Клод Моне (1840-1926),«Вокзал Сен-Лазар. Прибытие поезда», 1877холст, масло. 83х101 см
Гарвардский художественный музей, Кембридж, Массачусетс, США
Ставим диагнозы художникам по их картинам
Есть у меня традиция. Раз в год, ближе к зиме, я сильно болею. Обязательно с высокой температурой, лихорадкой и непроходящим кашлем. Врачи просто ставят ОРВИ и идут домой с чувством выполненного долга.
Но мне поставить диагноз легко, вот он я, сижу дома. А как поставить диагноз художнику, умершему столетия назад? Нужно посмотреть его работы!
Понятное дело, это скорее баловство. Хотя вот Микеланджело жаловался в своих письмах, мол руки ноют и письмо причиняет ему сильную боль. А представьте через какие мучения он проходил, когда долбил мрамор в погоне за шедеврами.
Врачи решили узнать, чем же страдал великий мастер. Взяли три портрета и выяснили – остеоартрит! Многолетняя работа с камнем не прошла даром, скульптор повредил суставы. Доказать это научно не получится, останки художника ученым не выдают. Так что смотрим портреты и скрюченные пальца.
с пальцами Микеланджело что-то странное
и тут
а еще тут
Не всегда получается поставить правильный диагноз (вот это поворот, правда?). Великому Эль Греко в начале 20 века поставили диагноз «астигматизм» (нарушение фокусировки глаза, человек видит искаженное изображение). Ну и все, сразу необычная техника превратилась в недуг и искаженное восприятие художника.
«Святой Иероним»
«Снятие одежд с Христа»
Но в 2002 году другой исследователь доказал, что люди с астигматизмом могут изображать пропорциональные предметы. А зрение Эль Греко должно было искажать и заказчиков, и их портреты, и все предметы на полотнах – несостыковочка. Так художник вернул себе право на самовыражение, а был ли у него астигматизм или нет, да какая разница? Лучше картины посмотрите.
«Кающаяся Мария Магдалина»
«Святой Иоанн Креститель»
«Поклонение пастухов»
На другого художника нарушение зрения очень даже повлияло. Клод Моне в конце карьеры написал много абстрактных работ. Спасибо большое двусторонней катаракте – художник побоялся делать операцию в 1913 году и просто клеил этикетки на тюбики с краской. Чтобы не ошибиться с цветом. И это мастер работы со светом и цветом)
«Водяные лилии в розовом», 1898
«Японский мостик (Пруд с водяными лилиями, симфония в розовом)», 1900
«Сад художника в Ветёе», 1881
В 1923 году художник все же сделал операцию. И увидел свои картины «катарактного» периода. Точно неизвестно, сколько тех картин он уничтожил, много. И после операции Моне перестал заигрывать с экспрессионизмом и плотными слоями краски. Совпадение?
Сравните первые три картины до катаракты и следующие три уже после диагноза – простая катаракта расширила мир искусства!
«Красные водяные лилии», 1919
«Японский мостик», 1919
«Плачущая ива», 1922
А вы не болейте. Берегите себя!
Поиграем в бизнесменов?
Одна вакансия, два кандидата. Сможете выбрать лучшего? И так пять раз.
Моя копия автопортрета Клода Моне
«Тополя» Моне, или еще одна одержимость художника
Клод Моне любил изучать свет в своих известных сериях картин, сегодня обсудим его «Тополя». Деревья, не ракеты.
Художник вообще был одержим, когда дело касалось серийных картин. В этот раз тоже не обошлось без характерных ему порывов – когда эти самые тополя решили вырубить, он без раздумий заплатил за отсрочку вырубки деревьев. Наш эко-френдли Моне)
Клод с раннего утра брал тележку с холстами и красками, выбирал нужное ему место на берегу островка Крапивный или подплывал на точку на лодке и писал, писал, писал…
Вдохновенно звучит, правда? Вот только это иллюзия – работа была стремительной и нервной: каждый холст показывал короткий отрезок времени, который мог длиться 5-10 минут. Только поменялась тень – скорее искать нужный холст и добавить пару мазков!
Однажды Моне закопался и не успел найти нужный набросок – в ярости выкинул его в реку с красками и психовал. Потом поуспокоился и полез в воду, не пропадать же дорогим краскам.
Кроме света, тополя отлично отражаются в воде и прекрасно податливы для ветра – еще одно измерение, которое автор открыл как для себя, так и для нас. Шум деревьев, блики на воде, теплое солнце… И в центре этого всего Моне, яростно набрасывающий краски на бесчисленные холсты)
Но все было не зря. Метод художника вошел в историю искусства, картины довольно быстро раскупили (все 20 полотен), слава пришла.
Вот только одно меня беспокоит. Моне писал серии и мечтал о выставках, где все картины будут рядом – показать зрителю, что он узнал о свете и его игре на разных объектах. Например, на тополях.
Вот только популярность его работ раскидала полотна по всему свету, а рекорд пока что – 5 картин на одной выставке рядом.
Но зато мы можем полюбоваться ими тут)
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
«Завтрак на траве» Моне, или как художник взял название картины Мане
Кроме того, что Эдуард Мане и Клод Моне были импрессионистами и поэтому их частенько путают между собой, каждый из художников написал картину с названием «Завтрак на траве».
Давайте разбираться, зачем хитрые мастера решили запутать нас и тут.
Клод Моне – «Завтрак на траве», 1866. Эскиз:
Но для контекста пара слов о завтраке Мане. Это был скандалище. Голые девушки в окружении одетых мужчин, порушенная перспектива (как и перспективы Мане покорить французский Салон) и как итог - дурная слава на весь Париж. Новшеств и переосмыслений старых сюжетов критики и зрители не оценили, это потом уже признают идею вовлечения через одинаковые масштабы переднего и заднего плана и назовут художника большим мастером.
Но Моне разглядел все раньше других, поэтому одно название случилось не просто так. Клод был тролль впечатлен зарядом работы Эдуарда, и таким образом выразил свой респект.
Эдуард Мане – «Завтрак на траве», 1863
Моне не собирался писать голых женщин, а хотел написать яркие солнечные пятна и контрастные тени на лицах, покрывалах и траве. В общем, как он любит.
Размер выбрал мегаломанский – страшно сказать, 4 на 6 метров. Фигуры на полотне должны были превышать обычный человеческий рост в два раза!
Это порождало некоторые неудобства. Дело в том, что рост Моне был 165 см, поэтому доставать до некоторых (больше половины) участков полотна было сложновато. Но он решил проблему гениально (нет, не галилео) – нашел ров, куда ставил картину и как раз мог писать верхнюю часть.
Почему же первым изображением в посте идет эскиз? Дело в том, что Моне был вечно в долгах, и однажды в качестве залога отдал гостинице эту работу. Умные лбы решили убрать ее на чердак, где она успешно подгнивала. Когда уже разбогатевший художник вернулся ее выкупить, многие части картины испортились.
Клод Моне – «Завтрак на траве», 1866. Неповторимый и нарезанный оригинал:
Пришлось нашинковать полотно, и что получилось теперь висит в Париже. А вот на тот клевый эскиз можно посмотреть в Пушкинском музее в Москве.
Другие истории из мира искусства в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
Добра!
Восход Импрессионизма
"Я не становился импрессионистом. Насколько я помню, я всегда им был" Моне
Будучи учениками Глейра, Моне, Ренуар, Сислей упражнялись в рисунке греческих статуй и рельефов.
И Моне стал первым, кто предложил друзьям пуститься в свободное плаванье: "Уйдём отсюда. Это место вредно для нашего здоровья. Здесь нет честности".
Он решил, что академизм в искусстве был похож на блестящую маску, под которой скрывается вся убогость внутреннего содержания. Оно было слишком привязано к прошлому и было лишено в глазах Моне духовных устремлений.
Благодаря торговцу Полю Дюран-Рюэлю молодые художники с 1870 по 1875 год провели десять выставок в галереи Лондона. Хотя они не принесли успеха.
В Париже художники принялись за организацию собственной выставки, не зависимой от Салона.
И вот! Первая групповая выставка под названием "Анонимное общество художников" была открыта 15 апреля 1874 года в ателье фотографа Надара на углу бульвара Капуцинов. На стенах было развешано 165 картин разных художников.
Как раз работа Моне "Впечатление. Восход солнца" послужила источником названия движения. Критик сатирического журнала" Шаривари" Луи Леруа увидев работу, иронично назвал его "импрессионизм", конечно же придавая негативного смысла.
Общество, привыкшее к античным и религиозным сценам, четким и ясным формам, не были готовы к восприятию простых сельских сюжетов, считали ее банальной и истребляющей искусство. А ясная палитра и не четкие контуры воспринимались как неумение рисовать.
Но все же негативная критика сделала свое дело, посетители пошли посмотреть что же там такого ужасного, о чем все пишут и разносят вдребезги.
Салон был потрясен, еще ни один художник не получал известность, не будь он представлен в самом Салоне. А тут все пошло другим путем.
Нашлись даже первые покупатели картин. Вчасности, Эрнест Ошед покупает картину "Впечатление" Моне. Также несколько продавцов картин регулярно покупают у молодых художников полотна.
Первая ступень была пройдена.
В галерее та самая картина Моне "Впечатление. Восхоход солнца" 1873 года.
Больше интересного в моем арт-блоге: https://instagram.com/artforyou.blog?igshid=1i46mhrxgue9h
Сможете найти на картинке цифру среди букв?
Справились? Тогда попробуйте пройти нашу новую игру на внимательность. Приз — награда в профиль на Пикабу: https://pikabu.ru/link/-oD8sjtmAi
Японская живопись, или почему без японцев импрессионизм мог не появиться
Невероятно, но факт: на импрессионистов огромное влияние оказало японское искусство. Как так получилось? Давайте разбираться.
Наша остановка – эпоха Эдо. Длилась она 265 лет (1603 – 1868), в это время страну держали в своих руках клан Токугава (их боялись даже чеченцы). Ребята закончили с войнами, как итог – золотой век экономики, театра, литературы и, конечно же, живописи.
Одной из жемчужин Эдо стали гравюры, или укиё-э (картины плывущего мира). Хотя изначально это были рекламы всяких баров/борделей и афиши.
Секрет популярности укиё-э прост. Эдо (кстати, это старое название Токио) быстро рос, люди хотели модную обстановочку дома, а традиционная японская живопись была ооочень не по карману. А тут есть картины ценой одной чашки лапши. Все очевидно же))
Кацусика Хокусай – «Большая волна в Канагаве», 1832
Поначалу сюжеты были очень ограниченными – театр и картины с девушками, исторические события и поздравительные открытки.
С развитием искусства и повышением популярности пошли фауна, жесткая эротика (сюнга – западные зрители офигевали от натуралистичности картин, а японцам было ок) и мифы со сказками.
И вот сказки уморительны. Привидения (японцы любили страшилки уже тогда), путешествующие карпы, коты-самураи и бордель собак. Открывается совсем новый мир, японцы были безумны всегда.
Пейзаж как самостоятельный жанр появился позже остальных, и тут большую роль сыграл знакомый многим Кацусика Хокусай.
Коты-самураи, почему бы и нет:
Многосерийная история Утагавы Куниёси "Японские сказки о рыбах" про путешествия и проделки карпов. Эта гравюра называется "Последний этап алкогольной вечеринки"
Так вот, к концу 19 века японское искусство очень резво ворвалось в мир жителей запада. И сразу поразила новых зрителей в самое сердечко. А в особенности импрессионистов: Клод Моне владел коллекцией из 250 гравюр (постоянно спрашивал гостей их мнения об этих работах и частенько дарил их), вечно безденежный Ван Гог владел 200 картинами и делал отсылочки в своих полотнах, Ренуар и Дега часто вдохновлялись работами японских коллег.
«Автопортрет с перевязанным ухом» одного крайне известного художника, присмотритесь к стене:
Дам немного контекста из истории. В 19 веке академизм не давал расти новым направлениям: важны правильная композиция, нужный смысл и обязательна фотореалистичность. Революцию совершили импрессионисты, а позже появился авангард и другие -измы.
Но за сотню лет до этого японцы делали красиво и говорили сокровенную фразу – мы так видим. Для них было важно показать чувства и эмоции (знакомо?), и, хотя фотографии еще не существовало, на своих полотнах японские мастера умели поймать момент (ну а теперь узнали?).
Тут у нас похожая идея у Утагавы Хиросигэ «Морское побережье в провинции Идзу» и Клода Моне «Арка на запад от Этрета». Разница между картинами 31 год:
Европейские бунтари усвоили главные принципы: лаконичность, сюжеты и серийность. Никаких лишних деталей, несколько однородных цветов и простой сюжет – зачем нужны эти драматические сцены, когда гораздо интереснее глянуть на обычную девушку, цветы или море..
Моне писал по 30-40 картин со стогами и соборами, Сезанн постоянно изображал свою любимую гору. А вот японский классик Хиросигэ посвящал своим сюжетам по сотне работ!
Вот сравните работы Поля Сезанна «Гора Сент-Виктуар» и Утагавы Хиросигэ «Вид моста Яцуми-но хаси». Что-то есть, не правда ли:
И таких параллелей можно провести довольно много. Импрессионизм и Япония. Кто бы мог подумать))
Посмотреть больше про японское искусство и другие истории из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
А если не любите телегу, то вот ссылка в инстаграмм: https://www.instagram.com/picturebymaslo
Добра!