Так жизнь или смерть? Удивительная история оперы «Иван Сусанин»
Первую оперу об Иване Сусанине представил русскому слушателю вовсе не Глинка. А кто же?
Впервые опера «Иван Сусанин» была поставлена 19 октября 1815 года в Петербургском Большом Каменном театре. Либретто написал князь Александр Шаховской. Музыку – итальянский (впоследствии обрусевший) композитор и дирижёр Катерино Кавос. Что самое интересное – произведение Кавоса относилось к стилю французской «опера́ коми́к», то есть комической оперы.
Большой театр в Санкт-Петербурге. Существовал в 1784—1886 годах
Это то, из чего позже, в середине XIX века, развилась оперетта. И – разумеется! – Сусанин в финале пребывал живым и здоровым, распевая весёлые куплеты:
Пусть злодей страшится и грустит весь век,
Должен веселиться добрый человек
Звучало это так:
Будущему великому русскому композитору Михваилу Глинке в то время было всего 11 лет...
Яков Яненко. «Портрет М. Глинки», 1840-е годы
А в 1832 году, как вспоминали друзья композитора, у Глинки уже был продуманный замысел пятиактной патриотической оперы и определённый набор мелодий будущих арий. Не было только сюжета для либретто. Его подсказал поэт Василий Жуковский, поведав Глинке историю подвига костромского крестьянина. И...
«…Как бы по волшебному действию вдруг создался план целой оперы, и мысль противопоставить русской музыке – польскую; наконец, многие темы и даже подробности разработки – всё это разом вспыхнуло в голове моей».
Константин Маковский. «Иван Сусанин», 1914. Частная коллекция
Либретто сочинял в основном барон Егор фон Розен. По ходу дела руки прикладывали Нестор Кукольник, Владимир Соллогуб, тот же Жуковский.
Перу последнего, в частности, принадлежит патриотическая песня «Славься» из заключительной сцены оперы. Начиналась она так:
Славься, славься, нашъ русскій Царь!
Господомъ данный намъ Царь-Государь!
Нам же она более знакома по таким начальным строкам:
Славься, славься, ты Русь моя,
Славься, ты русская наша земля!
Естественно, опера Глинки уже не могла называться «Иван Сусанин», поскольку опера «Иван Сусанин» Катарино Кавоса продолжала благополучно идти на сцене. Глинка решил назвать своё творение «Смерть за царя». С самого высокого верха название рекомендовали заменить на более оптимистичное: «Жизнь за царя».
Премьера состоялась 27 ноября (9 декабря) 1836 года в петербургском Большом театре. Дирижировал… Катарино Кавос!
Катерино Альбертович Ка́вос (1774–1840), автор первой (комической) оперы "Иван Сусанин", дирижировавший первым представлением оперы "Жизнь за царя"
Обе оперы доброжелательно соседствовали на одной сцене, порой являя одних и тех же певцов в одинаковых партиях.
Осип Афанасьевич Петров – первый исполнитель партии Сусанина
Глинка вспоминал: «Успех оперы был совершенный, я был в чаду и теперь решительно не помню, что происходило, когда опустили занавес. Меня сейчас же после того позвали в боковую императорскую ложу…» Не обошлось без замечаний государя Николая I: «…нехорошо, что Сусанина убивают на сцене». Но и не без подарка царского – перстня в четыре тысячи рублей.
Но уже тогда, да и впоследствии в царской России отношение интеллигенции к насквозь монархической опере оставалось весьма неоднозначным.
Михаил Скотти. «Подвиг Ивана Сусанина», 1851. ГТГ
Ныне желающие ознакомиться с кратким содержанием оперы к большому недоумению своему сталкиваются с двумя вариантами. В одном поляки заставляют Сусанина показать им дорогу к месту обитания будущего царя Михаила Фёдоровича. В другом враг ищет отряд Минина и Пожарского и жаждет захватить Москву.
Дело в том, что после революции 1917 года проникнутая верноподданническими мотивами опера идти никак не могла. Но патриотическое масштабное действо новой стране требовалось. Имевшиеся в распоряжении композиторы с поставленной задачей не справлялись. Возникла идея переделки оперы Глинки. Замысел одобрил Сталин.
В Большом театре в конце 1930-х сформировали творческую переделочную команду. В неё вошли дирижёр Самуил Самосуд, режиссёр Борис Мордвинов и поэт Сергей Городецкий. Активное участие принял и Михаил Булгаков как штатный либреттист театра. И в 1939 году опера Глинки под названием «Иван Сусанин» с триумфом возвратилась на сцену Большого, став заглавной государственной оперой.
А в 1988-м тот же Большой вернулся к оригинальному либретто и первоначальным декорациям.
Так «Иван Сусанин» и шагает разными тропами либретто в разных оперных театрах. Лишь музыка Глинки в «первой российской опере» неизменна и гениальна.
Читайте также:
Журнал "Лучик" – современный русский детский журнал об искусстве, музыке, литературе, философии и науке
Полистать журналы можно здесь
Подписаться с доставкой в почтовый ящик – на сайте Почты России
Купить – на Wldberries
Скачать бесплатно – здесь
Чувство юмора и чувство леса африканских пигмеев. Рассказывает журнал «Лучик»
В начале 20-го века исследователи Африки решили записать на фонограф пение африканских пигмеев. Записали, но расшифровать запись не смогли, потому что язык понимали плохо. Восковые валики с записями сдали в музей и забыли о них.
А спустя много лет эти валики нашли и песню перевели. И что же оказалось?!
Кто с песней по жизни шагает...
Средний рост пигмеев 135 сантиметров. Это не племя и не народ, а целая раса, начавшая формироваться около 35 тысяч лет назад. Пигмеи очень музыкальны. Они почти всё время поют! Только когда спят, не поют, и на охоте. Зато когда собираются на охоту и возвращаются с охоты, поют обязательно. Песни у них есть на все случаи жизни. Даже детей обучают необходимым навыкам с помощью пения.
У пигмеев хорошее чувство юмора. В той той самой песне, с которой мы начали этот рассказ пелось приблизительно следующее:
Вот смешные люди, они белые, как личинки.
А-ха-ха, личинки очень вкусные!
Наверное, белые люди тоже вкусные?
Надо будет попробовать...
...тот никогда и нигде не пропадёт
Среди пигмеев нет богатых и бедных. У них нет имущества и почти нет личных вещей. Зачем – если всё, что нужно для жизни, можно сделать из подручных материалов за полчаса? А поскольку пигмеи ведут кочевой образ жизни и часто переходят с места на место, то и таскать с собой гору пожитков им не с руки.
Понятно, что музыкальных инструментов у пигмеев тоже нет – по этой же причине. Зачем человеку, напевающему от радости, рояль? Или электрогитара…
Но когда пигмеи приходят в гости к соседям, они поют СОВСЕМ НЕ ТАК, как у себя дома, и могут подыгрывать себе на местных инструментах.
А в лесу у пигмеев инструменты другие. Например, «водный барабан». Это когда отбиваешь ритм ладонями по водной поверхности, вот хоть по глади лесного озера. Наберите в ванну воды и попробуйте!
Или «живой барабан»: две женщины, сидя одна напротив другой, выстукивают ритм по плечам и ногам друг друга.
Или «земляная арфа» – яма в земле, выстланная корой, над которой натянуты струны; по ним надо ударять палочкой. Довольно сложный инструмент, вот только с собой его не унесёшь. А зачем, если яму в любом месте недолго выкопать?
Жуткого экваториального леса, про который в учебниках написано «неблагоприятен для жизни человека», пигмеи не боятся – они в нём живут. Это их квартира.
Один исследователь рассказывал: как-то ночью, когда все пели песню в честь духа леса Бобе, одна девочка лет 12 вышла из хижины и ушла в чащу. Куда? Зачем?
– Она пошла в деревню, – спокойно объяснили родители.
Одна? Ночью? С пустыми руками, даже без еды и воды? Так ведь до ближайшей деревни 20 километров!
А вот так. Для той девочки (и её родителей) это как для нас из комнаты на кухню сходить. Правда, больше времени займёт, но в лесу время не имеет значения.
Когда два пигмея назначают друг другу встречу, они договариваются только о месте. О времени не договариваются. Тот, кто придёт первым, будет ждать столько, сколько потребуется. Ожидание не будет томительным, ведь он будет делать всё то же самое, что и обычно: охотиться, есть, спать… ну и петь, конечно же!
А вы хотите услышать песни пигмеев? Пожалуйста! С отметки 6 минут 20 секунд как раз начнётся водный барабан...
...Знаете, что больше всего впечатляет в этих записях? Не то, что временами они напоминают то средневековую европейскую музыку, то современную электронную. А смех, который там время от времени звучит между песнями. Он такой... совершенно не «не африканский»! Будто смеются не бесконечно далёкие от нас и бесконечно непохожие на нас люди, а наши приятели за соседней партой... Послушайте!
А настоящие бумажные "Лучики" можно приобрести на Wildberries. Но будьте осторожны! Обязательно прочитайте отзывы. Мало ли чему мы там детей учим.
Не шутка. Нормальные детские познавательные журналы учат, что нужно бороться с глобальным потеплением, а "Лучик" озабочен каким-то вздором. Например, в свежем апрельском номере рассказывает, почему доносчиками быть плохо. Даже если за это дают скидки и начисляют бонусы...
Один из номеров "Лучика" вообще был целиком посвящён вопросу, что такое совесть и зачем она нужна человеку. Представляете? А вы бы деньги потратили. Впрочем, тот номер про совесть можно скачать по этой ссылке бесплатно. И без "регистрации".
Спасибо за ваше чувство леса! :)
Поиграем в бизнесменов?
Одна вакансия, два кандидата. Сможете выбрать лучшего? И так пять раз.
Формализм, жёлтая рубашка и эксперимент в метро
"Чем соната отличается от концерта?"
Вопрос читателя
"Вот вопрос... Вы же убиваете меня этим вопросом!.."
Ну ладно. Начнём с таких понятий, как форма и формализм.
С формой я познакомился в шесть лет, когда пошёл в музыкальную школу. Заниматься можно было в чём угодно, а вот на концерты и экзамены надо было обязательно надевать нарядную форму. Лакированные сандалии, чёрные бархатные шорты, белые колготки, белую рубашку и – о ужас! – огромный блестящий бант на грудь.
Мне этот костюм (особенно бант) решительно не нравился. Учительница объясняла, что «ты должен быть одет, как настоящий артист» и «почувствовав себя настоящим артистом, ты непременно сыграешь лучше». Я учительнице верил – и не верил одновременно. Потому что никаким артистом я себя не чувствовал, а чувствовал какой-то ряженой куклой. И что в обычных джинсах и свитере сыграл бы точно так же, а может, и лучше.
С формализмом я познакомился в той же музыкальной школе, в четвёртом классе. Я доставал ноту «до» третьей октавы, и меня сделали солистом хора. Петь мне очень нравилось. А потом был большой концерт к какому-то празднику, и нам было велено прийти в белых рубашках. А я из своей сильно вырос, и пришёл не в белой рубашке, а в жёлтой. Учительница страшно накричала на меня и выгнала из зала, сказав, что солировать будет Лёша Никитин, мой приятель и одновременно соперник. Я спустился в раздевалку, забрал пальто и ушёл домой. И на хор больше не ходил.
Формализм в искусстве – вещь страшная. Скажем, приходит в редакцию поэт Пушкин и говорит:
– Здравствуйте! Я тут стихотворение написал, «Я помню чудное мгновенье».
А ему в ответ:
– У вас, Александр Сергеевич, отступ первой строки от края листа три сантиметра, а надо пять. И вообще, у вас пиджак застёгнут не на ту пуговицу. Так что никуда ваше стихотворение не годится, до свидания!
Я не хочу сказать, что форма, стандарт, шаблон – это всегда плохо. Нет. Иногда это замечательно – скажем, в производстве болтов и гаек. Но когда наши соседи в Евросоюзе начинают принимать стандарты длины и кривизны огурцов (вырастил огурец «не той формы» – не дадут продать), это, уж извините, никуда не годится.
Вот теперь можно ответить на вопрос уважаемого читателя: чем отличается соната от концерта? (Кстати, спасибо вам за этот вопрос.)
Да ничем! С точки зрения нормального человека – абсолютно ничем. Концерт – произведение академической музыки для одного или нескольких инструментов. И соната – произведение академической музыки для одного или нескольких инструментов. В концерте три части. И в сонате тоже три части. В концерте первая часть быстрая, вторая медленная, третья снова быстрая. И в сонате первая часть быстрая, вторая медленная, третья снова быстрая!
И ни один нормальный человек, услышав впервые незнакомое классическое произведение, не сможет сказать наверняка, что прозвучало – концерт или соната.
«Но соната – она обязательно для какого-то одного инструмента, а концерт – он обязательно для какого-то инструмента с оркестром!» – скажет кто-то... Да бросьте. Скажем, в той же музыкальной школе многие юные скрипачи играют си-минорный концерт для скрипки и фортепиано Оскара Ридинга. Нет там никакого оркестра и не было.
И наоборот, у Альфреда Шнитке есть такое произведение, как «Соната для скрипки и камерного оркестра».
Кто-то может предположить: «Концерт длинный, а соната короче» – и тоже ошибётся. Та же «Апассионата», то есть соната номер 23 Бетховена, звучит около двадцати минут (все три части).
А типичный концерт Вивальди для скрипки – те же самые три части – звучит около десяти минут.
Но бывает и наоборот. В общем, длительность звучания тут никакой роли опять же не играет.
Но это всё – с точки зрения нормального человека.
А вот если бы мы задали этот вопрос профессору консерватории, то он бы стал рассказывать про «сонатную форму», в которой обязательно должны быть экспозиция, разработка и реприза, а в экспозиции должны быть главная партия, связующая партия, побочная партия и заключительная партия, и что главная и заключительная партии всенепременно должны быть в основной тональности, а побочная – в доминантовой...
У вас уши ещё в трубочку не свернулись, нет? Если нет, профессор добавит, что в концерте чаще всего используется сонатная форма с двойной экспозицией...
«Что это за муть, что за бред? – спросите вы. – Где понятное объяснение?» Ну, по большому счёту да, муть и бред. И вообще – великий французский драматург Жан-Батист Мольер говорил на эту тему самую правильную в мире вещь:
Все эти правила представляют собою сущий вздор и существует только одно-единственное правило – надо писать талантливо!
Но музыка – это очень древнее искусство, очень консервативное, и некоторые музыканты (и просто люди, любящие музыку) иногда просто до тошноты обожают весь вот этот вот формализм. И могут писать толстые книжки, в которых будут долго и подробно объяснять, почему «Шахерезада» Римского-Корсакова – это именно симфоническая сюита, а не «просто симфония». Или чем хардкор отличается от металкора, а металкор – от кроссовер-трэша. Или чем гангста-рэп отличается от фристайл-рэпа, а джаз-фанк от сити-фанка, и почему итало-диско это «круто», а евро-диско это «отстой»...
Ну, а если нужно «простое объяснение» – тогда так. Включаем телевизор, канал «Культура», и:
Если на экране видим симфонический оркестр и дирижёра – это наверное симфония. Хотя необязательно: может быть и увертюра, и симфоническая сюита, и даже просто вальс Штрауса.
Если видим симфонический оркестр, дирижёра и солиста (за роялем, или со скрипкой, или с виолончелью, или двух солистов, или даже трёх) – это скорее всего концерт.
Если видим одного пианиста, или скрипача и пианиста, или какого-то другого музыканта и пианиста, и произведение длинное – это может быть соната. Хотя может быть и концерт. Или вариации. Или рондо. Или что угодно!
Если на экране видим двух скрипачей, альтиста и виолончелиста – это струнный квартет. Что они играют – да пёс его знает, снова всё что угодно.
Если на экране видим одинокого скрипача (без пианиста, оркестра и так далее) – то на сегодняшний день 99.99% вероятности, что это будет либо партита си-минор Баха, либо каприсы Паганини (шучу, но в каждой шутке сами знаете...).
А вообще, не заморачивайтесь на эту тему. Мы как-то рассказывали в «Лучике» про жестокий, но очень показательный эксперимент, который провели американский журналист Джин Вейнгартен и выдающийся скрипач Джошуа Белл.
Белл (к тому моменту уже мировая звезда) оделся «по-простому» («не в белую рубашку»), взял свою скрипку (работы мастера Антонио Страдивари, стоимостью 14 миллионов долларов) и стал играть партиту Баха (вторую, ре-минор) в подземном переходе метро. Вот это событие зафиксировано на видео:
И те самые люди, которые наверняка знают, чем концерт отличается от сонаты, которые отдавали огромные деньги за билеты на концерты Белла, те самые люди, которые с одухотворёнными лицами рассказывают друг другу о том, «как прекрасна классика», – проходили мимо. Видеокамера зафиксировала всё до мелочей: за 45 минут мимо скрипача прошло 1097 человек, только семь из них остановились послушать музыканта, и только одна женщина узнала его...
В общем, друзья, слушайте музыку, наслаждайтесь музыкой, любите музыку – но, ради Бога, не ставьте форму выше содержания!
С любовью,
журнал "Лучик"
Познакомиться с журналом, бесплатно скачав и полистав разные номера журнала, можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/
Выписать журнал с доставкой в почтовый ящик – на сайте Почты России
Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine
С чего началась классическая музыка?
Классическая музыка начинается с XVII–XVIII веков, с эпохи барокко. Хотя эпоху Возрождения тоже были знаменитые (и выдающиеся!) композиторы: Антуан Бюнуа, Томас Таллис, Джованни Палестрина, Орландо Лассо... Но об их существовании, как правило, знают только специалисты. А имена Баха и Генделя слышали все. Почему?
Мысленно перенесёмся на 100 лет назад, на концерт классической музыки. Как вы думаете, сильно ли будет отличаться этот концерт от современного? Вообще не будет!
Хорошо, перенесёмся теперь на 200 лет назад, во времена Бетховена и Шопена. И снова мы не заметим никаких изменений. Перенесёмся на 300 лет назад и даже на 400 – и опять практически та же самая картина! Отличия, конечно, будут, но совсем небольшие.
Но вот если мы «прыгнем» на 500 лет назад, в XVI век, то всё поменяется до неузнаваемости. Музыка вдруг станет по-настоящему «старинной» – примерно такой, как в разных фильмах про замки, волшебников, королей и принцесс. Исчезнут привычные нам инструменты: скрипки, виолончели, гобои. Зато появятся инструменты, о которых, возможно, вы никогда слыхом не слыхивали: цитры, орфарионы, волынки, колёсные лиры (хурди-гурди), виуэлы, виолы, тамбурины, шалмеи...
(Хотите послушать, как она звучала? У нас есть об этом статья с образцами средневековой и даже более древней музыки: «Как звучала древняя музыка?»)
Между эпохой Возрождения и эпохой барокко в музыке словно бы произошла революция, после которой музыка превратилась уже в привычную нам «классическую».
Слева направо: шалмей, тамбурин, орфарион
Начнём с музыкальных инструментов. В эпоху Ренессанса, как и в Средневековье, музыкальные инструменты были такими, какими их придумал мастер. У той же самой виолы могло быть и четыре струны, и шесть, и восемь, и двенадцать, и даже двадцать четыре!
Какой формы должен быть корпус музыкального инструмента? Какого размера? А как решил мастер, так и будет. Или как музыкант заказал мастеру. А как настраивать струны? А снова – как захотел музыкант, так и настроил.
В эпоху барокко появилось понятие стандарта музыкального инструмента. Скажем, возьмите скрипку XVII века – сильно ли она отличается от современной, из музыкального магазина? Да практически не отличается! Те же самые форма, размеры, толщина дек, те же самые четыре струны – «соль», «ре», «ля» и «ми». То же самое касается кларнетов, гобоев, виолончелей – да всех музыкальных инструментов вообще!
В эпоху Ренессанса конструкция многих музыкальных инструментов была примитивной, несовершенной, поэтому на них можно было извлекать только определённые (не все!) ноты. Очень многие инструменты (особенно духовые) могли воспроизводить ноты, принадлежащие, говоря современным языком, только одной тональности. Поэтому в эпоху Ренессанса самым идеальным, несравненным, богатым музыкальным инструментом считался человеческий голос, и большинство музыки того времени – это музыка вокальная, не та, которую играют, а та, которую поют. Занятия музыкой в те далёкие времена – это прежде всего занятия пением.
В эпоху барокко благодаря работам выдающихся математиков (и музыкантов) Винченцо Галилея и Андреаса Веркмайстера появился современный музыкальный строй (так называемый равномерно темперированный). Усложнилась конструкция музыкальных инструментов, на них стало можно играть в разных тональностях. Техника игры также существенно усложнилась – теперь уже музыкальные инструменты могли исполнять такие партии, какие невозможно спеть голосом! Поэтому в эпоху барокко на первое место выходит инструментальная музыка – не та, которую поют, а та, которую играют.
Винченцо Галилей. Титульный лист трактата «Диалог о старинной и современной музыке» (1581)
В эпоху Ренессанса собрать ансамбль – и тем более оркестр! – из музыкантов было ой как непросто. Музыкальные инструменты у каждого свои, да ещё могут быть настроены в разных тональностях, попробуй тут сыграй вместе... Потому и ансамблевая музыка в те времена была крайне своеобразна – например, пение (человеческий голос главнее всего!) под аккомпанемент лютни и тамбурина (разновидность бубна). К концу эпохи Возрождения стали появляться более-менее «настоящие» ансамбли – консорты, но ансамблевая музыка была довольно простой. Инструменты играли одну и ту же мелодию (унисон) или, в лучшем случае, вели голоса «параллельными линиями».
Пьеро делла Франческа (1420–1492), "Поющие ангелы"
В эпоху барокко инструменты стандартизировались и уже могли играть в разных тональностях. А значит, собрать ансамбль стало проще пареной репы. Сколько нам нужно скрипачей? Два? Четыре? Десять? Да сколько хотите!
Именно в эпоху барокко возникают привычные нам жанры оркестровых музыкальных произведений – скажем, «концерт для скрипки с оркестром» или «соната для флейты, гобоя и клавесина». Композитор уже заранее мог выбирать, на каких инструментах будет исполняться та или иная музыка, писать специально для ансамбля или даже оркестра из специально выбранных инструментов! И, конечно же, ансамблевая музыка при этом стала намного сложнее – различные голоса начали «переплетаться» между собой, «противопоставляться» друг другу.
Во времена Ренессанса нотная запись была, с современной точки зрения, крайне небрежной. Композиторы часто не обозначали длительности нот, темп, тональность, музыкальный размер, не ставили тактовые черты. Взяв в руки ноты того времени, современный музыкант может даже растеряться – вроде бы понятно, «что играть», но вот «как играть», совершенно непонятно.
С одной стороны, это давало музыканту тех времён полную свободу – дескать, вот тебе мелодия (тема), а дальше придумывай, как тебе интереснее. Но с другой – музыкант мог и такого напридумать, что от замысла композитора оставались «рожки да ножки».
Ноты эпохи Возрождения. Антуан Бюнуа (1430–1492), "Месса"
Во времена барокко появились ноты современного типа – строгие, в которых максимально точно и чётко обозначено, где, как и когда играть ту или иную ноту. В какой тональности, в каком темпе. Именно поэтому в современных музыкальных школах дети играют произведения Баха и Генделя – потому что и Бах, и Гендель записывали свои произведения нотами практически точно так же, как это делаем мы сейчас!
А вот ноты того же Томаса Таллиса или Антуана Бюнуа не то что мальчик или девочка в музыкальной школе – их и профессор консерватории не всегда сможет расшифровать...
Ну хорошо. Вы спросите: если критерием классической музыки является стандартизация нотной записи и инструментов, то, получается, песня «Я морячка, ты моряк», которую можно записать нотами и исполнить хоть на гобоях с виолончелями, – это тоже «классическая музыка»?
А это уже другой разговор. Чем и почему отличается современная популярная музыка от музыки классической, мы рассказывали в статье «Почему нужно слушать классическую музыку и как начать?»
Также ранее мы рассказывали: Как звучала древняя музыка?
Изобретатель современных нот Гвидо д'Ареццо и средневековые ноты песни "Кукушка" (Из статьи "Как звучала древняя музыка")
Подписывайтесь на журнал «Лучик» в Телеграм: https://t.me/luchik_magazine
Как звучала древняя музыка?
Нотную запись, ту, которой мы пользуемся сегодня («до», «ре», «ми», «фа», «соль», «ля», «си» на пяти строчках) придумал средневековый итальянский педагог и музыкант Гвидо д'Ареццо примерно в 1030 году нашей эры. (Так что скоро, в 2030 году, человечество может торжественно отпраздновать «тысячелетие нот».)
Одна из самых древних дошедших до нас «нотированных» песен – это английская (точнее, уэссекская) «Приход лета» («Sumer is icumen in»), или «Кукушка». Она датируется приблизительно серединой XIII века, то есть эти ноты появились примерно во времена татаро-монгольского нашествия на Русь.
Гвидо д'Ареццо и средневековые ноты песни Кукушка
Вот как она звучит:
Однако – разумеется! – музыку записывали и до Гвидо д'Ареццо. Для этого использовались особые знаки – «невмы», или, как их называли на Руси, «крюки». Невмы не показывали точно – какую ноту нужно играть или петь, но они изображали «движение» мелодии – вверх, вниз или «на том же самом месте». Такая запись смогла донести до нас музыку ещё более древнюю. Скажем, христианский гимн «Те Деум лаудамус» («Te Deum laudamus»), то есть «Тебя Бога хвалим», датируется 387 годом, то есть четвёртым веком нашей эры! Авторами этого гимна, по преданию, являются Святой Амвросий Медиоланский и Блаженный Августин, а написан этот гимн или был в честь крещения Августина.
Псалом, записанный невмами (крюками)
Слушаем:
А самая, наверное, древняя из дошедших до нас военных (памятных) песен – «Марш Бриана Бору» сочинена в 1014 году.
23 апреля 1014 года на востоке Ирландии, возле Клонтарфа, состоялась битва, в которой сошлись войско Бриана Бору, верховного короля Ирландии, и войско норвежских викингов, к которым примкнули мятежные ирландские короли. Возглавляли их король Дублина Ситтриг Шёлковая Борода и король Ленстера Маэл Морда мак Мурхада. Ирландцы в итоге одержали победу, но и Бриан Бору был убит.
Король Бриан Бору перед битвой при Клонтарфе
В его память королевский бард, взяв в руки арфу, сложил возвышенный, полный светлой грусти «Марш», под который Бриана Бору несли с поля битвы:
Самая же древняя записанная музыка вообще (но, опять-таки – самая древняя дошедшая до нас) – это так называемый «Хурритский гимн богине Никкаль». Этой песне, записанной на глиняной табличке, найденной в давно уже не существующем городе Угарите, почти три с половиной тысячи лет – она была записана клинописью примерно в 1400 году до нашей эры.
Клинописный хурритский гимн богине Никкад
В те времена Угарит находился в пограничье между могущественным Египтом и Хеттским царством, то и дело переходя из одних рук в другие. Окончательно Угарит был сожжён примерно во времена царствования египетского фараона Мернептаха (того самого «злого фараона» из Библии, не отпускавшего евреев обратно в Ханаан), около 1200 года до нашей эры.
Само собой, современным учёным пришлось расшифровывать клинописные «ноты» для древней 9-струнной арфы, и звучание на видео – всё-таки реконструкция. Но не судите строго – просто попробуйте представить себе это время, три с половиной тысячи лет...
Да, конечно, это не «самая первая музыка на Земле». Самые древние музыкальные инструменты, найденные археологами, относятся примерно к 400-му веку до нашей эры (четырёхсотому). То есть им не меньше сорока тысяч лет. Но это – первая сочинённая людьми музыка, которую мы с вами можем услышать...
Читайте также:
Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine
Почему надо слушать классическую музыку? И с чего начать, если не хочется. Расписываем «тренировку»
Для начала давайте обратим внимание вот на какой простой факт: в популярной музыке продолжительность произведений меньше. Почему? Когда в 1887 году придумали грампластинку, на неё помещалось не больше четырёх минут музыки. Нельзя было записать на пластинке оперу или балет – только отдельную арию, дивертисмент или песню.
Зато пластинки хорошо продавались, и композиторы быстро поняли, что сочинять «что-нибудь короткое» выгоднее, чем трудиться над большими произведениями.
Но проблема в том, что в «чём-нибудь коротеньком» помещается меньше информации. А ведь музыка – это информация. Когда мы угадываем предстоящий мелодический ход, наш мозг, сделавший это, получает «эмоциональное подкрепление» – стимул к работе. А когда не угадываем, мы «удивляемся», узнаём, что «оказывается, и так можно». В процессе этого в мозгу образуются новые нейронные связи – проще говоря, человек умнеет. Повторим:
Когда человек удивляется, он умнеет
Кстати!.. В одном из экспериментов маленьким детям возраста от 8 до 16 месяцев показывали разные жизненные ситуации (разыгранные с помощью актёров). Реакцию малышей наблюдали с помощью приборов – замеряли продолжительность их сосредоточенного внимания.
Эксперимент показал, что ситуации, в которых кто-то большой и сильный забирает что-нибудь у маленького и слабого, задерживают внимание малышей на срок в полтора–два раза меньше, чем ситуации, в которых большой уступает маленькому и делится с ним. То есть эту ситуацию дети дольше обдумывали – а значит, происходило образование новых нейронных связей.
О чём это говорит? Агрессия, использование своего преимущества себе во благо и во вред другому воспринимается маленьким "безгрешным" существом как нечто "естественное", само собой разумеющееся. А вот альтруизм, доброта, дружелюбие, помощь слабейшему – "заставляют задуматься", а значит... поумнеть. Вывод?
Его давным-давно сделал Николай Васильевич Гоголь:
«Ум идёт вперёд, когда идут вперёд все нравственные силы в человеке, и стоит без движенья и даже идёт назад, когда не возвышаются нравственные силы»
Но мы отвлеклись. Итак, музыка – это информация, – не только "услаждение души," но и "пища для ума". Сравним теперь, сколько такой информации помещается в опере, в симфонии, в скрипичном или фортепианном концерте – и сколько в песне… Современные популярные произведения чаще построены на повторе одной и той же коротенькой музыкальной фразы – совсем коротенькой! Как мысль новорожденного Буратино…
Классическая музыка тоже начинается с какой-нибудь простой музыкальной фразы, то есть «темы». Например, всем известна «тема судьбы», с которой начинается 5-я симфония Бетховена. Её даже любят вставлять в мультфильмы, выпуски «Ералаша» или любительские видеоролики. В этой теме всего лишь 8 нот! Она простая, легко запоминающаяся, характерная:
Современный исполнитель обычно на этом и останавливается: «о, какая прелесть! да это готовый хит!». И начинает бесконечно повторять, «крутить» найденную короткую мелодию:
Ля-ля-ля-ля-ля
Весь день я напеваю!
Ля-ля-ля-ля-ля
Весь день я повторяю!
А Бетховен? В самом начале симфонии он как бы «показывает» слушателю главную тему (музыканты называют это словом «экспозиция»). А затем начинает её изменять – её играют разные группы инструментов, то быстрее, то медленнее, то в верхнем регистре, то в нижнем, тема начинает усложняться, развиваться, раздваиваться, даже «маскироваться» и «прятаться», в ней появляются всё новые и новые «краски», «оттенки»... Затем в музыке (не всегда, но очень часто) появляется вторая тема, «побочная». Она тоже не «стоит на месте», она развивается, изменяется, «живёт», начинает «конкурировать» с главной темой, переплетаться, соревноваться...
В классической музыке главная тема (мелодия) и целое произведение соотносятся примерно, как лист и целая крона дерева
Точно так же писали музыку и Бах, и Моцарт, и Чайковский, и другие классические композиторы. Умение слушать классическую музыку, умение ею наслаждаться – это во многом умение услышать и запомнить хотя бы главную тему, а затем научиться «узнавать» её под разными «масками». На самом деле это интереснейшая игра – композитор, как фокусник, сперва показывает нам предмет, а потом хитро его прячет. И какое это наслаждение, когда ты вдруг понимаешь, что «да вот же он!», и восхищаешься, как искусно автор «преобразил» свою стартовую «тему».
У Иоганна Себастьяна Баха было… двадцать родных детей!
Если хочешь быть умным, упражнять мозг чтением недостаточно. Надо познавать мир всеми доступными способами нагружать все «сенсорные каналы». Обязательно надо смотреть и слушать!
Хотите попробовать? Давайте распишем тренировку на три дня.
ПЕРВЫЙ ДЕНЬ. Иоганн Себастьян Бах
1. «Шутка».
2. Прелюдия и фуга №1 а 4 voci до мажор.
Как, ничего? Не страшно? Тогда добавьте ещё:
Георг Гендель, «Сарабанда».
И – отдыхать!
ВТОРОЙ ДЕНЬ. Пробуем без мультиков. Амадей Моцарт
1. «Маленькая ночная серенада».
2. «Аллилуйя».
3. «Лакримоза».
Если хотя бы одно из этих произведений вам понравилось, вы молодец!
ТРЕТИЙ ДЕНЬ. Людвиг ван Бетховен
1. Алегретто из симфонии № 7, опус 92.
2. Увертюра к спектаклю «Эгмонт».
3. «Ода к радости».
У вас прекрасные задатки, если получилось прослушать эти девять отрывков!
Напишите нам о своих впечатлениях! И если захотите, мы продолжим тренировки в следующих статьях.
Но помните ДВА ПРОСТЫХ ПРАВИЛА: 1. Слушать надо, не отвлекаясь, не занимаясь никакими другими делами. 2. Старайтесь угадывать, а что будет дальше? Куда «повернёт» мелодия? Или – закройте глаза и представляйте себе разные картины.
Это был материал из журнала «Лучик». В том же номере мы рассказывали:
Почему люди обманывают?
Почему пользоваться сленгом (а тем более - матом) вредно?
Зачем человеку ум, если от него не разбогатеешь?
Продолжение цикла "Такие разные классики" – романтизм
Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine
Бесплатно скачать и полистать номера журнала "Лучик" можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/ Выписать журнал с доставкой в почтовый ящик – на сайте Почты России