Все мы привыкли ругать современный Оскар за так называемый “Обратный расизм” в кинопроизводстве и награждении. На фоне новой волны феминизма и движения за права цветного населения в Америке и Голливуде, произошла тихая моральная революция, в результате которой белым гетеросексуальным мужчинам средних лет становится всё сложнее устроиться в кинобизнес, и их все чаще стали заменять не из-за навыков и таланта, а исключительно по принципу “Разнообразия”.

«Я просто не представляю себе ситуацию, в которой я приглашаю на главную роль в своём фильме белого чувака. Не то чтобы я не любил белых чуваков. Но я уже насмотрелся фильмов с ними».

Вспомним первую церемонию награждения с участием чернокожего победителя, узнаем тернистый путь непризнания, призрения и сегрегации темнокожих актеров и режиссеров, пройдем путь до современного их влияния на массовую культуру и кинематограф. Тема очень объемная, выпусков будет несколько. Первая часть будет вводная, с большим объемом истории, которая нам нужна для понимания дальнейшего. Из-за ограничений пикабу статьи будут разбиты на несколько. Это первая часть. Вот ссылка на вторую часть.

Предыстория.

На стыке 19 века и 20, мировой кинематограф еще очень молодой и неокрепший, на фоне первой мировой войны американские компании увеличивают производственные мощности кинопроизводства , нацеленное на патриотического кино. Это позволило кино, стать главным развлечением для Америки и это же повлекло за собой появление первых кино звёзд, таких например как Чарли Чаплин.

Однако в таком молодом искусстве уже была масса законов, правил и противоречий. Нужно помнить, что становление Америки как государства, практически полностью зиждется на рабском труде Африканского населения и это не могло не отразится на кинематографии.

Знак Hollywoodland, изначально никак не относился к кинематографу и служил рекламой жилого района.

Нахождение в стране гигантского количества рабов, не могла остаться без законов ограничивающих их прав, самый важный из них это - “Закон Джима Кроу”.

Кроу (Crow - ворон) - это не имя сенатора или влиятельного человека, как было с кодексом Хейса, это имя нарицательное и означает оно любого бедного, ленивого и неграмотного чернокожего. Это закон о сегрегации, предписывающий всему “Цветному населению” отдельные места в общественном транспорте, отдельные умывальники и места на лавочке. Так же это и касается кинематографа. Чернокожим запрещено было сниматься в кино и большинство афроамериканцев в кино и театре играли белые актеры. Для соответствия образу на лица артистов наносился специальный грим — блэкфейс.

Фрагмент взят из мюзикла Vitaphone "Дни менестреля" (1941).

Блэкфейс - это тёмный грим, как правило для придания цвета использовали гуталин либо жженую пробку. Историю его создания часто сравнивают с шоу менестрелей в середине 19 века, где белые актеры изображали комические, уничижительные сцены из жизни чернокожих рабов, неизменно не обучаемых, ленивых и глупых. Песня Томас Райс под названием «Прыгай Джим Кроу» и послужила вдохновителем закона. Перед номером, автор красил свое лицо черной краской демонстрируя чернокожих.

Рождение нации.

Фильм снят по мотивам книги “Человек клана” за авторством Дэвида Уорка Гриффита, который потом приобрел всем уже знакомое название книги “Рождение нации”. Гриффит был сыном офицера южной армии, с детских лет привыкшим к рассказам отца о героизме Южан и низости и дикарстве Северян, что само собой отразилось на его видении войны и книге.

В окончательном варианте сценария фильма, над которым работал Гриффит совместно с Ф. Вуддом насчитывал 12 эпизодов и шел больше 3 часов. Неслыханный объем для того времени. В картине снималась масса крупных актеров, такие как: Мэй Марш, Лилиан Гиш, Роберт Харон, Генри Уолтхолл, Мериэм Купер и другие. В массовых сценах участвовало до 1000 человек, тоже большая цифра для того периода. Гриффит прорабатывал с операторами каждый эпизод и постановку кадра, контролируя мельчайшие детали кинопроизводства, например; костюмы, мебель, эскизы декораций, все создавалось при его непосредственном участии. Кстати с приходом звука, фильм был озвучен и переиздан. На фоне финансового успеха было снято провальное продолжение “ Закат нации”.

Картина представляет собой искаженную и однобокую историю Америки, представляя темнокожие население в уничижительном ключе, охарактеризовав их как ненадежных, глупых и злых при этом обеляя и героизируя Ку-клукс-клан. Уже в момент выхода он вызвал множество споров и негодований в обществе.

Даже по меркам “того” Голливуда кино было слишком расистским. Но это не помешало ему при бюджете в 100 тысяч долларов, собрать порядка 100 миллионов долларов в прокате. Фильм однозначно имел гигантский финансовый успех, а значит поддержку и влияние на Американского зрителя. Популяризация и обеление Ку-клукс-клана в ленте, привела к его возрождения, именно в этом 1915 году, на пике в организации состояло до 7 миллионов человек.

Впервые афроамериканцы, сыгранные афроамериканцами, появились в картине «Самбо». Ее премьера состоялась в 1909 году( Картина считается утерянной). Шестью годами ранее актер Сэм Лукас обрёл известность как первый темнокожий актер, сыгравший главную роль в популярном фильме “Хижина дяди Тома”.

Фрагмент картины "Хижина дяди Тома" 1903 год.

Вот только признания у чернокожего населения они так и не получили, их обвиняли в потакании расовым стереотипам.

Уильям Д. Фостер.

Фостер был первым афроамериканцем, основавшим кино производственную организацию The Foster Photoplay Company в 1910 году. Хотя его компания просуществовала всего несколько лет, Фостеру удалось совершить ряд новаторских проектов, которые проложили путь к «Расовым фильмам» 20-го века.

К 1917 году Фостер закрыл свою компанию. Затем он работал менеджером в Chicago Defender, самой влиятельной газетой для чернокожих, а позже продюсировал несколько музыкальных короткометражек с чернокожими артистами в Голливуде, но уже в эпоху звука.

В 1929 году Фостер был назначен директором Hollywood Pathe Corporation. Первым его фильмы выпущенным в новой студии был “Черный и загар” по тону, эта картина была куда более серьезная и мрачная , чем все его фильмы. Работа Фостера на Голливуд была очень прибыльной, но он мечтал вернуться снимать “Расовые фильмы”. Более поздняя попытка повторно создать новую киностудию провалилась. Однако успех Фостера стал важным примером для будущих продюсеров и режиссеров.

Первостепенной задачей всей авантюры "Расовых фильмов" Фостера, было разрушение стереотипов в кино, его лента “Железнодорожный носильщик” выпущенная в 1912 году считается самым первым фильмом в съёмке и производстве которого принимали участие только афроамериканцы. Кстати фильм также считается одним из первых в истории кинохроникой, в которой представлены кадры парада YMCA (YMCA (аббр. от англ. Young Men’s Christian Association — «ассоциация молодых христиан») — международная молодежная волонтерская организация.)

Такие фильмы снимались почти полностью с помощью чернокожих и для чернокожих. В отличие от лент, которые создавали белые кинематографисты, в этих фильмах афроамериканцы изображались не карикатурно, а с куда большей правдоподобностью и без расовых перегибов.

В фильмах для чернокожих почти никогда не изображались гетто, насилие и преступность. Зачастую они вообще не касались и не обсуждали расизм и их притеснение. Вместо всего этого, они демонстрировали чернокожих людей среднего класса, обсуждали важность образования и улучшения жизни чернокожих. Всего было выпущено около 500 фильмов и короткометражек, до нашего времени сохранилось менее 100. Подобные фильмы почти никогда не были популярны (если не брать в расчет афроамериканцев) именно поэтому большинство из них было утрачено и забыто.

Оскара Мишо.

За свою долгую карьеру, продолжавшуюся с 1918 по 1948 год, предприимчивый Оскар имел собственную продюсерскую компанию, под эгидой которой он и снял большую часть своих фильмов. Его картины практически всегда демонстрировались в черных гетто и охватывали порядка 700 кинотеатров, но тем не менее он оставался незамеченным Голливудом и СМИ. Фильмы Мишо - это мелодрамы с ярко выраженными расовым неравенством отделяющих белых от черных.

Желание Оскара Мишо контролировать все этапы производства и распространение своих фильмов стало визитной карточкой его карьеры. Он убедил лучших чернокожих актеров своего времени сняться его 44х, низкобюджетных картин которые он снял в период с 1919 по 1948 год и которые имели большой успех у черной городской аудитории, после Первой мировой войны . Большинство фильмов Мишо после первой мировой войны, представляли собой детективные рассказы, наспех снятые, смонтированные и выпущенные. Его афроамериканская аудитория редко жаловалась, поскольку им очень хотелось видеть на киноэкране людей, которые выглядели так же, как они с их же проблемами и бытом. Многие белые критики осуждали Мишо за его подход, однако зрители жадно поглощали его произведения, что сделало его самым успешным чернокожим писателем, продюсером и режиссером в Соединенных Штатах вплоть до его смерти Северной Каролине , в 1951 году.

Фрагмент картины “в нашем дворе”.

В картине “В нашем дворе” 1920 года который прямо изображает линчевания и расистское порабощение белых, а также высмеивает чернокожих проповедников, которые обещали рай вместо того, чтобы предложить людям образование.

Кроме того, Мишо — первый афроамериканец, снявший полнометражный игровой фильм: вышедший в 1919 году - «Поселенец» был основан на одноименном романе за авторством самого режиссера. ( Картина считается утерянной)

Когда в кино пришел звук, ”Расовые фильмы” сумели приспособиться к меняющейся действительности. Более того, темнокожие авторы активно эксплуатировали новые для себя жанры закрепляясь более крепко при этом в традиционных для них. В частности, особо популярным среди них стал мюзикл, а в одну из локальных кинозвезд превратился тогда еще молодой великий джазмен Луи Армстронг.

Мишо использовал звуковые фильмы, что бы более цепко задокументировать и популяризировать черных певцов, джаз-бенды и блюз певцов.

Звуковые фильмы Мишо, сочетающие в себе политическую критику и заманчивое зрелище, являются доморощенными американскими аналогами современных музыкальных сатир Бертольта Брехта.

Нью Йорк Таймс

В конце концов Голливуд признал как гениальность Мишо, так и его решающую роль в предоставлении чернокожим сниматься в кино и снимать его. В 1987 году память Оскара Мишо была увековечена на Голливудской Аллее славы. Два года спустя ему были посмертно вручены награды Зала славы чернокожих кинематографистов (1989) и Гильдии режиссеров Америки (1989). Каждый год в Грегори, Южная Дакота, родном городе Мишо, проводится кинофестиваль Оскара Мишо.

После Гражданской войны, основным результатом которой являлись отмена рабства и принятие Конгрессом США 31 января 1865 года поправок в Конституцию, ликвидировавшую рабство в национальном масштабе, перед страной встала серьезная задача поиска путей интеграции чернокожего населения в Американское общество. Естественно многолетние предрассудки и стереотипы не исчезли за одну минуту, это долгий, болезненный и мучительный процесс для Американского общества. Но желание Афроамериканцев на самоидентификацию и осознание важности образования и популяризации черной культуры через музыку и творчество , во многом повлияли на принятие этих законов в американском обществе.

Гарлемский ренессанс.

Гаарлем 1920 год.

Все эти обстоятельства, а также активизация расистских кланов и глобальное переселение негров на север из-за их преследования, напрямую повлияли на “Гарлемский ренессанс” (англ. Harlem Renaissance или New Negro Movement). Это золотой век афроамериканской культуры централизованный в своей основе в районе Гарлем, северного района Манхеттена. В то время его называли «Столицей Черной Америки», «Мировой столицей негритянской культуры» и даже «Землей обетованной».

Изначально район был нацелен на зажиточных белых американцев и Гарлем как нельзя лучше располагал своей богатой и современной инфраструктурой для культурного прогресса. Гарлемский оперный театр, стадион для игры в поло, Кафедральный собор Святого Иоанна Богослова, Колумбийский университет и другие достопримечательности сыграли большую роль в формировании культуры новых жителей района.

Гаарлем в цвете. 1930 год.

Ренессанс возник по ряду причин. Между 1890 и 1920 годами из-за коллапса сельхоз экономики юга в сочетании с нехваткой рабочей силы на Севере, побудили около 2х миллионов чернокожих мигрировать в северные города в поисках работы. Кроме того, Первая мировая война заставила целое поколение афроамериканцев задаться вопросом, зачем они вообще воевали и многие из них пали за свою страну, если их все равно считали людьми второго сорта.

Гарлемское Возрождение стало социальным, политическим и художественным взрывом продолжающимся с 1910 до середины 1930 годов. Благодаря Гарлему, чернокожие актеры получили возможность работать на сцене театров и сниматься в кино. Например до этого, в театре чернокожим отводилась роль статиста, актеров третьего плана и непременно рабов, слуг и негодяев. Именно в Гарлеме были поставлены спектакли «Всадник мечтаний» и «Бабушка Мауми», которые отказались от расовых стереотипов и дискриминации. Были созданы газеты только для чернокожих (The Voice), а поэт и драматург Лэнгстон Хьюз изобрел основанную на импровизации джазовую поэзию, которая позднее станет источником вдохновения для хип-хопа.

Поддержка ренессанса была не только инициативой чернокожих, многие белые деятели тоже поддерживали эти начинания, например Карл Ван Вехтен, Шарлотта Осгуд Мэйсон, не считая десятки и сотни музыкальных коллективов основанных белыми американцами, которые взяли в свои ряды талантливых афроамериканцев.

В это время чернокожие получили беспрецедентные творческие возможности ( хоть частично и ограниченные) выступать не только перед черной или смешанной , но и полностью белой публикой. К середине 1930-х годов сформировалась Гильдия черных актеров, а чернокожие актеры прочно закрепились в американском театре.

Забавно, что как по аналогии и появлением так называемых “ Новых русских” после развала СССР, в США тоже был похожий термин -“Новый негр”.

Новый негр - это термин который был популяризирован и введен Алеоном Лероем Локком. Локк был учёным написавший одноименную книгу. В данной книге представлены наиболее яркие и талантливые художники, актеры и поэты 1920х годов. Термин был использован для обозначения зарождающегося среднего класса. Вскоре термин бросил вызов стереотипам и дискриминации, которые долгое время определяли жизнь и творчество чернокожих. Книга Локка стала определяющим фактором гарлемского возрождения прославляющего Культуру чернокожих. Тем самым переложив акцент с социальных проблем, на их вклад в культуру.

Поль Робсон был одним из самых первых чернокожих которые поступили в престижный в те времена Радгерс Колледж, когда в США только разрешили обучение чернокожих студентов вместе с белыми вместе. Затем он стал бакалавром с правом заниматься адвокатской практикой, что уже само себе кажется дикостью, на фоне влиятельности Ку Клукс клана. Были ещё успехи и в спорте, но в первую очередь нам интересны его успехи в кино. Поль стал первым в истории чернокожим сыгравшим Отелло в театральной постановке в Гринвич-Виллидж , в Нью-Йоркске. После были роли фильмах "Император Джонс", "Копи царя Соломона", "Сказки Манхэттена" и так далее. Бродвей в драме британского театра, Поль покорит в 1942году, в тяжелейший период Великой Отечественной войны. За год до открытия второго фронта союзниками, Робсон исполнит на английском языке Гимн СССР.

Кстати Поль был очень популярен в Советском Союзе в 40-50-х годах. Сам американский певец и актёр с большой любовью относился к СССР, часто приезжал с концертами, пока ему не запретили выезжать из США.

Гарлемский ренессанс изменил не только культурное, но и социально-политическое положение афроамериканцев. Массовая миграция на север изменила образ афроамериканцев из деревенских, неграмотных «крестьян» в городских, образованных людей, представителей среднего класса. И именно посредством этого афроамериканцы вошли сначала в обще американскую, а впоследствии и в мировую культурную и интеллектуальную элиту.

Во времена интербеллума (Временной промежуток, между первой мировой войной и второй мировой), Афроамериканцы все, чаще и чаще стали попадать в популярные и дорогие картины, но как правило только на второстепенные роли и их до сих пор еще не принимали в союз кинематографистов.

Решил сконцентрироваться на длинных статьях, а не коротких заметках. Буду стараться совмещать историю и кино, потому, что мне это интересно в первую очередь. На поп корн 2200700462291153 (Тиньков)

В любом случае, спасибо всем за любую активность под постом, буду рад советам и критике. Скоро увидимся, всех обнял. Кому интересно вот ссылка где меня еще найти. Обнял.

В 1999 году состоялась церемония вручения премии Оскар и она до сих пор считается самой несправедливой за всю историю золотой статуэтки. Как вышло, что легкая историческая мелодрама от мало кому известного режиссёра получила высшую награду киноакадемии, оставив позади монументальный "Спасти рядового Райана" Стивена Спилберга и итальянский шедевр "Жизнь прекрасна"? Для ЛЛ. Харви Вайнштейн потратил рекордно много на продвижение фильма и использовал черный пиар и нелегальные методы.

Все дело в ранее очень уважаемом, ныне всеми презираемом похотливом продюсере Харви Вайнштейне. Перед тем как углубиться в его роль в этой истории, хотелось бы объяснить что вообще представляет из себя такая профессия - продюсер.

Глава 1. Продюсер.

Признаюсь, я сам до взрослого возраста не понимал что делают продюсеры, хотя зачастую их имя в титрах идет сразу за режиссером. У всех понятные роли - режиссёр руководит съемками фильма, актеры кривляются, оператор красиво их снимает, композитор пишет эпичную музыку итд. А вот продюсер делает так, чтобы этот фильм посмотрели ты и я, а лучше еще несколько миллионов человек. Как он это делает? В первую очередь в голову приходит реклама - трейлеры, постеры, публикации в журналах. Но его роль намного больше и разнится от фильма к фильму.

Где-то режиссёру дают творческую свободу и он снимает что хочет, как тот же Спилберг, а где-то над творцом сидит продюсер и фактически говорит ему как и что снимать, режиссёр в таком случае просто наёмный работник без права голоса. Для примера, такой подход практиковался у студии Marvel, где фактически весь творческий контроль был в руках у Кевина Файги. Вы замечали, что до того, как все пошло вразнос, у Marvel все фильмы были примерно одинаковыми? Да, что-то выходило чуть лучше, что-то чуть хуже, но тональность у фильмов была одна. 20% юмора, 20% страданий, 10% романтики, 40% эпика, оставшиеся 10% - это как раз различия между фильмами, чтобы они не были уж совсем идентичными. Этот коктейль и контролировал Кефин Файги, пока проектов не стало слишком уж много и пропорции, проверенные годами не стали изменяться. В данном примере успех киновселенной Marvel - это огромная заслуга продюсера Кевина Файги.

Кроме контроля за производством, продюсер отвечает и за продвижение фильма среди зрителей уже после съемок, это как упомянутая ранее реклама, так и работа с кинокритиками (да-да, все эти "браво, шедевр" - про темнокожих гомосексуалистов - это тоже работа продюсеров, которые ухватились за волну современных трендов в Голливуде). Они договариваются с руководителями телеканалов, для того, чтобы актеры и режиссёр их фильма участвовали в разных телешоу и снимались в скетчах, выкупают обложки и первые полосы журналов, договариваются с газетчиками об упоминании их фильмов и так далее. И тем, кто довел эти процессы до абсолюта и не стеснялся использовать грязные приёмчики был Харви Вайнштейн.

Глава 2. Харви Вайнштейн.

Большинству из нас этот человек стал известен благодаря громкому судебному процессу по итогам которого шаловливого продюсера посадили в тюрьму на 23 года. Многие ли из вас слышали о нем до суда? Ну кто запоминает всех этих продюсеров в титрах? В иных фильмах их вообще по 10 штук.

Харви Вайнштейн вместе со своим братом Бобом в 1979 году открыли свою кинокомпанию Miramax. Название она получила в честь родителей братьев, которых звали Мириам и Макс. Компания заняла нишу, тогда свободную от конкурентов - покупка зарубежного и производство собственного независимого кино. Поначалу братья только покупали в Европе за копейки разные никому не нужные арт-хаусные фильмы, перемонтировали их под американского зрителя и выкидывали в прокат, зарабатывая при этом неплохие деньги. В конце 80-ых братья решили сосредоточиться на производстве собственного кино, но все с тем же уклоном в арт-хаус и с небольшими бюджетами. Под их крылом вышло множество известных фильмов, режиссёры и актеры стали знаменитостями благодаря братьям Вайнштейн. Так, они открыли миру Стивена Содерберга, Квентина Тарантино (он работал с братьями вплоть до начала суда над Харви в конце 10-ых), Кевина Смита, Роберта Родригеса и еще кучу других. Актеров и актрис перечислять не буду, огромное количество звезд первой величины должны быть благодарны Вайнштейнам за то как сложилась их жизнь.

После того, как кинокомпания обрела финансовую стабильность пришло время амбиций Харви Вайнштейна. Ему хотелось не только много зарабатывать на фильмах, но и получить признание самых главных кинодеятелей в мире - киноакадемии. Тогда то он и начал свой триумфальный поход за Оскарами. Шутка ли, за всю карьеру Вайнштейнов фильмы, выходящие под их крылом получили 341 номинацию и выиграли 81 Оскар. Харви Вайнштейн занимает 3 позицию по упоминанию в благодарственных речах на церемонии после Бога и Стивена Спилберга (да, это кто-то посчитал). Но как он этого добивался? Та самая реклама, о которой я писал выше, хоть и не являлась изобретением Харви, но он был одним из тех, кто начал тратить на нее очень большие деньги и многие приемы он применил впервые. Ведь, напомню, Miramax занималась независимым кино с никому не нужными режиссёрами и актерами и их как-то надо было продвигать.

Харви начал использовать свои связи, опыт и знания не только для продвижения фильмов среди кинозрителей, но и в среде киноакадемиков. Так, его первой попыткой (и успешной) стало продвижение фильма "Моя левая нога" с Дэниэл Дей-Льюисом в главной роли про человека с церебральным параличом. Харви Вайнштейн добился выступления актера перед сенатом США на слушаниях о законе по помощи инвалидам, а также устроил им кинопоказ фильма "Моя левая нога"! И это за месяц до вручения Оскара. Дэниэл Дей-Льюис взял первую статуэтку за лучшую мужскую роль в своей карьере.

Подобные приемы он использовал и далее все больше совершенствуясь в методах продвижения своих фильмов и актеров в среде киноакадемиков. Но ему захотелось большего. Он хотел лично получить премию Оскар.

Глава 3. Церемония вручения Оскар 1999 года.

Сразу оговорюсь. Я не считаю "Влюбленный Шекспир" плохим фильмом. Это хорошее кино на вечер, наверное, на него даже можно было бы сходить в кинотеатр. Так считали и эксперты с кинокритиками, которые не сильно удивились, когда фильм включили в список номинантов на лучший фильм года. Мало ли там чего бывает, Оскара получает только один.

После окончания съемок, Харви сразу решил, что это его шанс получить Оскар и поставил картину в прокат на декабрь 1998 года, за 3 месяца до церемонии. Тайминг в Оскаре очень важен, как правило, фильмы выходящие весной уже никто не вспоминает через год, поэтому студии, целящие в статуэтку ставят премьеру фильма ближе к церемонии, даже если это вредит кассовому потенциалу ленты.

Так поступил и Харви. После премьеры включилась проверенная годами рекламная раскрутка фильма, но здесь продюсер применил новые методы.

Немного про самих киноакадемиков. Их не 5 штук жюри как на Каннском кинофестивале. Это тысячи человек. Критерии для попадания в их число были довольно размыты. Есть один твердый - это стать номинантом или лауреатом Оскара, но таких только треть, остальные получили членство за "долгую работу в кинопроизводстве". Всего академиков насчитывается около 9000 человек и большинство из них это обычные люди среднего или чуть выше среднего достатка.

Что нужно сделать, чтобы за твой фильм проголосовали? Во-первых, нужно, чтобы его увидели! Одна из проблем Оскара заключается в том, что академики просто не в состоянии посмотреть все даже уже номинированные картины, а их же нужно еще в эти номинации отобрать! Вайнштейн устроил фильму мощнейшую рекламную поддержку, о нем трубили все газеты, журналы, радио и телешоу. Актеры целыми днями мотались по различным интервью. Отдельно Харви устраивал спецпоказы фильма в кинотеатрах Нью-Йорка и Лос-Анджелеса специально для самых именитых киноакадемиков, где также присутствовали все актеры и режиссёр. После этого организовывали званые ужины все с теми же лицами. Харви устроил пышную вечеринку "Добро пожаловать в Америку" для режиссёра фильма - британца Джона Мэддена. На ней веселились сенаторы и киноакадемики. Нужно понимать, что все это было нелегально по правилам Оскара, но тогда на такое почему то смотрели сквозь пальцы.

Были киноакадемики и недоступные в моменте для Харви. Некоторые жили или были в отпуске в других странах, им он отправлял видеокассеты с фильмом. Для членов академии, которые находились в домах престарелых он также устраивал спецпоказы, прямо в стенах этих домов.

Ну и совсем грязные приемы. За время своей карьеры у Харви появилось множество связей среди именитых кинокритиков и как раз через них он устроил черный пиар для фильма "Спасти рядового Райана". Критики в те времена имели намного бОльший вес, чем сейчас и к ним многие прислушивались. Конечно, в своих рецензиях они хорошо отзывались о картине Спилберга, но у самых крутых журналистов был доступ к членам академии. И уже в кулуарах, они рассказывали, что фильм Спилберга хорош только первые 20 минут, когда происходит высадка, а все остальное нудная тягомотина и академиков не поймут, если этот фильм выберут лучшим, а вот "Влюбленный Шекспир".. ну вы поняли. Стивен Спилберг знал об этом, но повторять эти методы пиарщикам своей студии Dreamworks запретил.

"Жизнь прекрасна" изначально не рассматривалась Харви как серьезный конкурент по одной просто причине. Фильм был на итальянском и шел с субтитрами на английском языке. Академики такое просто не выбрали бы в те времена. В итоге картина взяла 3 Оскара - за лучший фильм на иностранном языке, за лучшую мужскую роль и за лучший саундтрек к драматическому фильму.

Среди номинантов на лучший фильм года в 1999 году были картины "Влюбленный Шекспир", "Спасти рядового Райна", "Елизавета", "Жизнь прекрасна" и "Тонкая красная линия". "Влюбленный Шекспир" стал триумфатором того года, взяв не только статуэтку за лучший фильм, но и еще в 6 номинациях! Фильм получил 13 номинаций и выиграл 7 Оскаров! Это:

Лучший фильм

Лучшая женская роль (Гвинет Пэлтроу)

Лучшая женская роль второго плана (Джуди Денч)

Лучший оригинальный сценарий

Лучшая работа художника-постановщика

Лучший дизайн костюмов

Лучшая музыка

Мечта Харви Вайнштейна исполнилась, ведь именно он получил статуэтку за лучший фильм. В категории лучший режиссер победил Стивен Спилберг. Всего "Спасти рядового Райна" получил 5 Оскаров - 2 основных за лучшую режиссуру и лучшую операторскую работу и 3 технических - лучший звук, лучший звуковой монтаж и лучший монтаж.

После той церемонии правила вручения премии ужесточились. Если раньше методы, используемые Вайнштейном хоть и были нелегальны, но прощались, то после 99ого года такое перестали позволять. Ну и большие киностудии, увидев как работает такой маркетинг тоже начали использовать подобные приемы и вваливать все больше денег в специальное оскаровское продвижение своих лент. Но Харви уже было неважно, он получил что хотел и вернулся к любимому делу - подбору начинающих актрис на роли в своих фильмах, если вы понимаете о чем я.

Из ТГ про игры, кино и технологии "Проснись, Нео"

Премьера фильма состоялась 19 апреля 1999 года

История фильма «Жила-была девочка»

Жанр: военный фильм, драма.
В фильме снимались: Нина Иванова, Наталья Защипина, Ада Войцик, Александр Лариков, Вера Алтайская, Николай Корн.
Режиссер: Виктор Эйсымонт.
Сценарист: Владимир Недоброво.
Оператор: Георгий Гарибян.
Композитор: Венедикт Пушков.
Художник: Игорь Бахметьев.
Премьера фильма состоялась 18 декабря 1944 года.
Пожалуй, есть два документа, свидетельствующие против войны сильнее прочих, — в силу того что это дневники детей, девочек. Один объемистый, величиной в целую книгу. Он принадлежит голландской еврейке Анне Франк. Второй — маленький, размером в осьмушку листа, написанный крупным детским почерком. Он принадлежит ленинградке Тане Савичевой. Последняя запись в нем: «Савичевы умерли. Умерли все. Осталась одна Таня».
Нелегко, надо полагать, было авторам фильма «Жила-была девочка», имея перед глазами подобный документ, пытаться рассказать о такой же девочке из блокадного Ленинграда, воплотив на экране хоть и вобравшую реальные факты, но все же вымышленную историю.
Само это соединение — ребенок и блокада — настолько вопиющее, что уже одна лишь мысль о нем больно ударяет в сердце.
Впрочем, само название «Жила-была девочка» вселяет некоторое спокойствие своей традиционно-сказовой нейтральностью, сдержанностью — без хватания зрителя за рукав, без плакатной пафосности, хотя это могло быть извинительно в 1944, военном году.
Спокойный повествовательный тон сохранится и на протяжении всего фильма, вопреки надрывающему душу материалу. Не оттого ли, что автор сценария Владимир Недоброво сам пережил блокаду в Ленинграде и для него была исключена какая-либо спекуляция на теме?
Сдержанность свойственна и режиссуре Эйсымонта. Он предпочитает, что называется, работать на деталях, и нужно отдать должное, это ему удается.
Но прежде надо было отыскать удивительную главную героиню по имени Настенька — Нину Иванову с ее строгими, ясными глазами, с грацией гадкого утенка, в котором уже угадывается лебедь. И рядом со степенной и не по годам зрелой Настенькой смешная Катя — четырехлетняя Наташа Защипина.
Прирожденная актриса, Наташа Защипина, что называется, ворвалась в кино и мгновенно стала «нарасхват» — снималась после своего дебюта с постоянством профессионала, встав в один ряд со взрослыми, любимыми народом актрисами.
***
Поначалу война вторгается в счастливый детский мир Насти тревожным ожиданием писем от папы. И в девочке определяется первая черта преждевременной взрослости: оставив детские забавы, она пытается убедить встревоженную маму в том, что письма с фронта не приходят ко многим соседям. Мать и дочь словно поменялись местами: измученная женщина неосознанно ищет опору в восьмилетней дочери и находит ее.
Рядом с этим эпизодом — еще одна поразительная сцена, исполненная истинного драматизма и чрезвычайно тонко сыгранная Наташей Защипиной. Катя в гостях у Настеньки, девочки играют в куклы, а Настина мама приготовила кипяток, глюкозу, маленький брусок черного хлеба. Заметив это, беспечная, капризная Катенька, вся вдруг подтянувшись, нетвердым от смущения голосом заявляет: «Мне пора домой».
В голодное время не принято было оставаться в чужом доме, когда хозяева усаживались за скудный стол. Но Катю тоже приглашают к чаю, оделяют кусочком хлеба. И напускная солидность тут же покидает девочку; расцветая благодарной улыбкой, она с аппетитом уплетает скромное лакомство. Кажется, лишь взрослому актеру под силу сыграть все эти быстро и тонко меняющиеся настроения. Впрочем, дети войны знали, что такое голод и лишения, — не исключено, что малышка играла этот эпизод, опираясь на собственный нелегкий опыт.
***
Наступление страшной блокадной зимы отмечено в фильме появлением еще одной темы, Нового героя, о котором тоже можно сказать «жил-был». Жил-был город. Ленинград предстает в скорбной экранной поэме. Сколь часто кино пыталось сложить эту поэму — и сколь редко она по-настоящему удавалась! Здесь удалась — с неопровержимой силой документа, но на диво лиричного, нежного, пронизанного в равной мере и болью авторской, и любовью.
Под печальную, строгую музыку сменяют одна другую панорамы, крупные и средние планы города — насторожившийся, изуродованный маскировкой, «ежами» и надолбами; печальный, измученный; и вопреки всему — все тот же стройный, гордый. Здесь даже занесенный снегом, неподвижно замерший трамвай ранит своей беззащитностью.
И ничего нам не нужно объяснять (хоть к финалу авторы не сдержались — объяснили с помощью доброго Настенькиного соседа), мы и так поняли, что судьба девочки и судьба города — общая. Если выстоит девочка, выстоит и Город. Гордый град Петров и восьмилетняя Настенька — оба бойцы и оба — герои. Так же как мать, обессилевшая от голода, ищет и находит опору в хрупком ребенке, так и стиснутый кольцом блокады Ленинград жив и Настенькой, и Катей, и великим множеством истощенных, полуживых людей, не подозревающих о том, что они — настоящие бойцы и герои.
Сегодня, когда многое известно о ленинградской блокаде, о которой написаны книги и сняты фильмы, есть риск недооценить картину Эйсымонта. Между тем она была одним из первых горьких и убедительных свидетельств о трагической зиме 1941/42 года. Фильм давал о ней достаточно полное представление.
Действительно, в ту страшную зиму все ленинградцы с одинаковым трепетом следили за понижающейся или растущей нормой хлебного пайка, так как от нее впрямую зависели жизни людей; страдали от голода и холода; неотвратимо теряли близких. Те, кто хоть как-то могли передвигаться, отправлялись в изнурительное путешествие на Неву за водой; и равная для всех существовала возможность погибнуть от бомбежки или артобстрела. Это и показано в фильме.
***
Девочки выживут, и раненую Настеньку в госпитале отыщет папа. Будет и праздничный салют в честь снятия блокады, а Настенькин отец, офицер-артиллерист, даст команду «Огонь!» своей батарее.
Фильму Эйсымонта свойственна достоверность в изображении среды, не всегда бывшая доступной даже и лучшим лентам военной поры. Ведь большинство из них снимались в Алма-Ате или в Ташкенте. И в тех же «Двух бойцах», где речь идет о ленинградском фронте, выход «на натуру» оказывался зачастую рискованным, но подделка сразу бросалась в глаза.
У Эйсымонта же и оператора Граира Гарибяна была возможность снимать на месте событий — в самом Ленинграде. Возможность, впрочем, оплаченная немалым риском: так, например, Наташа Защипина со своей мамой добирались на съемки через линию фронта.
Фильм «Жила-была девочка», как и некоторые другие из появившихся во время войны, резко отличается от основной массы произведений 30-х годов. Дело не только в материале, конкретностях сюжета. В лучших картинах военной поры заново возродились и вышли в центр авторского внимания извечные ценности: дом, семья, любовь, душевная связь родителей и детей, товарищество и дружба.

Американский телефильм «Дуэль», вышедший на экранах в 1971 году, повествовал о дорожном противостоянии легкового автомобиля с тяжеловесным грузовиком. Эта картина появилась спонтанно, но с учетом удачно сложившихся обстоятельств почти сразу обрела культовый статус.

Любопытно, что это была первая работа Стивена Спилберга в качестве режиссера. Кроме того, она была основана на реальных событиях. А смысл, заложенный в ней, оказался намного глубже, чем кажется на первый взгляд.

Невыдуманная история

В 1963 году писатель и сценарист Ричард Мэтисон, сделавший себе имя на фантастических сюжетах в сериалах «Звездный путь» и «Сумеречная зона», а позже – на экранизациях романов «Я – легенда» и «Куда приводят мечты», попал в неприятную ситуацию. Возвращаясь домой 22 ноября после игры в гольф, за автомобилем, в котором писатель ехал со своим другом, увязался какой-то психопат на старом грузовике. Он гнался за приятелями по безлюдным проселкам, пока те не добрались до автострады, после чего все же отстал, затерявшись в потоке машин.

Отделавшись легким испугом, Мэтисон о происшествии не забыл – данный эпизод, произошедший, кстати, в день убийства Джона Кеннеди, лег в основу рассказа «Дуэль», который позже был опубликован в журнале «Playboy». В нем простому инженеру Дэвиду Манну пришлось сражаться за собственную жизнь, уходя от погони на скромной малолитражке от монструозного грузовика.

Суть произведения сводилась к лаконичному правилу: даже в эпоху технического прогресса каждому человеку порой приходится выживать по законам джунглей. Причем в буквальном смысле вступая в противоборство с теми, кто жаждет крови.

История эта позже попалась на глаза ассистентке малоизвестного режиссера Стивена Спилберга – в 1971 году он сумел отснять лишь один эпизод «Убийство по книге» для популярного сериала «Коломбо», посвященного приключениям детектива из Голливуда. Спилберг загорелся идеей снять по рассказу большое кино и за несколько бессонных ночей вместе с автором первоисточника переделали «Дуэль» в сценарий.

Снять фильм за месяц

Как ни странно, продюсер будущей картины нашелся довольно быстро. Им был Джордж Экштейн, известный в Голливуде неуемной тягой к странным проектам. Деньги, впрочем, этот человек считать умел, поэтому выделил на «Дуэль» скромную по местным меркам сумму в $375 тысяч. Но чтобы получить даже такой бюджет, Спилбергу пришлось дать слово, что лента будет готова за месяц: с учетом всего постпродакшна (монтажа, озвучки и написания саундтрека) на съемки при этом выделялось всего 10 дней. Условия, мягко говоря, были жесткими, но от безысходности 24-летний режиссер на них согласился.

К слову, причиной столь жесткого техзадания была не прихоть голливудского биг-босса, а «поплывший» тайминг канала вещания АВС – по какой-то причине один из итоговых фильмов недели был снят с эфира и образовалось окно, которое требовалось заполнить. Поэтому команда Спилберга без промедления приступила к съемкам.

На главную роль пригласили Дэнниса Уивера, звезду эпохи нуарного кино – Спилбергу особенно нравилось его работа в фильме Орсона Уэллса «Прикосновение зла». Актер отлично вжился в образ затюканного жизнью клерка, которого загнали в угол, чтобы тот наконец-то показал миру свой самый злобный оскал. Он также начитал весь закадровый текст и сымпровизировал немногочисленные диалоги: всего в «Дуэли» звучит 50 различных реплик, придуманных Уивером. В сценарии Спилберга и вовсе не было ни единого слова, на с данным обстоятельством не согласились продюсеры – слишком уж всё напоминало арт-хаус, а не киноисторию категории «R».

Роль антагониста досталась актеру Кэри Лофтину, чей размытый силуэт, едва видный сквозь замызганной стекло грузовика, волосатые руки и ноги в ковбойских сапогах мелькают всего несколько раз за весь хронометраж. Сделать дорожного маньяка безликим биологическим придатком являлось одной из главных авторских задумок.

Актер даже спросил Спилберга, почему он так отчаянно пытается уничтожить несчастного Дэвида Манна, на что тот просто ответил: «Потому что ты – самый отвратительный и грязный сукин сын, которого когда-либо носила земля». На что Кэри, широко улыбнувшись, ответил: «Парень, тогда я именно тот, кто тебе нужен».

Противостояние стали

И все же, главными действующими персонажами «Дуэли» являлись, конечно же, автомобили. выделенный Стивену бюджет позволял подобрать буквально любые транспортные средства из Департамента транспорта компании Universal, насчитывавшем около тысячи самых удивительных экспонатов.

С грузовиком определились быстро: из показанных четырех различных моделей Спилберг выбрал Peterbilt 281 образца 1956 года. Дело было в его выразительной и зловещей морде, за которую бывалые дальнобойщики прозвали модель «Острогубом». Чтобы придать транспорту тяжеловесность, его снарядили пятисекционной цистерной производства Fruehauf Trailer Corporation ёмкостью в 7 000 галлонов (около 26,5 тонн).

Затем грузовик обильно посыпали пылью и облили маслом – так на свет появилось одно из самых зловещих орудий мести в Голливуде. Всего в «Дуэли» участвовали три таких экспоната, один из которых в финале картины взорвали по-настоящему.

Кстати, если внимательно присмотреться к Peterbilt 281, можно заметить несколько аутентичных особенностей модели. Дополнительное круглое зеркало на капоте устанавливалось водителями для того, чтобы следить за работой двигателя по цвету выхлопа. А большая жестяная коробка, расположенная позади кабины, выполняла функцию примитивного кондиционера. В него засыпался лед, а воздух поступал в кабину прямотоком, причем уже охлажденным.

Кроме того, бамперы Peterbilt 281 усеяны трофейными номерными знаками сбитых в дороге автомобилей. Всего их должно было быть 17, но режиссер оставил всего 6, чтобы те не так сильно бросались в глаза. Недостающее количество жертв появилось на бампере в виде глубоких насечек.

А вот жертвой грузовика стал типичный для своего времени бюджетник Plymouth Valiant. Его режиссер увидел случайно, припаркованным возле закусочной. В глаза Спилберга сразу бросилась субтильность модели. Несмотря на это, авто успешно конкурировало в своем классе с Ford Falcon и Chevrolet Corvair.

Пусть Valiant и уступал им в размере, так как был построен на платформе Chrysler A-body, зато имел цельнометаллический несущий кузов, независимую переднюю подвеску и широкую моторную гамму. А примененные в нем конструкторские решения обеспечивали модели хорошую управляемость, плавность хода и высокий уровень комфорта.

Устроив машинам кастинг, Спилберг постоянно повторял: «Машины должны сами начать говорить, когда окажутся рядом». Интуиция, режиссера не подвела: когда на одной площадке оказались Plymouth Valiant и Peterbilt 281, между ними разве что искрился…

Коммерческий успех

С учетом сжатых сроков, все съемки, включая телефонную будку, заправку и змеиную ферму, были натурными. Когда машины проезжали по асфальту, их снимали с двух камер, установленных по обе стороны дороги, что позволяло за один дублю получить вдвое больше кадров. Операторы проявили истинное искусство, постоянно меняя ракурсы и углы съемок для получения качественной и убедительной картинки.

В итоге съемочная работа завершилась за 11 дней. Еще три недели понадобилось на монтаж, озвучку и запись саундтрека, который был создан всего за двое суток! Для завершения проекта почти вся съемочная группа спала по несколько часов в день.

Приложив все возможные усилия, «Дуэль» все же была закончена в означенный срок. При этом она имела 74-минутную телеверсию, и вариант для показа на больших экранах с хронометражем в 90 минут. Можно сказать, что это был самый стремительный и самый результативный съемочный процесс за всю историю Голливуда.

***

В прокате «Дуэль» заработала $7 млн и получила не только зрительскую любовь, но и признание критиков. Лента получила премию «Эмми» за лучший звуковой монтаж, а также была номинирована на «Золотой глобус» в 1972 году. А сегодня «Дуэль» является непревзойденной классикой, войдя в реестр лучших фильмов ХХ века.

«Братья Супер Марио в кино» и «Пять ночей с Фредди» — главные хиты проката прошлого года, а сериалы «Фоллаут» и «Одни из нас» бьют рекорды просмотров и получают безупречную критику.

Как так вышло, что экранизации игр за каких-то пару лет вдруг скакнули со дна в элиту кинопроизводства? Кинокритик и игровой журналист Линар Феткулов считает, что это не совпадение: Голливуд, стриминги и игры дозрели до того, чтобы вместе делать классный контент.

Первые эксперименты

Вначале ни кинематографисты, ни авторы игр толком не понимали, чего они друг от друга хотят. Идеальный пример — «Супербратья Марио» 1993 года. Странная, стилистически разболтанная фэнтези-комедия застряла где-то между «Алисой в Стране чудес», «Джонни Мнемоником» и триллерами Дэвида Линча. Сегодня, кстати, такой фильм кажется смелым и чуть ли не постмодернистским киновысказыванием, но 30 лет назад он закономерно провалился в прокате и был разгромлен критиками. Все дело в том, что кому-то в Nintendo показалось, что детская аудитория у Mario и так уже есть, а неплохо бы привлечь еще и взрослую. В итоге фильм шизофренически развалился на куски, а авторы так и не определились до самого конца съемок, детское кино они делают или взрослое.

Не считая отличной «Смертельной битвы», за Super Mario Bros. последовали экранизации Street Fighter, Wing Commander и Double Dragon — все сомнительного качества. Тут нет ничего удивительного — просто режиссеры и продюсеры не с первого раза отыскали нужную интонацию для адаптации видеоигрового материала. В начале двухтысячных к объективным проблемам взросления новорожденного жанра добавилась субъективная — фильмы Уве Болла.

Уве Болл

Уве — немецкий полупрофессиональный режиссер. Мастерства в постановке картин он так и не достиг, но преуспел в другом, не менее тонком деле — освоении правительственных грантов. Если коротко, то он ловко орудовал госсубсидиями, щедро выделяемыми на развитие немецкого кино. Заодно спонсорам таких картин предоставляли налоговые льготы, в результате чего Уве заручился поддержкой местных бизнесменов, лихо тратя государственные и частные капиталы на собственные киноизлияния. Сперва он пытался создавать оригинальные произведения, но потом понял, что проще отбивать бюджет, если снимать фильмы по мотивам чего-то и так уже популярного. Например, по видеоиграм. Так, под распил правительственных денег на скорую руку сварганили «Дом мертвецов», «Один в темноте», «Постал», «Бладрейн», «Фар Край» и даже «Во имя короля» с Джейсоном Стэйтемом.

Фильмы Болла — локальное и не то чтобы существенное явление по меркам триллионных видеоигровых и киноиндустрий, но один важный эффект у его недолгой карьеры все-таки был. Статус «экранизация видеоигры» окончательно оформился как нечто позорное.

Современные фильмы по играм

Собственно, в этом нет ничего удивительного. Откуда взяться качественному фильму, если у него в основе лежит что-то развлекательное и, вероятно, поверхностное. Ни один приличный режиссер не должен браться за такое, что и подтверждали долгое время многочисленные «Обители зла», экранизации файтингов Tekken и Dead or Alive (да, они тоже существуют) или, например, «Соник в кино».

Как же тогда появились «Одни из нас» и «Фоллаут»? Для начала стоит отметить, что в обоих случаях оригинал был отлично написан; сценарии будущих сериалов и так уже были практически готовы в самих играх. Но это не все.

Загадка. Что общего у «Фоллаута», «Одних из нас» и «Братьев Супер Марио в кино», помимо того, что это экранизации видеоигр, которые собрали отличную кассу и хвалебные отзывы критиков? Уточним: что общего в их сюжетах?

Туда и обратно

Все три произведения посвящены путешествиям, в которых герой отправляется на поиски родственника. Несмотря на очевидную разницу в тональности, стиле и сеттинге, структура у них схожа: есть цель, есть полный опасностей путь, на котором герой не только спасает сородича, но и меняется сам. Герой в начале пути и его финале — две разные личности. Это классическая расшифровка круга Дэна Хармона — популярнейшего сценарного механизма, на котором работает чудовищное количество современных фильмов и сериалов.

В «Фоллауте» есть отличная метафора: героиню недвусмысленно сравнивают с тараканом. Чтобы выжить после апокалипсиса, он не только увеличился в размерах, но и отрастил новые органы — прочную броню для защиты от нападений и гигантские жвала, чтобы больше есть. Нечто похожее произошло и с киноиндустрией: она отрастила новые органы, по счастливой случайности идеально приспособленные для пожирания и переваривания видеоигр. Бум стримингов, приучивший делать много контента быстро и качественно, изменил законы кинопроизводства.

Эволюционируй или умри

Простой пример — вновь с уже упомянутым тараканом. Предположим, вам нужно добавить такого таракана в свой фильм. 30 лет назад возникли бы огромные проблемы. Как его моделировать? Как освещать? Как вставлять в финальный монтаж? Как объяснить актерам, где находится таракан в кадре во время съемок? Внедрение монстра подорвало бы съемочный процесс, и от него просто заранее бы отказались, заменив чем-то простым и бюджетным.

Сегодня сцена с тараканом делается на потоке. Моделировать заранее его не надо — наверняка в каком-то банке готовых ассетов он и так уже есть. А если нет — целая артель опытнейших дизайнеров соберет его за сутки, а потом за неделю аккуратно вставит в фильм. Быстро, дешево, абсолютно эффективно. Грубо говоря, таракан уже заранее готов и только и ждет, чтобы про него сняли кино.

Это довольно утрированный пример из компьютерной графики, но на самом деле его можно применять абсолютно ко всем прочим этапам съемочного процесса, включая написание сценария.

Подобно заранее готовому таракану есть и заранее готовые истории

Представьте таблицу с графами: «Представление героя», «Начало путешествия», «Конфликт с врагом», «Завершение путешествия», «Катарсис». Вписывайте в ячейки под ними все, что душе угодно, — так или иначе получится бодрая (хотя, может, не особо оригинальная) и цепляющая история. Продюсеру остается только дать внятное ТЗ, а дальше все сделают в лучшем виде. Современный механизм высокобюджетного кинопроизводства — это отлаженная, безупречно работающая машина, в которой бойко крутятся шестеренки, а персонажи носятся по кругам Дэна Хармона как белки в колесе, непрерывно переживая катарсисы, перерождаясь и уступая место новым героям.

Единственное, чего в этой системе нет, чему не учат сценаристов в школах, так это оригинальной истории. Ее, как идею-паразита из ноланского «Начала», где-то нужно брать, и вот тут-то на помощь и приходят видеоигры. В них есть последний недостающий элемент производственного цикла — качественный, дотошно прописанный мир, в котором легко разыграть любой из описанных выше сюжетов. Далеко не все игры для этого подойдут, но отличных вариантов все еще хватает. Генри Кавилл уже занят экранизацией Warhammer 40 000, Джейсон Момоа совсем недавно закончил съемки в экранизации Minecraft. Если так пойдет и дальше, можно ждать фильма по The Elder Scrolls, Planescape: Torment, Vampire — the Masquerade: Bloodlines и, чем черт не шутит, Disco Elysium.

Источник: https://www.pravilamag.ru/entertainment/722425-doigralis-poc...