Рефн снял Дилера в самом начале карьеры — не ради славы, а чтобы вылезти из долгов. И угадай что? Сработало! Фильм не просто помог свести концы с концами — он дал старт его карьере. Сам Рефн говорил: «Без Дилера меня бы сейчас тут не было».

Лично для меня — это вершина. Возможно, любимая трилогия фильмов вообще. Это беспощадно реалистичное погружение в преступный мир Копенгагена. Каждая часть — отдельная история о человеке из этой криминальной среды, который пытается выжить. Но чтобы понять, как всё началось, нужно вернуться в девяностые — к корням самого Рефна.

В 1987 году Николас Виндинг Рефн возвращается в Данию. Он бросает актерскую школу в Нью-Йорке, чтобы закончить старшие классы у себя на родине. Спустя несколько лет, посмотрев «Клерков» Кевина Смита, он вдохновляется его «сделай сам»-подходом и снимает короткометражку, где сам играет преступника из датского криминального подполья. Этот мини-фильм попадает в ночной телеэфир и производит такое впечатление на продюсера Хенрика Данструпа, что тот предлагает финансировать полнометражную версию.

На тот момент Рефну — всего 24. Он никогда не снимал кино и даже не писал сценариев. Его только что приняли в Датский киноинститут, и перед ним встает дилемма: учеба или шанс снять свой первый фильм. Вооружившись, как он сам потом скажет, «смесью самоуверенности и невежества», он выбирает второе.

Так появляется Дилер — его дебют 1996 года, снятый на ручную камеру и почти без искусственного освещения. Это также дебют Мадса Миккельсена и важная веха, с которой началась новая эпоха датского криминального кино.

Изначально Рефн мечтал снять глянцевый гангстерский боевик в духе Джона Ву и других мастеров взрывного экшена. Но чем глубже он погружался в тему наркоторговли, тем яснее понимал — такой стиль убьёт правду. И он меняет курс. Дилер будет не о крутости, а о давлении, боли и падении. Новое вдохновение он находит в фильмах Битва за Алжир, Убийство китайского букмекера и Злые улицы Мартина Скорсезе. Съёмка идёт строго в хронологическом порядке, без раскадровок, по наитию — Рефн даёт фильму родиться прямо на площадке. Камера дышит вместе с персонажами, и зритель будто оказывается в ловушке того же хаоса, что и герои. Именно эта живая непредсказуемость стала визиткой первого фильма из трилогии «Дилер».

Если вам нравится фильм Дилер, поддержите меня лайком 👍 и комментарием ✍️ — тогда я разберу всю трилогию целиком!

Первый фильм из трилогии «Дилер» — это жестокий и бескомпромиссный портрет подпольного мира Дании, который лишен какого-либо гламура и романтизации. Он показывает, что даже мелкие преступники постоянно находятся под давлением и что всего одна неудачная сделка может привести к ужасающим последствиям.

Центральной фигурой становится Франк — уличный барыга в исполнении Кима Бодниа. Сначала кажется, что у него всё под контролем: вместе с корешем Тони (молодой Мадс Миккельсен с той самой наколкой «Respect») Франк толкает хмурый, ловко маневрируя в Датских подворотнях. Их отношения, на первый взгляд, кажутся крепкой дружбой, но на самом деле держатся на общей привязанности к веществам, а не на подлинной близости. Для местных пацанов Тони — типичный «тонилайфер»: вечный дружок без амбиций. Его преданность Франку и одновременно обречённость делают дуэт почти культовым — словно братская связка, обреченная сломаться при первом серьёзном ударе.

Открывающая сцена — классика: сделка в квартире, где у клиента только 45 тысяч крон, а у Франка — товара на 50. Он не торгуется, а просто вытаскивает 5 тысяч крон хмурого из пакета, завернутого в газету, — и внаглую втюхивает остаток непутевому покупателю. Это и есть Франк: не подонок, но и не герой.

Поначалу всё идёт по накатанной. Франк живёт между уличными сделками, тусовками и редкими визитами к подруге-проститутке - Вик, с которой у него мягко говоря странные отношения. Но всё рушится после неудачной сделки с бывшим сокамерником Франка из Швеции.

Лично мне кажется, что сделка с бывшим зэком с самого начала является подставой и Франк на подсознательном уровне понимает это, но жажда наживы берет верх и наш антигерой допускает роковую ошибку. Франка берут за жабры легавые.

Датский “Тони Монтана” успевает избавиться от товара до ареста — на зону не попадает, но теперь должен крупную сумму серьезному сербскому барыге по имени Мило.

И начинается ад. Франк мечется по городу, выбивает долги, кидает старых знакомых, дерётся, врет, подозревает всех. В первую очередь — Тони, которого он избивает бейсбольной битой, подозревая в предательстве. Франк кидает коробку в велосипедиста, да, конечно, мне они тоже часто мешают на дороге (водители согласятся), но зачем так жестко? Орет на мать, которая просто хочет обнять его. Его жизнь — сплошной обрыв.

Эта нисходящая спираль отчаяния показана через психологическое давление, которое нарастает с каждым днем, что подчеркивает сама структура фильма, поделенная на дни недели. В одном из своих отчаянных поступков Франк даже пытается заставить своего должника обнести Датский банк, но должник решает использовать обрез в стиле Курта Кобейна - и выпиливается.

И в этом хаосе Франк всё больше похож на самого Рефна: молодого, без опыта, оказавшегося в ситуации, где нет правил и нет подстраховки. Только инстинкт — и шаг за шагом вниз.

Как показывает фильм, Фрэнк не является «настоящим» гангстером — он лишь отчаянно пытается казаться им, и живет в своем выдуманном мире. Его кумиры — это не реальные люди, а вымышленные персонажи, на которых он пытается равняться. В одной из сцен он смотрит на свое отражение в зеркале, рядом с которым висят карточки с изображением Тони Монтаны из «Лица со шрамом». Это момент самоидентификации: Франк присваивает себе знаки хип-хоп и гангстерской культуры, носит спортивные костюмы и золотые цепи, чтобы создать иллюзию силы, власти и уважения. Этой демонстрацией он пытается скрыть свой фундаментальный страх — оказаться «недостаточно мужественным».

Но за всей этой суетой «Дилер» показывает нечто глубже: отчаяние. А отчаявшийся человек — опасный человек. Чем ближе финал, тем яснее: это история не про преступника. Это история про загнанного зверя. Франк ведёт себя всё жестче — но мы всё равно не можем полностью его ненавидеть. Потому что он настоящий.

Режиссура построена на ощущении «живого кадра». Камера дрожит, как нерв. Почти весь фильм — это реальное время. Мы проваливаемся в бездну вместе с героем. Быстрые повороты, расфокус, уличный свет. Этот документальный, реалистичный эффект был достигнут за счет использования исключительно ручной камеры и съемок почти полностью в хронологическом порядке, поскольку сам Рефн признавался, что снимать не по порядку было для него слишком сложно.

Съёмки шли в безумном ритме: 8-часовой день, никаких репетиций, никакой гламурной подготовки. Почти вся команда — либо друзья Рефна, либо малобюджетные новички. И это заметно — но в хорошем смысле. Фильм живёт. И дышит грязью. Изначально на роль Франка был утвержден другой актер, но за две недели до начала съемок Рефн уволил его, посчитав «слишком спокойным и скучным». Ким Бодниа, который уже был относительно известным актером на Датской сцене, согласился на роль. Его агрессивная и интенсивная игра была настолько неожиданной для других актеров, что их удивление в кадре было неподдельным.

У Рефна, к слову, дальтонизм — он не различает полутона. И всё же визуальный язык «Дилера» — один из самых выразительных в датском кино. Потому что он честный. Никакого глянца, никакой романтики. Только суровая, уличная правда.

Рефн, к тому же, обладает редкой смелостью — он не делает насилие «крутым». Возьмем, например, Драйв или Вальгаллу — легко было бы превратить их в истории про неуязвимых «крутых парней». Но у Рефна все иначе: жестокость тяжёлая, грязная и от этого пугающая. Каждое столкновение бьет как по телу, так и по душе, словно режиссер показывает, что было бы, если Киногероя переместить с экрана прямо в реальную жизнь.

Именно поэтому «Дилер» работает. Он не столько о преступлениях, сколько о людях. Людях, которые ломаются под давлением. Которые делают мерзости — и всё равно остаются людьми. Ты можешь их не жалеть, но ты их понимаешь. И в этом сила всей трилогии. Также Рефн показывает, что люди зачастую не меняются. Конечно, всегда есть исключения, и мы подробнее поговорим об этом во второй части обзора, но пока давайте вернемся к первой.

К слову, «Дилер» первым показал, как на самом деле выглядит наркоторговля. Бесконечное ожидание, сомнения, обман, сделки, в которых никто никому не доверяет. Шикарная сцена, например, — когда Радован и Мило требуют у Фрэнка справку из полиции, а у него её нет, так как ему не смогли состряпать обвинение. Никто из героев фильма не знает, как должно быть «правильно», Сербам остаётся только верить Франку или не верить. И многое так и остаётся в тени: подставил ли швед Франка, был ли он прав насчет Тони или копы просто красиво ему напели - мы не знаем, так как все события вы видим сквозь призму восприятия Франка, а она, как мы уже понимаем, достаточно искаженная.

Дилер вышел в 1996 году, а в 2000-м на отечественных экранах засверкал Брат Алексея Балабанова. Судя по операторской работе, цветовой палитре, настроению и прочему, не покидает мысль, что Балабанов каким-то образом заполучил пиратскую VHS-кассету с копией первого Дилера в одноголосом переводе Володарского. И хотя дилогия Брат — совершенно самостоятельное произведение, мысль о том, что Дилер Алексею уж очень понравился, всё равно не покидает меня. А вы как думаете? Согласны или нет? Напишите своё мнение в комментариях!

«Дилер» — первый по-настоящему криминальный фильм Дании. Он вышел на волне мировой моды: «Славные парни», «Казино», «Криминальное чтиво». Но если в Голливуде мафия — это гламур, у Рефна — это гнилая начинка под такой же гнилой оберткой. Просто жизнь, как она есть.

«Дилер» стал сенсацией. Взорвал датскую публику и критиков. Не потому что был стильным. А потому что был честным.

Рефн собрал команду, которая станет ядром стиля режиссёра: продюсер Хенрик Данструп, композитор Питер Питер, оператор Мортен Себерг, монтажёр Анне Эстерюд и актёры вроде Славко Лабовича, Златко Бурича и Мадса Миккельсена — будущей звезды мирового масштаба.

А вот вам и интересный факт: когда снимали первого Пушера, Николас Виндинг Рефн пообещал музыканту Питеру Питеру, что как только получит свой первый контракт на крупнобюджетный фильм — отдаст ему миллион крон на создание музыки. И слово сдержал: за саундтрек ко второму Дилеру Рефн действительно выплатил Питеру этот миллион как гонорар.

И хотя Рефн изначально не собирался снимать продолжения, «Дилер» не оставил ему выбора. После провала экспериментального «Страха Икс», который утопил его в долгах на миллион долларов, нужно было срочно спасать положение. И режиссер, нехотя, возвращается к «Дилеру». За считанные недели пишет сценарии ко второй и третьей частям.

«Тогда я понял, что кино — это товар», — говорил Рефн. — «Иногда нужно смешивать бизнес с честностью, чтобы получилось новое искусство».

Эта честность — как удар под дых. Любой художник рано или поздно сталкивается с тем же: как остаться собой и не умереть с голоду. Рефн открыто признаёт: без этого компромисса трилогия бы не состоялась.

«Я бы сейчас не сидел здесь, если бы мы её не сняли», — говорит он. — «Подход пришлось менять. И он родился, скорее, из сериалов.»

Так он выстраивает «Дилер II» и «Дилер III» как эпизоды сериала — отдельные истории в одной вселенной. Итог? Одна из самых дерзких и мощных криминальных трилогий в истории кино.

Но мало кто знает: вторая часть “Дилера” вообще могла не появиться. За её созданием стоит история о долгах, крахе и страхе — и именно из этого отчаяния родился фильм, который стал самым личным в карьере Рефна.

Если лень читать, вашему вниманию видео обзор:

Первоначально задумывавшийся как приквел к "Чужому", фильм превратился в исследование мифологии, которую сам Скотт заложил десятилетия назад. Название выбрано не случайно: титан Прометей, принесший людям огонь, стал символом жертвы во имя знания. На историю оказали влияние работы швейцарца Эриха фон Дэникена с его теориями о древних астронавтах, космических инженерах и небесных богах.

2. Идея Ридли Скотта

Фон Дэникен дал режиссёру направление, и Скотт сам признавался: "И NASA, и Ватикан согласны, что математически почти невозможно, чтобы мы оказались там, где мы есть сегодня, без небольшой помощи извне. Это мы и рассматриваем. Мы говорим о богах и инженерах, космических инженерах. Были ли пришельцы созданы как форма биологического оружия или как биология, которая должна была зачистить планету?"

3. Простой приквел

Проект начинался как прямой приквел с названием "Чужой: Инженеры" по сценарию Джона Спэйтса.

Но затем Скотт пригласил Дэймона Линделофа, и тот за восемь месяцев переписал историю, убрав большинство прямых связей с "Чужим". В итоге "Прометей" стал самостоятельным произведением, лишь косвенно связывающимся с оригинальной франшизой. К слову, сценарий "Чужой: Урожай", наделавший шума в сети, позднее был признан подделкой самим Спэйтсом.

4. Возвращение к корням

Несмотря на самостоятельность, в "Прометее" есть прямые отсылки к фильму 1979 года. Самая заметная сцена - момент, когда героиня Шарлиз Терон, Мередит Викерс, отказывает в допуске на корабль заражённому Холлоуэю.

Это зеркалит эпизод, где Рипли не впускает на борт инфицированного Кейна. Сходство подчёркивается даже репликами, повторяющими диалог оригинала.

5. Связь с Вернером Херцогом

Неожиданная деталь: фильм связан с творчеством Вернера Херцога. В начале "Прометея" мы видим наскальные рисунки с изображением движущейся лошади. Они взяты из пещеры Шове на юге Франции, известной по документалке Херцога "Пещера забытых снов" (2010). И у Херцога, и у Скотта сцены сняты в 3D. Ради объёмного изображения Скотт увеличил бюджет картины на 10 миллионов долларов, но эффект стоил того: "Прометей" - один из редких фильмов, где 3D ощущалось оправданным художественным решением.

6. Рейтинг R

Возвращение Ридли Скотта во вселенную "Чужого" стало событием, к которому было приковано внимание не только фанатов, но и студии. Глава 20th Century Fox Том Ротман лично пообещал, что видение Скотта не будет урезано ради кассовых рейтингов.

Для режиссёра это было особенно важно, учитывая его опыт с "Бегущим по лезвию", у которого существует несколько финалов. В случае с "Прометеем" Скотт изначально нацелился на максимально жёсткий и мрачный фильм, и позже подтвердил, что именно театральная версия - его окончательный режиссёрский вариант, без каких-либо расширенных или исправленных версий (иронично, что в BD-версии куча вырезанных или расширенных сцен, которые фанаты позже собрали в единое целое с театралкой).

7. Связь с "Дюной"

"Прометей" наглядно показывает, как изменились возможности для режиссёров в воплощении больших идей. Но ещё в 70-е одна из самых амбициозных попыток - "Дюна" Алехандро Ходоровски - так и не состоялась. При этом её наследие ощущается до сих пор.

В частности, куполообразное строение с черепоподобным фасадом в "Прометее" было основано на концепт-арте Г. Р. Гигера для замка барона Харконнена на планете Гьеди Прайм. Эти рисунки создавались именно для неснятой "Дюны" Ходоровски.

8. Связь с Дэвидом Лином

Андроид Дэвид в "Прометее" буквально одержим "Лоуренсом Аравийским" и цитирует его в ключевых сценах. Этот выбор неслучаен. Режиссёр фильма, Дэвид Лин, в своё время рассматривался как один из первых кандидатов на постановку "Дюны" Фрэнка Герберта. После отказа Лина проект пытался запустить Ходоровски, а затем к нему подбирался и сам Ридли Скотт. В итоге он отказался, но именно этот путь привёл его к "Чужому", где он объединился с художниками из команды Ходоровски. Так через несколько десятилетий круг замкнулся.

9. Азбука франшизы "Чужой"

Внимательные зрители давно заметили любопытный паттерн: имена андроидов во франшизе следуют по алфавиту. Эш (Ash) в "Чужом", Бишоп (Bishop) в "Чужих", Колл (Call) в "Чужом: Воскрешение" и Дэвид (David) в "Прометее". Это мелкая, но приятная деталь, которая связывает фильмы между собой.

10. Неформальные отношения

В черновом сценарии "Чужого" 1979 года была сцена интимной связи между Рипли и капитаном Далласом, задуманная как правдоподобная деталь жизни экипажей в долгих космических рейсах. В итоге её вырезали, чтобы не менять восприятие Рипли.

Но к этой идее Скотт вернулся в "Прометее", где показал связь между Мередит Викерс и капитаном Янеком. Это добавило истории дополнительный штрих реализма и подчеркнуло тему человеческих отношений на фоне немыслимых опасностей.

11. Джеймс Кэмерон и Ридли Скотт

Долгое время ходили слухи о совместной работе двух столпов франшизы - Ридли Скотта и Джеймса Кэмерона. Они действительно встречались, чтобы обсудить пятый фильм, где Кэмерон должен был выступить продюсером, а Скотт - режиссёром. Но у студии 20th Century Fox были другие планы: вместо этого в 2004 году вышел "Чужой против Хищника". Кэмерон полностью отошёл от франшизы, а Скотт позже использовал часть идей, рождённых на встречах, в "Прометее".

12. Кастинг новой Рипли

Традиция франшизы - сильная главная героиня, и для роли Элизабет Шоу требовалась особенная актриса. Ридли Скотт случайно встретил Нуми Рапас, когда у неё была встреча с продюсером Майклом Костиганом.

Скотт уже был её поклонником: он трижды посмотрел "Девушку с татуировкой дракона" (2009) и сразу предложил ей роль. Рапас согласилась, но студийные пробы всё же пришлось пройти.

13. Связь с Хищником

Хотя "Чужой против Хищника" провалил ожидания, у "Прометея" есть любопытная связь с этим кроссовером.

Последнего Инженера сыграл Иэн Уайт - тот же актёр, который воплощал Хищника в обеих частях "AVP" (2004 и 2007).

14. Акценты экипажа

Для Нуми Рапас это был один из первых крупных голливудских проектов, и она работала с тренерами по речи, чтобы найти подходящий акцент для Шоу. Идрис Эльба, напротив, позволил себе больше свободы: его речь в фильме звучит как необычная смесь нескольких южных американских акцентов, добавляя герою легкую неформальность.

15. Сон на "Прометее"

Декорации корабля получились настолько правдоподобными, что Ридли Скотт предлагал актёрам жить и даже спать прямо на съёмочной площадке, чтобы сильнее погрузиться в атмосферу.

Однако правила безопасности не позволили это реализовать. Да и вряд ли кто-то захотел бы отдыхать в окружении декораций, где за каждым углом может прятаться смерть.

16. Кукурузное масло и динамики

Для эффекта движущейся слизи в урнах художники по спецэффектам использовали необычное решение. Смесь кукурузного масла и спирта помещалась внутрь, а скрытый динамик создавал вибрации.

В результате жидкость начинала странно колебаться в такт низким частотам, создавая ощущение живой материи.

17. Создание LV-223

Чтобы придумать облик планеты LV-223, арт-директор Стивен Мессинг изучил огромный массив архивов NASA. За основу взяли аэрофотоснимки Исландии и иорданской пустыни Вади-Рам, после чего художники доработали их, добавив инопланетные штрихи. Так получился пейзаж, одновременно чуждый и пугающе правдоподобный.

18. Новый язык

По заказу Ридли Скотта лингвисты из Лондонского университета разработали для фильма целый язык. Анил Билту предложил использовать реконструированный протоиндоевропейский (PIE), на котором говорили тысячи лет назад и который стал основой большинства современных языков Европы и Индии.

Неудивительно, что именно Дэвид сумел его понять: по сюжету он обучался у лучших специалистов, включая самого Билту, который даже появляется в эпизодах рядом с андроидом.

19. Пожилой Гай Пирс

В образе дряхлого миллиардера Питера Вейланда Гай Пирс оказался неузнаваемым.

Наложение грима занимало около пяти часов, а вот снять его удавалось за один. Этот процесс стал одной из самых трудоёмких процедур на съёмочной площадке.

20. Космический Жокей

В "Чужом" 1979 года появление Космического Жокея стало одной из самых загадочных и обсуждаемых сцен. Именно эта находка подтолкнула Ридли Скотта к созданию "Прометея". Режиссёр настаивал на включении Жокея в сюжет, видя в нём ключ к новой истории о происхождении ксеноморфов и прямую связку с будущим "Чужим: Заветом".

21. Хронология франшизы

Со временем хронология "Чужого" стала путаться, но Скотт обозначил всё чётко: действие "Прометея" разворачивается за 29 лет до событий оригинального фильма 1979 года, охватывая период с 2089 по 2093 год.

22. Философ, читающий лекцию

Сцена со звёздной картой, которую Дэвид позже использует в собственных целях, одна из самых красивых во всём фильме.

Её визуальный образ вдохновлён картиной английского художника Джозефа Райта из Дерби "Философ, читающий лекцию о модели Солнечной системы".

23. Радикальная стрижка

Один из самых заметных персонажей - геолог Файфилд. Его яркий красный ирокез родился из идеи самого актёра Шона Харриса и Ридли Скотта.

Режиссёр сделал набросок "человека с радикальной стрижкой", и этот эскиз лёг в основу окончательного образа.

24. Раскадровки

Скотт не только режиссёр, но и художник. Для "Прометея" он лично создал десятки раскадровок, получивших среди команды название "ридлиграммы". Чтобы ускорить процесс, он устроил офис рядом с отделом производственного дизайна, что позволило мгновенно обмениваться идеями и утверждать концепты.

25. Съёмки на родине

Фильм стал для Нуми Рапас важным шагом в Голливуде, но первые сцены снимались в её родной Исландии.

Эта часть работы оказалась для актрисы особенно значимой: она смогла встретиться с семьёй и проводить с ней время прямо во время съёмочных дней.

26. Режиссёр-фантаст

Несмотря на культовый статус в научной фантастике, "Прометей" стал для Ридли Скотта всего лишь третьим фильмом в жанре после "Чужого" (1979) и "Бегущего по лезвию" (1982). Кроме того, это был его первый опыт работы с 3D-форматом, который в начале 2010-х находился на пике популярности.

27. Скотт у руля

"Прометей" и "Чужой: Завет" сделали Ридли Скотта единственным режиссёром, снявшим более одного фильма во франшизе. Первоначально проект хотел возглавить Карл Ринш, но студия Fox настояла, что работать будет только со Скоттом. В итоге именно он вернулся к созданию вселенной, которую когда-то запустил.

28. Спорный бег

Сцена, где Викерс и Шоу бегут от катящегося корабля, вызвала шквал шуток: зрителям казалось абсурдным, что героини не свернули в сторону.

Однако поведение оказалось довольно реалистичным. Психологи отмечают, что в панике люди часто бегут по прямой линии от источника опасности, не успевая оценить альтернативные пути. Можно спорить, что персонажи должны были заметить тень корабля, но в контексте паники их действия выглядят убедительно.

29. Камео Патрика Уилсона

Появление Патрика Уилсона стало неожиданным подарком для фанатов.

Его эпизодическая роль была снята за один день в декорациях "африканской деревни", построенной недалеко от Лондона.

30. Странная Викерс

Образ Шарлиз Терон получился необычным благодаря режиссёрским указаниям.

Скотт попросил актрису двигаться так, будто она не человек и всё время всех "выслеживает", подчёркивая её холодность и скрытность. В результате Викерс ощущается отстранённой и загадочной, а особенно любопытным элементом стала её напряжённая "почти семейная" динамика с андроидом Дэвидом.

31. Дэвид-киноман

Андроид Дэвид раскрывается через свои увлечения. В начале фильма он цитирует "Лоуренса Аравийского" и даже старается подражать герою Питера О’Тула. Для подготовки Ридли Скотт дал Майклу Фассбендеру список фильмов, включая "Слугу" (1963), чтобы тот уловил нужные интонации. А сцена с баскетболом - отсылка к броску Рипли в "Чужом: Воскрешение", только Дэвид выполняет трюк ещё эффектнее, да ещё и на велосипеде.

32. Связь с "Доктором Кто"

В 1963 году молодой Ридли Скотт мог стать дизайнером далеков для "Доктора Кто", но тогда он был занят другим проектом.

Тем не менее режиссёр, похоже, оставил небольшой поклон сериалу: героиню "Прометея" зовут Элизабет Шоу, как и помощницу Третьего Доктора из седьмого сезона шоу.

33. Плохой приём в Ватикане

Католическая газета L'Osservatore Romano опубликовала разгромный отзыв на "Прометея". В нём утверждалось, что фильм "неуклюже обращается с деликатным вопросом вечной битвы добра и зла". Такое мнение резко контрастировало с обсуждениями в кинокругах, где картину воспринимали как смелую философскую фантастику.

34. А где ксеноморф?

Скотт прекрасно понимал, что классический ксеноморф стал слишком предсказуемым образом, поэтому в "Прометее" решил показать его предка.

Однако фанаты сочли отсутствие "настоящего" монстра упущением, и режиссёру пришлось вернуть культовое существо уже в "Чужом: Завете".

35. Влияние Питера О’Тула

Фассбендер создавал Дэвида, вдохновляясь игрой Питера О’Тула в "Лоуренсе Аравийском". В его движениях и речи ощущается холодная элегантность актёра. Сам Фассбендер позже признался, что поведение андроида также содержит черты Лоуренса Оливье, ещё одного титана классического кино.

36. Камео режиссёра

Ридли Скотт сам не появляется в кадре, но в "Прометее" всё же сыграл роль - он управлял моделью Хаммерпеда (Молотоглава), змееподобного существа, нападающего на Милбёрна.

Именно Скотт оживлял куклу в сцене, где монстр ломает герою руку. Большинство эффектов были практическими, и только момент, когда существо проникает в рот Милбёрна, сделали с помощью CGI.

37. Дизайн Хаммерпеда

Внешность Хаммерпеда продумывалась с особой тщательностью.

Сквозь полупрозрачную кожу должны были просматриваться скелет и мускулы, покрытые перламутровыми красками. Первое впечатление от существа должно было напоминать сочетание гладкости и мощи кобры - одновременно притягательное и отталкивающее.

38. Когда батя - пранкер

В оригинальном "Чужом" Скотт добился подлинных эмоций от актёров, скрыв подробности сцены с грудоломом. В "Прометее" он использовал ту же тактику в эпизоде с Хаммерпедом.

Когда существо неожиданно вырвалось из манекена, крики Кейт Дики и её падение назад были настоящими - актриса не знала, чего ждать.

39. Рождение существа

Для сцены с операцией на персонаже Нуми Рапас был создан реалистичный манекен её тела. Пока Трилобит находится в плацентарном мешке, он полностью цифровой. Создатели долго работали над анимацией крови и слизи внутри, чтобы добиться ощущения настоящего физического процесса. При извлечении существо дёргалось и сопротивлялось, усиливая шок у зрителя.

40. Рождение Диакона

Концепт финального монстра, получившего название Диакон, предложил дизайнер Карлос Уанте.

Его идея заключалась в том, что существа, рождённые от людей, должны выглядеть более человекоподобно и менее биомеханически, чем привычные ксеноморфы. Так появился прототип, символизирующий переходную форму. Изначально этого персонажа называли "Бишоп", но в итоговой версии закрепилось название "Диакон".

41. Заимствование у Animal Planet

Вдохновением для дизайна Диакона стали реальные морские обитатели. Скотт ссылался на акулу-гоблина с её выдвижной челюстью и на удильщика со светящимся отростком перед головой. Эти черты сделали монстра одновременно чуждым и биологически правдоподобным.

42. Синий цвет в дизайне

Карлос Уанте признавался, что сам не знает, почему Диакон получился синим. На концепт-артах этот цвет использовался лишь для того, чтобы подчеркнуть белизну кожи существа в тёмной обстановке.

По замыслу художников, Диакон должен был напоминать альбиноса - простого, призрачного и красивого, как белуха в глубинах Арктики.

43. Женственность в Диаконе

Создатели решили, что генетический коктейль предка ксеноморфа обязан содержать женские черты. Нил Скэнлэн отмечал: "Он произошёл от Шоу и Холлоуэя, что породило трилобита. Мы старались сохранить в нём что-то от Шоу - некую женственность. Он был рождён от женщины, прежде чем родиться от мужчины".

44. Ода женственности

Трилобит задумывался не как простой аналог лицехвата, а как его метафора.

По словам Невилла Пейджа, существо должно было оставаться тентаклевым и в каком-то смысле сексуализированным. Он даже шутил, что вложил в его дизайн "больше *тут я слегка зацензурю* женских половых органов, чем когда-либо", и посчитал это уместным для образа.

45. Попугай в деле

Звуковой дизайн играл важную роль в создании атмосферы. Звукорежиссёр Энн Скибелли использовала собственного попугая: она неделями записывала его звуки и позже применила их при создании тревожных сигналов, писка приборов и даже криков инопланетного ребёнка Шоу.

46. Мы впечатлили наших создателей

В одной из удалённых сцен Инженер сталкивается с видео, которое Холлоуэй отправил на их планету в качестве первого контакта.

На записи Шоу играет на скрипке. Удивительно, но Инженер впечатлён этим моментом: на его лице появляется лёгкая улыбка, словно он не ожидал, что люди станут столь утончёнными существами.

47. Левит 22:3

Название луны LV-223 - не случайный набор цифр, а отсылка к библейскому стиху Левит 22:3. В нём говорится: "Если кто из всего потомства вашего, имея на себе нечистоту, приступит к святыням, то истребится душа та от лица Моего. Я Господь". В этих словах скрыта суть фильма и судьба экипажа, которые коснулись запретного.

48. В поисках мотивации

Логан Маршалл-Грин нашёл для своего героя Чарльза Холлоуэя необычное определение.

Он говорил, что играет "персонажа X Games от ESPN 1994 года" - человека, который сначала прыгает, а потом думает. Этот подход идеально описывает бестолковую смелость Холлоуэя.

49. Отсылка к "Основанию"

Голографическое обращение Вейланда к экипажу это дань уважения к Айзеку Азимову. В цикле "Основание" Гэри Селдон также оставляет послания, которые воспроизводятся уже после его смерти.

У Вейланда ситуация зеркальна: он говорит, что может быть мёртв к моменту просмотра, но ещё жив. Эта параллель подчёркивает литературные корни идей Скотта.

50. Альтернативный Файфилд
Мутация Файфилда изначально была реализована через массивный аниматроник и грим, но сцену позже перерисовали CG-версией с вытянутыми конечностями и полупрозрачной головой.

Эти кадры есть в материалах и разборках VFX, хотя в фильм так и не попали. Зато на BD есть расширенная сцена битвы с мутировавшим ученым - она значительно длиннее оригинала.

На этом у меня сегодня все! Если вы дочитали до этого момента - мое вам искреннее уважение! Если выпуск вам понравился, то не стесняйтесь подписываться на профиль (будет еще много интересного!) и нажимать на кнопки под постом :)

И до встречи в следующем выпуске! Пока!

📼 Долгая прогулка / The Long Walk, 2025

⚠️Не ходите на это кино с детьми. Если вы впечатлительный человек, просто забейте. Оно того не стоит.

О чём фильм? В антиутопическом будущем полсотни американских юношей – по одному от каждого штата – ежегодно участвуют в «Долгой прогулке», соревновании, где им нужно идти без остановки, пока не останется единственный победитель. Правило одно: если снизишь скорость ниже пяти километров в час, получишь предупреждение. Если не набрал скорость, через десять секунд влепят второе. После трёх предупреждений ты выбываешь и разлагаешься на асфальте.

Я всегда был убеждён, что этот роман Стивена Кинга – мой любимый у него – невозможно экранизировать. Режиссёр либо смягчит картину до сахарных соплей и оставит ужасы и грязь за кадром, либо, простите, это рейтинг 21+ и выход сразу на видео.

«Долгая прогулка« – это безжалостная книга, которую буквально физически больно читать. Это неумолимый обратный отсчёт, череда разлук с прекрасным, торжество гибели.

Этот фильм в нашем кинотеатре крутят с утра до вечера. Возраст не проверяют. Всё указывало на то, что перед нами очередной «Бегущий в лабиринте» или ещё какой young adult.

Ошибался. Роман экранизировали в точности так, как следовало. Радует ли это? Ни в коем случае, – лишь отражает уважение к первоисточнику и понимание, что снять иначе было попросту невозможно. Это не «Голодные игры» и даже не «Королевская битва» Киндзи Фукасаку.

Здесь судьба настигнет тебя гадящим на дороге, пока ты с выпученными глазами будешь кричать: «Это нечестно! Я хочу домой!».

Неумолимость – вот что ужасает и заставляет ёрзать в кресле. Каждый шаг – это приговор, каждое движение – приближение к краю. Напряжение нарастает с каждой минутой, превращая просмотр в мучительное ожидание неизбежного.

Я не отношусь к насилию в кино как к чему-то недопустимому – я обожаю ужастики и слэшеры. Но перед нами кино, претендующее на социальное высказывание, какой-то посыл. И здесь «Прогулка» проваливается, потому что создатели экранизации решили полностью переписать финал. У Кинга он горький и открытый, подчёркивающий изначальную бесцельность Прогулки для участников и в особенности для победителя. В фильме нам попытались дать некоторое примирение с произошедшим, искупление. Но сам тейк «кровь смывается кровью» для меня неубедителен. И так прекрасно известно, что мир жесток. Мы давно знаем, что становится с рыцарем, побеждающим дракона.

Важно: фильм не приносит удовлетворения. Он не дарит радости, не воодушевляет, – только забирает. Единственное удовлетворение я получил, когда кино наконец закончилось. Фильм шокирует, опустошает и оставляет наедине с потрясением. И просто уходит по дороге титров дальше, дальше, дальше. А ты проиграл. «Долгая прогулка» – это марафон отчаяния, который не оставляет сил ни участникам, ни зрителю.

Автор: Вад Аске.