Многие считают, что современные художники рисуют всякую белиберду, потому что рисовать не умеют. Так это или не так? Иногда так. Но чаще всего – нет. Посмотрите на эти работы Пабло Пикассо. Умел ли он рисовать?
Карандашный рисунок мужского торса Пабло выполнил, когда ему было 12 лет. Рисунок подписан «P. Ruis», именно так звали Пикассо в детстве – Пабло Руис. Потом он взял фамилию своей матери – Пикассо, чтобы его не путали с отцом, тоже художником (он на рисунке справа, это тоже авторство Пикассо–подростка).
Пикассо. Первое причастие
Картину «Первое причастие» (на которой девочка в белом платье с молитвенником в руках стоит на коленях) юный Пабло написал, когда ему было всего четырнадцать. Почему же он потом «разучился»?
Пикассо, портреты жены
Ответ на этот вопрос содержится в высказывании Пикассо: «Я умею рисовать, как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать, как ребёнок»…
Существует множество популярных теорий, почему художник Винсент Ван Гог писал такие кричаще яркие картины. То ли с головой у него не всё было в порядке, то ли со зрением, то ли краски плохие, дешёвые… бедный же! А на самом деле всё просто.
Но сначала разоблачим миф о Ван Гоге – «бедном художнике», не признанном буржуазной публикой и продавшем при жизни одну-единственную картину («Красные виноградники в Арле»).
Винсент Ван-Гог. Красные виноградники в Арле
Да, Ван Гог никогда не роскошествовал; как у всякого, у него были тяжелые периоды в жизни, но и бедным его назвать нельзя. И краски у него были отнюдь не дешёвые. Брат художника, торговец искусством (или, как сказали бы сегодня, арт-дилер) Тео Ван-Гог снабжал его качественными красками и выплачивал ежемесячное содержание в размере 220 франков. Много это или мало? Для сравнения: почтальон Жозеф Рулен, которого биографы часто изображают одним из покровителей «нищего художника», получал вдвое меньшее жалование – и содержал на него жену и троих детей (а Ван-Гог жил один).
Винсент Ван-Гог. Портрет Жозефа Рулена
Ван Гог регулярно участвовал в престижных выставках «Салон независимых» и «Свободный театр» в Париже, и картин только по документам продал 14 штук. (На самом деле, конечно, больше, – просто сохранилось 14 кýпчих.) А почему молва приписывает честь единственной проданной Ван-Гогом картины именно «Красным виноградникам в Арле»?
Потому что эта работа была продана (с выставки в Брюсселе в 1890 году) за весьма и весьма приличную сумму 400 франков; это был прорыв художника в коммерческую «высшую лигу» – на рынок серьёзных цен... К несчастью, летом того же года Ван-Гог застрелился, так что на этом всё и закончилось. Но застрелился художник уж никак не от непризнания и нищеты.
Строго говоря, причина самоубийства неизвестна; существует версия, что выстрел произвел не он, а его знакомый – подросток, часто сопровождавший художника. Возможно, тот просто баловался с револьвером, который Ван Гог носил с собой – якобы для того, чтобы отпугивать ворон, докучающих ему во время работы. Пуля не задела никаких жизненно важных органов, и Ван-Гог смог самостоятельно дойти до дома, после чего заявил о попытке самоубийства, чтобы его предполагаемый спутник избежал наказания за преступную неосторожность. Умер художник от последствий кровопотери.
Вороны над пшеничным полем. Последняя картина Ван-Гога. (Вот этих ворон он и распугивал из того самого, ставшего роковым, пистолета)
Так почему же картины были такими яркими? У Винсента и Тео был «бизнес-план». Они считали, что средний класс охотнее покупает яркие картины в светлых тонах. Именно поэтому Винсент уехал из пасмурной Голландии, где писал вот так…
…на Юг Франции, где в городках Арль, Овер, Сан-Реми и написал самые знаменитые свои произведения. То, что он здесь увидел, его поразило. Красные виноградники? А как, вы думаете, они выглядят на самом деле? Смотрим современные фотографии:
Кстати, красный цвет виноградной листве придает пигмент антоциан, который обычно начинает синтезироваться осенью. Зачем растение тратит энергию на синтез нового пигмента в листьях, которые все равно скоро опадут, неизвестно. Для красоты?
Давайте теперь сравним фрагмент картины с красками самой матушки-природы. У кого ярче?
Как показала жизнь, расчёт оказался верен: всего через десять лет после того, как Винсент (тоже в прошлом торговец живописью) впервые взялся за кисти, к нему пришёл большой успех. Но...
Люсьен Писсаро. Братья Винсент (слева) и Теодор (справа) Ван-Гоги
А откуда же взялась легенда о нищем художнике и непризнанном гении? Её сочинил немецкий искусствовед Юлиус Мейер-Грефе – по тем же причинам, по которым Тео и Винсент сделали ставку на яркие краски: романтические истории о непризнанных гениях лучше продаются...
Версию немца подхватил французский популяризатор истории искусства Анри Перрюшо, и с тех пор так и повелось: «страдающий гений»!.. «гениальный безумец»!
Надгробия Винсента и Теодора на кладбище Овер-сюр-Уаз в 30 км от Парижа
Итак, миф первый – нищий; миф второй – безумный, миф третий – самоубийца.
Добавим, что слово "миф" вовсе не означает "враньё". Научное определение мифа – "структурный элемент коллективного сознания". Говоря проще – воодушевляющий либо легкодоступный для понимания домысел.
Кстати, уважаемые друзья, у нас есть подробная, "на пальцах", статья, объясняющая, что такое мифы, как они возникли, для чего служили и как трансформировались в религию, искусство и науку. Дети в "Лучике" прочли с удовольствием. А вы хотите?
концептуальное искусство нечаянно создал вадим его стошнило в эрмитаже перформанс зашептал народ
Хорошо сформулировано тут: О современном искусстве. (К статье "Как Малевич до Чёрного квадрата дошёл") А вообще, это все маркетинг и раздутое осознание собственной значимости. Если не аукционы, выставки, галереи и прочее - кому нахрен сдались тысячи «критиков», «экспертов» и прочих прихлебателей аукционных домов?! Куда девать излишки «накопленных капиталов»?! Не своим же работникам раздавать! А тут ты якобы сразу «меценат», «ценитель высокого искусства», «творческая личность». Клоуны. Эксперты по натягиванию совы на глобус.
Давайте ещё раз про Чёрный квадрат. А то текст больше вопросов чем ответов оставляет.
Что такое Чёрный квадрат Малевича?
Чёрный квадрат — финальная точка на пути упрощения и стилизации живописи. От гиперреалистичного Ренессанса через импрессионизм и кубизм — вот к этому. Чистая форма и всё. Никакого смысла кроме этого в нём нет, никакой битвы негров, разумеется, тоже. Это большая точка. Конец старого искусства.
Но и начало нового. Базовый элемент формы, из которой новые творцы соберут новое искусство, уже по другим законам и принципам. Чёрный квадрат иногда в шутку называют «Первый пиксель». Поэтому он и висел у Малевича в красном углу на выставке. Бог — начало всего для верующих, Чёрный квадрат — начало нового, конец старого для художников-авангардистов.
Ценность картины именно в этом — она ценна не как предмет живописи, а как исторический документ, фиксирующий этот этап трансформации искусства и общества, где искусство хотели сделать более доступным и народным.
Нет никакой особой невероятной игры теней/трещин, никакого высокого мастерства живописи. Есть — важное высказывание, фиксирующее социальные и культурные изменения начала прошлого века. Малевич их не столько инициировал, сколько зафиксировал.
Епте бля, суть то в чем сцуко, как то накиданные факты можно соеденить, не? Были те, эти, было такое время, вот эти вот это делали, вот эти то и-и-и - а что да малевича, то эт просто стечение обстоятельств.
Блть мы пока бухие с другом пару дней обсуждали какой то его ссаный реп, где чел поет - нужно больше фрешменов, фьють фьють фьють, да да да, кря, ча ча ча. Ну вот я говорил что это хуита, а он говорил что это надо понимать и что чел с этим треком прям знаменит в их тусовке.
Поразбирались под чудесное пиво мотор 8. Условные звуки без объективной литературной ценности, какую то ценность будут иметь только в контексте чего то. Как и кружки на холсте. Метаскусство короче, жмых блть. И шо тот пидор, шо малевич просто залетают в тусовку понимающих челов со своим мемасиком, в тусовку серьезных дядь с бабками, подскакивают к публике - во зацените оксимирон поет много текста, я просто жидким сераул, потом обрыгался, это все с намеком на оксимиронов. И все такие - хераааа, сечешь, тонко рубишь фишку малевич, вот тебе отдельный зал в третьяковке. Фсе. Хайп в нужное/удачное время, осознанный или неосознанный. Всякого говна этого было спето и написано тонны, знамениты из них несколько только. Можем мы порассуждать здесь о технике мазка, смысле, всем таком прочем? Нет, только можем поговорить о контексте. Об историческом влиянии этого конкретного мема спустя время в конце концов. Ну поговорили разок, посему все остальные черные круги, ромбы и прочее говно идут нахуй.
Это ж не васнецовы там всякие, где можно плеваться, лазить по картине вдоль и поперек, спорить, восхищаться и все такое. Будет десять картин от васнецовых -будет десять таких прям историй, легенд, хороших крепких продуктов. Ну, мб не десять, своя раскрутка там тоже имеет место быть. Короч механика такая в случае с малевичем.
В комментариях к статье про импрессионизм нас попросили написать про Малевича. Ну, это просто. Тут никаких секретов нет. Есть только путаница...
Некоторые считают Малевича мошенником, провернувшим фокус вроде того, что устроили в книжке "Приключения Геккльберри Финна" жулики Король и Герцог. Помните, Король скакал по сцене голым, разрисованным в полоску, – вот и весь спектакль. Облапошенным зрителям стыдно было признаться, что их обманули, и они нахваливали представление тем, кто его ещё не видел. Вот и с "Чёрным квадратом" так: ты ничего не понимаешь, но признаться стыдно, вот и говоришь: "Да-а... м-м-м"...
Голый "Король" или первооткрыватель законов вселенной?
Другие, наоборот, считают Малевича гением вроде Эйнштейна или Исаака Ньютона. Дескать, "Чёрный квадрат" – это все-все-все картины за историю человечества, объединённые на одном полотне, – и никак не меньше!
А кто-то утверждает, что Малевич "стянул" идею у французского журналиста Алле Альфонса, автора произведения "Битва негров в пещере глубокой ночью", кстати, вот оно:
Алле Альфонс
На самом деле, всё проще. Малевич не жулик и не гений. Он обычный художник своего времени, занимавшийся тем же, чем и все. Чем? Попробуем объяснить.
Как уже говорилось в предыдущей статье, после изобретения фотографии живопись стала не нужна для того, чтобы оставлять в памяти образ человека, места или события. Теперь она нужна только "для украшения" или "для интереса".
Для украшения художники принялись писать "красоту красивую" – картины, больше похожие на открытки, чем на картины:
Как на фотографии, "только лучше"
А "для интереса" – стали искать: что может сделать художник такого, чего не может фотограф? Кто-то стал раскладывать видимое изображение на "простые" цвета (красный, синий, жёлтый; кстати, эти эксперименты весьма помогли изобретению кинескопа цветного телевизора):
Жорж Сёра
А кто-то (и среди них Малевич) – выискивать в окружающих предметах их "скелет", "пластическую основу" - те основные плоскости и линии, из которых эти предметы складываются:
Пабло Пикассо
Представьте, что вы машинально что-то рисуете или чертите в блокноте во время скучного собрания, чтобы занять руки. Вы не знаете, что у вас получится, вам самому любопытно это увидеть...
А теперь посмотрим, как это делал Малевич. Вот женский портрет:
А вот крестьянки в поле:
Берём одну из этих крестьянок и "упрощаем" дальше:
А если взять и "упростить" мужика с бородой?
А если дом – тут и думать нечего:
Ну вот, красный квадрат уже есть. Осталось только подравнять и выкрасить его чёрной краской!
Известно, что идея "Чёрного квадрата" пришла к Малевичу в процессе работы над костюмами и декорациями к авангардистской опере "Победа над солнцем".
При жизни авторов эта "опера" выдержала всего два представления: в 1913 году в Санкт-Петербурге и в 1920 – на родине Малевича в Витебске. Выглядело это вот так:
А это её создатели. Сидят: композитор Михаил Матюшин (слева) и художник Казимир Малевич; возлежит – поэт-авангардист Алексей Кручёных.
На фото не хватает автора пролога – Велимира Хлебникова, который не смог приехать на фотосессию из Астрахани по уважительной причине: денег не было. Рассказывают, что кто-то из соавторов (кажется, это был Матюшин) выслал ему денег, но Хлебников перед тем, как купить билет, решил искупаться, а чтобы деньги не украли, взял их с собой в воду, зажав в кулаке. Нырнул, забылся, вынырнул – денег нет. Правда или анекдот, неизвестно.
Велимир Хлебников
Смысл "оперы" был в следующем: взять всё и подели... отменить. Солнце – это то, чему поклоняется "старый мир". Новую красоту символизируют углы и прямые линии. Вместо светящегося круга – чёрный, поглощающий свет квадрат.
Но было ли это революционным искусством?
Футурист Бурлюк и футурист Маяковский
Нет. Это не было революционным искусством. Ни франко-швейцарские дадаисты, ни итальянские футуристы, ни их русские последователи не были революционерами. Они были полубогемой – томящейся от ощущения несовершенства мира и собственной в нём нереализованности интеллигенцией.
Дадаисты Андре Бретон, Поль Элюар (и кто-то ещё)
Взять тех же создателей "оперы": Матюшин, выходец из актёрской семьи, – капельмейстер придворного симфонического оркестра; Малевич – сын управляющего сахарным заводом, Хлебников – сын учёного-орнитолога, Бурлюк – сын графского управляющего, Маяковский – сын чиновника из обедневших дворян. Только Кручёных мог похвастать крестьянским происхождением – да и то был из "зажиточных" (к тому же мать полька).
Блажь и томление авангардистов происходили от многих причин. В атмосфере эпохи веяло "чем-то этаким" (на самом деле – Мировой войной, но казалось, что неведомой "новой жизнью"). До интеллигенции доходили смутные слухи о "кризисе идей в физике" – о том, что "материя исчезла", и это было как праздник непослушания: ведь если уж законы природы отменяются, то законы эстетики и подавно следует отменить!..
Им, наивным, казалось, что скандал – кратчайший путь к известности и успеху, но на самом деле ничего у них не вышло, а все эти жёлтые кофты и куриные косточки в петлицах остались в учебниках лишь по одной причине, у которой есть имя, отчество и фамилия – Анатолий Васильевич Луначарский.
А.В. Луначарский
Он заведовал культурой в большевистском правительстве (как одно время – маркиз де Сад у освободивших его из Бастилии великих французских революционеров) и рассудил так: "Если в буржуазном обществе этих творцов нового искусства зажимали, то не будет лиха, если новая власть их, наоборот, поддержит". Ну а дальше авангард был объявлен "пролетарским искусством", и тот, кто это сделал наиболее убедительно, получил от рабоче-крестьянской власти неплохие буржуазные преференции:
Пролетарский поэт любил хорошо одеться и накрыть хороший стол для друзей
Правда, у Владимира Владимировича хватило ума и таланта вовремя прикрутить фитилёк авангардизма. Маяковский был мастер – а хорошие специалисты всякой власти нужны. Что объединяет две эти постройки?
Правильно, архитектор у них один (Щусев).
Был ли Каземир Малевич большим художником "за вычетом авангарда", вопрос спорный. Судите сами:
Повторим главные слова. Казимир Малевич был нормальный, добротный художник среднего ряда. Не гений и не "глыба" в отличие от Врубеля, Борисова-Мусатова, Петрова-Водкина или Дейнеки. Слава "Чёрного квадрата" (и целый отдельный зал Малевича в "Новой Третьяковке") – это стечение обстоятельств, не относящихся напрямую к искусству. Не будем их называть, чтобы не обидеть и не разозлить никого ещё сильнее.
Нашим любимым местом для игр было огромное поле на краю микрорайона. Там росла просто замечательная полынь. Она была в рост взрослого человека, нам же казалась непроходимыми джунглями. Мы пробирались индейскими тропами, устраивали засады на бледнолицых, строили вигвамы. Однажды под вечер, уже возвращаясь домой, заметили на холме художника с мольбертом. Поднялись посмотреть. Детишками мы были воспитанными, поэтому лишь молча стояли сзади, воздерживаясь от критики. А поржать то там было над чем. Дядька оказался вовсе не художником: потыкав кисточкой то в одну кучку краски на палитре, то в другую, он ляпал по холсту, прищуривался, и замирал, всматриваясь в лежащее внизу поле. На картине же творилось нечто невообразимое. Зелено-серо-бурый сумбур хаотичных мазков. Постояв какое-то время, и решив, что дядя немного поехавший кукухой, мы двинули вниз. Не помню, что меня подтолкнуло оглянуться и бросить прощальный взгляд на картину. Там было поле. Наше поле. Казалось бы, как можно изобразить ровную площадку поросшую травой, вид сверху, на которой кроме этой травы и нет то ничего? Зеленым квадратом Малевича? Но там были и возвышенности, и понижения. И волны колышущейся под ветром полыни. И над всем этим висело сизое вечернее марево, подсвеченное лучами заходящего солнца. Я вернулся. Видение исчезло - опять мешанина зеленого цвета. Отошел - поле. С тех пор я точно знаю, художники - это чуть-чуть волшебники.
Когда в 1874 году французский художник Клод Моне представил на выставке свою картину «Впечатление. Восход солнца», она показалась многим зрителям «возмутительной мазнёй».
Клод Моне. «Впечатление. Восход солнца». 1872 г.
По-французски название картины звучит так: «Импресьóн. Соле́ левáн». И вот один журналист назвал её придуманным словечком «импрессионизм» – то есть «впечатлизм».
Но Клод Моне и его товарищи не обиделись. «Импрессионизм? Отлично! Значит, будем импрессионистами!» Так появилось название этого нового необычного направления живописи.
Кстати, давайте заодно посмотрим на картину англичанина Уильяма Тёрнера, написанную в 1833 году, за сорок лет до Моне. Правда, они похожи?
Уильям Тёрнер. «Город и река на закате». 1833 г.
Почему же тогда первым импрессионистом считают Клода Моне? Потому что Тёрнер был уникумом, одиночкой. (Разве что у его современника Джона Констебла можно найти что-то похожее...) А импрессионисты ворвались в искусство целой группой. Чтобы получилось «направление в искусстве», одного человека мало. Один в поле не воин.
Джон Констебл. «Дом, радуга, мельница». 1837 г.
Кто-то может сказать: «Этиимпрессионисты были просто лентяями. Неохота им было тщательно детали выписывать!» Однако дело совсем в другом...
Почему они так пишут?
В 30-е годы XIXвека была изобретена и начала очень быстро развиваться фотография. К тому времени, когда появились импрессионисты, фотография уже сильно потеснила живопись. Ведь не нужно было тратить время и силы на то, чтобы запечатлеть какой-нибудь дом или улицу – фотограф сделает это быстрее и точнее. И портреты людям хотелось заказывать фотографические. Не надо долго неподвижно сидеть, позируя художнику, – раз и готово!
Так на глазах менялось искусство фотографии
Конечно, художникам было обидно… А теперь – внимание, вопрос. Чего недоставало фотографии по сравнению с живописью? Что у живописи было такое, чего у фотографии пока не было?
Цвет! У фотографии не было цвета! И художники-импрессионисты решили «поднажать на цвет». Не для того, чтобы победить фотографию, – они понимали, что это невозможно: между искусством и техническим прогрессом люди всегда выбирают технический прогресс.
Они решили так: «У нас, художников, глаз более острый, чем у обычных людей. Там, где обычный человек видит один цвет, мы видим огромное множество оттенков и переливов. И мы заставим вас тоже это увидеть! Мы будем это изображать!»
В самом деле, если раньше художник, чтобы добиться нужного оттенка зелёного цвета, смешивал на палитре определённое количество жёлтой и синей краски, то импрессионист брал жёлтую и синюю краски в чистом виде и клал рядом на холст так, чтобы зелёный цвет возникал прямо в глазу зрителя!
Видели старый цветной телевизор? Если посмотреть на его экран с расстояния в несколько сантиметров, можно увидеть, что всё цветное изображение складывается из крошечных точек красного, жёлтого и синего цвета. Точек другого цвета на экране нет! Но, когда смотришь на экран с нормального расстояния, видишь и розовый, и фиолетовый, и коричневый – все цвета, какие нужно. Все они складываются из так называемых «основных цветов» – красного, жёлтого и синего. Причём «сложение» происходит именно в глазу зрителя!
Так выглядит изображение на экране цветного телевизора при сильном увеличении
Кстати, точно так же устроены и экраны современных телевизоров, и экраны смартфонов, просто точек там больше и они мельче – не разглядишь.
Ну вот, а теперь рассмотрим картину художника-постимпрессиониста Жоржа Сёрá «Воскресный день на острове Сен-Жатт». Мы выделили один её фрагмент красным прямоугольником:
Жорж Сёрá «Воскресный день на острове Сен-Жатт»
Какой цвет в прямоугольнике внизу? Тёмно-зелёный? А теперь давайте посмотрим на выделенный нами фрагмент поближе:
Цвет становится зелёным, потому что фиолетовый смешивается у нас в глазу с оранжевыми точками, когда мы смотрим на картину издалека! Вся картина состоит из десятков тысяч нанесённых на холст разноцветных точек!
Фрагмент этой же картины с подписью художника
А хотите ещё фокус? Отойдите от экрана на пару шагов и внимательно посмотрите на следующую картинку… Что видите?
Кружочки? А что ещё? Напишите, пожалуйста, в комментариях! Ждём ваших ответов!
Развиваем воображение
Конечно, не все импрессионисты стали рисовать «точками». Но главный принцип – «изображение должно возникать не на холсте, а в глазу и в воображении зрителя» – соблюдали все. Например, посмотрим на картину Камиля Писсарó«Праздник Марди-Гра на бульваре». Видите прохожих, всадников на лошадях?
Камиль Писсарó. «Праздник Марди-Гра на бульваре»
А на самом деле – мы их не видим – мы их воображаем! Художник ЗАСТАВИЛ нас увидеть прохожих и всадников там, где на самом деле изображены просто пятна и закорючки:
Это наше воображение достраивает их до образов людей и лошадей!
Может, художник просто лошадей рисовать не умел? Нет, просто для него, как и для других импрессионистов, «чтобы было похоже» – не главное. «Похоже» теперь любой фотограф сделает. А для импрессиониста главное – передавать те состояния природы, которые недоступны для фотографии. В первую очередь – передавать так называемую «освещённость» – неуловимую быстро меняющуюся игру света в природе.
Камиль Писсарó. «Белая лошадь на лугу»
Именно поэтому они очень любили рисовать в утренние и вечерние часы, когда освещённость быстро меняется. Разумеется, рисовать надо было не «по памяти», в мастерской, а только с натуры – «на пленэре» (то есть на свежем воздухе), стоя или сидя перед маленьким походным мольбертом или этюдником.
Клод Моне. «Пленэр» (фрагмент)
Моне, например, написал огромную серию «Руанских соборов» – один и тот же фасад собора в городе Руане, но в разное время суток, в разную погоду и в разное время года. То есть – при разном освещении!
А в старости он уже не мог путешествовать, да к тому же заболел артритом и не мог держать в руках кисти (при этой болезни пальцы плохо сгибаются). Он просил, чтобы ему привязывали кисти к рукам, и с утра до вечера писал (в смысле рисовал) пруд с лилиями неподалёку от своего дома…
Серия «Руанских соборов». (Здесь далеко не все!)
Различаем оттенки!
Живопись импрессионистов развивает не только фантазию, но и наблюдательность, чуткость к природе, к её видимым, зримым состояниям. А в конечном итоге – развивает ум!
Можно всех рыб называть словом «рыба», а можно различать карасей, уклеек, сазанов, ёршиков, окуньков, тунцов, барракуд… Чем больше ты различаешь «оттенков рыб», тем больше у тебя знаний, верно? Это правило касается всего. Например, надо уметь различать больше оттенков настроений у себя и у других людей. «Грустный» и «печальный» – уже не совсем одно и то же. А ещё есть «меланхоличный», «тоскливый», «элегичный», «задумчивый», «тревожный», «мятущийся», «смятённый», «депрессивный»… Чем чутче ты определяешь настроение человека (или своё собственное), тем лучше понимаешь, как себя с ним вести, что с собой делать.
Клод Моне. Лилии
Чем, например, отличаются «печальный» и «грустный»? Вопрос на засыпку!
Грусть – состояние более острое, но быстрее может пройти, а печаль мягче, но длится дольше. Грустным человек бывает по какой-то причине и обычно знает, почему ему грустно. А вот печальным можно быть и без причины – непонятно почему. Вот просто накатило такое настроение, и всё!
В природе тоже надо уметь различать оттенки. У многих ведь людей как? Солнышко – жёлтое, трава – зелёная, стволы деревьев – коричневые. Какой карандаш есть в коробке, такого цвета пусть и будут. А природа – не коробка с карандашами! В ней цветов гораздо, гораздо больше!
Клод Моне. Лилии
Может возникнуть вопрос: разве до импрессионистов художники не знали всего этого?
Разумеется, знали. Но они не делали это знание достоянием публики. Это был их секрет. Они смешивали на палитре краски, какие надо, и получалось «похоже». А импрессионистам не надо было делать «похоже» (за них это уже фотографы делали), и они решили показать зрителям, что происходит у художника в голове. Как возникают цвета и формы…
Вовлечь в процесс творчества, а не показать его результат: