Творчество Михаила Ивановича Глинки (1804 –1857) оказало серьёзное влияние на многих русских композиторов, чьими именами и музыкальными произведениями гордится наша Родина – в их ряду М.П. Мусоргский, А.П. Бородин, П.И. Чайковский, Н.А. Римский-Корсаков.
Михаил Глинка родился в Смоленской губернии 20 мая (по новому стилю – 1 июня) 1804 года.
В возрасте десяти лет мальчика стали обучать игре на фортепиано и скрипке. В 1818 году Глинка начал учёбу в Благородном пансионе Петербургского педагогического института.
Здесь он сочинил свои первые романсы, пользовавшиеся уже тогда большой популярностью.
Окончив учебное заведение, Глинка поступил на государственную службу, но вскоре оставил казённое место, решив посвятить себя музыке.
В 1822–1823 годах М.И. Глинка написал широко известные романсы и песни: «Не искушай меня без нужды» на стихи Е.А. Баратынского, «Не пой, красавица, при мне» на стихи А.С. Пушкина и другие. В те же годы он познакомился с В.А. Жуковским, А.С. Грибоедовым. После путешествия на Кавказ Глинка отправился в Италию, а затем – в Германию. Под впечатлением от произведений итальянских композиторов Беллини и Доницетти менялся музыкальный стиль Глинки.
Вернувшись в Россию, Глинка с усердием работал над национальной оперой «Иван Сусанин» («Жизнь за царя»). Её премьера в 1836 году в Большом театре Петербурга снискала великий успех и была отмечена Николаем Первым – в следующем году Глинка получил назначение капельмейстером придворной певческой капеллы.
Премьера следующей оперы Глинки «Руслан и Людмила», которую он создавал на протяжении нескольких лет, прошла в 1842 году, но не была столь громкой и успешной. Негативные отзывы критиков, глубокие личные переживания подтолкнули композитора к отъезду во Францию и Испанию; затем он провёл вдали от Родины с небольшими перерывами около 10 лет. Многие яркие свои произведения Михаил Иванович написал во время заграничных поездок – симфоническая фантазия «Камаринская» написана им в 1848 году в Варшаве.
Определённое время Глинка преподавал в Петербурге, после возвращения в Россию в 1854 году работал над мемуарами. Под его влиянием сформировалась русская музыкальная школа. По мнению художественного критика В.В. Стасова, Пушкин и Глинка «создали новый русский язык – один в поэзии, другой в музыке».
К 220-летию со дня рождения Михаила Ивановича Глинки РГАКФД публикует сюжет 1954 года: в Москве, в Большом театре широко и торжественно отмечалось тогда 150-летие великого русского композитора.
Вы когда-нибудь задумывались о том, как собирают эти огромные декорации для Большого Театра?
Однажды я задался этим вопросом, потому что просто не понял, как их можно затащить в этот зал. Неужели каждый раз их собирают и разбирают на месте? Наверняка, это было бы большой морокой. К счастью, совсем недавно наша компания поставила покрасочную камеру для Большого театра, что позволило нам поподробнее узнать о том, как выглядит этот процесс. Сейчас и вам расскажем!
Как делали декорации раньше?
Когда мы смотрим на грандиозные постановки, мы редко задумываемся, насколько большая работа проделывается за кулисами театра. Тем не менее, команда, которая занимается подготовкой декораций, зачастую не меньше, чем та, что участвует в самой постановке. И работа этой команды не менее важна. Сейчас мы поподробнее поговорим о том, как выглядела и оформлялась сцена в разные эпохи театра. Начнем с Древней Греции.
Театр Диониса в Афинах в римское время
Центральным местом театра была орхестра — круглая площадка для выступлений артистов.
Позади орхестры находилось помещение для актеров, называемое скеной. С усложнением архитектуры греческих театров роль скены возрастала. К ней пристраивали параскении — специальные сооружения для улучшения акустики. Передняя часть скены служила для крепления декораций. На ней рисовали фасад античного храма для трагических постановок или жилой дом, если ставили комедию.
Актеры комедии носили яркие костюмы и маски, хор часто изображал животных. Одежды и декорации в комедийных постановках были нарочито нелепы, ведь каждая деталь должна вызывать смех.
С падением Римской империи и расцветом христианства лицедейство начнет порицаться. В течение Средневековья актеры объединялись в бродячие труппы, чтобы выступать на ярмарках и фестивалях. Тем временем в противовес язычникам церковь начинала развивать жанр литургической драмы. Так назывались службы, где посредством диалога представлялись сцены из священных писаний. С развитием жанра театр стал неторопливо возвращаться в общество.
Средневековый театр на "паперти". В 1210 литургические драмы изгнали из церкви, но не запретили. Поэтому драмы показывали на площадях.
Театр в прежнем виде вернулся в эпоху Ренессанса, как придворные постановки. В Италии переводят античные пьесы и пытаются в прежнем виде возродить амфитеатры.
В то же время в Англии в 1558 году Елизавета I приходит к власти и издает указ, согласно которому бродячие актеры теперь должны обязательно стать участниками труппы под покровительством знатных людей. Таким образом, театры "легализуют". В 1599 году строится театр "Глобус", где ставит постановки труппа Шекспира.
«Глобус» и остальные публичные театры выглядели как круглые или восьмигранные башни. Внутри была овальная площадка, на которой располагалась сцена на высоких подмостках.
Из этих подмосток в зависимости от сюжета появлялись привидения (вспоминаем Гамлета и дух его отца). Этот помост также подразумевал ад, куда попадали грешники. Сама сцена интерпретировалась, как земная жизнь, а балкончик над ней — небеса. Позади помоста располагались двери и лоджия. Они также использовались для мизансцен, например, когда Ромео приходит к балкону Джульетты. Еще одной особенностью общественных театров является отсутствие крыши. Актеры всегда выступали днем (примерно в 12-13 часов), потому что им требовалось естественное освещение.
Мизансцена в театре "Глобус". Декорации отсутствовали, поэтому место действия обозначали с помощью "титлов" - табличек с обозначением места.
В публичных театрах не было занавеса или кулис. В трагедиях Шекспира нередко кто-то умирал. Как убрать со сцены труп? Для этого драматург добавлял специальные реплики героев или действия, чтобы под таким предлогом унести «мертвого» персонажа со сцены.
Ближе к 19-20 веку театры выглядят примерно также, как и сегодня. Постановки, а, следовательно, и технологии, усложняются. Чтобы постановка удалась за сценой трудятся огромное количество людей: художники-модельеры, декораторы, костюмеры, реквизиторы, машинисты и т.д. Не стоит думать, что все это бесславная, механическая работа, в отличие от актера, танцовщика или оперного певца. Многие знаменитые художники в разное время занимались тем, что рисовали декорации для театра.
Например, Пабло Пикассо создал декорации к знаменитому балету «Треуголка». Кстати, хореографом балета был Леонид Мясин, бывший танцовщик Большого Театра, а на тот момент популярный на западе балетмейстер. Что интересно, в последствие балет так сильно повлиял на Пикассо в, что позже он в своем творчестве ушел от минимализма и увлекся театральностью. То есть не только знаменитый художник может повлиять на театр, но и наоборот, театр на художника.
Пикассо и Мясин
Также известным декоратором в свое время был Сальвадор Дали. Эта сфера так увлекла его, что в конце концов он занялся уже непосредственно созданием балетных постановок совместно с Леонидом Мясиным. Одну из постановок - "Вакханалия" - репетировали в Париже в самом начале Второй Мировой Войны. Эскизами костюмов занималась Коко Шанель. Коко спешила, но немцы на фронте, видимо, спешили сильнее.
1/2
Так выглядела "Вакханалия" Дали
Труппа, в итоге, выступала в костюмах Барбары (Варвары) Каринской, российской художницы костюмов, которая позже станет лауреатом премии "Оскар" за лучший дизайн костюмов к фильму "Жанна Д'арк".
Как делают декорации сегодня? Пример Большого театра
На данный момент декорации для Большого театра делаются в действующих мастерских.
В одну из таких мастерских нам удалось попасть
Процесс изготовления декораций начинается с художника и режиссера. Именно они придумывают концепцию спектакля. Так получается эскиз. Это может быть, как компьютерный макет, так и уменьшенная натуральная копия будущих декораций. После материал передается художникам, конструкторам и технологам. Весь процесс производства делится на составляющие части. Здесь решается, как и из чего будут делаться декорации, создаются габаритные и конструктивные чертежи.
Затем начинается сам процесс изготовления. Для этого существуют несколько цехов: живописно-декорационный, слесарный, столярный и бутафорский. Это основные площадки. Также есть цех цифровой и 3д-печати.
Большинство декораций собираются из металла. После того, как металлические конструкции сварили, их отдают в бутафорских цех на техническую окраску. После окраски их отдают в столярный цех, где металло-каркасы обшивают фанерой либо сотовым поликарбонатом. Он широко используется, потому что у него маленький вес.
1/2
Так металло-каркасы выглядят при сборке, еще до обшивки
Потом все декорации возвращаются в бутафорский цех, где идет противопожарная обработка, оклейка тканями, шпаклевка, нанесение фактуры. В самом конце художники-бутафоры уже расписывают изделие в тот вид, в котором он будет существовать на сцене.
Параллельно с этим существует декорационный цех, который, как и 30 лет назад, традиционно занимается тем, что "пишет" мягкие декорации, классические задники.
Такое пробовали делать с помощью цифровой печати, с помощью принтеров. Но результат оказался не таким, каким хотелось бы. Поэтому живые художники без работы не остались.
Позже декорации прибывают в Большой театр, где ожидают своего момента на складах. Для этого од землей располагается еще шесть подземных этажей. Перед показом декорации на лифтах поднимаются прямо на сцену.
Кстати, мы спроектировали и поставили Большому Театру складную покрасочную камеру, с помощью которой красят конструкции для декораций! Подробнее о том, как декорации собирают и окрашивают, можно узнать в ролике о нашей поездке в мастерскую Большого Театра:
10 января 2024 года ушла из жизни советская и австрийская оперная певица (сопрано), лауреат премии РСФСР, золотой тембр и голос Большого театра СССР Тамара Милашкина. Слушаем и провожаем....
Первый раз я смотрела «Мазепу» в далёком 1998 году.
Мы нашей студенческой компанией в очередной раз приехали в Питер и просто шли по Невскому. Уже к тому времени казалось, что всё возможные музеи и достопримечательности города и окрестностей исхожены, «отфотканы» и осмотрены не по одному разу.
На Невском наше внимание привлёк билетный киоск и огромная афиша на нём «Звёзды белых ночей на сцене Мариинского театра».
Не питая особых надежд, ведь в театр попасть это всегда не просто, спросили есть ли билеты на даты нашего пребывания. Ведь мотались мы в Питер на короткие отрезки, зачастую на выходные совпадающие с праздниками. Ночь в поезде и ты на месте. И нам повезло. Были четыре билета на «Мазепу». Единственный минус два на балконе и два в партере, пришлось разделиться. Что немаловажно, цена билетов была на уровне посещения музея, то бишь не заоблачная и вполне по карману уже работающим студентам.
У меня от постановки, костюмов, декораций, голосов, танцев был полный восторг.
***
Небольшое отступление.
С течением времени театральные постановщики стали тянуть на сцену всю ту грязь и чернуху, которая окружает нас в жизни. Эти постановщики де так осовременивают классику, якобы это привлекает внимание молодой публики и как-то воспитывает её. Ну не знаю, как может воспитывать сцена где актёр в семейных трусах и майке алкоголичке, а его партнёрша в комбинашке. Или, когда на авансцене унитаз и прочее сопутствующее отхожему месту и это постановка, где в либретто описан средневековый замок, красивый парк, явление ангела.
Я лютый противник такого осовременивания классических произведений, и если решаюсь на вылазку в театр внимательно читаю описание спектакля. Не хочу я видеть на сцене непотребство, я это каждый день вижу вокруг, а в театр я иду за прекрасным.
К чему это отступление скоро станет ясно.
***
В силу многих обстоятельств последний раз в Большом я была в 2021 в разгар ограничений. Большой при 50% заполняемости это специфично. Показывали тогда «Баядерку». А до этого в 2018 ходила на «Спартак». Да дорогое удовольствие и чаще не по карману.
Однако «зуд тяги к прекрасному» он не проходит, и я нашла билет со скидкой на хорошее место на прошедшее воскресенье 15 октября. В этот день была та самая опера П.И.Чайковского «Мазепа». Я намеревалась уйти со второго действия, ведь вновь постановку решили осовременить, и только первая часть соответствует той эпохе, когда происходят события.
Первая часть была прекрасна. Всё как я люблю, декорации, костюмы, танцы, голоса. Даже оружие не бутафорское, блеск и лязг настоящих сабель, тяжесть в ножнах артистов создали тот самый антураж, что обычно завораживает и уносит из реальности.
Для себя решила, что на начало второго действия гляну и если вызовет отторжение тихонечко уйду.
Во втором действии эпоха сменилась, но постановка не отпустила. Словно естественным образом предательство и трагедия перетекли из царской России в Россию революционную.
А сцена расстрела Кочубея, на мой взгляд кульминационная во всей постановке.
Решила была не была, авось третье действие не испоганит общее впечатление от первых двух.
Я понимаю, что во многом решающую роль сыграла наша сегодняшняя не простая обстановка, что именно происходящие уже более года события отозвались и зацепили меня. У каждого в зависимости от личного персонального восприятия, происходящего будет свой собственный отклик на сюжетное решение. Но равнодушным остаться невозможно.
***
Есть конечно моменты, на мой вкус лишние, не стоило вывешивать и вращать над сценой лошадей и кинохроники на мой вкус многовато, как мне кажется и без неё вполне ясен логических ход событий.
И если уж третье действие переносит зрителя в настоящее, возможно стоит подумать над рокобаботкой классической версии. Тогда сошлось бы всё воедино.
Но это лишь моё мнение.
Если кто-то соберётся на эту постановку не пожалеете, она того стоит.
пы.сы.
А ещё хотелось бы, что бы какой-нибудь телеканал совместно с Большим театром создал телеверсию этой конкретной постановки оперы «Мазепа», увидеть её в театре доступно не всем, а увидеть стоит.
(съёмка контрабандная, потому качество шлак, годное лишь для затравки сходить и посмотреть)
87 лет назад родился талантливый танцовщик, покоривший в своё время Большой театр, а вместе с ним и весь мир, балетный педагог, актёр Марис-Рудольф Эдуардович Лиепа (1936-1989). Поклонники балета, знакомые с биографией Мариса Лиепы, знают, что именно Большой театр был любовью всей его жизни, был его трамплином на мировой уровень, и он же разбил сердце артиста. После вынужденного и драматичного ухода из Большого Лиепа выпустил автобиографическую книгу «Я хочу танцевать сто лет», но, увы, его сердце остановилось, когда выдающемуся танцовщику было всего 52...
Предлагаю вашему вниманию адажио из 2-го акта ставшего звёздным для Лиепы балета А. Хачатуряна "Спартак" в постановке Ю. Григоровича. Танцуют М. Лиепа и М. Плисецкая.
Специально для поклонников балета! Артисты Большого театра Майя Плисецкая и Александр Богатырёв исполняют хореографическую миниатюру под "Ноктюрн" Фредерика Шопена.
Думаю, даже если вы не большой поклонник балета или танцевального искусства, этот необычный номер вас покорит! Артисты балета Большого театра Нина Сорокина и Юрий Владимиров исполняют хореографическую миниатюру на музыку Николая Каретникова "Деревенская рапсодия".
Фрагмент фильма-концерта "Хореографические новеллы". ТО Экран, 1988 г.
Сегодня, 18 апреля свой 83-й день рождения празднует выдающийся артист балета, балетмейстер, народный артист СССР Владимир Васильев. С 1958 по 1988 годы он был ведущим солистом Большого театра СССР, в котором станцевал почти все главные партии в классических и современных балетах. А его постоянной партнёршей и спутницей жизни была потрясающая балерина Екатерина Максимова, в дуэте с которой были исполнены лучшие партии Васильева. Их дуэт долгие годы был символом Большого театра и всего советского балета. Посмотрите, как талантливо Владимир Викторович "рисует" своим танцем образ Нарцисса в одноимённой хореографической миниатюре на музыку Николая Черепнина. Хореография Касьяна Голейзовского.