Доходный дом Бадаева был построен в 1907 году на пересечении улиц Восстания и Жуковского. Здание возводилось по проекту архитектора Василия Косякова и стало одним из ярких образцов петербургского модерна. Владельцем доходного дома был Пантелеймон Трифонович Бадаев. Богатый предприниматель был глубоко верующим и воцерковленным человеком, являлся старостой церкви при Петербургской семинарии.
Асимметричное угловое здание украшает фронтон плавной формы, характерный для стиля модерн. На «щипце» дома изображен барельеф в виде крылатой женской фигуры, которую жители Петербурга называют «печальным ангелом». Фасад дома украшают рельефы с изображением муз, цветочные и растительные орнаменты, узорные вставки, майоликовая плитка, балконы и выразительные эркеры. Дом получил серебряную медаль на петербургском конкурсе фасадов и был отмечен золотой медалью на Всемирной выставке в Париже.
В угловой части дома располагались просторные представительские квартиры, которые занимали богатые семьи. В парадных дома работали швейцары и были оборудованы камины. В другой части дома располагались более скромные квартиры. Дом Бадаева является архитектурной и исторической достопримечательностью города, в данный момент в нем располагается гостиница Акьян.
Фото: Игорь Халин, Yandex
Другие статьи об искусстве и архитектуре можно найти здесь и здесь
Дом Бака был построен в 1904–1905 годах на Кирочной улице. Автором проекта был архитектор Борис Гиршович, который проектировал дома для еврейской общины Санкт-Петербурга. Собственник дома Юлиан Бак был издателем газеты «Речь» и инженером путей сообщения, поэтому внутренним коммуникациям и планировке дома уделялось особенное внимание.
Дома Бака выделяется роскошным фасадом с эркерами, лепниной и коваными украшениями, просторной планировкой квартир. Еще одной отличительной особенностью дома являются подвесные или воздушные галереи, которые соединяют вторые и четвертые этажи внутренних дворов с главным зданием. Они были сделаны для увеличения стоимости аренды и содержания квартир, так как люди, прежде чем попасть к себе во дворы, проходили через парадный подъезд и пользовались услугами швейцара. В доме Бака в разное время жили знаменитые деятели культуры, искусства и политики: военный министр Российской империи Александр Редигер, сенатор Нил Зуев, нефтепромышленник Павел Гукасов, балерина Нина Тимофеева, артист балета Василий Островский, художник Леон Бакст и другие.
Реставрация дома планировалась на 2030-е годы, однако группа инициативных жильцов добилась начала реставрационных работ в 2019 году. Во время реставрации дома обнаружили потайную комнату, расположенную над сводами вестибюля первой парадной. В комнате нашли документы Южной горнозаводской биржевой артели и газеты 1906 года на английском языке, привезённые с Дальнего Востока. Благодаря активности жителей удалось найти и вернуть в здание внутренние дубовые двери, которые были отправлены на реставрацию в конце 2000-х годов и оказались перепроданы под коммерческое использование: две резные створки были обнаружены позднее в кафе «Рубинштейн». Узнав о происхождении дверей, хозяева заведения вернули их жильцам дома. Также в 2019 году силами жителей дома был отреставрирован единственный сохранившийся внутриквартирный витраж.
Фото: Yandex Другие статьи об искусстве и архитектуре можно найти здесь
Летний дворец был построен по проекту итальянского архитектора Доменико Трезини и выдержан в стиле Петровского барокко. Фасад здания украшают великолепные барельефы Андреаса Шлютера. На них изображены фигуры морских божеств и героев, охраняющих дворец. Внешнее убранство дворца буквально пронизано «морской» темой. Считается, что барельефы являются аллегориями Северной войны. Крыша здания увенчана флюгером в виде фигуры Георгия Победоносца.
Над внутренними помещениями Летнего дворца работал архитектор Александр Леблон. Ему удалось создать максимально эргономичный по меркам того времени интерьер. Каждая комната Летнего дворца топилась печкой или камином, поэтому Леблон спроектировал комнаты таким образом, чтобы растопщики могли топить печи из параллельных анфилад, не беспокоя государя. Эти служебные коридоры освещались многочисленными окнами, выходящими не только на улицу, но и в другие помещения дворца.
Еще одним нововведением дворца была канализационная система. На каждом этаже расположено от трех до шести "нужных кабинетцев" – туалетов. В покоях дворца расположено много зеркал, визуально расширяющих пространство. В кабинете Петра I, выдержанном в морском стиле, стену украшает огромный ветровой прибор с тремя циферблатами. Он был сделан на заказ придворными ювелиром и часовщиком из Дрездена. Верхний циферблат показывает время, а два нижних циферблата – направление, силу и скорость ветра. Нижние циферблаты соединены с флюгером Георгия Победоносца на крыше и даже сейчас показывают точные измерения.
Зеленая гостиная или Зеленый кабинет – одно из самых прекрасных помещений Летнего дворца. У него два назначения. С одной стороны, это имитация садовой беседки, к которой нас отсылает зеленый цвет стен и настенная роспись в виде растений и цветов, а с другой – это Кунсткамера. В нишах кабинета находятся шкафчики, стилизованные под окна, в которых государь собирал различные редкости и раритеты. Именно этот кабинет впоследствии послужил прототипом Музея «Кунсткамера».
Летний дворец стал отражением эпохи, образцом петровского стиля и инноваций своего времени. Стоит отметить, что дворец работает только в летнее время и в сухую погоду, потому что историческая планировка здания не позволяет его утеплить, а высокая влажность воздуха может повредить старинные интерьеры.
Фото: Yandex Другие статьи об искусстве и архитектуре можно найти здесь
Участок земли, на котором впоследствии был построен барочный дворец, достался выходцу из царских прислужников Борису Шереметеву за победы под Нарвой и Полтавой. Постройкой и реконструкцией дома занимались последующие пять поколений семьи. В создании интерьеров дворца и усадебных построек участвовало множество известных архитекторов: Савва Чевакинский, Андрей Воронихин, Иван Старов, Джакомо Кваренги, Иероним Корсини. Интересно, что свой дом графы Шереметевы никогда не называли дворцом и считали, что проживание во дворцах – удел королей.
Залы Шереметевского дворца поражают своей красотой и пышностью убранства. С XVIII века Шереметевы постоянно устраивали во дворце театрализованные представления, променад-спектакли и музыкальные вечера. Дворец был самым музыкальным домом Санкт-Петербурга, который посещали именитые композиторы и музыканты. Интересный факт: самый удачный портрет Александра Сергеевича Пушкина кисти Ореста Кипренского был написан в одном из залов дворца на Фонтанке. Кипренский прожил во дворце почти пять лет. Здесь останавливалась и Анна Ахматова.
Потомки Шереметевых жили во дворце до самой революции. Когда она началась, Сергей Шереметев принял решение национализировать дворец, чтобы сохранить уникальные интерьеры и различные коллекции. Какое-то время он даже занимал пост смотрителя дворца. После смерти Шереметева дворец неоднократно отдавали различным ведомствам, которые меняли его внутреннее убранство. В 2000–2010-х годах восстановили исторические интерьеры Корсини по фотографиям и архивным документам. Сегодня здесь находится крупнейший музей старинных музыкальных инструментов и музыки.
Фото: bangkokbook Другие статьи об искусстве и архитектуре можно найти здесь и здесь
Дом Молчанова и Савиной был построен в начале XX века на Аптекарском острове. Это один из лучших образцов модерна в Санкт-Петербурге. Облик дома и его судьба тесно связаны с судьбой его владельцев. Мария Гавриловна Савина в течение сорока лет блистала на сцене Александринского театра. Художники писали ее портреты, поэты слагали стихи, а архитектор Михаил Гейслер построил для блистательной актрисы и ее мужа, предпринимателя Анатолия Евграфовича Молчанова, удивительное здание.
Фасад украшают нежные цветочные орнаменты, эркеры увенчаны рельефом в виде цветов дикого шиповника, а на майоликовом фризе «расцветают» цикломены, оттеняющие торжественность лавровых венков. Узорный фасад напоминает узорный театральный занавес. Профессия хозяйки дома нашла отражение и в интерьерах: помимо обычных приемных и жилых помещений, в доме были предусмотрены костюмерная и гримерная комнаты.
С 1918 до 1925 года в особняке работал музей Савиной. После закрытия особняк переоборудовали под конторы и коммунальное жильё, для чего была произведена перепланировка некоторых помещений. В настоящее время дом является объектом культурного наследия России.
Другие статьи об архитектуре и искусстве можно найти здесь. Фото: Yandex
В 1 веке до нашей эры внутренние помещения римских сооружений часто превращались в настоящие произведения искусства благодаря ярким цветам и узорам. На стенах общественных зданий, частных резиденций, храмов, гробниц и даже в военных постройках по всей Римской империи широко использовались настенные росписи, фрески и рельефные штукатурки.
Искусные рисунки могли варьироваться от сложных деталей до импрессионистических композиций, которые охватывали всю доступную поверхность стен, включая потолки. Сюжеты могли включать портреты, сцены из мифологии, архитектурные элементы с декоративными мотивами, а также изображения флоры, фауны, садов, пейзажей и городских видов, создавая захватывающие 360-градусные панорамы, которые погружали зрителя в мир воображения художника.
Материалы и техники
Настенные росписи, описанные Витрувием и Плинием Старшим, были результатом многоступенчатого искусного процесса, начиная с подготовки поверхности. Сначала на стену наносился грубый слой строительного раствора из извести и песка или вулканической пуццоланы, обычно в три слоя. Затем следовали еще три слоя, состоящие из смеси извести и мелкого мраморного щебня для создания более ровной поверхности. После этого поверхность полировалась с использованием стекла, мрамора и ткани, чтобы придать ей гладкость и готовность к покраске.
Фреска, Вилла Мистерий, Помпеи, Италия
Когда поверхность была готова, художники приступали к нанесению красок. Фреска была одним из методов, но также использовалась темпера, позволявшая добавлять детали на уже высохшую поверхность. В случае, если стена была деревянной, краски могли быть растворены в воске и нанесены с помощью шпателя.
Рисунки
В истории настенной живописи римского периода происходило постоянное развитие, обусловленное изменениями в художественных предпочтениях и технологиях. С началом 1 века до н.э. мастера предпочитали использовать природные земляные оттенки, такие как темные красные, желтые и коричневые, для своих произведений. Однако археологические находки в Помпеях показывают, что в их распоряжении был широкий спектр цветов.
Фреска, Вилла Мистерий, Помпеи, Италия
Настенные росписи включали разнообразные сюжеты, начиная от греческой мифологии до сцен из жизни гладиаторов, пейзажей и натюрмортов. Художники придавали особое внимание декоративным элементам, таким как треноги, фрукты, растения и архитектурные мотивы.
Этапы развития римской настенной живописи можно выделить в четыре основных стиля. В начале 2 века до н.э. начал получать популярность Первый стиль (Инкрустационный), отличавшийся строгими геометрическими формами и сценами из мифологии. Второй стиль (Архитектурно-перспективный), появившийся около 90 г. до н.э., представлял собой изображение перспективы и религиозных сцен, а также рамки вокруг центральных картин.
Первый стиль (Инкрустационный), Геркулум, Италия
Второй стиль (Архитектурно-перспективный), Вилла Поппеи, Оплонтис, Италия
В эпоху Августа Третий стиль (Орнаментальный) стал более фантастическим и декоративным, с большим вниманием к симметрии. Четвертый стиль (Мифологический), который стал особенно популярен после землетрясения 62 года н.э., характеризовался более сложными деталями, цветочными орнаментами и увеличенными центральными панелями.
Третий стиль (Орнаментальный), Вилла Поппеи, Оплонтис, Италия
Четвертый стиль (Мифологический), Дом Веттиев, Помпеи, Италия
Вплоть до III века н.э. настенная живопись продолжала развиваться, хотя сохранившихся образцов стало меньше из-за предпочтения использовать мраморный шпон и темперную живопись. Христианские катакомбы III века н.э. предлагали новые сюжеты, связанные с Ветхим и Новым Заветом, а также новые тенденции в оформлении стен и потолков.
Выдающиеся примеры
В обеденной комнате величественной резиденции, известной как Вилла Ливии, принадлежащей жене Августа, расположенной в Риме, открывается удивительная панорама живописного сада, который окружает помещение со всех сторон, игнорируя углы комнаты. Этот сад, впечатляющий своим разнообразием и изобилием, оживляется растениями, цветами, фруктами, деревьями лаврового и пальмового типа, виноградными лозами, птицами и насекомыми, изображенными в естественную величину на фоне ярко-голубого неба. Используя мастерство перспективы, предметы на картине становятся мельче, когда они приближаются к зрителю, создавая ощущение глубины, в то время как те, что на заднем плане, изображены менее четко. На переднем плане создается иллюзия о саде благодати благодаря низкой изгороди из тростника и прутьев, придающей ощущение простора и открытости, несмотря на то, что комната на самом деле мала и не имеет окон, вызывая у зрителя ощущение тесноты.
Вилла Ливии, Рим, Италия
В триклинии частной виллы из 1 века н.э. (Дом Веттиев) Помпеях, хранятся некоторые из наиболее известных произведений римской настенной живописи. Стены, окрашенные в глубокий красный цвет и разделенные черными полосами, украшены фресками, изображающими купидонов и психаев, занятых различными видами деятельности. Среди сцен можно увидеть религиозные обряды, стрельбу из лука, гонки на колесницах, торговлю цветами и парфюмерией, а также работы ювелиров, виноделов и пекарей. Важным элементом всей композиции является процессия в честь Диониса с повозками, запряженными козлами, а также изображение пасторального бога Пана.
Дом Веттиев, Помпеи, Италия
Заключение
Таким образом, римская настенная живопись предоставляет уникальное окно в мир художественных вкусов и предпочтений древних римлян. Изящные фрески, уцелевшие с течением времени, не только позволяют нам заглянуть в религиозные и культурные традиции, архитектурные достижения, промышленные процессы и даже кулинарные предпочтения древнего римского мира, но и позволяют нам насладиться теми же видами, которым радовались жители этой эпохи, хотя от нас их отделяют два тысячелетия.
Больше интересных фактов об истории на нашем Дзене!
Мозаики были широко распространены как украшение как частных домов, так и общественных зданий по всей Римской империи с 1 века до н.э. до 5 века н.э. от Африки до Антиохии. Они не только служили украшением, но и представляли собой ценный источник информации о повседневной жизни: одежде, пище, инструментах, оружии, растениях и животных. Мозаики также часто отображали различные аспекты римской культуры и деятельности, включая гладиаторские бои, спорт, сельское хозяйство, охоту, а иногда даже изображали реалистичные портреты самих римлян.
Заяц, Римская мозаика
Техника исполнения
В период с 3-го века до н.э. по 6-й век н.э. мозаичные композиции создавались из множества маленьких квадратных кусочков - тессер, обычно диаметром от 0,5 до 1,5 см. Однако для передачи мелких деталей часто использовались еще более мелкие кусочки, размером всего 1 мм. Эти тессеры вырезались из различных материалов, включая мрамор, керамику, стекло, смальту (стеклянную пасту), камень и даже ракушки.
Смальта
Процесс создания мозаики начинался с подготовки основания, которое покрывалось свежим строительным раствором. Затем мозаичные тессеры размещались как можно ближе друг к другу с небольшими зазорами между ними. После чего промежутки заполнялись жидким строительным раствором. После этого всё было тщательно очищено и отполировано, чтобы создать гладкую и блестящую поверхность мозаики.
Происхождение и влияние
В течение различных периодов истории использование галечных полов было распространено как во времена Минойской цивилизации на Крите, так и в микенской цивилизации на материковой части Греции еще в бронзовую эпоху. На Ближнем Востоке подобная концепция с использованием узоров стала популярной к VIII веку до нашей эры. В Греции первые эксперименты с галечными полами с декоративными узорами относятся к V веку до нашей эры, примеры таких полов можно обнаружить в Коринфе и Олимпии. Эти полы часто были двухцветными, с яркими геометрическими узорами и простыми фигурами на темном фоне. По мере приближения к концу IV века до нашей эры, появились полы с цветными рисунками, в Пелле было найдено множество прекрасных образцов. Эти мозаики часто украшались полосами терракоты или свинца, которые служили для выделения контуров. В эллинистический период, в III веке до нашей эры, мозаика стала искусством, а узорчатые полы начали дополняться детальными панелями, созданными с использованием мозаичной техники, а не гальки.
Пелла, Греция
К концу II века до нашей эры использовались все более мелкие и точные мозаичные элементы, иногда размером всего 4 мм или меньше, и в композициях использовались разнообразные оттенки с использованием цветной затирки, чтобы соответствовать окружающим мозаикам. Этот тип мозаики использовал сложные цвета и переходы, чтобы создать эффект, напоминающий живопись. Один из величайших мастеров этого стиля - Сосус Пергамский (150-100 гг. до н.э.), чьи работы были широко копированы спустя века. Особенно выдающиеся образцы эллинистической эпохи были найдены в Александрии и на острове Делос в Кикладах.
Мозаика Сосуса Пергамского
Из-за сложности создания таких работ они часто были представлены в виде небольших мозаичных плиток размером 40 х 40 см, которые затем устанавливались на мраморные основания или подносы. Эти фрагменты часто использовались в качестве центральных элементов в более простых мозаичных композициях на тротуарах. Они были столь ценными, что их часто снимали и переносили для использования в других местах, передавая из поколения в поколение. Несколько эмблем могли соединяться в единую композицию, постепенно эти композиции становились более крупными и напоминали окружающие рисунки, а также начали называться панно.
Эволюция дизайна
В истории мозаики также как существует множество факторов, делающих строгую линейную эволюцию этого вида искусства затруднительной, таких как трудности с датировкой, различия в художественных стилях и региональные особенности. Однако можно выделить несколько ключевых моментов изменений и региональных отличий.
Напольная мозаика
В начальный период римляне в значительной степени следовали эллинистическому подходу к мозаике, подвергаясь сильному влиянию греческих художников и мотивов, таких как морские сюжеты и сцены из греческой мифологии. Многие римские мозаики, часто подписанные греческими именами, являются ярким примером сохранения греческого влияния в римском мире. Например, известной является мозаика "Битва при Иссе", копия оригинальной эллинистической картины, которая изображает Александра Македонского в битве при Иссе.
Мозаика "Битва при Иссе"
Римские мозаики часто копировали ранние цветные образцы, но со временем развили собственные стили. По всей империи были созданы производственные школы, каждая из которых культивировала свои особенные предпочтения. Например, в африканских провинциях были популярны крупные сцены охоты и эксперименты с перспективой, в то время как в Антиохии преобладали мозаики с импрессионистской растительностью и фигурами на переднем плане.
В Италии характерен черно-белый стиль мозаик, который сохранялся до III века н.э., преимущественно для изображения морских мотивов. Особенностью этого стиля являлись двумерные изображения и акцент на геометрические узоры. Однако уже в 115 году н.э. в банях в Остии был обнаружен самый ранний образец человеческой фигуры в мозаике, а во II веке н.э. стали распространены силуэтные фигуры. Со временем мозаики становились все более реалистичными в изображении человеческих фигур, а точные и детализированные портреты становились все более популярными.
Черно-белая римская мозаика
В восточной части империи, особенно в Антиохии, в IV веке н.э. стал распространен стиль мозаики, в котором использовались двумерные и повторяющиеся мотивы для создания эффекта "ковра". Этот стиль оказал значительное влияние на более поздние христианские церкви и еврейские синагоги.
Другие дизайны полов
Массивные узоры на полах также можно было создавать с помощью укладки крупных кусков материала. Один из таких методов, называемый Opus signinum, предполагал использование цветного строительного раствора (чаще всего красного цвета), в который вкладывались белые мозаичные камни, создавая широкие узоры или разбросанные случайным образом фрагменты. В Италии этот метод был особенно популярен в I веке до н.э. и продолжал использоваться и в I веке н.э., хотя чаще всего употреблялись только черные камни, часто образующие кресты с пятью красными камнями и одним центральным черным камнем.
Opus signinum
Вторым типом напольного покрытия был Opus sectile, где для укладки использовались большие каменные или мраморные плиты, вырезанные в определенные формы. Этот метод также имел греческие корни, но римляне начали применять его не только для полов, но и для отделки стен. Впервые Opus sectile был широко использован в общественных зданиях, но к IV веку н.э. стал распространен на частных виллах. В этот период также под влиянием египетской культуры в качестве материала стали использовать непрозрачное стекло.
Opus sectile
Другие виды использования мозаики
Мозаика не ограничивалась только полами. Своды, колонны и фонтаны часто украшались мозаикой, особенно в банях. Один из ранних примеров такого использования датируется серединой I века до н.э. в нимфеях "Виллы Цицерона" в Формии, где применялись кусочки мрамора, пемзы и ракушек. В других местах также использовались куски мрамора и стекла, чтобы создать эффект естественного грота. К I веку н.э. более детальные мозаичные панно также использовались для украшения нимфеев и фонтанов. В Помпеях и Геркулануме эта техника также применялась для покрытия ниш, стен и фронтонов, и часто эти мозаичные композиции имитировали оригинальные картины. Стены и своды более поздних императорских римских бань также были украшены мозаикой с использованием стекла, которое отражало солнечный свет, падающий на бассейны, и создавало эффект мерцания. Полы самих бассейнов, подобно полам мавзолеев, часто были выложены мозаикой, иногда даже с изображением портрета умершего. Это использование мозаики для украшения стен и сводов римлянами оказало влияние на декораторов интерьеров христианских церквей, начиная с IV века нашей эры.
Мозаика с изображением Нептуна и Амфитриты, Геркуланум
Больше интересных фактов об истории на нашем Дзене!
Доходный дом Зинаиды Перцовой построили по заказу ее мужа Петра Перцова на углу Соймоновского проезда и Пречистенской набережной в 1907 году. Стилистика дома сочетает элементы неорусского стиля и модерна, популярного для начала XX века. Нарядные фасады дома украшают изображения солнца, герои русских сказаний, былин и мифические животные: быки, совы, зайцы, птицы сирин...
История постройки дома удивительная. В начале 1906 года Перцов с переплатой выкупил дорогой участок земли и объявил конкурс на архитектурный проект. Конкурс выиграл Аполлинарий Васнецов, а первое место ему присуждали звезды русской живописи и архитектуры – Суриков, Поленов и Шехтель. Несмотря на это, Перцов выбрал эскиз Сергея Малютина, который даже не участвовал в конкурсе и был забракован самим художником. Кстати, именно Малютин является апологетом стиля «a la russe» в искусстве. Сейчас сложно представить, что чудесный терем, который больше века восхищает москвичей, когда-то был недооцененным черновиком.
Жильцы дома Перцовой были творческими – здесь проживали музыканты, художники и поэты. На верхних этажах располагались художественные студии, а в подвалах находился склад картин и работал театр «Летучая мышь». Интерьеры дома тоже славились красотой и пышностью, но внутреннее убранство практически не сохранилось. Перцов продал дом еще до революции. В советское время в доме находилось Главное управление по делам дипломатического корпуса (ГлавУПДК). В настоящее время в доме располагаются офисы Министерства Иностранных дел, поэтому здание закрыто для посещения.
Другие статьи об архитектуре и искусстве можно найти здесь. Фото: Yandex