Погребение египетской кошки: как это было
Жрица подносит духу кошки дары в виде еды и молока. На алтаре стоит мумия умершего, а гробница украшена фресками, урнами с живыми цветами, цветками лотоса и статуэтками.
Жрица стоит на коленях, направляя к алтарю дым благовоний. На заднем плане статуя богини Бастет, охраняющая вход в гробницу. Художник Джон Вегелин, холст, масло, 1886 год.
Телеграм — История Веков
Новый художник
Наталья Устимович — творческая личность с ярким и неординарным видением мира, чье искусство пронизано философским подходом к бытию. Ее произведения не просто отражают окружающую реальность, а предоставляют зрителю уникальную возможность взглянуть на нее через призму альтернативного восприятия.
Устремленная к философским темам, Наталья обращается к вопросам бытия, места человека в природе и социальной ориентации. Ее картины становятся своеобразным философским калейдоскопом, где каждая работа — это глубокий этюд над тайнами бытия.
Картинные истории #7
Сегодня распутываем древнегреческий клубок семейных проблем
Франсиско (Де) Гойя "Сатурн, пожирающий своего сына" (1823)
Находится в Национальном музее Прадо (Мадрид, Испания)
Сегодня мы будем разбирать картину без которой не обходится ни один список самых страшных картин человечества. Ее и правда тяжело назвать позитивной и приятной глазу, но она продолжает считаться шедевром и одной из самых знаменитых картин Франсиско Гойя.
Для начала, как обычно нырнем в истоки и бэкграунд.
Сюжет картины построен на древнегреческом мифе о Кроносе (Сатурне) и о его нездоровой любви к своей власти. Я расскажу вам легенду о нем.
Уран, отец Кроноса, вместе с матерью Кроноса, Геей (РКН, пощади), в не самом счастливом и желанном союзе, сумели родить изрядное количество отпрысков, а именно - трех циклопов, трех 100-руких великанов и 13 титанов. Поняв, что наследников много, а престол один и хотелось бы усидеть на нем как можно дольше, Уран начал потихоньку избавляться от своего потомства - а именно скидывать всех в Тáртар, бездонную яму или попросту ад (да, именно отсюда пошло выражение "лететь в тартарары"). И тогда Гея подговорила своих детей-титанов восстать против отца. А план был, кстати, простой - младшему титану Кроносу она выдала в пользование волшебный серп, дождавшись когда Уран возжелает Гею и займется с ней сексом, Кронос отрубил отцу причинное место прямо этим волшебным серпом (но мне кажется, обычный бы тоже справился), а потом выбросил отцовский детородный орган в море-окиян (но божественная сила зачатия велика и позже от семени отрезанного члена Урана и морской пены появилась другая богиня - Афродита). После того, как Уран лишился возможности создавать потомство - он был изгнан и больше никогда не принимал участие в божественной жизни, но перед своим изгнанием Уран проклял сына, сказав, что один из его собственных детей обязательно свергнет Кроноса и его власть. Получив подобное проклятие Кронос через время задумался, править ему очень нравилось, но и секс с сестрой Реей (все в порядке, не переживайте, они были женаты) ему тоже нравился. И он не придумал ничего лучше, как есть своих детей сразу после их рождения. Но не волнуйтесь за малюток, они были богами, а значит бессмертными, так что они спокойно жили в животе отца, не перевариваясь с остальной едой, росли и даже учились ходить, говорить и драться. Всего таким образом Кронос съел пятерых своих детей, после рождения шестого Рея его обманула и подсунула ему камень в пеленках - так и выжил будущий глава Олимпа - Зевс. Но это уже совсем другой рассказ.
Давайте обратимся теперь к истории конкретно картины и художника, что есть интересного там.
В 1819-м году 73-летний Гойя, всё еще формально числившийся придворным живописцем, вышел на пенсию и приобрел небольшую виллу в пригороде Мадрида. Еще до его приезда соседи прозвали это имение Quinta del Sordo или «дом Глухого». Было бы забавно, если бы именно это название и привлекло Гойю, ведь он и сам был своего рода глухим, в 1792-м, после загадочной болезни (назывались диагнозы от апоплексии до осложнений застарелого сифилиса) художник начал испытывать адские головные боли и почти полностью лишился слуха, так что «дом Глухого» пришёлся ему как нельзя кстати.
Оправившись от болезни, Гойя решает расписать стены своего дома странными и темными видениями, которые выразили бы ужасы последних лет его жизни (а ужасаться было чему, страна была оккупирована, жена и любовница погибли, а десяток своих детей он похоронил). Работы не предназначались для посторонних глаз современников Гойи и должны были стать чем-то вроде завещания пожилого художника потомкам. Эта идея завладела Гойей целиком. В течение короткого времени он выполнил колоссальный объем работы, набросав эскизы 14-ти огромных картин (некоторые из них превышали размер в шесть квадратных метров!) и начал расписывать ими стены. Все изображения напоминали кошмары или галлюцинации. После смерти художника картины переносились на холсты другими мастерами.
Начнем с верхней части картины. Мы как будто гуляли по темным пещерам и тут в свете факела нам попалось эта жуткая сцена. Во первых вы только посмотрите какие безумные глаза у Кроноса, они выражают какой то безумный, хтонический ужас от содеянного, он будто правда застигнут врасплох, но в мифах ведь он сам хотел есть своих детей и этого не скрывал (я отец и бог, делаю с детьми что хочу), а наоборот это было негласным правилом и за этим следили остальные боги и титаны? Также внимательный читатель уже возмутился тому, что на картине Кронос ест ребенка по частям, разрывая его плоть на кусочки, как после этого можно выжить, да еще и продолжать существование в желудке отца?
Новая несостыковка - тело явно не детское. И даже не мужское, это скорее половозрелая женщина в самом расцвете сил, как она могла оказаться на месте жертвы Сатурна? Он только что обглодал голову своей жертвы. Его чёрный рот открывается возле локтя левой руки, готовый откусить сустав. Его руки копаются в позвоночнике, кровь поразительно мерзко-первичного цвета стекает по руке, шее и плечу его ребёнка. Каннибалистическая свирепость, с которой Сатурн Гойи поедает своего ребёнка, делает его ужасающе уникальным.
Есть свидетельства, что в этой части картины, до срисовки должен был также находится эрегированный половой орган, направленный в нашу с вами сторону, но художник, который переносил картину на холст, видимо, решил, что это будет уже совершенно точно лишнее.
Вот это кстати и есть снимок, который сделали в доме Гойя. Кстати, иронично, что именно эта фреска была найдена на стенах в его столовой.
Испанские медики Фернандес и Сева называют предполагаемый душевный недуг Гойи аффективным психозом, Мануэль Парео говорит о депрессивной дистимии, Ноймайр склоняется к диагнозу шизофрения и предполагает постепенное отравление организма Гойи входившим в состав красок свинцом, что повлияло на деятельность мозга художника и вызвало к жизни галлюцинаторные видения. Искусствоведение в этой ситуации может лишь констатировать: действительно, живопись до Гойи не знала такой исступлённой дисгармонии. Именно Гойя первым в европейском искусстве делает нас не зрителями, а полноправными соучастниками адского пира и чудовищных преступлений.
Такие дела, друзья! Думаю, этот разбор вам понравится, присоединяйтесь и спасибо за вашу поддержку, будем двигаться дальше к знаниям в таком же темпе! :)
А еще у меня есть к вам пара вопросов:
Было бы вам интересно послушать про "Троицу" Андрея Рублева? Она сейчас выставляется в Храме Христа Спасителя и будет там то ли две недели, то ли год, как обычно ничего нормально не решили, но посмотреть ее бежит куча народа, успеем с вами запрыгнуть в последний вагон интереса к ней)
Что вам вообще было бы интересно еще послушать и посмотреть? Я поглядываю в сторону мифов, как раз сегодня картина еще такая, может начнем отдельно разбирать интересные истории из разной мифологии, например, египетской, я ее просто обожаю!
Картинные истории #6
Сегодня любуемся пейзажем Саврасова :)
Алексей Кондратьевич Саврасов "Грачи прилетели" (1871)
Находится в Государственной Третьяковской Галерее (Москва, Россия)
Эта картина является, если не самой красивой, в творчестве Саврасова, то уж самой известной так точно. Вы точно видели ее в книжках, учебниках и на страницах энциклопедий. Давайте познакомимся с этой картиной поближе!
До начала 1870-х годов Алексей Саврасов в основном работал в окрестностях Москвы, а после стал ездить в провинцию. Больше всего художнику пришлась по душе Волга — он побывал в Ярославле, под Костромой, в Нижнем Новгороде, Юрьевце, и на целых пять лет волжские пейзажи стали главным предметом его живописи. В работе над картинами Саврасову помогал Василий Перов, с которым он близко общался и преподавал в Училище живописи, ваяния и зодчества.
В декабре 1870 года у художника возник конфликт с училищем — его упрекнули в том, что у него мало учеников, и лишили казенной квартиры. Саврасов с семьей остался фактически на улице. Он взял отпуск и уехал на полгода в Ярославль, в качестве финансовой поддержки обзаведясь заказами Павла Третьякова. В Ярославле зимой после тяжелых родов умер уже четвертый ребенок Саврасовых (из шести только двое выжили), жена Софья тяжело заболела. Тяжелые невзгоды привели живописца в село Молвитино (позже переименованное в Сусанино), в нескольких десятках верст от Костромы. Там он и создал первые этюды, которые позже легли в основу картины. Дописанную уже в Москве картину еще до первой выставки заметил и купил Третьяков (за 500 рублей), чем сильно разочаровал императрицу Марию Александровну — она смогла приобрести только копию полотна. «Грачи прилетели» стала вехой в истории русской живописи, утвердившей национальный лирический пейзаж. Посмотрим на картину детально.
При первом, беглом взгляде на картину, на что вы обратите внимание? Большинство посмотрит на грачей в ветвях берёз. Потому что это композиционный центр картины. Художник намеренно "ведёт" ваш взгляд сюда. Тонкие полупрозрачные ветки на синем небе совсем не отвлекают наше внимание от птиц. Обратите внимание, что фигуры птиц несколько велики по сравнению с реальными размерами, а их рисунок выглядит довольно приблизительным и даже наивным. Но это не центр картины. В центре – церковь и дома. Но не они главные герои. В этом изюминка работы Саврасова. Смещённый центр композиции в правый верхний угол полотна.
Есть в картине много деталей, которые придают ему так называемую «русскость». Как ни крути, наша сельская глушь всегда немного неряшлива, с налётом старины, как эта церковь, например (это православная церковь Воскресения Христова в селе Молвитино, построенная в конце 17 века). Мы и сейчас в деревне редко увидим ряды аккуратных домиков с разукрашенными заборчиками. Но эта потрепанность как раз и мила русскому человеку. Вообще Саврасов как будто специально выбирает самое неприглядное время года. До него раннюю весну русские художники почти не изображали. Согласитесь, проще написать куст цветущей сирени на фоне аккуратного заборчика и дорожки с гравием. Чтобы было приятно смотреть. А тут слякоть, потемневший снег, кривые деревья, грязь и голые ветки, одним словом середина или конец марта.
Что вы скорее всего заметите не сразу – это бескрайние просторы за церковью. Наши внимание так сильно приковано грачами и березами, что тяжело заглянуть вглубь картины, где до самого горизонта простираются равнинные поля, через которые протекает река — по всей видимости, разливающаяся весной Воложница, которая впадает в Шачу северо-западнее Сусанина. Передний план картины изображён так, что художник как будто находится вблизи земли. Но при таком ракурсе горизонт должен был бы находиться довольно низко, в то время как на картине он изображён примерно посередине холста, на уровне церковных главок. Это было сделано художником для того, чтобы лучше показать равнинные дали, которые играют в картине важную смысловую и образную роль. Но бессознательно это влияет на наше восприятие, вы ощущаете величие природы и масштаб русских деревень, а самое главное, вы перестаете замечать, что картина совершенно небольшая (в реальности она всего 62х48 см). Саврасов был, можно сказать, уникальным мастером в изображении пространства.
Здесь мы, кстати, можем увидеть подтверждение места – надписью, сделанной в левом нижнем углу полотна: «1871. С. Молвитино. А. Саврасовъ».
Небо на «Грачах» затянуто облаками и написано в серо-голубых, тусклых тонах. Для того чтобы в точности передать малейшие оттенки, Саврасов оставлял фрагменты холста, не покрывая его красками. Он использовал интересный прием: создавал «вертикаль» от земли к небу и изображал небесные блики и в проталинах на нижней части полотна. Обратите внимание, как старательно Саврасов проработал тончайший рисунок подтаявшего снега: где-то он потемневший, где-то — сиреневый, нежно-лиловый, голубой и даже розовый, где то на нем лежит легкая сетка теней от берез.
Обратите внимание, что по бокам картины часть берёз “срезаны” рамой, этот прием называется "занавес", он придуман не Саврасовым. Это дает нам ощущения неограниченности картины, наше сознание дорисовывает пейзаж дальше, уходя далеко за картинную раму.
Саврасов первый показал, что у природы нет малого. Его пейзажи формально бытовые, а не бытийные. Но в этом быте изображено бытие – извечное, бесконечное. Прилетевшие вместе с весной грачи вьют гнезда в корявых березках. Среди берез различима небольшая верба, готовая распуститься – как символ оживления, воскресения жизни после зимней спячки. На стенах старенькой колокольни облупившаяся штукатурка.
Спустя 10 лет после написания картины “Грачи прилетели” жизнь Саврасова пошла под откос. Он серьёзно страдал алкоголизмом. Искусствоведы так и называют его работы с 80-х годов 19 века – "пьяный Саврасов". Грачи иногда возрождались в рисунках, которые он наспех набрасывал, чтобы продать на ближайшем рынке за 2 рубля. Саврасову было не суждено оставить обширную галерею шедевров, как его современнику Айвазовскому или ученику Левитану. Однако "Грачи прилетели" внесли серьёзную лепту в развитие живописи. С этой культовой картины началась история русского пейзажа, который повествует о русской природе.
Такие дела, друзья! После тяжелого разбора Босха хочется чего то легкого и поэтичного, как вот эта картина, например. Читайте и любуйтесь, а еще Спасибо за вашу поддержку, мне очень приятно! :)
Картинные истории #5
Сегодня исследуем религиозные мотивы Босха :)
Иероним Босх "Сад земных наслаждений" (1500-е)
Находится в Национальном музее Прадо (Мадрид, Испания)
Сегодняшняя картина — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия — Luxuria. Оригинальное название этой работы Босха доподлинно неизвестно. «Садом земных наслаждений» триптих назвали исследователи. Давайте попробуем вместе разобраться в картине и рассмотрим часть "пасхалок" которые в ней скрыты, все разобрать вряд ли получится, их тут действительно много :)
Четкого исторического контекста картины тут нет, поэтому рассказать толком нечего. Я немного расскажу вам об истории картины, а потом мы начнем ее осмотр.
«Сад земных наслаждений» – самое известное произведение нидерландского художника Иеронима Босха. Первое упоминание о триптихе относится к 1517-му году: «Сад…» фигурирует в описи имущества семейства Нассау в Брюсселе. Позднее, наряду со многими другими произведениями Босха, картина была вывезена в Мадрид и находилась в собрании испанского короля Филиппа II. В 1936-м году, с началом гражданской войны в Испании, «Сад земных наслаждений» с целью его сохранения был передан в Прадо. «Сад земных наслаждений» сохранился лучше других триптихов Босха. С 2014-го года «Сад земных наслаждений» вместе с еще тремя работами стал предметом раздора между Прадо и Музеем королевских коллекций, подававшим официальный запрос о возвращении этих произведений в королевское собрание.
Для современников Босха его картины имели гораздо больший смысл, чем для современного зрителя. Необходимые пояснения к сюжетам средневековый человек получал из разнообразных символов, которыми изобилуют картины Босха. Значение многих символов уже безвозвратно утеряно, символы меняли значение в зависимости от контекста, они по-разному трактовались в разных источниках — от мистических трактатов до практической магии, от фольклора до ритуальных представлений. В течение пяти веков многозначность символики Босха позволяла исследователям его творчества и почитателям относить художника к самым разным религиозным и философским направлениям.
Давайте начнем рассматривать картину — наглядно все станет понятнее, насколько может быть понят Босх :)
Начнем с задних створок картины. Они выполнены в технике гризайли – так называется вид живописи, при котором художник работает оттенками одного цвета. В данном случае использована зеленовато-серая гамма. Художественный эффект обусловлен неожиданностью перехода, совершаемого зрителем, от монохромных и лишённых человеческого присутствия внешних створок к многофигурным и красочным створкам внутренним.
На самом верху Босх помещает слова из Псалтири: «Ибо Он сказал – и сделалось; Он повелел – и явилось» (Пс.32:9). В левом верхнем углу мы можем увидеть маленькую фигуру - это Бог. Большинство склоняется к версии, что это момент творения мира, как он описан в Книге Бытия – изображение третьего дня сотворения мира. На земле еще нет человека и животных, из воды только появились скалы и деревья. Но есть сторонники другой версии – это конец нашего мира, после вселенского потопа.
Давайте поближе рассмотрим левую створку триптиха. На ней изображен Эдем. Бог показывает удивленному Адаму только что созданную из его ребра Еву. Вокруг – недавно созданные Богом животные. На заднем плане – Фонтан и озеро жизни, из которого выходят первые создания нашего мира. Рассмотрим важные детали поближе.
Это Фонтан Жизни, источник, дарующий жизнь всему сущему. А внутри неожиданно мы видим сову, символ тьмы, духовной слепоты и ереси. (символом мудрости она была в Античности, и сейчас) Таким образом художник визуализирует популярную в те годы идею о том, что всякая жизнь — греховна. Но еще есть астрологическая версия. Розовый хитиновый фонтан — это Рак, сова — символ темного, несчастливого Сатурна. Сатурн в Раке — зловещий астрологический прогноз, ассоциировавшийся во времена Босха с Судным днем.
Это первая встреча Адама и Евы. Бог взял Еву за руку как на обряде венчания, и велит своим детям плодиться и размножаться — об этом недвусмысленно свидетельствуют кролики на заднем фоне, во все времена считавшиеся символом плодовитости. Но посмотрите на реакцию Адама и на реакцию Евы — они разные. Если Адам с энтузиазмом смотрит на новую спутницу, то Ева смущена и стоит потупив взгляд. Это странно, ведь плодов с Древа Познания она еще не ела, а значит не понимает отличия Добра от Зла, не ведает стыда. Дело в том, что концепция гендерного равноправия была Босху не близка — женщин он (как и многие в то время) считал изначально порочными. :)
Обратите внимание, что в Эдемском саду не все слышали о любви и дружбе. То и дело кто то кого то ест. Это отличается от канона, ведь в Эдемском саду нет насилия и смерти. Но вот лев поймал оленя и уже вгрызается ему в плоть. Дикая кошка несёт в зубах пойманное земноводное. А птица вот-вот проглотит лягушку. Так он пытался показать, что от жестокости мира никуда не деться, даже в райском саду. И человек, как часть природы, также наделён жестокостью. Вопрос, как он ей распорядиться: впадёт в грех или сможет обуздать своё животное начало.
Слева от источника жизни плавают утки, считавшиеся во времена Босха «низкими тварями», поскольку они «погружаются в грязь по самые глаза». Справа — царственный лебедь, непорочный символ Братства Богоматери, в котором Босх состоял до самой смерти. Лебедь движется в ту же сторону, что и презренные земноводные. Возможно, утки и лебедь вместе воплощают идею райской терпимости: фонтан дает жизнь всему — и возвышенному, и земному.
Черные птицы ассоциируются с грехом. Внизу фрагмента пернатая очередь, выстроившаяся к полому яйцу — символу ложной веры или пустой души, не познавшей бога. Босх снова показывает нам дуализм Рая и заставляет задуматься — зло должно было существовать уже в Эдеме. Иначе, совершая первородный грех, Адаму и Еве было бы нечего познавать.
Конструкция из двух округлых плоскостей, скрепленных поперечной осью — образ, который встречается у Босха довольно часто (даже в этом триптихе мы его еще встретим). Расшифровать его смысл никому из адекватных исследователей пока не удалось. Однако венчающий скрепу-ветвь полумесяц — недвусмысленный символ. Во времена Босха полумесяц прочно ассоциировался с врагами христианской веры.
Переходим к центральной части. Тут изображен как раз тот самый Сад земных наслаждений или изображение земной жизни людей, которые массово предаются греху сладострастия. Художник показывает, что грехопадение настолько серьезно, что людям не выбраться на более праведный путь. Почему грех и почему не выбраться? Давайте рассмотрим поближе.
Обратите внимание на то, что на картине все предстают нагими. Существует две версии, почему это так. Первая версия — Иероним Босх состоял в секте адамитов, члены которой совершали свои обряды нагишом и проповедовали свободу сексуальных отношений — отсюда обилие обнаженных персонажей в самых затейливых позах. Версия маловероятна, ведь во времена Босха инквизиция свирепствовала, а нравы адамитов хоть и были свободными, но трудно поверить, что настолько. Вторая версия проще — Босх рисовал героев триптиха голыми, чтобы максимально обнажить человеческие пороки. Чтобы человеческая природа не пряталась под красивой, дорогой одеждой или напудренным париком.
В зависимости от культурного или религиозного контекста, разные ягоды могли иметь различный смысл. Ежевика была символом чистоты Девы Марии, а земляника — знаком праведности и трудолюбия. Но в целом, гигантские ягоды, очевидно, выступают у Босха аллегорией распущенности — в первую очередь, сексуальной. Должно быть слово «клубничка» вызывало в средневековых Нидерландах те же ассоциации, что и у нас сейчас. :)
Это место считается Фонтаном Вечной Молодости — это эзотерический источник, а причудливые сооружения вокруг него обозначают четыре стороны света.
Всадники, восседающие на козерогах, тельцах, львах и других (экзотических и не слишком) животных — это сатирическое изображение лженауки — астрологии. Круг животных (по-гречески — «зодиак») движется против часовой стрелки. То есть, по мнению Босха, противоестественным образом. Также есть иное объяснение, более забавное, девушки в озере – одинокие дамы в ожидании своих избранников. У каждой из них на голове либо фрукт, либо птица. Возможно, они означают характер и сущность женщины. На некоторых сидят чёрные птицы, символы несчастий. Такие женщины скорее и сделают своих мужчин несчастными из-за скверного характера. На других – красные ягоды, символ похоти и распутства. Характер мужчин определяется тем животным, на котором он едет. Здесь есть и лошади, и верблюды, и кабаны. А вот козел в левом нижнем углу пока свободен, без наездника. Мужчины держат разные дары для будущих избранниц – кто рыбу, кто яйцо или ягоды. Найдя себе вторую половинку, пары разбредаются по саду, чтобы уже наслаждаться земной распутной жизнью не в одиночестве.
И снова мы видим птиц. Тут есть уже знакомые нам утка и сова (которую на этом фрагменте картины часто описывают как фаллический символ). А еще ту есть удод, о котором современники Босха говорили, что он «греховнее, нежели сам дьявол», поскольку рядится в прекрасные перья, но питается испражнениями. Кстати, устаревшее значение голландского слова vogel (птица) – половое сношение. Поэтому изображение больших птиц – это аллегория Босха о безудержности людей в похоти и разврате.
Опустимся ниже и увидим стеклянную сферу. И тут Босх снова ссылается на науку. Эти двое служат алхимической аллегорией: любовники «реагируют» друг с другом подобно химическим элементам в колбах. Также существует версия, что прозрачные сферы и сосуды которыми отделены некоторые герои картины - аллегория на тему порочного эгоизма. Кроме того, Босх часто зашифровывал в своих картинах местный фольклор. Некоторые искусствоведы считают, что этот фрагмент может иллюстрировать старинную нидерландскую поговорку: «Стекло и любовь — как они недолговечны!».
В этом фрагменте мы с вами можем усмотреть критику духовенства. Полое дерево — это символ смерти, ада, безверия. Оно в форме воронки, воронка — атрибут ложной мудрости и мошенничества. Не случайно дерево красного цвета — это намек на кардинальское платье. Прячущиеся под трухлявым пнем священники слепы, глухи и бессильны. Они также увязли во грехе, как и все вокруг, они не пытаются спасти души людей, а в страхе прячутся от свой паствы.
И последняя, правая часть триптиха изображает ад, в котором грешники испытывают вечные муки. Ад кишит всевозможными монстрами. Для современников Босха было аксиомой, что все существа созданы по образу и подобию Бога. А все, что имеет страшный и уродливый вид – является порождением Дьявола. Поэтому, чтобы максимально подчеркнуть дьявольскую природу существа, его изображали максимально уродливым. И этого добивались, приделывая зайцам рыбьи хвосты, а птицам – улитку вместо головы. Если раскрыть любую книгу средних веков, на её страницах вы найдёте немало странных существ-конструкторов. Они мучают грешников – пожирают их, протыкают ножами или похотливо пристают. Давайте рассмотрим поближе интересные фрагменты.
Начнем с монстра, который бросается в глаза. Среди искусствоведов у него есть прозвище – меланхоличное чудовище. Кажется, его ничуть не тревожит тот факт, что его древесное тело высохло и растрескалось, а в чреве у него пирует компания разудалых социопатов. Мертвое дерево, полое яйцо — символы смерти и греха, которые изобличают в данном случае конкретный порок — пьянство. Ноги древесного существа неслучайно «обуты» в лодки — несмотря на основательную конституцию, парня штормит и покачивает, также как штормит и покачивает после алкоголя. На его шляпе волынка, а над таверной в полом яйце вывеска с ней же, она была символом праздной музыки и пьяных сборищ. Пьяницы, как известно, "теряют человеческое лицо". Может быть, Босх решил обыграть в этом демоне именно это: пьяницы, теряя своё лицо, отдают его дьяволу. Поэтому монстр и имеет такой обычный, ничем неискажённый лик. Внутри полого яйца – таверна, где грешники выпивают, пусть и верхом на странном существе. А из таверны выглядывает грустный мужчина и смотрит на происходящий хаос. По полям шляпы души грешников прогуливаются под руки с монстрами. Получается, что их особо не мучают, а дают им выпивку, прогуливаются с ними или дают погрустить в одиночестве. Возможно это те, кто продали души дьяволу и для них было забронировано тёплое местечко без мучений? Только вот никуда не деться от созерцания мучений других.
По общепринятому мнению, птицеголовый монстр — это Дьявол, пожирающий души грешников. Восседая на «позорном стуле», он испражняется ими в адскую выгребную яму. На голове у Дьявола — горшок, символизирующий безверие. Кувшины на ногах призваны подчеркнуть хромоту, которой Дьявол обзавелся вследствие низвержения с небес. Но также существует теория, согласно которой клювастое чудище — это безжалостное время. В астрологических книгах Сатурн или Кронос часто изображался хромым или одноногим, отсутствующую ногу нередко подпирал знак Водолея в виде кувшина. Есть еще одна теория, которая гласит, что этот монстр символизирует чревоугодие. Главные его жертвы – обжоры и чревоугодники. Поэтому их наказание – быть съеденными и испраженными демоном. Котелок для приготовления еды на голове монстра и кувшины для хранения вина на его ногах должны указывать на его специализацию. Кстати, в средние века тебя могли сожрать не только монстры, но и…себе подобные. Голод был частым гостем в Европе, и люди нередко доходили до каннибализма. Даже во времена Босха встречались случаи, когда путников ловили на дорогах и съедали. Или же приютившие хозяева завтракали на утро своими постояльцами. Ещё один интересный момент: демон сидит на стуле с высокими ножками. Это стул для испражнения. Его могли себе позволить лишь богатые горожане. Впрочем, обжорство тоже было грехом богатых.
Также, вы можете увидеть девушку, сидящую около ножек стула. Она очень сильно похожа на Еву с первой части триптиха. Все верно, Ева попадает в ад, здесь она несёт наказание за свою гордыню. Поэтому ей очень долго придётся смотреться на своё отражение, чтобы её смирению не было конца. На груди у нее жаба, которая в средние века также была символом чванства и необоснованного тщеславия.
Во времена Босха в Нидерландах было в ходу выражение «похоть — это музыка плоти». К музыке было принято относится как к легкомысленному развлечению, предваряющему любовные утехи. Полифоническую музыку считали греховным проявлением, а ее исполнение в церкви — изощренной формой ереси. Похоже, Босх разделял мнение католического престола, поскольку превратил музыкальные инструменты в пыточные орудия. Кстати в левом нижнем углу вы можете увидеть, что у одного из грешников на интересном месте нарисованы ноты. Здесь вы можете послушать, как они звучат.
Обнаженная девушка с игральной костью на голове, перевернутый карточный стол, беременный демон, судя по всему, предлагающий партию в нарды. Смысл этого фрагмента очевиден: грешникам, предававшимся такому пороку как азартные игры, придется в День Страшного Суда буквально бросить кости. Гибрид ската и крысы, с человеческими конечностями карает азартного игрока. На ногах у демона надеты патены – средневековые сабо на высокой деревянной подошве. Их одевали поверх кожаных сапог для того, чтобы ходить по грязи и нечистотам городских улиц. Вполне себе подходящая обувь для Ада. На спине у монстра вогнутый щит. На нем приколотая кинжалом рука с жестом благословения и с игральной костью на кончиках пальцев. Вспомните, она так похожа на руку Бога на левой створке триптиха. Здесь Босх изобличает нечистоплотных священнослужителей, которые благословляют игроков. Те в свою очередь приходят к священникам за благословением, чтобы им сопутствовала удача во время игры.
Каждого, кто видел картины Босха, поражает то количество деталей, которыми изобилуют его работы. Их так много, что просто глаза разбегаются. Босх был художником своего времени и естественно поддавался его влиянию. А в его время было принято прорисовывать каждую деталь. Достаточно открыть любую книгу времён Босха, чтобы убедиться в доминировании такого стиля изображения через прорисовку множества деталей. Творчество Босха было не таким уж странным и непривычным для его современников. И другие художники его времени использовали в своих работах большое количество деталей, символов и неведомых существ. Несмотря на то, что Босх многое впитывал от своих современников и переносил это на свои картины, нужно отдать должное его гениальности. Все-таки он – непревзойденный мастер в символике и загадках даже для своего времени.
Ну вот и все, дорогие друзья! :) Это был просто невероятно огромный и сложный разбор, надеюсь вы осилите его полностью. Если да - напишите какой нибудь комментарий, чтобы я знала, что это время и силы я потратила не зря :) Спасибо за вашу поддержку, мне очень приятно!
Картинные истории #4
Сегодня рассмотрим сказочные миры Репина :)
Илья Ефимович Репин "Садко" (1876)
Находится в Государственном Русском Музее (Санкт-Петербург, Россия)
Эта картину сложно назвать известной, многие кого я спрашивала - видят ее и слышат о ней впервые. И для Репина она также не стала знаковой, но, как мне кажется, она безумно красивая и интересная. Давайте рассмотрим ее поближе!
Эта картина написана по следам одноименной былины о Садко, бедном гусляре, который зарабатывал на хлеб игрой на пирах. Однажды девять дней подряд Садко не был зван ни на один пир. Тогда он пошёл к Ильмень-озеру и стал играть на пустом берегу. Неожиданно из озера показался сам царь морской, который объявил, что «утешен» игрой гусляра и хочет его наградить. Получив наставление морского царя, Садко отправился в Новгород и побился о закладе с тремя богатыми купцами, утверждая, что в Ильмень-озере есть чудесная «рыба-золоты перья». Выиграв заклад, Садко стал торговать и разбогател. Однажды на пиру Садко похвастал, что скупит все товары в Новгороде — «худые и добрые», два дня подряд Садко скупал все товары, но на третий день, когда подвезли товары московские, Садко сознался, что ему не скупить товаров «со всего света белого». После этого Садко нагрузил товарами 30 кораблей и поехал торговать за море. На обратном пути корабли вдруг остановились посреди моря, и разразилась буря. Садко догадался, что это морской царь требует дани, бросал в море бочки золота, серебра и жемчуга, но напрасно; тогда решено было, что царь морской требует живой головы. Жребий выпал на Садко, который, взяв с собою гусли, велел спустить себя в море на дубовой доске. После этого корабли немедленно сдвинулись с места. Садко же заснул на своей доске. Проснулся он уже на дне морском, в палатах морского царя. Тот требовал, чтобы Садко играл на гуслях. Под звуки гуслей морской царь пустился плясать, вследствие чего взволновалось море, корабли начали тонуть, погибло много людей. По молитвам терпящих бедствие, святой Николай Чудотворец, заступник путешествующих по воде, явился к Садко и научил его, как обойтись с морским царём. Садко поступил в точном соответствии с полученными указаниями: сначала он прекратил игру, оборвав струны гуслей, а когда морской царь потребовал, чтобы Садко женился на морской девице, выбрал из 900 претенденток самую последнюю — «девицу Чернавушку». После свадебного пира Садко заснул, а проснулся он уже на земле — на крутом берегу реки Чернавы близ Новгорода. В это самое время он увидел, что по Волхову подъезжают его корабли. В благодарность за спасение Садко построил церковь Николаю Чудотворцу, а на сине море никогда уже не ездил.
Садко фигурирует в нескольких былинах со сходным сюжетом. В конце 19 века, когда в нашей стране поднялся интерес к народному творчеству, многие люди искусства заинтересовались этой историей. Кроме картины Репина существует популярная опера Римского-Корсакова. Кстати, вдохновленная, в том числе, и картиной живописца.
А что там с историей картины? - спросите вы.
Картину написал Илья Репин, будучи в Париже. Туда он попал после того, как написал картину "Воскрешение дочери Иаира" (ее мы можем рассмотреть чуть позже, она тоже занимательная). Академия Художеств удостоила Илью Ефимовича Большой Золотой Медалью и дала право на 6-тилетнюю пенсионерскую (то есть оплачиваемую Академией) поездку в Европу, чтобы завершить там художественное образование. И в 1873 году он отправляется в путь с женой Верой Алексеевной и дочкой. Репин посетил Вену, Венецию, Флоренцию, Рим, Неаполь, а потом снял квартиру и мастерскую в Париже. Художник признавался, что остался разочарован Римом. Рафаэль ему показался «скучным и устаревшим», а галерей такое множество, что не хватит терпенья «докапываться до хороших вещей».
В Париже в 1874 году Репин посетил первую выставку импрессионистов. Он был очарован техникой, но по смыслу нашел новое течение «пустым». Впрочем, с этим не всё однозначно – не принимая чистое искусство как таковое, Репин время от времени пытался следовать его постулатам, порицая публицистичность критического реализма. «Садко» стал завуалированной реакцией на творчество французских импрессионистов.
Чтобы создать волшебное пространство подводного царства, Репин осмотрел морской аквариум Берлина, это чудо нового времени только-только открылось. Художник сидел там часам, делая зарисовки. Еще он любовался морской флорой и фауной в Нормандии, побывал в Хрустальном дворце в Лондоне. Морское дно он писал в парижском океанариуме.
Постепенно интерес Репина к фантастическому сюжету, навеянному кружащими голову парижскими впечатлениями, начал угасать, но картину он все таки закончил. Впервые публика увидела «Садко» на Парижском салоне 1876 года. Появление ее прошло незамеченным во Франции, а вот в России за эту работу Репину было присуждено звание академика. Полотно сразу же приобрел великий князь Александр (будущий император Александр III). Между тем, сам художник был о картине невысокого мнения, считая ее безвкусной и пошлой. Впрочем, Репин и вообще был чрезмерно строг к себе и признавался, что видя свои картины на выставках и в музеях, чувствует себя «безнадежно несчастным», поскольку находит собственные творения бездарными.
Давайте рассмотрим картину поближе. Сюжет полотна показывает нам момент былины, когда Садко нужно было выбрать себе царевну, которую он возьмет в жены. Композиция построена по принципу треугольника. Следить за треугольником мы можем при помощи взглядов героев. Одна вершина в правом нижнем углу – сам Садко в собольей шубе, который смотрит влево вверх. Там – в левом верхнем углу – вторая вершина треугольника – фигура девушки-крестьянки в русском национальном костюме. Она оборачивается через плечо, глядя вглубь, и непонятно, на поверхности она или тоже под водой. Третья вершина – левый нижний угол – морские красавицы, которые проходят друг за другом перед Садко, демонстрируя свои прелести.
В левом нижнем углу мы видим морских красавиц, вереница которых уходит вдаль и скрывается за толщей воды. На картине каждая из них символизирует какую то страну мира (можете в комментариях попробовать погадать, какая царевна откуда :)). Также существует трактовка, что каждая девушка - это определенное художественное направление.
Помимо общей красоты этого фрагмента, нам будет интересна девушка на переднем плане. Как вы можете заметить - ее грудь полностью обнажена. Нагота на картине русского художника второй половины 19 века! В то время это было исключением. Едва ли мы вспомним хоть одну картину передвижников с обнаженными частями тела. Тогда Россия действительно отличалась пуританскими взглядами. А главное, что зачастую заказчики тоже были в этом плане благочестивы. Брак на всю жизнь, семейные ценности у них были на первом месте. Таким был и Павел Третьяков, один из главных меценатов того времени. Художники подстраивались под ценности заказчиков, и обходили "ню" стороной. Даже в академической живописи обнаженной натуры было мало. И только в 1894 году был проведён первый класс с обнаженной женской натурой в стенах Академии художеств.
Теперь взглянем в правый нижний угол. Тут изображен сам Садко. Прототипом и натурой стал друг Репина - Виктор Васнецов, которого Илья Ефимович пригласил к себе в Париж пожить. Некоторые считают, что этой картиной Репин предсказал творческий путь Васнецова, ведь после того, как он позировал для Садко, он сам начал писать картины на сюжеты сказок и былин.
В руках у Садко поломанные гусли, на нем облачение русского купца. Обратите внимание, что он стоит как будто на границе света и тени, ему нужно сделать выбор. Прослеживая его взгляд, мы можем понять, что он совершенно не заинтересован морскими царевнами, он смотрит выше, на русскую девицу Чернавушку.
У девушки длинная черная коса, соболиные брови вразлет. Словно невзначай она бросает настороженный, но любопытный взгляд на купца. Между ней и другими претендентками — пропасть. Те разряжены и украшены драгоценностями, их прелести бесстыдно обнажены и залиты светом, улыбки кажутся хищными. Чернава же прячется в тени, она скромна и тиха, ее тело скрыто глухим сарафаном, на шее и в волосах нет богатых украшений, а на бледном лице застыло серьезное и чуть испуганное выражение.
Она притягивает взгляд Садко потому, что отражает в себе все родное и знакомое, она в это картине символизирует Родину. Взгляд героя отражает еще и отношение художников и коллекционеров того времени. Не очень привлекательная, невысокая, с вздернутым носиком русская девица гораздо больше любима, чем заморская красавица с обнаженной грудью. Сам Репин так и писал об этом:
Идея выражает моё настоящее положение и, может быть, положение всего русского пока ещё искусства.
Снова осмотрим картину целиком.
На картине изображен человек в подводном, безвоздушном царстве, помещенный в этот чуждый ему мир лишь волей обстоятельств. Перед ним красуются толпы блестящих красавиц, разодетых и раскрашенных, залитых светом, но он видит лишь скромную русскую девушку, стоящую далеко в тени. Если рассматривать картину как метафору, вполне очевидно, что хотел сказать Репин, но он этого и не скрывал :)
Такие дела, друзья! Надеюсь, вы полюбите эту картину также как и я. По моему мнению, это одна из самых красивых картин написанных Репином, да и вообще одна из самых красивых картин написанных в тематике сказок и былин. Делитесь впечатлениями в комментариях и спасибо за вашу поддержку, мне очень приятно! :)
Картинные истории #3
Сегодня предлагаю окунуться вам в мир импрессионистских иллюзий :)
Эдуар Мане "Бар в Фоли-Бержер" (1882)
Находится в Институте искусства Курто (Лондон, Великобритания)
Эта картина считается одним из самых загадочных произведений 19 века. Сам Эдуар Мане (не путайте с Клодом Моне) писал "Вся эта работа — совершенная иллюзия". До сих пор искусствоведы не могут определиться хотя бы с жанром этой картины, портрет? Бытовая сцена? Натюрморт? Также, многие утверждают, что эта картина вызывает у них непонятное чувство беспокойства и тревоги. Давайте разбираться, что тут не так :)
Начнем как обычно с бэкграунда картины.
"Фоли-Бержер" действительно существовал и существует до сих пор.
"Фоли-Бержер" наш дни (вид снаружи и внутри)
Находится в Париже, по адресу: ул. Рише, 32 (9-ый округ)
"Фоли-Бержер" это не просто бар, это варьете и кабаре. Заведение открылось 2 мая 1869 года под именем "Фоли Тревиз". Название заведения переводится на русский как «в листве Тревиз», подразумевая тем самым место, где, скрывшись от назойливых взглядов, можно было предаться веселью и наслаждениям. 13 сентября 1872 года его переименовали в «Фоли-Бержер». В конце 19 века это заведение пользовалось большой популярностью. Здесь часто ставили "театральные представления" очень рискованного содержания, как в эротическом, так и в политическом плане. Мане часто посещал "Фоли-Бержер" и в итоге написал эту картину — последнюю, которую он представил на Парижском салоне перед своей смертью в 1883 году.
А кто такой этот Мане? Эдуар Мане был одним из самых известных французских художников и отцом — основателем импрессионизма. Его картины всегда будто бы были призваны эпатировать публику, обнаженные женщины — куртизанки смотрящие прямо на зрителя, странные сочетания цветов и предметов, непонятные локации и главное неизвестно зачем оказавшиеся там герои картин. Каждый раз смотря на его картины хочется спросить "Как и почему эти люди оказались в этом месте таким странным составом и в таком виде?"
Но Мане не был бы родоначальником импрессионизма если бы не исповедовал свое собственное виденье живописи. Европейский 19 век в искусстве вообще не очень любил собственное время и место. Картины постоянно отсылали в прошлое, в другие страны, в другие обстоятельства. Мане в этом плане стоял особняком среди всех остальных, ему нравилось писать о "красоте трагизма повседневной жизни". Мане прежде всего живописец, его интересовали сочетания цветов и фактур, а что там будет с логикой — уже не так важно.
Картина "Бар Фоли-Бержер" стала последней работой художника. Ее он дописывал страдая от тяжелого ревматизма и атаксии (нарушение координации движений). Картина с энтузиазмом и восторгом была воспринята в Салоне в 1882 году. В эти годы Мане наконец получает признание своего таланта — даже со стороны тех, кто всю жизнь насмехался и травил его. Художнику становилось всё труднее не только работать, но и передвигаться. 19 апреля 1883 года Эдуар Мане переносит тяжелейшую операцию по ампутации левой ноги, а через 11 дней, несмотря на первые симптомы кажущегося выздоровления, 30 апреля 1883 года умирает в страшной агонии.
Теперь давайте перейдем к деталям картины.
Начнем с левого верхнего угла. Здесь мы видим отраженный в зеркале противоположный угол зала. Зеркало это символ преходящего мирского тщеславия. Изображая в зеркале сияющий огнями зал (кстати, это одна из первых картин где были изображены электрические лампы и их свет) и нарядную публику, умирающий художник тосковал по развлечениям в «Фоли-Бержер», но понимал, что все это недолговечно, как и он сам. Среди посетителей Мане изобразил своих друзей: женщина в желтых перчатках — дама полусвета Мери Лоран, рядом с ней актриса Жанна де Марси и художник Гастон Латуш. Большое количество гостей которые пришли посмотреть на шоу - в углу вы можете увидеть ноги гимнастки на трапеции. Но подождите, если это зеркало, то где стена, которая мешала бы нам увидеть все остальное? И вообще, где мы стоим, если за нами, фактически, пропасть партера? Получается, что мы стоим в воздухе!
Обратим внимание на бутылки? Тут тоже есть на что посмотреть. Прежде всего красная бутылка - на ней Мане оставил свой автограф. Приглядитесь на низ этикетки, так он подписал свою картину. Далее зеленая бутылка - это английское пиво "Bass", оно тоже реальное, оно до сих пор производится и его можно купить. Считается, что предпочтение английского пива немецкому, свидетельствует об антигерманских настроениях администрации «Фоли-Бержер» либо самого художника, связанных с недавним поражением во Франко-прусской войне.
4 бутылки шампанского стоят в тепле просто так, зачем и где же лед? Посмотрите в отражение, бутылки стоят не совсем так, как должны. Вообще, считается, что эти бутылки так нарочито выставлены для того, чтобы мы смогли провести параллель между ними и девушкой стоящей на баре - похожая фигура, цветовое сочетание и фактура - эти бутылки продаются, как и девушка, стоящая рядом с ними.
Разве бармены тоже продаются? - спросите вы.
В таких заведениях как Фоли-Бержер бармены были не совсем такими, какими мы их представляем. Во-первых, в основном это были женщины. Во-вторых, их работа заключалась не в том, чтобы смешать вам вкусный напиток - их работа заключалась в том, чтобы привлечь ваше внимание своей красотой и доступностью, пригласить вас на разговор и продать вам как можно больше выпивки. Ну, а если сможете заплатить - можно было купить еще и их любовь, это была сознательная политика таких заведений. Не зря на переднем плане мы видим апельсины - часто в живописи это было ассоциацией к продажности женщин на картине, напоминание об их грехопадении.
Теперь посмотрим на саму девушку. Что бросается в глаза? Ее отрешенный вид и пустой взгляд сквозь нас. Но она ведь должна кокетничать с нами, улыбаться и предлагать еще один бокальчик шампанского. Почему она не обращает на нас никакого внимания? Взглянем на ее внешний вид, нарочито подчеркнутые женственные очертания фигуры, перетянутая узкая талия, широкая юбка и линия пуговиц которая спускается к фалдам ее жакета, подчеркивающими треугольник рядом с промежностью - скрытый от современного человека, но четко читающийся мужчинами того времени, сексуализированный образ. А теперь на цветок у нее на груди - он начинает увядать, это символ скоротечности женской красоты и молодости. Обратите внимание на положение рук девушки, раньше с таким же положением рук рисовались герои библейских сюжетов. Возможно, здесь есть отсылка к Деве Марии, а именно к скульптуре "Пьета".
Но что то снова не сходится, посмотрите на ее отражение в зеркале. Там стоит другая девушка, ее формы более мягкие и округлые, она опирается на барную стойку и наклоняется к мужчине, который будто бы должен стоять там, где стоим мы. Судя по ее позе, это достаточно интимный разговор. Мужчина выглядит слегка ошарашенным и испуганным.
По одной из самых популярных версий, Мане в этой картине ломает временную линию. В отражении мы видим прошлое этой девушки, ее кокетство и запретные отношения с женатым господином. Позже, она понимает, что беременна, но мужчина испуган, он не готов разбивать семью ради куртизанки, он отказывает ей и исчезает из ее жизни. В девушке перед нами мы видим ее настоящее. Она осталась одна с ребенком на руках и чтобы как то заработать, она продолжает продавать себя, чтобы иметь возможность выживать и кормить ребенка. А возможно она и вовсе потеряла ребенка, сделав аборт, так как поняла, что не сможет воспитать и вырастить его одна.
В пользу этой версии говорит еще и рентгенограмма картины. (не пугайтесь ;))
Вы можете увидеть, что в первоначальной версии ее руки были сложены на животе, есть мнение, что Мане хотел таким образом подчеркнуть недавнее положение девушки, но позже отказался от этого ввиду однобокой трактовки. Но мне кажется, что эту картину точно невозможно трактовать однобоко, каждый увидит в ней что то свое.
Для картины ему позировала настоящая барменша из Фоли - Бержер, которую звали Сюзон, а для мужчины в отражении зеркала его друг, художник - баталист Анри Дюпре.
Снова взглянем на картину целиком. Здесь присутствует много ярких красок, картина повествует о вечере в увеселительном заведении, мы видим алкоголь, фрукты, красивую девушку, но почему картина не вызывает чувство веселья и легкости? Изолированность, отрешенность и меланхоличность девушки передается и нам, именно она диктует наше поведение, а не мы ее, она находится в центре веселья и гуляющий толпы, перед ней разворачиваются невероятные представления, но она выключена из этого "праздника жизни", она находится вне этой суеты. Благодаря этой картине мы подсознательно пропитываемся тем самым ощущением прекрасной, грустной, трагической, повседневной современной жизни, о которой я писала чуть выше.
Такие дела, друзья! :) Эта картина, на мой взгляд очень интересная и многогранная, буду рада услышать ваши версии происходящего на ней. Спасибо большое за ваши приятные слова и поддержку, я рада, что вам также как и мне нравится мир искусства и вы готовы погружаться в него вместе со мной :)