Константин Коровин
Гениальный колорист, первый импрессионист России!
Гениальный колорист, первый импрессионист России!
Тысячи шедевров мировой живописи в шикарном разрешении, галерея постоянно пополняется.
Человеческое спасибо тем, кто трудится над этим. Нашел случайно по работе, теперь взял себе за правило, что бы не делал, если есть возможность- раз в час на 10 минут вылазка на следующую страницу, с рассматриванием, прочтением описаний, ну и вообще. Даже глаз дергаться перестал) Всем мирного неба над головой
https://www.tretyakovgallery.ru/collection
Ребята, присаживайтесь поудобнее, сегодня будет урок по маркетингу. А для кого и бизнес-план, все зависит от вашей хитрости и связей. Как говорил один Юрий, поехали!
Мир искусства падок на сенсации. Ведь старые художники-титаны поумирали, новые картины от них получить сложновато. Но не всегда – неожиданные находки регулярно взрывают новости.
Так это случилось и с Фионой Макларен в 2012 году. Обычная шотландская медсестра Фиона делала ремонт в доме и разбирала накопившийся хлам. И среди ненужного старья ее глаз зацепился за старую картину, которую еще в 60-е принес домой отец.
Ну и че – понесла на проверку. Вдруг можно заработать на новую крышу?
И вот так сюрприз – картина оказывается фактически золотой. Ведь эксперты поговаривают, что к ней как минимум приложил руку (а как максимум написал сам) Леонардо да Винчи! Это не только на крышу хватит, но и на вертолетную площадку на ней. Цены на найденного Леонардо всегда щедрые, в данном случае говорили о 150+ миллионов долларов.
Госпожа Фиона Макларен:
Счастье, восторг, ворох новостей и как говорили в 2010-х – хайп. Радостная медсестра дает интервью и обещает отдать много денег на благотворительность. Неблагонадежные эксперты (и СМИ типа People и Daily Mail) находят еще и конспирологию – мол на картине не Мария с младенцем Христом, а Мария Магдалина со своим сыном от Иисуса, картину всюду называют «Мария Магдалина с Младенцем».
Вот, новый поворот. Картину прятали от людей, поэтому она найдена только сейчас! Еретические наклонности да Винчи снова доказаны! От нас скрывают правду!!!
И тут нас настигает кульминация – госпожа Фиона выпускает свою книгу («Последний заказ да Винчи. Самый сенсационный детектив в истории искусств»), которая так удачно рассказывает про живопись, новую картину и тайных потомков Христа. Не хочу никого обижать, но даже книгу в 300 страниц надо написать, отдать редактору, договориться с издательством и так далее.. А вышла книга через 11 дней после первой новости, совпадение)
И что в итоге? Книга покупается, бывшая медсестра катается с лекциями по миру, новости затухают. Что с картиной? А черт его знает, последнюю новость я нашел от 2018 года (спустя 6 лет от событий), мол удачливая писательница хочет все же продать картину на аукционе в 2019 и надавать денег благотворительным фондам. Все. То есть реально, я больше ничего не нашел.
Ну и в конце, обещанный урок: найдите нишу (утерянные картины известных художников и конспирология), произведите продукт (очевидно, книга, а может и картина), организуйте рекламную кампанию и создайте спрос (вау, картина) – вы успешны. На крышу точно хватит)
Другие истории и заметки про искусство можно почитать тут
Находите картины чаще!
Эпичная картина. Масштаб захватывает, а хореография героев напоминает кадр из фильма. Кусочек жизни из эпохи Репина прорывается с полотна на зрителей.
Художник долго приглядывался к сюжету крестного хода, это же самая настоящая энциклопедия жизни. Сперва получалось непонятно: где-то сатира, а местами восхваление, тут автору помог Толстой – прямо спросил, как он сам относится к происходящему.
«Я изображаю жизнь», – ответил художник. Но замечание явно задело, на картине Илья Ефимыч прошелся по всем кастам того времени.
Еще один эскиз:
Больше всех досталось священникам. Характерный типаж в самом центре картины – вяленько помахивает кадилом, а заодно поправляет пышную прическу. А чуть дальше его коллеги в золотом болтают между собой (и явно не про молебны), а в черном одеянии весело смеются.
Еще и в кадр смотрит, чертяга:
Дальше на орехи получают купцы, дворяне и другие сильные мира того. Им жарко, встречаем красные и круглые лица, и почти у всех чванливые физиономии. Апогей – женщина с иконой, важная в своем серьезном деле – святыня в руках, она на ответственном задании. В нескромном платье, ну да ладно.
Барышня, икона и заступник:
К чуду в руках этой тетки тянутся все остальные – обычные крестьяне. От важных особ их отгораживают урядники, контролирующие порядок. Некоторые стараются выслужиться и перебарщивают: тут и преграждающий путь горбуну староста, и урядник на коне с замахом нагайкой, и красномордый охранник иконы.
Честно говоря, и среди крестьян нет одухотворенных людей. Несущие будку с куполом и свечами покорно-печальны, в таком же настроении богомолки в левой части картины. Один только горбун рвется к чудесному в чистом душевном порыве (причем на эскизах он тоже был забитый жизнью).
Пейзаж довершает марш покорности и чванливости. Да, пеньки вместо зеленой рощи – тут Репин выплеснул свою злость на кулаков, повырубали все деревья, подлецы (примерная цитата).
Ох и навел я на вас тоску, чувствую. Давайте о хорошем. Какая тут сочная палитра! А какой колорит у картины. Безоблачное небо, пестрое море персонажей, жар дороги и пыль от тысяч ног, золото облачений, куполов и образов. Лепота!
Репин привез картину на 11 выставку передвижников, там мнения разделились – прогрессивные зрители восхваляли меткий глаз художника, реакционные господа критиковали за излишнее изобличение всего и вся.
Полотно купил Третьяков (кто же еще), однако и он пожаловался художнику – ни одного приятного лица на картине. Репин красиво парировал: «Посмотрите на любую толпу и скажите: много ли в ней приятных лиц?»
Другие истории и заметки про искусство можно почитать тут
Добра и тепла!
Иногда в ходе реставрации на старых картинах появляется совсем неожиданные гости. Вот, например, на полотно «Вид морского берега Схевенинген» Хендрика ван Антониссена решил заглянуть целый кит!
Хендрик ван Антониссен – «Вид морского берега Схевенинген», 1641. Картина до реставрации, никаких китов:
История классическая. Хендрик написал картину в 1641 году, потом она где-то висела, а в 1873 попала в музей при Кембриджском университете уже покрытая слоями лака, темная и без кита.
Многие искусствоведы удивлялись – зачем на берег моря вышло столько народа? На что они смотрят? Зачем вообще писать такой сюжет? Сплошные вопросы и никаких ответов.
Но когда молчит мудрость, говорит молодость. Студентка-реставратор Шан Куанг решила добраться до сути, а заодно снять старый лак и облагородить полотно. Сказано сделано – внезапно на картине стали появляться непонятное пятно и человек в воздухе.
«Шо таке?» – подумала Шан и часами сидела за кропотливой работой. И вот на свежий воздух вышел не очень свежий кит. Тут все и сошлось – толпа людей, непонятное внимание к пустому месту, да и сам сюжет.
Хендрик ван Антониссен – «Вид морского берега Схевенинген», 1641. Картина после реставрации. Как похорошела картина при Шан:
Что это – проделки самого художника, неудачная реставрация или неожиданная цензура, сказать сложно. Но главное – теперь мы добрались до истины!
Разные истории и заметки про искусство можно почитать тут
Не теряйтесь!
Лето заканчивается, давайте заглянем на обед в Италию. Под конец месяца денег маловато, пойдем в заведение попроще. «В римской остерии» будет самое то.
Карл Блох – «В римской остерии», 1848
Короткая справка: остерия – это домашнее заведение, где много вина, мало еды, а иногда можно снять дешевый номер. Короче, если бывали в маленьких кафешках в глухих местах Сочи, то это оно.
Картину написал датчанин Карл Блох, в то время датские богатеи любили покупать жанровые картины с итальянским бытом. Даже сюжет автор взял у своего учителя, тоже датчанина, Вильгельма Марстранда. Но тут тебе как будто рады и освобождают место, а там..
Вот здесь явно остерия гостеприимнее, но в Бельдяжки мне нельзя:
Вильгельм Марстранд – «Сцена в итальянской остерии», 1848
А там тебя встречают четыре настороженных взгляда (даже кот подозрительно наклонил голову) и вызывают вопрос – все ли правильно я делаю? Например, не забыл ли я сегодня надеть штаны?
Эти взгляды..
И даже кот осуждающе смотрит:
На заднем плане расслабляются датчане, среди них и сам художник (сидит спиной), и покупатель картины.
Вот эти ребята:
Россыпь мелких деталей: украшения, крошки, мухи и оса у графина рагаццо, позы героев создают движение. Все так просто, что даже хорошо.
Картина создает летнее настроение, как же хочется запрыгнуть к ним из своего душного мегаполиса! Даже настороженные взгляды итальянцев не могут поломать этот порыв.
А тем временем теплые дни заканчиваются. Что сказать. Гуляйте! Но в меру.
Разные истории и заметки про искусство можно почитать тут
Ловите лето!
История мозаики начинается во второй половине шестого тысячелетия до нашей эры — времена Шумеров и Древней Месопотамии. Для понимания насколько давно это было, скажу лишь, что в Египте пирамидами и не пахло и даже с фараонами была напряженка, а мозаика уже существовала. Думаю, что более древних примеров нет, только потому, что они рассыпались в прах.
Техника была странная. Делались керамические штифты с цветными шляпками покрытыми глазурью. Эти «гвозди» «вбивались» в глиняную стену узором, вот и вся премудрость, даже по восхищаться нечем.
Можно сюда же притянуть за уши такой артефакт как «Штандарт из Ура» (2600—2400 гг. до н. э.), но это скорее инкрустация.
В конце седьмого века до нашей эры подтянулись и Асирийцы, они выступили на этом поприще просто, но эффектно, они просто натырили гальку с пляжа, разобрали ее по цветам и принялись выкладывать ей полы в дворце в Арслан-таше. а к пятому веку той же эры на пляжи рванули толпы греков в поисках халявной гальки. И это быстро стало мейнстримим. Следы их бурной деятельности найдены в Коринфе, Олинфе, Сикионе, Пеллы, Эретрии. Греки баловали разнообразием сюжетов, животные, растения, мифические твари на любой вкус, а вот с эстетической частью вышло как с вазами, или темные фигуры на светлом фоне, или светлые на темном.
Римляне посмотрели на это, скорчили презрительные гримасы, обозвали это все opus barbaricum, «варварской» мозакой. У них была своя… с «tesselatum» — плиточный и смальтой.Говоря проще, они додумались до квадратных кусочков камня и бетона, на который можно их крепить, и тут такое началось, что заслуживает отдельного поста...
Попробуйте догадаться, какую картину Рафаэль написал первой. У вас одна попытка.
Согласен, это было легко. Рафаэль с самого начала решил – буду писать Мадонн. И начал с фрески «Мадонна с младенцем», оформил ее на стене в родительском доме. И нет, его за это даже не поругали – отец Рафаэля, Джованни Санти, сам был художником и заодно первым учителем гения. Именно он приучил к прекрасному маленького Рафаэля и зажег его сердце искусством.
Слащаво звучит, но так и есть. Давайте разбавим мед – он не поругал его еще потому, что к тому моменту уже умер.
Рафаэль Санти – «Мадонна из дома Санти», 1498
Да, есть и трагические ноты в этой истории – когда художнику было 8 лет, умерла мама, а в 11 лет он потерял отца. Пока милые родственники делили наследство, мальчуган впитывал искусство и учился у местных художников (особо известных там нет, локальные герои). А вот в 17 лет Рафаэль решил выходить на новый уровень и уехал учиться в Перуджу к Перуджино. Скажем так, не последний человек в истории Возрождения. И его картина есть на заставке «Молодого папы», а это, скажу я вам, знак качества.
Пьетро Перуджино – «Вручение ключей апостолу Петру», 1482
Но до своего отъезда он жил в родительском доме с мачехой (да, отец до своей смерти успел жениться второй раз), которая маленького гения особо не любила. А вот Рафаэль любил искусство, поэтому на одной из стен дома создал фреску весьма и весьма тонкой работы. И это в 15 лет. Нет ни нимба, ни всяких лишних деталей и намеков. Книга, Мадонна и ребенок.
А вот свою последнюю картину Рафаэль не закончил. И, наверное, это хорошо – иначе живопись на тот момент можно было бы закрывать. «Преображение» наглядно показало, куда будет двигаться искусство в следующее столетие: тут вам и намеки на маньеризм (который быстро схлопнется, но свой след оставит), и явный переход в барокко, который как раз будет править еще долго.
Рафаэль Санти – «Преображение», 1520
Хотя все начиналось как история про невероятную прокрастинацию в духе Леонардо да Винчи. В 1516 году кардинал Джулио Медичи сделал заказ на 2 картины, «Воскрешение Лазаря» и «Преображение Христа». Первое полотно предлагалось исполнить Микеланджело, но он передал работу Себастьяно дель Пьомбо, который как примерный зайка все выполнил в срок и в 1518 уже выставлял работу на всеобщее обозрение.
Себастьяно дель Пьомбо – «Воскрешение Лазаря», 1518
А что Рафаэль? Он к тому моменту только начинал делать первые наброски. Хотя ученики помогли с эскизом, художник отогнал учеников и судорожно переписывал нижнюю часть своего шедевра.
И вот как раз нижнюю часть он и не закончил. В апреле 1520 после лихорадки Рафаэль умер (есть миф, что от сифилиса и распутного образа жизни, враки), картину вывесили у изголовья умершего гения, а позже некоторых персонажей закончили ученики.
Вы мне скажете – если они только некоторых персонажей дорисовали, почему полотно не закончено? Ребята, так он мог еще раз все переиграть и найти более удачное решение. Если оно, конечно, возможно.
Рафаэль изобразил сразу два сюжета на одной картине. Сверху преображение Иисуса Христа: он показывает ошеломленным Иакову, Петру и Иоанну свой истинный лик. Моисей справа и Илия слева на правах ветхозаветных пророков пришли поддержать большое событие.
Слева на заднем плане находятся Юстус и Пастор, святые покровители собора, для которого была заказана картина:
Внизу апостолы неудачно пытаются изгнать нечистый дух из юноши, он как раз указывает на Иисуса в качестве решения проблемы.
Неблагодарное дело разбирать детали и загадки в подобных картинах, тут книжку можно написать. Давайте не буду перегружать вас (а заодно все-таки завершу пост), расскажу самое важное. Тут все строится на контрасте: свет и благодать сверху противостоит тьме и неразберихе внизу. Выводы тут можно делать на любой вкус, так появилась теория о прообразе Страшного суда – мол апостолы всего лишь люди, поэтому ничего у них не получается в противостоянии с дьяволом.
Еще явно видны очень пафосные позы, символы и жесты, жесты, жесты – передает привет маньеризм. А вот светотень, пафос самого события (а не отдельных ребят) и общее напряжение – это говорит барокко.
Развитие стиля и техники налицо – тихая простая фреска и апофеоз чуть ли не всего Возрождения. Рафаэль летал высоко, очень высоко.
Разные истории и заметки про искусство можно почитать тут
Добра!