Чёрный квадрат Robloxевича
Показать полностью
1
0 просмотренных постов скрыто
Чёрный квадрат
Показать полностью
3
Ответ на пост «Андрей Кончаловский: "Что такое "Чёрный квадрат"? Это может сделать любой"»1
Нарисовать-то любой нарисует.
А ты попробуй продай!
К.Малевич
Андрей Кончаловский: «Что такое «Чёрный квадрат»? Это может сделать любой»1
Прочитав этот комментарий к сегодняшней заметке...
...решил оставить здесь ещё один фрагмент нашей с Кончаловским беседы:
Очевидно, что Андрей Сергеевич в своей жизни столько раз беседовал с журналистами, что у него должна быть идиосинкразия на такого рода общение.
Поэтому, когда я узнал от продюсеров, что он станет гостем моей программы «Правда-24», я понял, что разговор будет непростой. Но! Но человек такого масштаба это всегда подарок интервьюеру. С ним траектории словесного пинг-понга рисуют полотно звёздных войн.
– Беседовал в этой же студии с Кириллом Серебренниковым. И мы с ним после эфира поговорили про Энди Уорхола. И он считает, что на самом деле это великий трендсеттер, человек который во многом определил развитие современного искусства.
– Правильно, он трендсеттер. Вот трендсеттер – да, но не художник. Сейчас трендсеттеры важней. Вообще «тренд» – слово надо запретить в России.
– Говорить – тенденция?
– Найдите другое слово. Почему говорят «тренд»? И почему «сеттер»? Вообще, сеттер – это собачье, интеллигентный человек может найти русское слово.
– Вы же интеллигентный человек, найдите тогда аналог трендсеттеру в русском языке. Ну, вот «трендсеттер» – установитель тенденций?
– Тенденция, тенденция. Но что касается, что касается мнения Кирилла, это же его право. Каждый может, кому что нравится. Он будет считать, что великий, я считаю, что Энди Уорхол – абсолютно великий торговец, гениальный абсолютно маркетолог. Гениальный, это правда. Но искусством это не пахнет. Из него искусство сделали критики, которым нужен новый продукт, который можно продать на рынке.
Вы знаете, знаменитая фраза Сальвадора Дали, который был гений и одновременно с этим абсолютный циник. И он сказал: «Я богат, потому что мир полон кретинов».
Я думаю, что каждый, начиная с Малевича, и все эти трендсеттеры могли сказать: «Я богат, потому что мир полон кретинов», в том числе и Энди. И друг Энди, большой друг Энди, который замечательный критик, он недавно умер, его фамилия была Хьюз, Роберт Хьюз. Он был другом Энди Уорхола, большим другом. Он выдающийся художественный критик. В «TIME» писал всё время.
В этой картине он смотрит на Энди Уорхола, и там торговец ему объясняет качество этой картины, там надо несколько страниц прочитать, чтобы запомнить, чтобы объяснять. И Энди Уорхол, он слушает Хьюза и говорит: «Ну, вообще-то, конечно, может вы и правы, но он же был полный идиот, вы знаете это». Это его друг говорит.
Нет, конечно, он умнейший, несчастный, очень несчастный человек из Восточной Европы, которому удалось создать тенденцию.
И эта тенденция превратилась безумными маркетологами именно в то, что превратился постмодернизм и все это, то, что называется искусством. Я вообще не считаю это искусством.
Искусство – это то, что другой не может сделать.
Это, что нужно так долго учиться, чтобы хотя бы сымитировать, хотя бы!
А что, что такое «Чёрный квадрат»? Это может сделать любой.
– Вот я только что хотел про Малевича сказать.
– Да. Это любой идиот может сделать. Это не искусство. Это рекламный ход, это как угодно, это большая манипуляция, это стейтмент – еще одно слово, заявление, декларация. Но это не искусство.
Искусство для меня – это то, что заставляет людей плакать, смеяться или пугаться, или наслаждаться красотой. А так вы стоите и чешете репу, и с умным видом говорите: «Да-а-а! А сколько стоит? – 10 миллионов. – Ну, тогда вообще здорово». Это не искусство, простите меня. Это, к сожалению, спекуляция темнотой людей.
Был такой замечательный американский писатель, Томас Вулф. Он написал абсолютно исключительную статью про абстрактный экспрессионизм американский. Всех уделал. Называется «Раскрашенное слово». Советую вам почитать.
В КАЧЕСТВЕ КОДЫ - ИЗ МОЕЙ БЕСЕДЫ С ИРИНОЙ АНТОНОВОЙ:
Илья Сергеевич Глазунов мне говорил: «ты, имея линейку и чёрный фломастер, можешь нарисовать чёрный квадрат». Для этого не надо быть вообще рисовальщиком. Это профанация. Вы так не считаете?
– Нет, понимаете, если говорить конкретно о «Чёрном квадрате», то это предъявление позиции, это понимание смерти, это единственное в своем роде такое сочинение, но мы его познаем через те каналы, через которые познаем любое художественное произведение.
Показать полностью
3
3
Почему «Чёрный квадрат» Малевича — настоящий шедевр?
Казимир Малевич — персонаж неординарный, но именно это и делает его легендой. У него было не так много картин, а прославился он на весь мир. Как? Всё дело в характере этого парня.
Малевич четыре раза пытался поступить в московское художественное училище и каждый раз ему отказывали, мол, таланта не хватает. Но он не сдался и перевернул искусство с ног на голову.
Так почему же «Чёрный квадрат» гениален? Потому что это вызов традиционному искусству и очень смелый шаг, особенно для того времени. Малевич доказал, что искусство — это не только мастерство, но и идея, которая заставляет задуматься и спорить.
Доказательства шедевральности «Чёрного квадрата»:
Если картина не оставляет тебя равнодушным — значит, это искусство, и оно работает. «Чёрный квадрат» не оставляет равнодушным. 👍
Малевич так боялся, что кто-то просто скопирует его идею (квадрат-то нарисовать может даже ребёнок), что нарисовал стороны не совсем параллельными. По-моему, это просто гениально. И изобразил его на цветной абстракции — из-за своей паранойи. 😁
А ещё у него было целых 38 вариантов «квадрата» — кресты, круги и прочие формы, чтобы окончательно зафиксировать идею и устроить целую выставку. Всё гениально и просто! 👍👍
Малевич просёк фишку: хочешь прославиться — стань родоначальником нового направления. И он им стал. Он назвал своё искусство «супрематизмом», что означает «лучший, крутой, самый-самый». Гениальный маркетинг, который сработал! 👍👍
Краткий обзор идеи «Чёрного квадрата»: Малевич разрушил связь между искусством и тем, что мы видим вокруг — никаких больше людей, деревьев, котиков или собачек. Раньше художники хоть как-то пытались рисовать что-то узнаваемое, а Малевич взял и порвал с этим навсегда.
«Чёрный квадрат» — символ новой эры в искусстве. Это и конец, и начало искусства, которое живёт само по себе, не служит реальному миру и не пытается его копировать. Искусство становится самодостаточным. «Чёрный квадрат» — точка отсчёта новой вселенной, где царит полная свобода от всего привычного.
Показать полностью
1
1
Вот оно - настоящее искусство
Показать полностью
1
Скандалы в живописи: как провокационные картины меняли искусство
Небольшое обзорное исследование совместно с энциклопедией Vistat акционизма в живописи, влияние творческих провокаций на искусство в целом. Контент 18+
С момента появления первых художественных манифестов искусство нередко шло рука об руку со скандалом. Но что стоит за намеренной провокацией — пустой эпатаж или осознанный творческий метод? Исторический опыт показывает: шокирующие произведения чаще всего становились катализаторами новых направлений, заставляя общество пересматривать устоявшиеся эстетические нормы.
От «Олимпии» Мане до перформансов Бэнкси — провокационные работы выполняют важную функцию. Они разрушают шаблоны восприятия, ставят неудобные вопросы и расширяют границы допустимого. Как отмечал искусствовед Джон Бергер: «Настоящее искусство всегда там, где его не ждут». В этой статье мы исследуем, как скандальные полотна меняли историю живописи, превращаясь со временем в признанные шедевры.
Исторические скандалы: как шок становился прорывом
"Олимпия" Мане как поворотный момент в искусстве.
В 1865 году на Парижском салоне "Олимпия" вызвало беспрецедентный общественный резонанс. Картина нарушила все традиционные представления об изображении обнаженной натуры в живописи. В отличие от принятых в академическом искусстве идеализированных образов мифологических богинь, Мане изобразил парижскую куртизанку Викторину Мёран с вызывающей откровенностью.
Критики и публика были шокированы несколькими аспектами работы. Во-первых, абсолютно новая трактовка женской наготы - без привычных аллегорических прикрас. Во-вторых, прямой вызов зрителю в виде дерзкого взгляда модели. В-третьих, явные социальные коннотации, подчеркнутые присутствием темнокожей служанки с букетом цветов - традиционным подарком клиентов.
Художественные новации Мане проявились и в технике исполнения. Он сознательно отказался от плавных переходов и объемов, характерных для академической живописи, используя вместо этого плоские цветовые плоскости и четкие контуры.
"Олимпия" Мане, инфографика vistat
Этот прием усиливал ощущение современности и реализма изображения. Несмотря на первоначальное неприятие, "Олимпия" стала важнейшей вехой в истории искусства. Картина обозначила переход от классических традиций к модернизму, предвосхитив появление импрессионизма. Сегодня работа занимает почетное место в музее Орсе, а ее провокационный характер признан важным художественным достижением, изменившим ход развития живописи.
Происхождение мира Курбе: снятие табу.
В 1866 году Гюстав Курбе создал работу, ставшую одной из самых провокационных в истории живописи — «Происхождение мира». Картина, изображающая женские гениталии крупным планом, нарушила все табу эпохи. Заказанная турецким дипломатом Халил-беем, она изначально предназначалась для частной коллекции эротического искусства, но даже в этом контексте её откровенность шокировала современников.
"Происхождение мира", Курбе
Общественная реакция была предсказуемо резкой. Александр Дюма-сын назвал Курбе «ублюдком» за «скотское» изображение тела, а сама работа более века скрывалась от публики. Владельцы, включая психоаналитика Жака Лакана, маскировали её двойными рамами с пейзажами. Даже в 1988 году, при первом публичном показе в Нью-Йорке, картина экспонировалась под пуленепробиваемым стеклом.
Курбе радикально переосмыслил жанр ню, отказавшись от аллегорий в пользу гиперреализма. Его подход — не просто эпатаж, а манифест: тело как объект искусства не нуждается в оправданиях. Эта идея повлияла на ключевые течения XX века.
Феминистские художники, такие как Джуди Чикаго, использовали аналогичную откровенность для деконструкции табу. Марсель Дюшан в работе Étant donnés (1946–1966) продолжил диалог с Курбе, исследуя границы восприятия. Сегодня картина стала символом борьбы за свободу художественного выражения. Её эволюция от запретного плода до признанного шедевра отражает изменение культурных норм: то, что в XIX веке считалось вульгарным, теперь признано важным этапом в истории искусства.
Авангардные провокации: разрушение канонов
Черный квадрат: издевательство над традициями.
В декабре 1915 года на выставке "0,10" Казимир Малевич представил работу, ставшую иконой авангарда - "Черный квадрат". Картина, представлявшая собой простой черный четырехугольник на белом фоне, вызвала ожесточенные споры в художественной среде. Для многих современников это выглядело как вызов, даже издевательство над традиционным искусством.
Факты о картине "Черный квадрат", инфографика vistat
Малевич позиционировал "Черный квадрат" не как отсутствие содержания, а как "нулевую точку" искусства. В его манифесте супрематизма работа обозначала освобождение от предметности, переход к чистой форме. Художник утверждал, что создал новую систему искусства, где главным становится не изображение реальности, а выражение "чистого чувства".
Скандальная репутация работы подкреплялась ее необычным размещением - Малевич повесил квадрат в "красном углу", традиционном месте для икон в русских домах. Такой жест подчеркивал претензию на создание новой сакральной системы ценностей в искусстве.
Повторения картины "Черный квадрат", инфографика vistat
Историческое значение "Черного квадрата" трудно переоценить. Работа стала отправной точкой для развития абстрактного искусства, повлияв на таких мастеров, как Пит Мондриан и Василий Кандинский.
В концептуальном плане она предвосхитила многие направления современного искусства, где идея становится важнее ее материального воплощения. Сегодня "Черный квадрат" признан одной из самых влиятельных работ XX века, несмотря на продолжающиеся споры о ее художественной ценности.
Фонтан Дюшана - это искусство?
В 1917 году Марсель Дюшан представил работу, перевернувшую представления об искусстве — «Фонтан». Это был обычный фаянсовый писсуар, купленный в магазине сантехники, повёрнутый на 90 градусов и подписанный псевдонимом «R. Mutt» (с намёком на «дурака»). Представленный на выставке Общества независимых художников, объект вызвал скандал и был отвергнут, хотя Дюшан входил в организационный комитет.
Ключевой вопрос, поднятый «Фонтаном», — что делает объект искусством? Дюшан намеренно выбрал утилитарный предмет, лишил его функциональности и поместил в художественный контекст. Как позже пояснял художник, он не считал писсуар «искусством» в традиционном смысле, а видел в нём провокацию против «эстетизма» и культа рукотворности. Критики назвали это насмешкой, но именно такой жест стал краеугольным камнем концептуального искусства.
"Фонтан", Марсель Дюшан
Работа тесно связана с дадаизмом — движением, возникшим как протест против рационализма и традиционной эстетики после Первой мировой войны. Дадаисты, включая Дюшана, использовали абсурд и готовые объекты (реди-мейды), чтобы разрушить границы между искусством и повседневностью.
«Фонтан» стал квинтэссенцией этого подхода: Дюшан не создавал, а выбирал, трансформируя значение предмета через контекст и название.
Несмотря на первоначальное неприятие, к середине XX века «Фонтан» признали одним из важнейших произведений современного искусства. В 2004 году 500 британских экспертов назвали его самым влиятельным арт-объектом XX века, опередив работы Пикассо и Матисса. Сегодня реплики писсуара хранятся в музеях от Парижа до Сан-Франциско, а сам Дюшан иронично заметил: «Я швырнул им в лицо полку с писсуаром, и теперь они восхищаются их эстетическим совершенством».
«Фонтан» остаётся символом радикальной свободы в искусстве, где идея важнее формы, а вопрос «Почему это искусство?» — часть ответа.
Сюрреалистическая исповедь Дали.
В 1929 году Сальвадор Дали создал одну из самых провокационных работ сюрреализма — «Великий мастурбатор». Картина стала визуальным манифестом его «параноидально-критического метода», соединив автобиографичные мотивы с фрейдистскими символами. Центральный образ — деформированное лицо с удлиненным носом, опирающимся на землю, — отсылает к детским страхам и сексуальным комплексам художника. Этот гибридный образ, напоминающий одновременно скалу и плоть, стал метафорой внутреннего конфликта между желанием и страхом.
Критики были шокированы откровенностью работы. Дали смешал эротику с религиозными аллюзиями: у основания «лица» изображена саранча — символ страха, унаследованный из детства, а на его «лбу» — лилия, отсылающая к христианской чистоте.
"Великий мастурбатор", Сальвадор Дали, инфографика vistat
Такое сочетание восприняли как кощунство, но именно оно раскрывало суть сюрреализма: искусство как прямое выражение подсознательного, без цензуры разума. Влияние Фрейда здесь очевидно — Дали буквально визуализировал теорию подавленных желаний, превратив личные травмы в универсальные символы.
Работа изменила восприятие сюрреализма, сместив акцент с абстрактных экспериментов на психоаналитическую глубину. Если ранние сюрреалисты вроде Эрнста или Массона исследовали «автоматическое письмо», то Дали добавил методологичность, систематизируя иррациональное. «Великий мастурбатор» доказал, что провокация может быть не просто эпатажем, но инструментом анализа психики. Позже этот подход повлиял на поп-арт и концептуализм, где личный миф стал частью художественного языка.
Сегодня картина воспринимается как ключ к пониманию Дали. Его фраза «Сюрреализм — это я» здесь особенно уместна: работа не просто отражает стиль, но становится зеркалом художника, где сливаются страх и творчество.
Почему искусству нужны провокации?
Скандал в искусстве давно перестал быть случайностью, став осознанным инструментом воздействия. Одной из его ключевых функций остается разрушение стереотипов. Яркий пример - феминистское искусство Джуди Чикаго, чья инсталляция "Званый ужин" в 1979 бросила вызов патриархальной истории искусства. Через форму банкета она представила 39 значимых женщин истории, создав альтернативу традиционному "мужскому" канону. Этот провокационный жест переосмыслил саму концепцию женского творчества.
"Званый ужин", Джуди Чикаго
Уличное искусство Бэнкси демонстрирует другую функцию скандала - привлечение внимания к социальным проблемам. Его работа "Метатель цветов" (или "Ярость), изображающая бунтаря с букетом вместо коктейля Молотова, стала иконой мирного сопротивления. Размещенная в Иерусалиме на бетонной стене, она превратила протест в поэтический жест. Ирония и простота образа сделали его универсальным символом ненасильственной борьбы, который продолжает вдохновлять активистов по всему миру.
"Ярость", Бэнкси, инфографика vistat
Третья важная функция - тестирование границ допустимого. Современные художники продолжают экспериментировать с табуированными темами, от политики до религии. Однако эта практика имеет обратную сторону. Когда провокация становится самоцелью, она превращается в "искусство ради хайпа". Рынок научился коммерциализировать скандал, превращая социально значимые жесты в дорогостоящие товары. Яркий пример - аукционные рекорды работ Бэнкси, чьи антисистемные послания стали частью арт-системы.
Этот парадокс особенно заметен в эпоху социальных сетей, где провокационное искусство часто теряет первоначальный смысл, становясь поводом для вирусного контента. Тем не менее, история показывает: настоящий скандал в искусстве всегда содержит зерно важного вопроса, заставляющего общество пересматривать свои границы. Разница между пустым эпатажем и значимой провокацией остается в способности работы выходить за рамки сиюминутного шума и предлагать новые перспективы.
Провокация как движущая сила искусства
История искусства показывает: большинство значимых течений рождались из скандалов. От «Олимпии» Мане до «Фонтана» Дюшана — именно провокационные работы разрушали устаревшие нормы, открывая новые пути развития. Эти произведения, первоначально отвергаемые, со временем становились классикой, доказывая, что искусство должно бросать вызов.
Сегодня, когда границы допустимого кажутся размытыми, возникает вопрос: остались ли в искусстве табу, достойные нарушения? Современные художники продолжают исследовать запретные темы — от экзистенциальных страхов до цифровой идентичности, — но теперь провокация требует большей глубины, чем просто шок.
Как отмечал Пабло Пикассо: «Искусство — это ложь, которая помогает нам понять правду». Эта мысль актуальна для провокационного искусства: его ценность — не в эпатаже ради эпатажа, а в способности обнажать скрытые истины. Когда скандал становится осмысленным жестом, он перестает быть просто нарушением правил — он превращается в инструмент познания.
Показать полностью
9
