары.
Он был первым бирманским художником, использовавшим эффект светотени в рембрандтовских традициях и технику импасто (от итал. impasto - дословно "тесто"), то есть густые, сочные накладки красок для усиления эффекта света и фактуры, благодаря чему достигается большая рельефность художественной поверхности картины.