Путешествие в ад (1979) - заметка на потерянный бриллиант слэшеров
В конце 70х годов в Америке, начался активный бум слэшеров, причин тому по сути несколько, первая причина - это окончательная победа над так называемым “Кодексом Хейса”.
Сам Уильям Харрисон, Хейс на обложке журнала Time.
Вкратце - это этический список на запрет в кинопроизводстве курения, алкоголя и секса, принятый в Америке в 1930 году Ассоциацией производителей и прокатчиков фильмов. В 1934 году кодекс окончательно укоренился в кино производстве и мультипликации и к нему прислушивались по меньшей мере 30 лет и к началу 1970х годов он утратил авторитет и был отменён. Все это привело к рождению “Нового Голливуда” который как пёс сорвавшийся с цепи, начинает активно работать с ранее запретными и табуированными темами. Если вам интересно почитать подробнее про кодекс Хейса - пишите комментарии. Если наберётся достаточно человек я постараюсь написать вам что ни будь об этом.
Вторая причина это активная популяризация в СМИ маньяков и убийц. Они становятся своего рода поп-культурными явлениями. Так образ серийного убийцы Эда Гейна, лег за основу по меньшей мере двух фильмов: Техасской резни бензопилой и Психо, а его тиражирование в СМИ, сделало его популярным и узнаваемым.
Эдвард Теодор Гин - американский серийный убийца, некрофил и похититель трупов. Один из самых известных серийных убийц в истории США. Его образ широко проник в популярную культуру второй половины XX века.
Нужно помнить, что хоррор всегда чутко вторил духу времени, по причине дешевизны производства, быстроты процесса съемки и гарантированной окупаемости. Ещё одним из важных преимуществ хоррора и слэшера - это экспериментальность и смешение жанров, опять же благодаря дешевизне съемок. Именно поэтому палачи в масках из кожи приобрели такую вековую популярность в массовой культуре и любимы многими поныне.
Успех слэшеров же начался это после таких именитых хитов как “Техасская резня бензопилой” за авторством Тоба Хупера вышедшая в 1974 и фильма “Хэллоуин” Карпентера появившиеся на свет в 1978 году. Но по настоящему их популяризировал и ввели в моду в 80ые годы с выходном “Пятница 13е” и ее множество клонов и подражателей.
И где-то между двумя этими мастодонтами 1979 году расположился всеми сейчас забытый фильм “Ловушка для туристов” или как он получил название в русской локализации “Путешествие в ад”.
Страна - США. Продолжительность - 1 ч 30 мин. Рейтинг - к.п. 6.0 , IMDB 6.1.
Локализация вообще не к селу не к городу поэтому я буду использовать именно оригинальное название. Фильму конечно, немного не повезло выйти на фоне более громких имён вроде “Хэллоуина” и на их фоне он слегка затерялся. На первый взгляд это классический слэшер своего времени, про убийцу в маске, но достаточно посмотреть 5 минут, чтобы понять , что он куда глубже, чем кажется на первый взгляд и пытается воздействовать на зрителя совсем другими патернами.
Изначально режиссер Дэвид Шмёллер до этого не снимавший художественных фильмов, намеревался “Вдохновиться” на тот момент уже ставшей классикой жанра“ Резней бензопилой”
В интервью он тогда сказал:
«Я только что окончил киношколу и искал способ пробиться в Голливуд в качестве режиссера. Тогда я учился в аспирантуре Техасского университета в Остине и снимал свой первый дипломный фильм, Тоуб Хупер был в Остине на съемках «Техасской бензопилы» Это был малобюджетный хит, положивший начало его карьере. Я решил снять фильм ужасов в том же духе»
Съемка проходила в пригороде Лос- Анджелеса, частично в павильоне, но основная часть была снята в заброшенном доме который намеревались снести, режиссеру удалось уговорить отсрочить демонтаж здания, чтобы снять ленту, это позволило сэкономить на производстве порядка 30 000 тысяч долларов. Картину встретили прохладно, но со временем она приобрела культовый статус в Америке и входит в топ 500 лучших фильмов ужасов по мнению пользователей IMDB.
Даже на постере видна схожесть между маской его убийцы и маской кожаного лица.
Но если Антагонист картины Купера олицетворяет собой безмозглую жестокость, с примитивным мозгом и нарушенной психикой, то главный злодей картины Шмёллера наоборот, кажется более чутким и тонким, ему даже немного удается сопереживаешь из-за его бесконечного одиночества.
Путешествие в ад, даже начинается абсолютно так же как, как “Резня” . Как это заведено, молодые люди оказываются в Американской глуши, когда у них внезапно ломается машина. Они натыкаются на полу - заброшенное здание под названием “Оазис Сломана”и когда один из них заходит на местную заправку попросить помощи, ты уже знаешь, что произойдет дальше. Однако именно тут фильм начинает идти не так как ты рассчитывал.
Ловушка для туристов, умела маскируется под слэшер, но по своей сути им не являясь. Об этом в первую очередь говорит рейтинг PG-13 (Детям до 13 лет). Кино берет не мясом, обнаженкой и фаршем, а странной, гнетущей, немного шизофренической и жуткой атмосферой.
Если кожаное лицо, хладнокровно забивает людей как скот, абсолютно без эмоций и толики сожаления, то смерть юноши на заправке кажется странной и необычной , особенно неожиданна она в первые минуты фильма. Парня убивает внезапно воспарившая железная труба, пригвоздив его к двери и этому действию вторят десятки манекенов клацающих зубами и одновременно смеющиеся с данного жуткого процесса.
Как сказала режиссер:
«Мой дипломный фильм « Паук убьет тебя » представлял собой короткометражку «Сумеречная зона» о слепом человеке и манекенах. Необычное сочетание, я использовал базовую структуру «Бензопилы» (машина полная молодых жертв) и одинокого сумасшедшего, который на первый взгляд кажется, нормальным ( Психо )».
Убийца питает нездоровую тягу с манекенам. Создавая из своих жертв живых кукол.
Во многом концепция вдохновлена серией хорроров “ Дом восковых фигур”, стартовавший в далёком 1933 году, а его одноименное переосмысление выпущенное в 2005 году, что характерно вдохновлялась не фильмами 1933 и не 1953, а именно ловушкой для туристов . Что характерно маньяк никого не убивает физически нанося удары (ножом или пилой например ), а скорее пугая свою жертву. В фильме даже есть отдельная сцена демонстрирующая это, когда молодую девушку подготавливают к “превращению” в куклу-манекен, сцена кажется необычной, маньяк не расправляется с жертвой, а общается с ней любезно и даже пытается успокоить.
Данный подходит кажется интересным даже по меркам 2024 года, не говоря уже о 70е. Манекены странным образом вторят желанию маньяка и подчиняются ему, так например они могут преследовать вас глазами на протяжении всего коридора, а потом внезапно напасть или отвлечь, пока хозяин кукол пытается вас вырубить, чтобы превратить в очередную статую его жуткого музея.
Задумывая типичный слэшер, Шэлмер по сути сам того не осознавая (Идеи с телекинезом и мистикой, были прописаны в сюжет чуть ли не в последнюю очередь), автор бросает вызов самому архетипу слэшеров того времени совмещая в себе резню бензопилой, психо и пикник у висячей скалы.
Изюминкой же фильма вне всякий сомнений можно назвать жутких аниматроников и кукол.
Масахиро Мори — японский учёный-робототехник, инженер.
У Масахиро Мори, японского робототехника и известного в первую очередь гипотезой эффекта “Зловещей долины”. Есть точное обоснование, почему манекены и аниматроники нам кажутся такими жуткими. Идея состоит в том, что что людям по своей природе нормально воспринимают неодушевленные предметы, которые имитируют человеческое поведение и речь но только до определенной степени. «Зловещая долина», о которой идет речь, — это визуальный после которого они становятся слишком человечными и похожими на нас с вами.
Ловушка для туристов изначально затевавшаяся как подделка под популярные картины того времени, в процессе съёмки и обстоятельств производства, приобрела массу характерных черт и узнаваемых особенностей. Она создает узнаваемые черты слешера в виде молодой компании людей которая по каким то причинам не способна продолжать поездку и естественно каноном жанра в виде final girl ( последняя девушка), которая чаще всего и доживает до финала, как это было в той же кожаном лице которому пытается подражать картина.
В 90х такие фильмы окончательно потеряют свою популярность и исчерпав потенциал уйдут в закат, лишь изредка напоминая о себе перезапусками и ненужными сиквелами. Примерно в это время и появится фильм “Крик” который иронизирует и обсмеивает все штампы и клише.
Спасибо вам за любую активность под постом, буду рад советам и критике. Скоро увидимся, всех обнял. Кому интересно вот ссылка на мой кинориум, буду рад новым друзьям и подпискам тут и там.
"Капитан Крюк" игра и фильм
Главный пиратский фильм 90-х от культового режиссёра Стивена Спилберга! Звёздный актёрский состав: Робин Уильямс, Дастин Хоффман и Джулия Робертс. Заодно расскажу про незаслуженно забытую 16-битную игровую адаптацию.
Долгий путь к релизу
Для Стивена Спилберга история Питера Пэна всегда была очень личной. Ещё в детстве он представлял себя героем произведения Джеймса Барри и мечтал отправиться в Нетландию. Так что неудивительно, что Спилберг начал рассматривать возможность экранизации своей собственной версии истории, вскоре после оглушительного успеха его семейного фильма «Инопланетянин» в 1982 году.
Фильм, под рабочим названием “Пэн”, должен был стать ремейком классического мультфильма Дисней “Питер Пэн” 1953 года. Со временем концепция изменилась в пользу мюзикла. Во многом смена жанра была связана с вниманием Майкла Джексона к роли Питера Пэна. К фильму было написано несколько песен, а в Лондоне началось строительство декораций, когда Спилберг ушёл из проекта. В это время у режиссёра родился сын, и он не желал переезжать в Англию.
Дисней заморозила производство, но не стала полностью ставить крест на ленте. “Мышиная компания” долгое время искала способы “разморозить” фильм, но этому не суждено было сбыться. “Пэн” стал кочевать по студиям в поисках дома. В конечном итоге права достались TriStar Pictures, а режиссёрское место занял Ник Касл (Последний звёздный боец, Майор Пэйн). Именно Ник Касл предложил выпустить сиквел известной истории с повзрослевшим Питером Пэном. Такие изменения помогали фильму окончательно разорвать связь с Дисней, ведь у TriStar Pictures не было прав на “Питер Пэн” 1953 года.
На тот момент пост директора TriStar Pictures занимал Майк Медавой – давний друг Стивена Спилберга, а производство фильма начало буксовать. Виденье Ника Касла не совпадало с Дастином Хоффманом (капитан Крюк), и режиссёру пришлось уступить своё кресло Стивену Спилбергу. Впрочем, Ник Касл не ушёл обиженным и получил 500 тысяч $ компенсации.
Майкл Джексон всё это время не терял интереса к роли Питера Пэна, но после телефонного разговора со Стивеном Спилбергом выбыл из проекта. Певец был настолько разочарован сценарием про взрослого Питера Пэна, что даже попытался навести порчу на режиссёра. Его место занял Робин Уильямс, и производство, наконец, сдвинулось.
Производство фильма проходило тяжело. Первоначальный производственный бюджет был установлен в размере 48 миллионов долларов, но в итоге оказался в пределах 60–80 миллионов долларов. Основной причиной увеличения бюджета был график съемок, который длился на 40 дней больше первоначального 76-дневного графика. Спилберг объяснил: «Это была моя вина. Я начал работать медленнее, чем обычно»
Режиссёру было очень тяжело работать с актёрами-детьми, и добиться от них нужной реакции. Маленьким актёрам не сказали, кому Питер Пэн передаст свой легендарный меч… Так что эмоции ребят были искренними, а не наигранными.
Джулия Робертс негативно вспоминает о работе со Стивеном Спилбергом. У них часто случались конфликты, при этом актрисе было тяжело работать с зелёным экраном. Джон Войт, с которым Дастин Хоффман прежде работал, поинтересовался у Хоффмана, можно ли ему привести на съёмочную площадку детей – Джеймса Хейвена и Анджелину Джоли. Тот не возражал и даже остался ради посетителей в костюме капитана Крюка. Джоли тогда было 16 лет, Хоффману она показалась «стройной, высокой и с брекетами на зубах». Джоли тогда заявила ему, что тоже хочет стать актрисой. Хоффман в тот вечер сказал жене, что Джоли «сама не понимает, как это трудно – быть актрисой».
Фильм собрал в прокате больше 300 миллионов $ при бюджете в 70 миллионов $. Но студия всё равно была недовольна его финансовыми показателями. Спилберг, Уильямс и Хоффман не получали зарплату за фильм. Звёздная троица выбила огромный процент с кассовых сборов и даже право “первого доллара”.
“Капитан крюк”, на момент выхода, получил разгромные рецензии от зрителей и критиков. Спилберг не любит вспоминать про него, а Джулия Робертс была номинирована на премию «Золотая малина», как худшая актриса второго плана.
Сюжет и личное мнение (осторожно, спойлеры)
У меня есть много тёплых воспоминаний из детства про фильм “Капитан Крюк”. Я отлично помню сказочную Нетландию, где дети наслаждаются свободой, а на морском дне живут русалки. Величественный корабль Капитана Крюка манил своим необычным дизайном, но сильнее всего мне нравился город пиратов. Эстетика пиратского мира восхищала и отлично контрастировала с поселением потерянных детей. Только представьте – целый город состоял из старых пиратских кораблей! Арт-директор Норман Гарвуд проделал поистине масштабную работу и создал настоящий визуальный шедевр.
Но при этом я не пересматривал ленту более 20 лет… Поэтому, решив освежить в памяти фильм, я был, мягко говоря, сильно удивлён. В зрелом возрасте “Капитан Крюк” воспринимается абсолютно иначе, чем в детстве. Но обо всём по порядку!
С первых минут нам показывают повзрослевшего Пита, для которого карьера стоит намного выше желаний его семьи. При этом герой Робина Уильямса не выглядит отталкивающе, он просто забыл, как быть ребёнком. При этом каждая сцена фильма наполнена красками, юмором и действием. “Капитан Крюк” – это семейное кино от Спилберга из 90-х, и этим всё сказано.
Далее Пит вместе с женой и детьми посещает приют Венди… И на этом моменте сюжет фильма полностью разваливается. Понять родословную семейства Пэнов было довольно нелегко. Только вдумайтесь, Питер Пэн завёл детей со своей сводной сестрой, а его приёмная (90-летняя) мама – его бывшая возлюбленная. Джорджу Мартину такое даже не снилось!
Именно вторая треть фильма лучше всего запомнилась мне в детстве. В ней безупречно показан сказочный мир. Но, пересматривая фильм сейчас, я заметил, что в середине очень мало динамики. Питер слишком долго вспоминает, кто он такой, и со временем я начал уставать от персонажа. Ещё одной проблемой стала “соблазнительная аура” Пэна. Кроме Венди в Питера влюблена фея Динь-Динь и даже морские русалки. Этот момент сильно разрушает семейную направленность ленты.
Финал запомнился грандиозным, полномасштабным сражением пиратов с потерянными мальчишками и эпичной дуэлью Питера с Капитаном Крюком. Нас ждёт великолепный и очень забавный экшен, хотя драма мне показалось лишней. Руфио не успел проявить себя, и про него все быстро забыли.
Без сомнения, “Капитан Крюк” – это замечательный фильм, имеющий ряд недостатков. Джулия Робертс блестяще справилась со своей ролью. В то время вышло не так много фильмов, использующих зелёный экран, и актрисе было вдвойне тяжело. Настоящим сокровищем ленты стал Дастин Хоффман. Безумный, крутой и очень смешной пират, имеющий свой кодекс чести.
Робин Уильямс хорошо исполнил роль Питера, но сделал это как будто на автомате. Мне кажется, что Уильямс был слишком далёк от образа Питера Пэна, да и сама роль была плохо прописана в сценарии. Стивен Спилберг не смог определиться с тем, какой фильм он хочет снять – сказку для всей семьи или драму про отцов и детей. К производству “Капитана Крюка” приложили руки множество творческих людей, но ленте не хватало злого продюсера, который бы смог убрать лишние сюжетные линии и сократить хронометраж.
В любом случае, “Капитана Крюка” помнят и будут помнить. Настоящая классика. Подобных фильмов сейчас не делают. Я советую его всем любителям Питера Пэна и фанатам Стивена Спилберга. Данте Баско (исполнитель роли Руфио) сейчас работает над анимационным спин-оффом про своего персонажа, но в последнее время информации про проект нет.
Sony Imagesoft
Во время производства фильма “Капитан Крюк”, TriStar находилась в процессе поглощения компанией Sony. Японцы продолжили выпускать фильмы под брэндом TriStar, а на игровые адаптации у Sony были большие планы. Задолго до PlayStation 1, компания Sony решила ворваться в игровую индустрию в качестве издателя. Дочерняя структура, под названием Sony Imagesoft, имела уверенную стратегию покорения геймерских сердец.
Sony, кроме TriStar, владела Columbia Pictures, поэтому японцы могли предложить платформодержателям целую кучу лицензий на популярные фильмы.
Sony, благодаря своим связям, позволяла выходить маленьким японским компаниям на мировой рынок.
При помощи огромного бюджета Sony выпускала уникальные версии для разных игровых систем.
Инновационная FMV игра для Sega CD. Издатель - Sony Imagesoft
Изначально Sony Imagesoft делала большую ставку на сотрудничество с Nintendo, но после отмены Super NES CD-ROM, отношения между компаниями сильно охладели. В 1992 году Sony Imagesoft сделала резкий разворот в сторону Sega. При этом Sony больше всего волновал адонн к Sega Mega Drive (SMD), под названием Sega CD. Это сотрудничество породило целую кучу FMV игр и расширенных версий.
Именно по этой схеме началась разработка игровых адоптаций Hook. Издателем 16-битных версий выступала Sony Imagesoft, а разработчиком стала японская компания Ukiyotei – выходцы из Capcom. Hook стал дебютным проектом для молодой студии. Версия для Super Nintendo Entertainment System (SNES) стала основной.
Сотрудники Ukiyotei не имели опыта в разработке игр для SMD, поэтому им в помощь была направлена студия Core Design – будущие создатели Tomb Raider. Основные усилия Core Design были направлены на создание расширенной версии для Sega CD. Все заставки игры были полностью озвучены, а в начале появился небольшой ролик с кораблём Капитана Крюка. Также в порте присутствует музыка из фильма и несколько небольших видеофрагментов, а в остальном она идентична версии для SMD.
Ukiyotei впоследствии занималась разработкой игр для SNES, пока не была приобретена компанией SNK в 2002 году. Из значимых проектов я могу отметить: Todd McFarlane's Spawn: The Video Game, серию Metal Slug Mission, а также Punky Skunk.
Sega и SNES
Ukiyotei постаралась не рисковать и сделала традиционный платформер. Во всех версиях Hook задействовано 2 кнопки управления, что стало спорным решением – геймерам приходится зажимать кнопку атаки, чтобы Пэн побежал.
С точки зрения механик, игра получилась довольно примитивной. Кроме бега Пэн может только прыгать и бить мечом. Но одна по-настоящему уникальная “фишка” у Hook всё-таки была – полёт. Ukiyotei знала, что хотят геймеры, и лётные секции получились интересными и запоминающимися. Мне понравилось, что у нас есть целые уровни полностью построенные на полёте. К примеру, на уровне в горах мы должны медленно и аккуратно расходовать пыльцу феи, чтобы не сорваться в пропасть, а на уровне в лесу нужно постоянно двигаться, удирая от постоянно скролящегося экрана.
Подобным образом продуман каждый уровень в игре. К примеру, в Neverland Skeleton Rock Питера преследует надоедливый огонёк. Огонь представляет опасность, но при этом он освещает путь герою. Бой с боссом королём-скелетом получился довольно интересным и динамичным. Боссы, в целом, получились неплохими. Кроме короля-скелета мне запомнился летающий босс и бой с Капитаном Крюком.
Ещё одной важной особенностью игры стал поиск листьев и волшебного меча. Лист увеличивает шкалу жизней и оказывает большую помощь в прохождении. Меч способен наносить дистанционные атаки, но, после получения урона, он пропадает.
Ukiyotei сделала хорошую и незаслуженно забытую игру. Конечно, на четвёртом поколении вышло много игр, использующих пиратский сеттинг (Pirates of Dark Water, Cutthroat Island, Melfand Stories). Было много игр, развивающих механику полёта (Rocket Knight, Gargoyles, Demon's Crest), но все они вышли позже. Разработчикам не хватило смелости и опыта, чтобы остаться в истории. Но у Ukiyotei ещё будет шанс создать хитовый платформер про Питера Пэна.
Порт на SMD вышел не очень удачным. Графика и музыка сильно пострадали. Анимации и фоны лишились деталей. Сильнее всего это заметно на первом уровне. В The Nevertree постоянно происходит смена погоды и времени года. По уровню летают листья и снежинки, а изменение окружения происходит буквально на лету. Но всё это есть только в SNES версии, на SMD всего этого нет. Эффекты воды и освещения на SMD получились особенно слабыми. Порт на Sega CD выигрывает, благодаря музыке из фильма, но я не рекомендую эти версии для прохождения.
Довольно неплохим получился порт на Sega Game Gear. Его создала британская студия Spidersoft. Разработчики постарались и перенесли большую часть геймплея и механик оригинала. Да, игра ощущается немного сырой и забагованной, но Spidersoft облегчили геймплей и подкрутили хитбоксы в сторону игрока. На Game Gear вошли не все уровни, но зато есть эксклюзивный босс.
Прочие игры
“Капитан Крюк” – настоящий блокбастер, а Sony в 90-е любила эксперименты, поэтому мы получили целую кучу видеоигр в разных жанрах. Я не буду заострять на них внимание, но забыть про эти адаптации стало бы преступлением.
Arcade – невероятно красочный и драйвовый beat 'em up выпустила компания Irem для аркадных кабинетов. Эта версия Hook сильно пострадала из-за западной цензуры. Палитра цветов была изменена и стала ближе к одноимённому фильму. Боссы-пиратки были удалены, ведь Питер Пэн не может бить девушек. Японская компания Irem стояла у истоков жанра beat 'em up (Kung-Fu Master, Vigilante, Spartan X 2). Компания Irem ещё долго не роняла планку качества и выпускала крутые битемапы (Undercover Cops, Blade Master).
На Amiga, Atari ST и DOS вышел квест от Ocean Software. В игре есть несколько смешных и абсурдных моментов, но, в целом, перед нами довольно вялый клон Monkey Island. Мне понравилось, что большая часть игры проходит в городе пиратов, и мы можем получить лучшее представление о мире. Версия для Amiga была основной. В ней присутствует больше анимаций и музыкальных треков.
Ещё один “Капитан Крюк” от Ocean Software вышел на NES, Commodore 64 и Game Boy. Перед нами довольно душный и странный платформер. Игра сильна затянута, особенно уровни под водой. Лучше всего получилась мини-игра, где мы управляем летающим Питером. Фирменный электронный саундтрек от Ocean Software стал настоящим украшением. Больше всего эта ветвь прославилась благодаря легендарному обзору AVGN. На самом деле всё не так плохо, для Commodore 64 – это вполне достойный платформер.
Забытый сиквел
Интересно, что в 1994 году у Hook вышел “духовный сиквел” под названием Skyblazer. Этот платформер вышел на SNES, и его также разработала Ukiyotei, а издателем выступила Sony Imagesoft. Это был не типичный проект для Sony, ведь издатель концентрировался на кинолицензиях и спортивных играх. Гигант поверил в маленькую компанию и дал шанс создать игру ААА класса. Ukiyotei с огромным энтузиазмом отнеслась к проекту и, вдохновлённая индийской мифологией, создала удивительный мир.
Главным героем стал Скай, которому предстоит спасти Ариану от злобного Повелителя Войны. В японской версии все персонажи носили имена индийских богов, поэтому американский релиз потерял часть колорита.
Что эту игру связывает с фильмом “Капитан Крюк”? Ничего! Но достаточно просто поиграть в игру, чтобы понять – это сиквел Hook, вышедший на SNES. Нас ждёт тот же подход к динамике, геймплею и построению уровней. Некоторые враги и боссы пришли к нам прямиком из Hook. На месте карта мира и уровни с автоскролингом.
Но есть одно серьёзное изменение – каждый элемент игры был доработан и улучшен. Теперь мы можем гулять по карте мира и возвращаться в уже пройденные локации. Это нужно делать потому, что в уровнях появились развилки. В Hook нам тоже давали выбор куда пойти, но масштаб был в несколько раз меньше. Лётные уровни получили развитие. Скай умеет маневрировать в воздухе и наносить стремительные атаки, а ещё в Skyblazer есть очень красивая мини-игра, использующая Mode 7.
Ukiyotei очень старалась продемонстрировать красивую и технологичную картинку. Сразу несколько боссов и уровень Towers of Tarolisk созданы с помощью Mode 7. В отличие от Питера, Скай умеет ползать по некоторым стенам, но самым интересным отличием стала система магии. После победы над боссом Скай узнаёт новое заклинание. К примеру, The Flash позволяет пролететь по воздуху довольно большое расстояние по прямой линии. Магия вносит большое разнообразие в геймплей, хотя некоторые заклинания выглядят бесполезно на фоне всемогущего исцеления.
Самым главным минусом Skyblazer стала затянутость. Под конец враги и уровни начинают повторяться. Также мне не понравилось то, что для полёта нужно зажимать кнопку прыжка. В любом случае Skyblazer – это настоящий шедевр и отличный эксклюзив SNES.
На этом мой рассказ про вселенную "Капитан Крюк" подходит к концу. Обязательно напишите мне, была ли у Вас кассета с этим фильмом в детстве? Или Вы рубились с друзьями сутки напролет в эту игру на “Сеге”? А может кому-то повезло обладать SNES и поиграть в Skyblazer… Моя следующая статья будет посвящена играм по двум легендарным франшизам “Кто подставил кролика Роджера” и “Чокнутый”. Берегите детей и не кормите русалок после полуночи… А на сегодня – всё!
Готовы к Евро-2024? А ну-ка, проверим!
Для всех поклонников футбола Hisense подготовил крутой конкурс в соцсетях. Попытайте удачу, чтобы получить классный мерч и технику от глобального партнера чемпионата.
А если не любите полагаться на случай и сразу отправляетесь за техникой Hisense, не прячьте далеко чек. Загрузите на сайт и получите подписку на Wink на 3 месяца в подарок.
Реклама ООО «Горенье БТ», ИНН: 7704722037
Простая история (1999) - заметка на самое медленное и душевное в мире Road movie
Страна - Сша. Продолжительность - 1 ч 52 мин. Рейтинг - к.п. 7.8 , IMDB 8.0.
Название говорит само за себя, это действительно “ Простая история” от любителя все усложнять- Дэвида Линча, что уже звучит интригующе. Линч известный всем сюрреалист и экспериментатор прославился такими картинами как “Малхолланд драйв” и “Голова ластик”, в 1999 году снял нетипичный для себя фильм, который мне кажется самым лучшим за всю его карьеру. Немного мнения, гивки и анализ.
В основу всей истории лёг реальный случай. Элвин Стрэйт – 73 летний американец, отправившийся 5 июля 1994 года в 400 километровое путешествие на старой газонокосилке с максимальной скоростью 10км/ч и 3х метровым прицепом набитым горючим и прочим снаряжение для столь длительных путешествий.
В сети масса фотографий разной степени правдивости, в газетах официальных фото нет. Но самое частое именно вот это.
Отправился он от своего дома в Лоренсе, штат Айова, к горе Зион, штат Висконсин. Конечная цель его поездки был его родной брат, у которого случился инсульт. Элвин хочет не только навестить заболевшего родственника, но и помириться с ним – десять лет назад братья крупно поссорились и с тех пор не общались. В 1996 году, спустя примерно 2 года после путешествия Элвин умер.
Это путешествие активно освещалось прессой, в частности газетой "The New York Times". Идея фильма пришла Мэри Суини, помощнице Дэвида Линча, когда ей случайно попалась на глаза заметка из газеты об этой истории.
The New York Times действительно публиковали эту новость. Нашел в Архиве.
Вот поближе если вам интересно.
Так появилась идея создания данной художественной картины. Линч был не особо заинтересован этим проектом, однако после прочтения окончательного сценария согласился снимать по нему кино которые мы с вами сегодня и будем обсуждать.
Фильм кардинально отличается от всех работ Линча. Это единственный сценарий в написании которого он не участвовал. Линч снимал приключения героя практически в полном хронологическом порядке как и его реально существующий первоисточник. На роль главного героя Элвина Стрэйта был выбран актер по имени Ричард Фарнсуорт и выбор был его не случаен.
Ричард в действительности болел раком простаты. Борьба, боль и превозмогание Элвина в кадре по настоящему были реальны, а не киношно наиграны. Но уже 6 октября 2000 года, все газеты облетели новости, что актёр покончил с собой из-за боли которую он не был уже в силах терпеть. Это произошло в собственном доме в штате Нью-Мексико.
В своем мартовском интервью The Associated Press Ричард Фарнсуорт признавался, что с полной самоотдачей играл в фильме "Простая история", потому что испытывал огромное уважение к человеку, который послужил прототипом героя.
В свои 80 лет Фарнсуорт был старейшим актером, номинированным на премию "Оскар" в феврале 2000 за роль в данном фильме. Однако награда досталась Кевину Спейси за роль отца-провинциала в фильме "Красота по-американски”
Простая история - классическое роуд муви, только лишённое необходимых характеризующих маячков для жанра. А именно многообразия ситуативного юмора и скорости. Фильм нетороплив и эта вязкость и нерасторопность для многих может показаться скучной. Если вы ребенок или человек с дефицитом внимания, а также если вам для удержания внимания необходимы регулярно повторяющиеся взрывы, кулачные бои, автомобильные погони и клиповый монтаж - фильм точно не для вас, имейте это ввиду.
Фильм напоминает ностальгические, детские воспоминания Линча о его жизни в сельской провинции в штате Монтана. Его портрет американской глубинки которую он воспевает и любуется не упрощая и не приукрашивая ее, удается теплым и уютным. Несмотря на кажущуюся простоту, фильм наполнен крошечными историями, бросающими свет на тернистый жизненный путь старика, на его годы и жизнь.
На своем пути он встречает путников которые делятся с ним своими невзгодами, а старик делится своим грузом бытовой и жизненной мудрости. Так ему встречается девушка на 6 месяце беременности, сбежавшая из дома. Потому, что “ Мои родные станут ненавидеть меня ещё больше, чем сейчас когда узнают об этом” Старик осторожно замечает, что их ненависть не может быть больше страха потерять свою дочь. И рассказывает старую, как этот мир, притчу про крепкую связку прутьев, которые, легко разломить поодиночке. И такими вот обычными, но мудрыми и милыми мелочами наполнен весь фильм.
Вообще лента изобилует и душераздирающими сценами, как например разговор двух ветеранов в баре. Они обмениваются друг с другом историями и забавными случаями случившимися с ними за время второй мировой, как вдруг их лица меняются и голоса начинают дрожать, а глаза наполняются слезами. Ты понимаешь, что они очень давно этого не вспоминали, а делились с кем то еще реже, если вообще делились до этого момента.
Но, что важно, это как режиссер расставляет эти эмоциональные маячки, не превращая неторопливое, молчаливое и созерцательное приключение в назидательное нравоучение.
Самое тяжелое в старости — мысли о молодости…
Итоги.
Дэвид Линч снял одухотворенную историю об одном старике, показав нам обыденность жизни человека и ее ценность. А трагическая, самоубийственная смерть актера исполняющего главную роль показала нам ее парадоксальность и неминуемость.
Элвин Стрейт - это обычный человек проживший обычную жизнь состоящую из череды ошибок и исправлений. Даже финальная встреча с братом наполнена бытовой простотой, без лишних вопросов и слезливых объятий. Нет и извинений, ради которой эта поездка в принципе и затевалась. Они просто садятся на лавочку перед покосившейся лачугой брата и смотрят на звёзды, вспоминая наверно как они это делали в детстве, когда ещё были мальчишками. И эта финальная сцена, с внутренним прощением, который каждый по своему обсуждает внутри себя, а не показным и выпученными чувствами и эмоциями выглядит куда более убедительно и живо чем тысячи слов и криков.
Тут то мы и понимаем, что если бы старик приехал на автобусе или самолете до брата, то встреча была бы совершенно другой, но стоящая поодаль газонокосилка которая уже вышла из строя и последние метры которой нужно было буксировать говорит нам, что это “крест”, который старик с частью вынес. Это великолепное кино о тернистом пути искупления, о ценности и важности семьи и мира с самим собой.
Спасибо вам за любую активность под постом, буду рад советам и критике. Скоро увидимся, всех обнял. Кому интересно вот ссылка на мой кинориум, буду рад новым друзьям и подпискам тут и там.
Девушка на мосту (1999) - лучшее кино о любви
Страна - Франция. Продолжительность - 1 ч 30 мин. Рейтинг - к.п. 7.9 , IMDB 7.5.
“Девушка на мосту”, практически с места дает вам понять, что это будет не самая тривиальная история любви со слезами и любовными соплями. Картина начинается с диалога главной героини которую играет Ванесса Парадиз у психиатра, она то и отсеет львиную долю зрителей которые пришли посмотреть очередную love story. Девушка рассказывает историю нимфоманки, сбежавшей из дома и живущей где и с кем придется. Полностью разочаровавшись в жизни и решив , что весь мир настроен против нее и она хроническая неудачница. В итоге она решает броситься вниз с моста и расстаться с жизнью.
Тут появляется и главный герой, которого играет Даниэль Отой, бродячий циркач - метатель ножей. Он пытается уговорить девушку не прыгать но его старания оказываются напрасны, и девушка совершает свой отчаянный прыжок с моста. Отой естественно прыгает за ней и спасает ее. Сбежав вдвоем из больницы мужчина заставляет ее поверить в удачу, при помощи некоторых, слегка лживых трюков которые судя по всему ему доводится проводить не в первый раз, в конечном итоге он предложил ей быть живой мишенью и она соглашается.
Это очень важный фильм, интересный в первую очередь своей блестящей завязкой, которая и в 2024 году кажется абсолютно новаторской и свежей, не говоря уже про 2000е годы. По сути перед нами история двух одиноких неудачников, только выполненная очень тонко и умно. Французская школа кино вообще отличается тонкостью, эстетством и умом. Но в данном случае выбор режиссером Патрисом Леконтом, черно-белого варианте съёмки оправдываться не эстетством и хипстерством, а художественной и сценарной необходимостью.
Чёрный и белый – это цвета фотографии. Для меня они символизируют надежду и отчаяние, которым вечно подвергается человечество.
Роберт Франк
Если по началу главная героиня своим взбалмошным и “свободным” поведением вызывает у нас небольшое отвращение, то по мере просмотра ты привыкаешь к ней и видишь обычного разочаровавшегося человека, уставшего и не понимающего как ей жить дальше, но искреннего и доброго сердцем. Её же спутник - наоборот кажется уверенным и целеустремленным человеком, харизматичным и сильным, но все это лишь фикция, скорлупа. Он абсолютно так же одинок и не знает чего хочет от жизни, так же мнит себя неудачником, но в данной ситуации минус на минус дает плюс и они оба каким то магическим образом обретают невероятную удачу.
Помимо непосредственного везения при бросании ножей, они обретают богатства постоянно выигрывая в казино и лотереях. Мужчина вдохнул в девушку жизнь, заставив поверить в собственную удачу, изменил восприятие. Но однажды ей попался другой мужчина которого она восприняла своей судьбой и того кого она именно искала и они расстались. Когда они расстаются, от обоих уходит и удача, но на расстоянии они продолжают чувствовать друг друга и даже общаются. Он постоянно ищет ее в толпе людей, она снова не знает, что делать со своей жизнью. Друг без друга, жизнь семимильными шагами катится в пропасть и новые порывы отчаяния.
В мире масса фильмов о любви, они как правило всегда фальшивы и сопливы, но так мало фильмов о спасении, о спасении чувствами. Это кино о необходимости друг другу, история любви в которой ни разу не произносятся слова любви и в которой есть постельная сцена без непосредственного секса. Фильм невероятно душевный и атмосферный, совмещая в себе хрупкость и грациозность главной героини и юмор с иронией главного героя. Немалую роль помимо безупречной игры актеров, играет еще прекрасное музыкальное сопровождение и необычная работа оператора.
Тут-то и объясняется выбор режиссера черно-белой картинкой. В фильме показано все либо хорошо, либо все категорически плохо. Отсутствует полутона как и в жизни героев. Несмотря на в некотором роде экзистенциальные размышления и слегка трагический подтекст происходящего, фильм не смотрится трагично и грузно. Режиссер ведёт диалог со зрителем и размышляет о необходимости любви для обоих, но делает это по взрослому и красиво.
Фильм полон символизма, но главным и явным символом по-моему тут служит мост. Мост как олицетворение перехода между небом и землей, между жизнью и смертью. Это образ связи между разными точками сакрального пространства. Мост всегда означал переход из одного состояния в другое, изменение или желание перемен. Именно мост послужил отправной точкой двух одиноких и одинаковых людей, которым оказалось нечего терять. Мост послужил причиной не сделать роковой шаг в пропасть, а сделать шаг навстречу друг другу.
“Если я не прыгаю, то прыгаете вы. Так больше жить нельзя. Что нельзя ? Жить врозь”.
Спасибо вам за любую активность под постом, буду рад советам и критике. Скоро увидимся, всех обнял. Кому интересно вот ссылка на мой кинориум, буду рад новым друзьям.
Подборка фильмов о людях и судьбах, во время войны
Из-за повальной романтизации войны голливудскими фильмам, мы с вами стали забывать, что война это не бравады и героизм, а в первую очередь трагедии и люди. За плотной ширмой из экшена и стрельбы, Российский кинематограф совсем забыл, что самое важное в кино это люди и судьбы, а не графика и "исторические документы". В данной небольшой подборке я собрал фильмы которые напоминают нам с вами об этом. Старался выбрать максимально разношёрстные и максимально захватить разные страны и школы кино. Возможно какие то из них очень популярны, но лично я их все смотрел впервые. Гифки, цитаты, небольшой синопсис по каждому и оценки.
Летят журавли (1957).
Страна - СССР. Продолжительность - 1 ч 35 мин. Рейтинг - к.п. 8.5 , IMDB 8.5.
В центре повествования Вероника и Борис- обычная советская молодежь которая любит и мечтает, планируют свадьбу и дальнейшую жизнь вместе. Война 22 июня перечеркивает их планы и Борис имея возможность получить бронь и не идти на фронт, записывается добровольцем. Вероника остаётся одна в осажденном городе, демонстрируя нам тяготы жизни в военной время -городские ежи, рвы и постоянные авиационные налеты.
Картина Михаила Колотозова, стала ярким напоминанием нам с вами, что война это не всегда штыки, бравые солдаты и победы. Это в первую очередь уничтоженные судьбы и надломанные жизни. Это на моей памяти первый фильм в котором тяготы военной жизни показаны не со стороны солдат, а со стороны мирных и гражданских лиц.
Фильм в первую очередь о верности. Верности друг другу и верности своей родине, но не фальшиво “красно” в духе набившего всем оскомину соц. реализма , а надрывно, живо. Герои тут не пастеризовано правильные , а ошибаются и малодушничают, как мы с вами. Он во многом оказался новаторским, и в то же время противоречивым но не будем тут скатываться до морализаторства, мы тут не для этого собрались. Характерно, что режиссер не пытается никого возвеличить или унизить, немцы тут не показаны вовсе, а боевые действия это буквально минут 10 всего хронометража в которой и находится переломная сцена всего фильма. Главная героиня меняется и проходит несколько стадий становился на протяжении всего фильма, не опускает руки, а продолжает жить и пытается найти себя в новом мире, даровать нерастраченную любовь тому кто в этом нуждается. Данный фильм это уникальное повествование глазами одинокой и на вид хрупкой девушки, не бравада и крики “можем повторить” , а личная трагедия и шрам на теле огромной страны на примере одной из миллионов таких “Вероник” и “Борисов”. 9 из 10.
Моя единственная, поздравляю с твоим днем рождения... В этот день ты появилась на свет.
Уйти от тебя трудно. Но что же делать, иначе нельзя. Война! Это необходимо. Нельзя жить прежней жизнью и веселиться, когда по нашей земле идет смерть. Мы еще будем счастливы. Люблю, верю в тебя.
Завтра была война (1987).
Страна - СССР. Продолжительность - 1 ч 24 мин. Рейтинг - к.п. 8.1 , IMDB 7.7.
Несмотря на небольшой налет антисоветизма и банальное оплёвывание истории и эпохи, в нем чувствуется жизнь и искра. Тут нет плохих персонажей в нашем привычном понимании. Директор как олицетворение новой эпохи, добрый веселый и честный человек, легко наладивший контакт со всеми учениками, есть ученики твердо стоявшие за свою одноклассницу и не отвернувшиеся от нее, есть учительница которой и отведена роль вносить негативный окрас в повествование. Но она не злая , она идейно запутанная и одурманенная, но точно не злая.
В картине вы не увидите артиллерийские канонады, самолёты и штыки, он совсем о другом. Это в первую очередь воспоминания и срез эпохи. О тотальной пропасти между поколениями и преддверие того как закалялась сталь и чему эта закалка предвещала. Бушующая жизнь, в преддверии войны , пытается из последних сил “насытить” жизнью школьников подростков. Любить, чувствовать тепло, справедливость и честь. В кино практически нету сюжета, это просто небольшая зарисовка о том как невинного по сути человека обвинили в предательстве и к чему это привело. Она о обычных людях, в обычных условиях. ( Удивительно как мало сейчас об этом снимают).
Само название “ Завтра была война” которое было написано по одноименной книге Бориса Васильева , на первых взгляд звучит запутанно и парадоксально. Но сам фильм в конце объясняет его значение когда в кадре впервые появляются солдаты марширующие на фронт. Завтра для учеников- это однозначное светлое и доброе будущее, безусловно с насущными проблемами и противоречиями , но не лишенными надежды. Слово “была”, означает о его завершенности и крушении былых планов и идей. Отличным режиссерским решением было использование обычного школьного альбома с фотографиями для этого. 7 из 10.
Убивает не только пуля, не только клинок или осколок — убивает дурное слово и скверное дело, убивает равнодушие и казенщина, убивает трусость и подлость.
Альпийская баллада (1965).
Страна - Белорусская СССР. Продолжительность - 1 ч 32 мин. Рейтинг - к.п. 7.2 , IMDB 7.1
Концлагерь высоко в Альпах, из-за авиационного налета и создавшейся неразберихи группа заключённых бежит от туда , бежит от неминуемой смерти, прямиком в руки непредсказуемости и возможно тоже смерти, но к надежде.
В центре повествования мужчина по имени Иван из небольшой деревушки в Белоруссии и девушка Джулия из Неаполя. Образ светлой и лучезарной Джулли сумевшей сохранить в себе в условиях лагеря для военнопленных, лучезарность , доброту и улыбку на лице, резко контрастирует с отрешенностью и не пробиваемостью Ивана. Но под напором улыбки и Мужчина сдается. В итоге фильм из военной драмы и трагедии, умудряется перетечь в любовную драму и историю двух обречённых, что нечастый гость в военных фильмах. В голову первым делом приходит сравнение с Адамом и Евой, историю о мужчине и женщине, только в лохмотьях, а вместо райского сада - суровый снежные бури и холод. Фоновые горы и пейзажи умудряются играть красками и восхищать даже будучи черно белыми. Холод и невзгоды подчеркивают решимость героев, они не мечтают отлежаться спрятаться и умереть, мечтают лишь повидаться с родными , с детьми и вторыми половинками и продолжить борьбу с врагом. Режиссер обходит тему любви, тонкими штрихами подчёркивая чувства и надломленность героев, показывая скорбь и страдания в одном ряду с любовью , надеждой и мужеством.
Эта история, о людях, любви и моральном выборе, в которой война и Немцы играют фоновую роль, роль мотивации событий. Враг обезличен и не несёт никакой негативный окрас. Замени немцев которые бегут по стопам военнопленных на волков и история ничего не потеряет, потому , что она совсем о другом. Если по началу Иван смалодушничал и смотрел на сложившуюся ситуация с необходимость присматривать за Джулией и опекать ее, то в действительно острой ситуации пожертвовал собой ради нее. 7 из 10.
Дорогие мои!
Он уберег меня от гибели ценой собственной жизни!
И теперь я говорю спасибо провидению, которое свело меня с ним.
Всегда помня о нем, я содрогаюсь от мысли, что могла бы пройти в жизни где-то близко от него и не встретиться с ним.
Память о нем помогает мне воспитывать моего сына - Джовани.
Вот и всё.
Прощайте далекие Терешки в Беларуссии, прощайте его земляки.
С благоговением и благодарностью ко всем, родившим и воспитавшим его, истинно русского по доброте и достойного восхищения в своем мужестве.
Спасибо за него!
Германия, год нулевой (1948).
Страна - Италия. Продолжительность - 1 ч 18 мин. Рейтинг - к.п. 7.8 , IMDB 7.6.
Как и большинство людей я никогда особо не интересовался, кинематографом послевоенной Германии. А у данного этапа есть даже свой термин “Руинное кино”. Два самых первых и примечательных фильма той эпохи — “Убийцы среди нас” Вольфганга Штаудте и “Германия, год нулевой” Роберто Росселлини. Начал я с нулевого года. Скажу сразу, что это не кино в обычном понимании , а скорее художественная документалистика. Фильм снят с дотошной документальной точностью, без романтизма, без обхода острых углов и купюр. Примечательно, что декорациями служил сам Берлин, весь разрушенный город был одной гигантской декорацией для итальянского режиссера.
В центре внимания мальчик по имени Эдмунд. Один из многих тысяч таких же мальчиков считающихся на остатках когда то процветающего города , в поисках мелкого заработка, мошенничества и просто пищи, чтобы выжить. У него есть отец который болен и на грани смерти, сестра которая занимается охмурением американских солдат в барах для выуживания у них сигарет для последующей продажи и брат, который когда то служил в СС и скрывается от полиции дома, ничего не делая чтобы помочь семье. Они получают на четверых всего три продуктовые карточки и непосильный груз прокормления семьи висит на мелком белобрысом мальчугане. Суровое время, требует от Эдмунда ускоренного взросления, и непомерной ответственности, но психологически он ещё остался мальчиком, ещё даже не юношей.
Сострадания к поверженному и заклеймённому врагу, у которого оказалось лицо обычной заурядной семьи и особенно трагедия беззащитного мальчугана - возможно было дерзко и смело в 1946 году, но в 2024 смотрится странно. Трагедия семьи смотрится жалко и брюзгливо, не ёкает и не больно. Никто из семьи не вызывает уважение и симпатию, возможно время было такое и стоял вопрос выживания в первую очередь , а не раскаяния, не нам их точно судить. Снят фильм откровенно плохо, но посыл и фрагмент истории который складывается в голове силен. 6 из 10.
Ты просто упал духом. - Нет. Солдат может лишиться всего, кроме силы духа. Только я теперь больше не солдат. Я теперь ноль. Лишний рот, который приходится кормить.
Жизнь прекрасна (1997).
Страна - Италия. Продолжительность - 1 ч 56 мин. Рейтинг - к.п. 8.6 , IMDB 8.7.
Краткая вводная для понимания. Отца и сына отправляют в концлагерь солдаты СС, мать узнав об этом самовольно и самоотверженно следуем за ними. Вот в общем и все, что вам надо знать.
Милая романтика и незамысловатый, но не вызывающий отторжение юмор пропитывает весь фильм. Кино четко разделено на две половины, до отправки в концлагерь и после и каждая из частей великолепна по своему. Первая часть фильма это скорее наивный и сентиментальный ромком с едва пробивающимися зачатками надвигающейся катастрофы, то вторая часть больше уже контрецтрируется на этой угрозе. Режиссеру очень тонко получились воссоздать иллюзорный и придуманный мир для ребенка и невидимой нитью вплести в него великую и необъемную трагедию Еврейского народа. Худощавый еврейский лавочник и его маленький сын, стали отражением непоколебимости и надежды. Если по началу ужимки и излишняя шутливость отца кажутся глупыми, то потом ты понимаешь и видишь во всем этом огромную силу и самопожертвование.
Фильму удается филигранно говорить о серьезных вещах посредством шуток и лёгкого ситуативного юмора. После просмотра не остаётся горького осадка или груза на плечах, если обычный фильм будит в человеке максимум одну эмоцию, то данный фильм вызывает целый спектр эмоций. Это невероятно трогательный, забавный и одна из лучших трагикомедий, что я видел. 10 из 10.
Как низко надо кланяться, дядя?
— Думай о подсолнухах. Они кланяются Солнцу, но те, что поклонились слишком низко,-погибли. Ты обслуживаешь, но ты не слуга. Обслуживать — искусство. Господь служит человеку, но он ему не слуга.
Боевой Конь (2011).
Страна - США. Продолжительность - 2 ч 26 мин. Рейтинг - к.п. 7.2 , IMDB 7.5.
История фильма повествует о юноше по имени Альберт и его коня, которого он обучает с самого детства и проникается необычной связью с ним. Из-за начала первой мировой войны им приходится расстаться, а юноша достигнув призывного возраста так же отправляется на войну, не забыв о нем и в душе питая надежду что найдет своего, что в реалиях первой мировой скорее похоже на фантастику.
Нужно сразу понимать и держать в голове, что история больше походит на сказку, нежели на суровый пересказ тягот войны и смерти, но с другой сторона она этим и привлекательна. Режиссер мастерски жонглирует дружбой, авантюризмом, надеждой и конечно же любовью. Вообще любовь пропитывает весь сериал, к лошади, к сыну, к дедушке с внучкой и ближнему. Ему удается передать акценты, не скатываясь в однобокую пряничность и чувства, тут также присутствует смерть и горе, но они не первичны. В картине целая плеяда маститых актеров которые играют как по мне отлично, но все таки главным героем всей картины тут служат не люди, а конь. Эта история жизни обычного животного которое волею судьбы пришлось на своей шкуре испытать все невзгоды и противоречия войны. Перипетии и трагичные смены новоиспеченных хозяев лошади, заканчивались трагично, что примечательно почти никто из персонажей не относился со злобой к лошади, даже в суровое и сложное время находились люди которым было жалко животных. Вспоминается цитата из книги ремарка .
Я еще никогда не слыхал, чтобы лошади кричали, и мне что-то не верится. Это стонет сам многострадальный мир, в этих стонах слышатся все муки живой плоти, жгучая, ужасающая боль. Мы побледнели. Детеринг встает во весь рост:
— Изверги, живодеры! Да пристрелите же их!
Детеринг — крестьянин и знает толк в лошадях. — Самая величайшая подлость, — это гнать на войну животных, вот что я вам скажу!
ервая мировая война очень сподвигла активную механизацию труда, но большинство населения мира еще жило лишь плугом, сохой и лошадью. Лошадь как символ достатка и хозяйственности у крестьян очень хорошо показано в фильме, как и подчеркивая другие мелочи, который несведомый человек даже не заметит.
Образ лошади убегающей от современных металлических машин предназначенных лишь для одной цели - убивать, ощущается как приятная и эффектная аллюзия, а высвобождение ее из колючей проволоки двумя противоборствующими сторонами и пожатие руки, одной из лучших сцен в фильме. 8 из 10.
Хранитель (2018).
Страна - Казахстан. Продолжительность - 1 ч 30 мин. Рейтинг - к.п. -- , IMDB 7.8.
Истекающая кровью Германия, советские солдаты добивают последние очаги сопротивления. Казахстанский боец красной армии, получает в дар от старенького немца кинопроектор с которым он и отправляется одержав победу к себе на родину. Явившись он обнаруживает, что за время его отсутствия ,жизнь пошла под откос, дом заброшен и заколочен досками, жена бросила, а родные умерли не дождавшись письма от сына. Трагичная, но не редкая история если подумать.
Эта трогательная, маленькая история, о маленьком человеке и огромной трагедии, личности, народа и страны. Старенький кинопроектор становится единственной отдушиной уже постаревшего старика, а он его хранителем. В ответ на его охранение, проектор является его единственным источником заработка и жизненным стимулом. Он посвятил полностью себя тем,что ездит по селам и аулам, демонстрируя кино, выдумывая сюжеты на ходу, там где озвучка на иностранном языке.
Кино пронизано Казахстанской культурой и колоритом, режиссер не пытается замахнуться на масштабы, политику и баталии, а снял обычное кино о обычном человеке. Доброе, теплое и уютное кино. Нашим кинематографистам пример бы взять. Подобные ленты смотрятся намного эффективнее и глубже чем безвкусные пострелушки типо Фильма Т-34 и девятаев. 7 из 10.
Мандарины (2013).
Страна - Эстония. Продолжительность - 1 ч 23 мин. Рейтинг - к.п. 8.1, IMDB 8.1.
Один из самых противоречивых фильмов в подборке. Небольшое эстонское село вблизи которого развернулось боевое столкновение двух противоборствующих групп, основная масса была убита, но осталось в живых два мужчины сражающихся по разные стороны баррикад. Местный дедушка столяр, занимающийся изготовлением ящиков для мандаринов, приютил и вылечил обоих, параллельно делая все, чтобы они не поубивали друг друга. Старенький дом с печкой, стал своеобразном демилитаризованной зоной, а дедушка если можно так выразиться миротворцем.
Кино очень камерное, сконцентрированная на четверке главных героев и доме столяра в котором и лечатся раненые солдаты. Тем не менее смотрится интересно, отличный каст, неплохие диалоги, снято правдо простенько по сериальному, но в целом отлично. Не зря он даже был номинирован на Оскар и получил охапку наград.
Кино весь свой хронометраж пытается привить зрителю человеколюбие и сострадание. Иносказательным образом в картине становятся мандарины отсылая нас к библии.
И взял Господь Бог человека, и поселил его в саду Эдемском, чтобы возделывать его и хранить его". ( Быт. 2. 5,15) Адаму было приказано охранять и возделывать эдемский сад. Днем - возделывать, ночью - охранять
Вот только не сад они охраняли, а двух солдат друг от друга. И по идее задача мандарин, показать нам, что нам не надо воевать, что это общая земля которая принадлежит всем и каждому и , что надо возделывать сады и объединятся общим трудом и помощью друг другу, но там где танцует война молчат оркестры. Картина тонкой нитью подчеркивает окраины своего человеколюбия, потому, что единственным негативным персонажем за весь фильм становятся русские, разворачивают кровавую бойню тоже русские, нарушают слово тоже они, уничтожают метафорический сад - они. Есть ли тут политота ? Я уверен, что да. Хотя режиссер подчеркивает свою аполитичность в интервью, но я ему почему то не верю. Не поймите меня неправильно, война это дело тонкое, там возможно любое событие и однозначно на каждой из сторон конфликта есть плохие люди, так и хорошие и возможно автор хотел нам показать абсурд и хаос творящийся во время конфликтов, но сделано это грубовато и контрастирует на фоне основного фильма и его посыла. 8 из 10.
Штаны (1997).
Страна - Франция. Продолжительность - 1 ч 41 мин. Рейтинг - к.п. 7.8, IMDB 7.6.
Это жуткая и немного абсурдистская история основанная на реальных событиях повествующая о нелепой череде случайностей случившихся на полях первой мировой войны. Солдату выдают штаны другого цвета в которых он и сражается, но новоиспеченному командиру это приходиться не по душе, что выливается в конфликт.
Это скромный, небольшой фильм который не может похвастаться эпическими баталиями и графикой, выглядят он довольно неказисто местами, но главное в нем не это. Лента повествует о обратной стороне армии и солдатской жизни и делает это в комедийно абсурдной форме. “Штаны” рассказывает нелицеприятную историю которая очерняет Французский генералитет и командование, показывает абсурдность и оторванность от жизни правителей и генералов их безразличие к жизням солдат и закостенелая канцелярщина.
После просмотра вызывая бессильную злобу и грусть. Особенно тоскливо наблюдать все это с точки зрения кино и художественного преувеличения. Оглушительной оплеухой служит в конце продемонстрированный памятник во Франции , посвященной этим событиям. 7 из 10.
Счастливого рождества (2005).
Страна - Франция. Продолжительность - 1 ч 51 мин. Рейтинг - к.п. 7.8, IMDB 7.7.
Фильм прекрасен тем, что он не делит людей на “хороших” и “плохих”, в отличии от мандарин который я описывал выше. Тут даже нету как таковых главных героев, главный тут каждый , он об обычных солдатах. В нем нету пафоса и гигантских бюджетов на графику и баталии, но он чрезвычайно душевный и добрый, но к сожалению не особо популярный.
Вкратце сюжет повествует о реальных событиях которые вошли в историю как “Рождественское перемирие”. 24 декабря 1914 года немецкие и британские солдаты на Западном фронте и частичной на Восточном, Первой мировой войны без каких-либо приказов , а скорее даже вопреки главнокомандующим, начали Рождественское перемирие. Оно продолжалось двое суток и сопровождалось обменом едой, сигаретами и пуговицами, даже играли в футбол. Такое взаимодействие и “Братание” между воюющими сторонами объясняется обычной человечностью, усталостью и бессмысленностью происходящего.
«Мы как раз готовились открыть по ним огонь, когда увидели, что у них нет винтовок, и тогда один из наших пошел им навстречу, и примерно через две минуты пространство между двумя линиями обороны было заполнено солдатами и офицерами с обеих сторон — они пожимали друг другу руки и желали друг другу счастливого Рождества. Я тоже пошел на нейтральную полосу и пожал руки некоторым их офицерам и солдатам. Из этого я сделал вывод, что большинство из них хотели бы вновь оказаться дома, как и мы — у нас целый день играли волынки и все ходили на открытом пространстве, ничего не опасаясь»
Люди не хотят воевать и убивать друг друга, авторы подчеркивают что обычным людям это не надо. Всеобщий праздник объединяет людей и радость становится сильнее смерти. Фильм не скатывается в сказку и сопли, и до последних минут остаётся серьезном и трагичной драмой о смертях и людях. 8 из 10.
Выбор Софи (1982).
Страна - США. Продолжительность - 2 ч 32 мин. Рейтинг - к.п. 7.8, IMDB 7.5.
Вторая мировая война и идущий с ней об руку холокост отразился гигантской раной на теле человечества и общества. Вторая мировая сломала и исковеркала миллионы жизней ни в чем не повинных людей. Главная героиня фильма как раз одна из таких. Софи удалось пережить холокост, но все, что ей удалось пережить отразилось на ней и ее психике.
Это душераздирающая история о до невозможности тяжелом выборе который представилось выбрать главной героине будучи помещенной в конц. лагере. Выбор между злом и злом, между смертью и смертью и последствия которые отразились на душе у человека после пережитого.
Вопрос: «Скажи мне, где в Аушвице был бог?»
И ответ: «А где был человек?»
В фильме помимо сомнительных и ненужных сцен и моментов, все на высоком уровне. Отдельную похвалу вызывает актерская игра, она просто великолепная. Снято все в мрачных и гнетущих тонах, а фильм полон трагедии и чувства безысходности. Не понравилось, что фильм немного затянут и почти все держится на буквально паре сильных сцен. Любовный треугольник лишний и глупый ка как по мне. Фильм наверно больше подойдет сентиментальным и чутким женщинам, потому, что тут раскрывается именно женское горе. 7 из 10.
Спасибо вам за любую активность под постом, буду рад советам и критике. Скоро увидимся, всех обнял. Кому интересно вот ссылка на мой кинориум, буду рад новым друзьям.
Дракула от студии Hammer! (Часть 2)
Сегодня нас ждут три классических фильма про Дракулу с Кристофером Ли в главной роли! Это были времена расцвета студии, золотая эра фильмов ужасов. Заодно расскажу про отсылки к творчеству Hammer в серии Castlevania.
Конвейер Hammer
В 1967 году вышел один из главных фильмов про кровососов – “Бал вампиров”. Он не имел отношения к Hammer, но его снял, пожалуй, самый большой фанат студии – Роман Полански. Культовый режиссёр не просто скопировал стиль Теренса Фишера (автор трилогии Дракула), он раскрыл вампирскую тему на совершенно другом уровне. Роман Полански смог создать потрясающую готическую атмосферу, продуманную мифологию и необычный для своего времени сюжет. “Бал вампиров” был фильмом вне жанра, ему удавалось одновременно быть страшным и смешным, завораживающе красивым и сексуальным.
Фильм ждал абсолютный провал в Голливуде, но в Европе его встретили намного теплее. В 60-е фильмы Hammer стали синонимами ужастиков про вампиров, поэтому во времена без интернета многие критики причисляли “Бал вампиров” к Hammer. Более того, Ферди Мейн, исполнивший в “Бале вампиров” роль графа фон Кролок, снялся в хорроре Hammer “Любовницы-вампирши”.
“Бал вампиров” подводит черту под ранней Hammer, ведь студия перешла на конвейерное производство хорроров. Hammer запускала сразу несколько фильмов в производство, используя одинаковых актёров, членов съемочной группы и декорации. Общие панорамные кадры могли быть отсняты для одного хоррора, и найти применение в совершенно другом фильме.
Главная звезда “Дракулы” Кристофер Ли был недоволен таким подходом. Он просил сделать фильмы ближе к роману Брэма Стокера и желал увеличения гонорара. Hammer пыталась шантажировать актёра, и босс студии умолял сняться Кристофера Ли, ведь права на прокат нового Дракулы уже проданы американцам. Без Кристофера Ли всех актёров и съёмочную группу уволят.
Актёр неохотно возвращался и соглашался сниматься, только если его роль сильно сократят. Поэтому в фильмах Hammer всегда есть “злодей на один фильм”, а Дракула не так часто мелькает на экране. Для Кристофера Ли самой большой трагедией было то, что он так и не сыграл того самого графа Дракулу Брэма Стокера. В 1970 году его мечта исполнилась.
Итальянский фильм “Граф Дракула” сейчас имеет не самые высокие зрительские рейтинги, но при этом является одной из самых точных экранизаций романа Брэма Стокера. Кристофер Ли блестяще справился с ролью и сыграл совершенно другого графа. К наступлению 1970 года в кинематографе произошло перенасыщение фильмами про вампиров. Кроме “Граф Дракула” в 1970 вышли “Вкус крови Дракулы” и “Шрамы Дракулы”. Везде Кристофер Ли играл главную роль, а ведь ещё были “Любовницы-вампирши” и фильмы других студий. Перенасыщение, в конечном счёте, заставит Hammer искать новые способы рассказывать хоррор-истории. Ну а мы, наконец, перейдём к обзору.
Дракула восстал из могилы (1968)
Режиссёр – Фредди Фрэнсис
Тень замка Дракулы снова нависла над Трансильванией. После жестокого убийства, произошедшего в церкви, местные жители утратили веру. Святой отец находится на грани безумия, и, кажется, что сам Бог оставил это проклятое место… Но выход есть! Монсеньёр, по имени Эрнст Мюллер, готов спасти ситуацию и запечатать адский замок Дракулы. Мюллер и священник незамедлительно выдвинулись на эту опасную миссию. К несчастью, подъём в горы оказался слишком тяжёлым для святого отца. Поскользнувшись, он разбил висок, и его кровь попала в реку, где мирно спал Дракула. Теперь местным жителям придётся разобраться с кризисом веры, а Дракуле решить жилищный вопрос.
Картину должен был снимать Теренс Фишер, но он попал в автокатастрофу и был вынужден оставить режиссёрское кресло Фредди Фрэнсису. Но влияние Фишера чувствуется на протяжении всего фильма. В “Дракула восстал из могилы” замок является проклятым местом, несущим безумие и смерть. Тема утраты религии характерна для поздних работ Фишера. Мне понравилось, как оператор смог отразить невидимое проклятие. Когда героям грозит опасность, по краям кадра появляется еле заметная рамка красного или жёлтого цвета.
Интересной особенностью данной ленты стала падение во тьму. Эван Хупер смог отлично показать опустившегося человека, попавшего под влияние графа. Со своими ролями отлично справились Барри Эндрюс (Пол) и Вероника Карлсон (Мария). Пол – разгильдяй и атеист, отлично контрастирует с серьёзными и пафосными персонажами предыдущих картин. Мария – невинная, ответственная и невероятно сексуальная цель Дракулы.
“Дракула восстал из могилы” без сомнения хороший фильм, но он не дотягивает до трилогии Теренса Фишера. Ужасный финальный бой всё портит. Смерть Дракулы выглядит скорее комично, чем страшно. Хуже всего, что сцену смерти графа вставили в начало следующего фильма франшизы...
Имя Мария сразу отсылает нас к Марии Ренар – одному из главных персонажей Castlevania. Впрочем, большинство фанатов считают, что её образ был взят из фильма Франкенштейн (1931 года). Тема обречённости отлично раскрыта в Castlevania II: Simon's Quest, где Саймон Бельмонт вынужден воскресить Дракулу ради победы над проклятьем. Замок Дракулы является, без сомнения, важнейшей частью мифологии Castlevania. Замок был запечатан после финальной битвы с графом. Эти события освещаются в мини-серии Sorrow.
Вкус крови Дракулы (1970)
Режиссёр – Петер Шашди
Тяжело быть богачом… Лучшие блюда, элитный алкоголь и запрещённые препараты со временем приедаются. Даже самые развратные эскортницы Лондона не могут удовлетворить уважаемых господ. Всё со временем надоедает… Клубу британских богачей срочно нужна новая кровь. Главным кандидатом становится юный лорд Кортли. Он познал искусство любви на таком уровне, что работницы борделей оплачивают все его счета. Кортли – тёмный маг и знает секрет удовольствий недоступных этому миру. Только за всё приходится платить. В напитке, что приготовил лорд, находится прах самого графа Дракулы и ужасное проклятье коснётся уважаемых лондонских господ. Тяжело быть богачом…
Для Ральфа Бейтса данная роль могла быть прорывной. Дело в том, что в первоначальном сценарии фильма отсутствовал граф Дракула. Кристофер Ли отказался от участия в фильме, и главным вампиром должен был стать персонаж Ральфа Бейтса. Но в ситуацию вмешалась Warner Bros – американский прокатчик картины. Без Кристофера Ли никакого проката в США, поэтому актёру пришлось вернуться к роли. Ральф Бейтс смог великолепно вжиться в роль и раскрыть характер лорда Кортли. Загадочный, безумный тёмный волшебник, готовый без раздумий отдать свою жизнь, чтобы воскресить хозяина, запомнился мне на долгие годы.
Без сомнений, “Вкус крови Дракулы” – мой любимый фильм в серии. Мне нравится, что персонажами фильма являются отрицательные герои. Богачи переполнены пороками, за что получают ужасное наказание. Данный фильм отлично развивает мифологию франшизы. Тёмный ритуал отсылает нас к “Невестам Дракулы” и показывает происхождение вампиров.
В фильме показано, что даже вещи Дракулы несут в себе опасность. Именно во “Вкусе крови Дракулы” впервые показано кольцо графа, которое сыграет большую роль в продолжениях. Возможно ему не хватает эстетики и проработки экшен-сцен, присущих лентам Теренса Фишера, но потрясающая атмосфера непрекращающегося кошмара и безысходности делает своё дело.
Название ленты сильно напоминает Castlevania: Rondo of Blood. Кровавый ритуал в начальной заставке игры также отсылает нас к событиям фильма. Идея с мощами Дракулы впервые использовалась в Castlevania II: Simon's Quest и впоследствии была во многих играх серии, включая легендарную Castlevania: Symphony of the Night.
Шрамы Дракулы (1970)
Режиссёр – Рой Уорд Бейкер
Феодальный уклад жизни нравится далеко не всем. Местные холопы после вечерней пьянки разгорячились настолько, что сожгли замок графа. Ручная летучая мышь Дракулы была в шоке. Бедный рукокрылый бросился к постели хозяина, но от избытка чувств зверя стошнило прямо на графа. Это событие ознаменовало возвращение в мир кровавого лорда.
На этом фильме конвейер Hammer дал сбой. Warner Bros отказалась финансировать и продвигать ленту в Америке. “Шрамы Дракулы” должна была стать перезапуском серии, с новым актёром в главной роли. Сценарий создавался в спешке, основная идея заключалась в более точной экранизации романа Брэма Стокера. Но этим планам было не суждено сбыться. В США ждали Кристофера Ли – бессменного графа.
Попытка привязать “Шрамы Дракулы” к серии закончилась не особо удачно. Складывается такое ощущение, что создатели пропустили один фильм. Меня постоянно не покидало чувство, что я всё это уже где-то видел. Так в ленте неожиданно появляется слуга графа по имени Клов, прямо как в фильме “Дракула: Князь Тьмы”, только это совершенно другой Клов, никак не связанный со старым персонажем. Убийство в начале фильма отсылает нас к “Дракула восстал из могилы”, и вообще создаётся ощущение, что весь сюжет сшит белыми нитками. Я даже не понял, как на этот раз восстал Дракула…
“Шрамы Дракулы” – это воплощение того, во что превратилась студия Hammer в начале 70-х. В фильме очень много жестокости и экшен сцен – кровавый аттракцион на один раз. Меня порадовал возросший масштаб событий. Hammer потратилась на спецэффекты, и замок Дракулы выглядит бесконечным. В фильме снялся Патрик Траутон – легендарный исполнитель роли второго Доктора в сериале «Доктор Кто».
Ручная боевая летучая мышь – одна из редких находок ленты. Мышь замочил больше народу, чем сам Дракула и ушёл непобежденным. Среди фанатов Hammer до сих пор ходят теории, что это было. Многие считают, что это был сам Алукард из “Дракула, год 1972”, впрочем, каких-то подтверждений этой версии я не нашёл.
Летучие мыши стали одним из символов Castlevania. Как правило, это бесконечные враги, пытающиеся взять числом. Giant Bat – первый и один из самых известных боссов серии. Количество воплощений этого босса просто зашкаливает. Тёмнокрылая, золотая, фантомная… Перечислять виды летучих мышей можно очень долго. Наконец, Алукард и Сома Круз умеют сами превращаться в летучих мышей.
Таков был расцвет Hammer. Следующая статья точно станет последней в цикле про Дракулу. К этим фильмам можно по-разному относится. Мне нравится их трешовый настрой. Но дальше – больше, ведь Дракула отправится в наше время и заодно посетит Китай. Если этот цикл зайдёт, я выпущу продолжение, посвящённое другим фильмам Hammer. Желаю каждому такого верного питомца, как у Дракулы! А на сегодня – всё!
Друг познается в чате
«Чат на чат» — новое развлекательное шоу RUTUBE. В нем два известных гостя соревнуются, у кого смешнее друзья. Звезды создают групповые чаты с близкими людьми и в каждом раунде присылают им забавные челленджи и задания. Команда, которая окажется креативнее, побеждает.
Реклама ООО «РУФОРМ», ИНН: 7714886605
Дракула от студии Hammer! (Часть 1)
Я посмотрел 9 классических фильмов о Дракуле с Кристофером Ли в главной роли! Насколько хорошо сохранились эти фильмы? Кого могут напугать сегодня? Попробую разобраться! Заодно расскажу об отсылках в серии Castlevania.
Вступление
90-е были удивительным временем. В детстве я просто обожал смотреть хорроры и часто даже не понимал, в какой хронологической последовательности выходили фильмы. Я пугался, радовался появлению и поражению любимых монстров и просто получал удовольствие от знакомой формулы. Мне было абсолютно всё равно, какую часть “Кошмаров на улице Вязов” смотрю – ведь я знал, как всё закончится.
Более того, даже отдельные фильмы про монстров складывались в единые серии. Я часто пересматривал “Дракулу” от Форда Копполы, но при этом для меня было абсолютно очевидно, что это всего лишь один из фильмов серии. Странные, сексуальные, старые фильмы про Дракулу будоражили мое воображение. Я отлично помню сцену, в которой группа аристократов посещала бордель и пыталась провести ритуал в церкви, чтобы испытать наслаждения, недоступные смертным. Определённо, про Дракулу существует штук 30 фильмов, складывающихся в отдельную вселенную!
Недавно я решил пересмотреть “Звёздные войны” и, заодно, загуглить биографию графа Дуку, которого блестяще сыграл легендарный Кристофер Ли. Для меня стало шоком, что один актёр сыграл графа Дуку, Сарумана, а также того самого Дракулу из моего детства! Так что выбора, кроме как посмотреть все 9 фильмов про Дракулу от студии Hammer, у меня не было! (Пускай “Дракула” от Копполы туда и не входит.)
Моё увлечение вампирами распространялось также и на видеоигры. На каждой консоли, на которой я играл, у меня был картридж/диск с Castlevania. Марио, Соник, Крэш ассоциировались с конкретными приставками, а вот Castlevania была всегда. Абсолютно каждая Castlevania была крутым платформером или метроидванией.
Konami не делала плохих игр (как же больно это писать). Начав свой марафон, я нашёл множество отсылок в Castlevania к фильмам Hammer, и было бы круто про них написать. В общем звёзды сошлись, а это значит, что статье быть!
Дракула (1958)
Режиссёр – Теренс Фишер
Джонатан Харкер решился на переезд ради работы в библиотеке старого графа. К несчастью Харкера, граф оказывается могущественным вампиром и посланником Сатаны в нашем мире… Но не спешите отчаиваться! Ведь настоящая профессия Джона вовсе не библиотекарь. Харкер – опытный убийца вампиров и ученик самого Абрахама Ван Хельсинга! Эта схватка будет легендарной!
Первый фильм серии – настоящая классика хорроров! К 1958 году уже существовало несколько адаптаций романа Брэма Стокера, поэтому студия Hammer не стала точно следовать сюжету книги и больше сосредоточилась на экшен-составляющей. Зритель и так знает, кто такой граф Дракула, поэтому нет смысла затягивать повествование.
Ещё одной отличительной особенностью фильма стала жестокость. Теренс Фишер не стеснялся показывать зрителю кровавые и сексуальные сцены. Конечно, по сравнению с современными хоррорами, “Дракула” 1958 года выглядит слишком наивно и театрально, но всё вытягивает блестящая актёрская игра. Кристофер Ли смог создать по-настоящему запоминающийся образ древнего, опасного и безжалостного хищника. Дуэт Кристоферу составил ещё один легендарный хоррор-актёр – Питер Кушинг. Его герой – Абрахам Ван Хельсинг – мудр, бесстрашен и хитёр.
Мне понравился “Дракула” 1958 года. Да, фильму не хватает спецэффектов и он слишком далеко от оригинала, но у него есть свой шарм. Кино не пытается объяснить происхождение и способности графа, но это нормально для хорроров тех лет. К 1958 году вышло не так уж много цветных ужастиков, и студия Hammer смогла поймать волну.
Забавно, но Кристофер Ли не планировал вечно играть Дракулу. Желая распрощаться с образом, он снялся в комедии «Трудные времена для Дракулы», где сыграл пародийную версию вампира. Тем не менее Ли продолжил играть в фильмах студии. Из значимых ролей я могу отметить монстра Франкенштейна, Распутина и, конечно же, криминального гения Фу Манчу.
Castlevania не так сильно завязана на событиях первого фильма. Студия Konami черпала вдохновение во вселенной ужасов Hammer. Так в Castlevania появляются: монстр Франкенштейна, Горгона, Мумия и, конечно же, сам граф Дракула. В хоррорах от Теренса Фишера герои часто любят перекидываться подсвечниками, это нашло отражение в игре. Уничтожение подсвечников – важная часть любой игры серии Castlevania. Кроме того, в Castlevania, в качестве дополнительного оружия, встречаются крест и святая вода.
Невесты Дракулы (1960)
Режиссёр – Теренс Фишер
Очаровательная Марианна всегда мечтала стать учительницей, и её заветное желание было так близко… Но новый работодатель решил сэкономить на билетах, поэтому девушка застряла в горах Трансильвании. От холодной смерти на улице Марианну спасла местная аристократка баронесса Майнстер. Но в замке обнаружилось, что у баронессы есть сын-сыч, которого держат на цепи и никуда не выпускают. Теперь Марианне предстоит разобраться в семейных отношениях Майнстер и найти выход из замка.
Этот фильм мне понравился даже больше первой части, хотя в нём нет Кристофера Ли. Режиссёр Теренс Фишер смог прекрасно проработать готическую атмосферу замка Майнстер. Первая треть фильма отлично выдержана, зритель не сразу понимает, кто главный злодей, и что произошло в поместье Майнстер.
В “Невестах Дракулы” мы смогли увидеть детали и законы вампирского мира. Так первое обращение в вампира происходит после чёрной мессы, совершенной плохими людьми. В фильме отлично показано умения вампиров. Они могут гипнотизировать своих жертв и обращаться в летучих мышей. Ещё одна интересная деталь мира – Ван Хельсинг исцеляется от вампирского укуса с помощью раскалённого серебра.
“Невесты Дракулы” – это более сексуальный и смелый фильм. Во многом этому способствовал блестящий актёрский состав. Питер Кушинг выложился на все 300% и буквально вжился в роль Абрахама Ван Хельсинга. Дэвид Пил отлично исполнил роль барона, ему удалось раскрыть сексуальную сторону вампирского мира. Ивонн Монлор была очаровательна в роли наивной Марианны.
Идея с молодым и прекрасным Дракулой активно использовалась Konami для игр Castlevania, выходивших на четвёртом поколении приставок (Castlevania: Bloodlines, Super Castlevania). Стальная цепь, в качестве оружия, напоминает кнут, который использовала семья Бельмонт для борьбы с нежитью. Образ Элизабет Бартли из Castlevania: Bloodlines был позаимствован с невест Дракулы.
Дракула: Князь Тьмы (1966)
Режиссёр – Теренс Фишер
Группа туристов застряла в Трансильванских горах, но привыкшие к комфорту аристократы смогли быстро найти замок. В нём они отыскали еду, алкоголь и ночлег. Увы, в нашем мире не бывает ничего бесплатного, и аристократам всё-таки придётся заплатить кровью.
Легендарное возвращение Кристофера Ли к роли Дракулы, и лучший фильм из трилогии Теренса Фишера! Во многом перед нами попытка переосмыслить оригинальный роман. Мне понравилось, что главным антагонистом фильма является дворецкий Клов, который пытается воскресить своего господина. Связано это было с недовольством Кристофера Ли сценарием. Актёр смог добиться сокращения своей роли, и на протяжении всего фильма ни слова не произносит.
Удивительно, но такой подход положительно сказался на атмосфере. Появление Дракулы – это всегда праздник, он напоминает дикого зверя, одержимого жаждой крови. Из актёрского состава мне хочется отметить Эндрю Кейра, который смог блестяще исполнить роль отца Шандора.
Больше всего мне понравилась одержимость обычного смертного в желании услужить своему господину. Дракула – это монстр, а вот Клов – человек, прекрасно осознающий свои поступки. Теренс Фишер смог отлично проработать финальную битву. Такое ощущение, что сама природа восстала против злодеяний Дракулы.
Тема с ритуалами для возрождения Дракулы активно эксплуатировалась Konami. Проще назвать игры серии Castlevania, в которых не было ритуала. Но мне больше всего нравится сцена из Castlevania Chronicles.
В следующей серии
Ну вот и всё, мои маленькие кровопийцы. В следующей части я напишу о конвейере Hammer и закате великой студии. Нас ждут такие хиты как: “Дьявольские обряды Дракулы” и “Вкус крови Дракулы”. Если эти статьи окажутся удачными, я расскажу о Трилогии Карнштайн и других вампирских фильмах Hammer – кровавых, сексуальных и просто трешёвых фильмах. Fin.
Использованы футожи: xRavenXP, NintendoComplete