Каковы образы Благовещения в искусстве? О символах, иконописной традиции и сюжете Благовещения в разные эпохи и в разных направлениях христианства рассказывает Оксана Перенижко, кандидат исторических наук, доцент кафедры зарубежного регионоведения и востоковедения Кубанского государственного университета.
Ван Гог — один из самых известных и значимых художников, чьи картины стали символом постимпрессионизма. Его творчество стало настоящей революцией в искусстве, ведь вместо изображения мира таким, как он есть, художник сосредоточился на выражении своих эмоций и внутреннего состояния.
В картинах Ван Гога яркие, насыщенные цвета и динамичные мазки стали инструментами для передачи глубины чувств.
Постимпрессионизм, движение, в рамках которого творил Ван Гог, сделал акцент на субъективности восприятия. Если импрессионисты искали красоту в моментальных впечатлениях, то постимпрессионисты углублялись в выражение личных эмоций. Ван Гог был мастером того, чтобы через свои картины не только изображать окружающий мир, но и передавать то, что он чувствовал в тот момент.
Яркие и насыщенные цвета — это главное оружие Ван Гога для передачи эмоций. Он использовал не просто декоративные цвета, а такие оттенки, которые отражали его внутренние переживания. Например, в «Звездной ночи» он использует насыщенный синий цвет для передачи ночного небесного пространства, которое для художника было наполнено одиночеством и глубокой рефлексией.
Не менее важным элементом картин Ван Гога является техника мазков. Его стиль работы с кистью отличался динамичностью и экспрессией. Мазки художника зачастую толстые и заметные, что делает картины «живыми», полными энергии.
«Подсолнухи» — яркий пример того, как Ван Гог использует текстуру для передачи внутренней силы и страсти.
Эта техника не только выделяет отдельные элементы картины, но и создает ощущение движения и энергии, что делает каждый фрагмент картины динамичным и наполненным жизнью. Он умел использовать мазки для того, чтобы подчеркнуть чувства, вложенные в картину, делая их еще более выраженными и яркими.
Цвет для Ван Гога был не просто элементом композиции, но и ключом к передаче эмоций. В его картинах часто встречаются яркие желтые и красные оттенки, которые подчеркивают динамичность и живость изображения. Но наряду с яркими цветами, художник использует и темные оттенки, что добавляет картине глубины и некоторой меланхолии.
Ван Гог прекрасно понимал, что цвет способен воздействовать на чувства зрителя, и часто выбирал именно те оттенки, которые соответствовали его внутреннему состоянию в тот момент. Например, в картине «Ночное кафе»он использует теплые, почти агрессивные цвета, создавая ощущение тревожности и напряженности.
Влияние Ван Гога на искусство ХХ века невозможно переоценить. Его работы вдохновили многих художников, в том числе экспрессионистов, которые также стремились передавать свои личные переживания через искусство. Ван Гог стал примером того, как можно использовать живопись не только для изображения окружающего мира, но и для выражения своих эмоций.
Картины Ван Гога становятся символами новой эпохи, в которой искусство и эмоции стали неотъемлемой частью жизни. Он открыл новое направление, в котором форма и цвет служат для передачи чувства, а не только для воспроизведения реальности.
Ван Гог оставил неизгладимый след в истории искусства, показав, как эмоции могут стать главным элементом картины. Его картины полны переживаний и глубоких чувств, которые он выразил через яркие цвета и динамичные мазки. Это искусство, которое не просто показывает мир, а заставляет нас почувствовать его и пережить вместе с художником.
"Хаос на улице" (1920)
Отто Дикс – один из самых неоднозначных немецких художников. Некоторые считают его талантливым сатириком, писавшим на злобу дня, другие - провокатором. В фашистской Германии его творчество причисляли к дегенеративному искусству.
"Родители"
Отто Дикс родился в Унтерхаузене (сейчас часть города Гера) в Тюрингии в семье рабочего литейного цеха и швеи. Мать увлекалась искусством, а кузен Фриц Аманн был художником. С 1906 по 1910 год Дикс обучался у художника Карла Зенффа. В 1910 году он поступил в Дрезденскую Академию изящных искусств.
Дикс писал в основном портреты, которые были вовсе не комплиментарными для моделей, и при этом стал востребованным портретистом. Вильгельму Майеру-Герману в 1926 году он тоже не польстил, но знаменитому доктору портрет нравился. Майер-Герман был известным берлинским отоларингологом, среди пациентов которого были певцы и актёры. Среди них – Петер Лорре, сыгравший психопата-убийцу детей в фильме Фрица Ланга «М» (1931) и сам художник. Во время интервью дочерь доктора, с которой беседовала искусствовед Сабина Ревальд, сообщила, что Майер-Герман был весёлым, обаятельным, культурным и более симпатичным, чем на портрете. Дикс написал Майера-Германа в духе старых мастеров, нанося темперу и масло поверх левкаса на дереве, а затем покрывая поверхность прозрачной глазурью. Он даже использовал серебряную фольгу для винтов и застёжек, которые крепят отражатель на голове врача. Ещё одна отсылка к старым мастерам – отражение на заднем плане. По этой причине данную картину иногда сравнивают с работой Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» (1434). У ван Эйка отражение в зеркале, у врача – в детали аппарата, использовавшегося для светолечения, которое было популярно в то время. Она прикреплена к металлической конструкции с рычагом для подъёма и опускания, которая подключена к электрической розетке за правым плечом врача. Есть мнение, что круглые предметы (циферблат часов, розетка на стене и тд) должны подчёркивать и округлую фигуру врача. Майер-Герман был евреем, поэтому иммигрировал со своей семьёй в Нью-Йорк, где возобновил свою медицинскую практику. Среди его пациентов снова было много актёров и певцов. По иронии судьбы портрет тоже оказался в Нью-Йорке. В 1931 году архитектор Филип Джонсон, в молодости увлекавшийся идеями нацизма, приобрёл портрет эту работу. В следующем году он подарил её Музею современного искусства, где возглавлял архитектурное отделение. По словам дочери врача, отец любил посещать этот музей и слышать комментарии посетителей, например, «Он похож на мясника!» или «Я бы никогда не пошёл к такому доктору».
Йоханна Ай в 1930 году
На ещё одном известном портрете художника изображена Йоханна Ай, она же мама Ай. Ай была весьма известной личностью и владела картинной галереей. Про неё известно, что она была замужем, родила 12 детей, из которых 8 умерли в детстве. После развода с мужем Йоханна открывает в 1910 году близ дюссельдорфской Художественной академии кафе, которое облюбовали художники, артисты и творческая интеллигенция. Во время Первой мировой войны Ай открыла в центре Дюссельдорфа на Гинденбургвале (ныне аллея Генриха Гейне) художественную галерею, в которой первоначально демонстрировались картины, написанные в академическом стиле. После окончания войны галерея «Молодое искусство — фрау Ай» стала прибежищем модернистов и других художников, далёких от академизма. Позже значительную часть работ изъяли как дегенеративное искусство. Женщина придерживалась оппозиционных взглядов и в 1930-х была вынуждена закрыть галерею.
Портрет журналистки Сильвии фон Харден
Портрет журналистки Сильвии фон Харден написан в 1926 году. Художник считал её женщиной нового времени. В 1959 году она написала статью «Воспоминания об Отто Диксе». Там она рассказывает, что случайно познакомилась с Диксом на улице.
«–Я должен вас нарисовать! Я просто обязан!... Вы олицетворяете целую эпоху! – Итак, вы хотите нарисовать мои тусклые глаза, мои витиеватые уши, мой длинный нос, мои тонкие губы; вы хотите нарисовать мои длинные руки, мои короткие ноги, мои большие ступни — то, что может только отпугнуть людей и никого не порадовать? – Вы блестяще охарактеризовали себя, и всё это приведёт к портрету, представляющему эпоху, в которой ценится не внешняя красота женщины, а её психологическое состояние».
Судя по фото, в реальной жизни журналистка была симпатичнее, но портрет ей нравился. На картине можно увидеть платье, которое женщина действительно носила. На столе с мраморной столешницей лежат пачка сигарет с надписью «Сильвия фон Харден», спичечный коробок с изображением немецкого орла. Портрет был воссоздан в начальных и заключительных сценах фильма «Кабаре» (1972) Боба Фосса. Сейчас картина находится в Национальном музее современного искусства в Париже.
Дикс также известен картинами на тему войны. Вообще к войне у него было противоречивое отношение. В 1915 году он отправился добровольцем на фронт, где возглавлял пулемётный расчёт, был несколько раз ранен. Он воевал во Франции, Фландрии, Белоруссии.
В 1920 году он создал гравюру «Калеки войны». На ней группа ветеранов, потерявших ноги, а позади сапожная мастерская (о чём свидетельствует ботинок в витрине и слово «Schuhmacherei»).
В 1924 году он создал серию из 50 мрачных гравюр под названием «Война».
«Погребённые заживо» (январь 1916, Шампань)
Жертвы газовой атаки (Темплю-ла-Фосс, август 1916 г.)
Штурмовики наступают под прикрытием газа
Траншеи
Издатель и галерист Карл Нирендорф из Берлина, распространял гравюры по всей Германии совместно с пацифистской организацией «Никогда больше не надо войны», хотя сам Дикс сомневался, что его гравюры могут как-то повлиять на будущие войны. Несмотря на активную рекламу, Нирендорф продал только один набор гравюр из семидесяти напечатанных.
Эта же тема поднята и в триптихе «Метрополис», который писался в 1927 - 1928 годы.
Светские дамы и нищий
Триптих посвящён ночной жизни Берлина. В левой части изображены женщины сомнительного поведения (светские дамы - возможно, ирония) возле увеселительного заведения, и они презрительно смотрят на ветеранов, один из которых лежит, другой - инвалид. На второй - само заведение, где танцуют и веселятся. На третьей - ещё более дорогие дамы с пониженной социальной ответственностью, которые идут мимо инвалида. При этом красный наряд самой левой из них с накинутой горжеткой, по мнению искусствоведов, символизирует интимную часть женского тела. Триптих написан на деревянных панелях. Считается, что автор при создании этой картины вдохновлялся несколькими произведениями искусства Средневековья и Ренессанса, в том числе алтарём Херренберга работы Йорга Ратгеба, а также работами Ганса фон Кёльна и Ганса Плейденвурфа.
Дикс впервые выставил картину на одной из трёх выставок, посвящённых 100-летию Саксонской ассоциации художников, в 1928 году. На центральной панели он также изобразил нескольких представителей саксонской творческой среды. Мужчина с моноклем справа — архитектор Вильгельм Крайс. Глава Саксонской государственной канцелярии Альфред Шульце изображён в виде саксофониста. Есть мнение, что это из-за созвучия Саксонии и саксофона. Рыжеволосая танцовщица, по мнению некоторых исследователей - жена художника, а её партнёром может быть он сам. Отзывы о триптихе были противоречивыми.
Несмотря на оппозиционные взгляды, в 1920-х карьера художника развивалась успешно. Он был профессором Дрезденской академии, активно участвовал в выставках, получал много заказов. Не всем нравилось его творчество, и с Диксом пытались судиться, что было только дополнительной рекламой.
В 1930-х художник подвергся гонениям, и не помогло то, что он вступил в Имперскую палату изящных искусств. В 1933 году его уволили из Дрезденской академии, а в 1934 году его картины изъяли из музеев, а в 1939 году он был арестован по сфабрикованному обвинению в участии в заговоре против Гитлера, но позже был освобожден.
В 1933 году художник написал картину «Семь смертных грехов». В виде ребёнка изображён Гитлер, и его окружают пороки: скрюченная старуха – Алчность, белый карлик на ее спине – Зависть, фигура пляшущего скелета – Лень, сладострастная женщина с обнаженной грудью – Похоть, рогатый монстр – Злость, жутковатая огромная голова с анусом вместо рта, задранным вверх носом и закрытыми ушами – это Тщеславие, а толстячок с кастрюлей на голове – Обжорство.
Художник уехал в деревню, где тайно писал картины. В последние месяцы Второй мировой войны он был призван в фольксштурм, взят в плен французскими войсками, в феврале 1946 года освобождён. После войны он жил в ФРГ, но периодически бывал в ГДР. Для этого у него были и личные мотивы. На некоторое время о нём забыли, однако позже он снова стал востребованным художником.
О частной жизни художника известно мало. Он был женат на Марте Кох. Марта родилась в состоятельной семье, имела хорошее образование, французский, итальянский, английский и русский языки, играла на фортепиано. На момент знакомства в 1921 году Марта была замужем и уже имела двоих детей. Марта и Ганс Кох поженились в 1915 году, когда мужчина ненадолго вернулся с фронта. После войны он работал урологом и параллельно открыл собственную художественную галерею «Графинет». При этом Ганс был влюблён в старшую сестру жены Марию. Также в Марию был влюблён владелец Кёльнской галереи Карл Нирендорф, с которым сотрудничал Дикс. Общие дети Ганса и Марты остались жить с теперь уже бывшим мужем.
В браке с Диксом родилось ещё трое детей. Отношения между мужчинами были хорошие, дружили семьями. Отто и Марта Дикс («Джим и Мутцли») сначала жили в Дюссельдорфе. Осенью 1925 года семья с двухлетней дочерью Нелли переехала в квартиру на Кайзердамм в Берлине. Отец Марты Дикс заплатил за аренду на семь лет вперёд. Одно время семья жила в замке Рандегг, принадлежавший Гансу Коху. В 1935/1936 году, после смерти отца, Марта Дикс построила на своё наследство собственный дом и мастерскую в Хемменхофене на Боденском озере. Там Диксы жили большую часть времени.
У художника появилась новая муза - Кэте Кениг, от которой у него в 1939 году родилась дочь. Кэте осталась в Дрездене. Эта связь длилась 30 лет, но о наличии у мужа второй семьи Марта узнала только за несколько месяцев до его смерти. Художник умер в 1969 году.
Другие работы
Маленький автопортрет (1913)
Уличный шум (1920)
«Семья художника Адальберта Трильхаазе» (1923)
Мать и Ева (1935)
Бесплатная персональная выставка в эти выходные, художник Наджаф Мамедов.
5 апреля в 12-00. г. Саратов, ул. Радищева, 30/59 (галерея "Феникс-94").
Работы художника-пейзажиста Н. Мамедова, 1950 года рождения. Стиль "магический реализм". Для центральной России этот стиль необычный. Это хороший шанс посмотреть на что-то новое.
Художник учился и работал в Москве, жил в Саратове. Участник выставки в Национальной галерее искусств.
Дата и время: 5 апреля с 12:00 до закрытия галереи.
Событие бесплатное, это не реклама продаж или чего-то такого, я не организатор. Просто очень нравится этот художник.
ВХОД БЕСПЛАТНЫЙ.
Качество фото плохое, простите, ребята
Качество фото плохое, простите, ребята
Микеланджело Буонарроти — один из величайших мастеров эпохи Ренессанса, чьи произведения искусства продолжают восхищать и вдохновлять миллионы людей по всему миру. Он оставил неизгладимый след не только в живописи, но и в скульптуре, архитектуре и даже поэзии.
Его работы, такие как статуя Давида и фрески на потолке Сикстинской капеллы, стали символами всего Ренессанса и примерами выдающегося мастерства.
Давайте погрузимся в удивительный мир творчества Микеланджело и откроем тайны его мастерства.
Микеланджело начинал свою карьеру как скульптор и оставил после себя ряд самых известных произведений в истории искусства. Его подход к созданию скульптур был уникален — он видел в мраморе не просто камень, а неограниченные возможности для выражения человеческой формы.
Его знаменитая скульптура «Давид» является воплощением идеала человеческой фигуры, с невероятной детализацией мышц, вен и кожи, что делает ее живой и динамичной.
Одним из важнейших аспектов его работы было умение «освобождать» фигуру из блока мрамора. Микеланджело считал, что каждая скульптура уже существует в камне, и его задача — просто освободить ее. Это требовало не только мастерства, но и глубокого понимания анатомии и физики.
Но Микеланджело не ограничивался только скульптурой. Одним из его величайших достижений стала работа над фресками на потолке Сикстинской капеллы. Это произведение является одним из самых значимых в истории западного искусства и по праву считается вершиной его карьеры. Чтобы создать такие фрески, Микеланджело использовал новаторскую технику нанесения краски, которая позволяла достигать максимальной яркости и долговечности.
Создание этих фресок было настоящим подвигом. Микеланджело работал на огромной высоте, на протяжении многих лет, часто в трудных условиях. Но несмотря на трудности, он сумел передать всю глубину и сложность библейских сцен. Каждый элемент композиции, каждая фигура в этих фресках наполнены движением и жизнью.
Не только в скульптуре, но и в живописи, Микеланджело оставил множество скрытых посланий и символов. Его картины, особенно те, что на потолке Сикстинской капеллы, изобилуют аллегориями и религиозными символами, которые часто трактуются по-разному.
Исследователи и искусствоведы до сих пор спорят о значении этих символов, пытаясь понять, что именно хотел сказать Микеланджело своим современникам и будущим поколениям.
Микеланджело всегда стремился к совершенству, и его новаторские методы и подходы к работе сделали его величайшим мастером своего времени. Он был не только художником, но и настоящим инженером, архитектором, и математиком. Он использовал математические пропорции для создания идеальных форм и соблюдения гармонии в своих работах.
В его творчестве техника и искусство переплетались таким образом, что каждая его работа становилась чем-то больше, чем просто произведением искусства — была философия, выраженная в камне и краске.
Микеланджело был мастером, который не только изменил искусство своего времени, но и оказал глубокое влияние на всю западную культуру. Его работы до сих пор вдохновляют художников, архитекторов и людей, любящих искусство.
Стиль Беллотто характеризовался тщательно продуманным изображением архитектурных и природных видов, а также особым качеством освещения каждого места.
Эрмитаж — не просто музей. Это настоящий культурный символ России и место, которое олицетворяет величие мировой истории искусства. Основанный более 250 лет назад, он стал одной из самых значимых культурных институций, привлекающей людей со всего мира. Каждый зал Эрмитажа хранит уникальные произведения искусства, которые являются важной частью мировой культуры. Этот музей рассказывает историю развития искусства и цивилизации через призму великих мастеров и эпох.
Давайте подробнее рассмотрим, как Эрмитаж стал тем культурным феноменом, которым мы знаем его сегодня.
История Эрмитажа начинается в XVIII веке, когда Екатерина Великая решила собрать коллекцию произведений искусства для личного наслаждения. Мудрое руководство императрицы и ее страсть к искусству сыграли ключевую роль в создании музея, который со временем стал центром мирового искусства.
Екатерина не только лично выбирала произведения для коллекции, но и активно сотрудничала с известными европейскими художниками и коллекционерами, что позволило собрать уникальные произведения, отражающие лучшие традиции разных культур.
В XIX веке коллекция Эрмитажа значительно расширилась, когда в ходе Наполеоновских войн Франция передала значительное количество произведений искусства России. Это позволило Эрмитажу стать одним из самых крупных музеев в Европе. Коллекции продолжали пополняться благодаря не только российским, но и международным коллекционерам и дарителям. Это придало Эрмитажу статус культурного хранилища мирового значения.
Переломный момент в истории музея произошел в 1852 году, когда Эрмитаж открыл свои двери для широкой публики. Это было революционным шагом, ведь многие великие музеи того времени оставались закрытыми для простых граждан.
Благодаря этому решению Эрмитаж стал доступен для людей всех слоев общества и стал не только культурным, но и образовательным центром, знакомя людей с историей искусства и культуры.
Сегодня Эрмитаж насчитывает более 3 миллионов экспонатов, среди которых находятся такие бессмертные произведения, как:
«Мадонна Литта» Леонардо да Винчи — великий шедевр эпохи Ренессанса, демонстрирующий безупречное мастерство художника.
«Венера Милосская» — идеальный образ античной скульптуры.
«Битва Александра Македонского с Дарем» — великолепный пример искусства Древнего Востока.
Эти произведения искусства стали не только ценными культурными артефактами, но и важными звеньями в цепочке мировой истории.
Музей активно использует современные технологии, чтобы сделать посещение Эрмитажа еще более увлекательным и доступным для всех. Мобильные приложения с интерактивными гидами позволяют посетителям исследовать коллекции музея в любое время, а виртуальные экскурсии дают возможность погрузиться в атмосферу музея, не выходя из дома. Также Эрмитаж активно использует мультимедийные технологии для создания интерактивных выставок, которые делают знакомство с произведениями искусства более доступным и увлекательным.
Эрмитаж также играет важную роль в поддержке международного культурного обмена. Сотрудничая с музеями по всему миру, Эрмитаж активно проводит выставки, обмен экспонатами и исследовательские проекты. Это способствует укреплению культурных связей и помогает музею оставаться на передовой мировой культурной сцены.
Эрмитаж продолжает вдохновлять миллионы людей по всему миру. Это место, где каждый может прикоснуться к вечному искусству, узнать что-то новое и открыть для себя многообразие культур.
Фолон родился 1 марта 1934 года в Брюсселе. В возрасте 21 года, бросив занятия архитектурой в бельгийском Институте Сен-Люк, он отправляется в Париж, чтобы посвятить себя истинной страсти, — живописи, а именно акварели, которая прославит его сначала в США, а потом и в Европе и во всём мире.
Его самые известные образы конечно же, «человек-птица» и знаменитая «шляпа Федора».
Первая выставка акварелей Фолона состоялась в нью-йоркской галерее Lefebre в 1969 году. Тогда же его работа под названием «Man by the calm sea at night» (Человек у спокойного ночного моря) появляется на обложке журнала The New Yorker.
Фолон также иллюстрирует книги знаменитых авторов, в частности Франца Кафки, Бориса Виана, Рэя Брэдбери, Ги де Мопассана, Альбера Камю, Герберта Уэллса и других.
Годом позже он уже выставляется в Токио, а вскоре и на площадках Европы — в миланской галерее II Milione и на XXV Венецианской биеннале. А в 1973 году вместе с другими бельгийскими художниками Фолон представляет родную страну на XII биеннале в Сан-Паулу, где получает Гран-при.
Фолон творил не одно десятилетие и посвящал себя не только акварели, но и другим техникам, включая офорт, шелкографию, мозаику и витраж, постоянно удивляя разнообразием своего художественного диапазона.
Признание в США в далёком 1969 году было только началом блистательного творческого пути художника. Вернувшись в Европу, Фолон некоторое время жил в Париже, а в 1983 году переехал в Монако, где провёл больше двадцати лет.
Фолон стал активно заниматься скульптурой в 1988 году по совету друга, известного скульптора Сезара, начал работать с деревом. Позже в качестве материалов он также использовал глину, гипс, бронзу и мрамор, а в 2002 году увлёкся ещё и керамикой.
Фолон создал несколько работ, которые сегодня можно увидеть на улицах Монако. Помимо Фонтана с птицами, установленного в 1994 году, это пять витражей в отеле (2005), «Человек-птица» на Boulevard des Moulins (1995), мозаика на центральном фасаде Часовни кармелитов (2002).
Стив Джобс, когда ему в голову пришла идея поселить в каждом из своих компьютеров смешного человечка, который будет выскакивать, махать ручкой и подмигивать пользователям, обратился именно к Фолону, и тот в 1983 году нарисовал для Apple Мистера Макинтоша в «шляпе федоре» и плаще-макинтоше.
Вот такой талантливый человек. 🤩
В телеграмме есть про его скульптуру. Заходите .
