«Вихрь» русского модерна
Давайте устроим перекличку. Я говорю – модерн. Вы отвечаете – Густав Климт!
А теперь русский модерн. Ответ – Филипп Малявин!
Бывший иконописец обладал природным талантом, а после попадания в Академию художеств засверкал так, что даже Репин выделял его среди молодых художников.
Картина называется «Вихрь». Давайте сразу обозначим – никакой политики в картине нет. Да, разгар Первой русской революции. Да, экспрессия и сплошной красный цвет. Аполитичному Малявину было интересно другое – расширять мир искусства.
Сперва для написания шедевра надо разобраться с красками. Филипп Андреич спросил рецепт у Грабаря, чтобы увеличить интенсивность цвета и светосилу. Выслушав совет, художник, как всегда, сделал по-своему.
Со всей широтой души он накидал ингредиентов в свой состав, и картина практически не сохла. А Грабарь говорил, что еще долгое время во время жарких дней картина распускалась и грозилась сползти вниз.
Но какой взрыв получился! Действительно вихрь. Сарафаны живут отдельной жизнью, сегодня именно они кружатся в своем неистовом танце. Пейзаж минимален. Малявин вообще считал, что после Левитана нет смысла браться их писать – паршивец уже все нарисовал)
...и еще две справа, в таком танце света можно легко потерять их лица
Более-менее устойчивыми на картине остаются только лица пяти девушек (да, пяти, пересчитайте). Все остальное (то есть сарафаны) переливаются цветами и давят бедного зрителя – заходишь в зал, а на тебя прыгает вихрь на 9 квадратных метров!
Некоторые критики сравнивали полотно с ковров, но в хорошем смысле
Мощь танца из самых недр крестьянской России, горящие до боли в глазах цвета и не сохнущие месяцами краски – это русский модерн, это Малявин)
Другие истории и заметки про искусство публикую тут: https://t.me/picturebymaslo
В спектакле «Женитьба» худрук театра «Модерн» Юрий Грымов объединил три комедии русских классиков с Лолитой Милявской в главной роли
На сцене московского драматического театра «Модерн» начинаются премьерные показы спектакля «Женитьба» режиссера и художественного руководителя Юрия Грымова. В главной роли необычной постановки – невесты Агафьи Тихоновны Купердягиной успешно дебютировала певица Лолита Милявская.
Юрий Грымов можно сказать «переписал» историю классической «Женитьбы», и создал свой феноменальный сюжет. Он объединил в одном произведении три комедии незабываемых русских классиков: «Женитьбу» Николая Васильевича Гоголя, «Женитьбу Бальзаминова» Александра Николаевича Островского и «Предложение» Антона Павловича Чехова.
На руку и сердце одной состоятельной особы претендуют сразу шесть женихов. Только выясняется в конечном итоге, что им вовсе нужна не женитьба, каждый ищет свою выгоду, а в итоге…
Главную героиню Агафью Тихоновну Купердягину сыграла певица Лолита Милявская. Это первое ее участие в профессиональной театральной постановке и сразу главная роль. В какой-то момент поймала себя на мысли, что Лолита притягивает все больше и больше своей непринужденной игрой, хотя до пресс-показа она и говорила, что очень волнуется и, порой, забывает текст, но партнеры по сцене ее вытягивают. Волнение, даже если оно и было в начале, улетучилось достаточно быстро, во всяком случае это не было заметно. Сама же Лолита, постоянно позиционирующая себя сильной и самодостаточной женщиной, предстала удивительно нежной, невероятно трогательной и чуточку беззащитной – это необычное открытие.
«Женитьба» Грымова – это история о вечном, все это происходит из века в век. Мужчины в случае с Агафьей Тихоновной не ищут любви и семейного счастья, для них важна лишь выгода. К примеру, почти еще дитя Миша Бальзаминов (в исполнении Сергея Аронина) готов ради ничегонеделанья, как попка, повторять весь инструктаж за свахой Акулиной Гавриловной Красавиной (ее сыграла Анастасия Светлова) и изображать из себя «страстно влюбленного».
Экзекутор Яичница (в исполнении Петра Ступина) откровенно подсчитывает финансовые блага возможной супруги. А сосед Ломов (его специально преувеличенно комично сыграл Андрей Давыдов, взяв за основу образ харизматичного президента Белоруссии Александра Лукашенко – Ред.), просто хотел отобрать у Агафьи Тихоновны часть ее земель. Подколесин (в исполнении Юрия Анпилогова) и вовсе оказался трусом, сбежав через окно. Правда, прежде, чем решиться на побег почти из-под венца, он прокрутил в своей голове всю семейную жизнь, и понял, что не готов к таким жертвам…
Спектакль идет 2 часа 10 минут с перерывом на антракт, но время пролетает молниеносно. Все действо режиссер Юрий Грымов перенес в современную Москву в один из промышленных районов, где много труб и спутниковых тарелок, там гудят машины и постоянно летают вороны, ища чем бы поживиться. Именно на крыше одного из домов, где когда-то была установлена эмблема Советского Союза «Серп и молот» и разворачиваются смотрины.
Когда на сцене появляются женихи, сразу понятно, насколько они разные, но цель-то у всех одна – как бы жениться удачно. Сочетание стилей ярких костюмов, например, цилиндр, под ним тюбетейка, а сверху – розовый пуховик с мехом. Все действующие персонажи одеты ярко и броско, несмотря на драматизм спектакля. Дополнение – микс-песен из советской эпохи и музыкальные заставки из советских фильмов.
Эффектное появление Агафьи Тихоновны из груды поношенной одежды. Она очень скромна, мила и стеснительна, одета в «лохмотья»: треники с лампасами, развевающуюся юбку, рваный вязаный пуловер с длиннющими вытянутыми рукавами и грубые ботинки. Женихи пытаются показать себя во всей красе, один даже выезжает на инвалидном кресле, с одной ногой, в тельняшке, чем вызывает сочувствие хозяйки дома, и вдруг вскакивает, скидывает тельняшку и разбивает кирпич о голову. Происходит полный дурдом, женихи шокируют невесту, и она сбегает от них. Даже сваха в шоке от такого показательного «соревнования».
В конечном итоге Агафья Тихоновна останется одна, и зритель будет сам домысливать – сложится ли у нее обычное бабское счастье.
Зрители высказывали разные впечатления, кому-то «не хватило комизма», кому-то наоборот – «трагизма». Но суть-то микс-спектакля от этого не изменилась, а напротив, Грымов, на мой взгляд, улучшил постановку, благодаря объединению трех комедий и чувственной игры Милявской.
Фото театра Модернhttp://mskvremya.ru/article/2021/0554-retsenziya-teatr-moder...
Как Марк Шагал летать научился
По мнению Шагала, все же окрыляет не Red Bull, а любовь. Часто на картинах художника мы видим летящую счастливую пару, и почти всегда – это сам Марк и его жена, Белла Розенфельд. Только вдумайтесь – она появлялась на его картинах больше 2000 раз!
На картине Шагал забавно обыграл пословицу «лучше синица в руках, чем журавль в небе». В правой руке у него синичка, а любимый журавль весело летит сверху. Но только зачем выбирать, если сильно любишь, спрашивает нас Марк))
Марк Захарович Шагал – «Прогулка», 1918
Сзади виднеется родной художнику Витебск, а контраст кубической земли и объемного неба помогают Шагалу отправить в полет своих героев. Согласитесь, летающая Белла тут очень к месту))
Улыбки до ушей, задорная театрально-цирковая композиция и ослепляющая любовь – за это мы Шагала и любим.
Картина является частью триптиха о счастье, как я его назвал (ох и скромность). Здесь художник еще не оторвался от земли, но, кажется, уже идет на взлет.А вот на следующей картине он уже вовсю летит!
«Над городом» одна из самых известных работ Шагала. Здесь художник изобразил самое важное в своей жизни – себя, любимую жену Беллу и родной Витебск.
Счастливые влюбленные летят в обнимку над городом, позабыв про всякие ваши гравитации. Шагал вообще любил отправлять в полет влюбленных героев, которые буквально «летят от счастья».
Марк Захарович Шагал – «Над городом», 1918
Однако полет для персонажей Шагала в то же время как будто естественное состояние человека. В этом одна из особенностей творчества художника – неудержимая фантазия сочетается с обыденностью и изображением быта.
Особенный эффект придает небольшая деталь в нижнем левом углу картины. Присмотритесь, там маленький человечек, пардон, гадит у забора. Ничего себе романтичная картина)
Твое лицо, когда попал на картину про влюбленных:
Но в том и прелесть – и полет, и голая задница, и прекрасная Белла, которая написана мягкими линиями (в отличие от кубического Шагала). Все это необычная симфония любви, которую художник посвятил своей жене.
Смотришь на картину, и душа летит)
Но путешествие парочки начало чуть раньше, на земле. Третья картина в нашем посте как раз самая первая работа по времени написания и, можно сказать, по смыслу. Сюжет забавен: Белла, жена художника, вышла погулять по Витебску в элегантном белом платье. На прогулку с ней вышел и сам Шагал, сделав пару удачных решений – сел на плечи к даме и взял с собой вина.
Над ними кружит маленький ангел, и по совместительству, маленькая дочь парочки, Ида.
Все на своих местах. Красивая Белла, веселый художник, любимый Витебск, необычный выбор цветов и яркая авангардная техника.
Хотелось бы поискать тут внешних смыслов, да только бестолковая затея – сам Шагал говорил, что не засорял сторонними символами свой радостный триптих. Как и импрессионисты, он просто поймал момент и передал свое настроение нам, зрителям.
И я его понимаю. Зачем двусмысленность и знаки, когда ты просто счастлив?
Больше интересных историй из мира живописи можно почитать в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
Ну или глянуть в инстаграме)
Добра!
«Портрет Жанны Эбютерн» Модильяни, или трагичная история любви
Представьте ситуацию. Есть молодая девушка Жанна: 19 лет, не пьет, не курит, застенчива и скромна. Есть прожжённый художник Амадео: 33 года, пьет, курит, спускает все деньги на азартные игры и алкоголь, спит со всеми подряд и в добавок болеет туберкулезом. Итог? Правильно, любовь всей жизни для обоих.
Амедео Модильяни - «Портрет Жанны Эбютерн в большой шляпе», 1918
Модильяни написал больше 20 портретов Жанны, один сегодня мы и рассматриваем. Вот как ее видел художник: грациозная, изящная и загадочная. Этому способствует фон (подчеркивает хрупкость девушки) и, конечно же, эти глаза – без зрачков, странного и завораживающего цвета. Как там говорят? Я тону в твоих глазах…
Ну и классические атрибуты Модильяни – вытянутое лицо и шея, как будто это не картина, а скульптура. Многие хейтеры смеялись, что художник так видит мир через стакан с абсентом.
Очевидцы говорят, что отношение Модильяни к Жанне отличалось от отношений с женщинами в целом (если коротко: они его обожали, он с ними не церемонился - например, одну из своих пассий Амадео, рассказывают, однажды вышвырнул в окно). Но доставалось и Жанне: Модильяни регулярно бывал пьян, нередко – груб, и не сказать, чтобы верен. Она просто любила его. Он же называл свои картины «признаниями в любви на холстах». Если рассматривать их так, то любовь Модильяни пережила их обоих.
Так в чем же главная драма? Спустя 3 года отношений и одну дочку от Жанны (она уже была беременна вторым), Модильяни собирался взять в жены свою музу, и даже дал расписку своим друганам. Перед этим он потерял свои документы, и ждал их восстановления для оформления брака.
Однако во время очередной попойки он сильно простудился и очень быстро слег от менингита. Беременная на 8 месяце Жанна этого не пережила, и на следующий день после его смерти прыгнула в окно с 6 этажа.
Еще один портрет Жанны от Амедео:
Существует легенда, что Жанна однажды сказала другу художника: «Моди обязательно нужно умереть. Он гений и ангел. Когда он умрет, все это поймут». Так и вышло. В день похорон Модильяни проводить его вышла целая толпа, а картины, которые были никому не нужны, стали резко подниматься в цене.
Глянуть другие истории из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
А если не любите телегу, то вот ссылка в инстаграмм: https://www.instagram.com/picturebymaslo
Добра!
Эмоциональные украшения: Ильгиз Фазулзянов
Когда речь заходит о знаменитых русских ювелирах, на ум сразу приходит неповторимый Карл Фаберже . Но и сегодня у нас есть невероятный мастер, получивший международное признание. Речь конечно о единственном в истории ювелире работы которого дважды подряд получали престижный Гран-при International Jewellery Design Excellence Award на Международной ювелирной выставке в Гонконге - Ильгизе Фазулзянове.
А ведь карьера прекрасного мастера могла и не состояться, образование он получал в области дизайна интерьеров в родной Казани. Но в рамках класса студенты прошли непродолжительное обучение в ювелирной мастерской, и по всей видимости именно тогда и зародилась любовь к ювелирному ремеслу.
По окончании учебы Ильгиз основал мастерскую по окрашиванию тканей и созданию витражей, но кто-то из знакомых по всей видимости не совсем правильно его понял и решив, что будущей гений овладел техникой изготовления ювелирных изделий разместил заказ. В итоге Фазулзянов методом проб и ошибок изучил технику создания украшений и был очарован ювелирным миром. Удивительно, но каждый из навыков в его впечатляющем художественном арсенале – это то, чему он научился сам по книгам.
Но возможно именно это самостоятельное познание и позволило создать собственные техники и открытия в области работы с эмалью. Так, например, обычно обжиг эмали осуществляется при температуре 700-800 градусов, тогда как температура перегрева у Ильгиза составляет 950. И именно это позволило добиться уникального результата, когда эмалевое покрытие сваривается с металлом, и получается идеально ровная поверхность, а соответственно и невероятно тонкая перегородка.
Или же выкладка витражной эмали толщиной всего в один миллиметр, а не общепринятые 2.5 мм, что создает легкость и воздушность в его творениях.
Это сегодня у мастера два выставочных зала в Москве и Париже, а в далеком 1992 году он сделал первый шажок к признанию открыв специализированную мастерскую. Ильгиз безусловно считает себя ювелирным мастером, но…
Прежде всего художником, и самым важным шагом является мой первоначальный рисунок. Рисую везде: в самолете, на пляже, в своем родном Татарстане, на даче-саду…
Сейчас эксперты всего мира решают вопрос: что же такое современное ювелирное искусство , по каким признакам и критериям признавать украшения достойными музеев. Где кончается дизайн и начинается искусство? Это очень сложно. Для меня ювелирное искусство начинается, когда проявляются мысль художника, его личность и философия.
Удивительной отличительной особенностью ювелира является любовь к недорогим материалам и камням. Ведь в сегодняшних реалиях крупнейшие мировые бренды в категории высокого ювелирного искусства в ущерб мастерству создания украшений, предпочитают радовать публику просто набором дорогущих минералов, поставленных в оправы.
Одно из преимуществ работы с эмалью – даже для выдающегося художественного результата не нужны дорогие материалы. Я и сейчас нечасто использую большие дорогие камни – они скорее мешают замыслу, чем помогают.
Мир природы – неиссякаемый источник вдохновения для Ильгиза, мотивы и растения появляются неоднократно в его творениях. По этой причине его часто олицетворяют с ювелирами периода модерна, а сам мастер называет этот стиль одной из составляющих дизайна. Но если внимательно присмотреться к творчеству автора, органический, ассиметричный, изогнутый модерн и искусственный, двусторонне-симметричный, линейный ар-деко зачастую органично сочетаются, и в том числе могут смешиваться в одном творении.
Но безусловно культовым и очень узнаваемым дизайном Ильгиза являются его куполообразные кольца , которые вкупе с описанной выше технологией работы с эмалью являются очень узнаваемыми. Их, пожалуй, невозможно спутать ни с какими работами иных мастеров.Сегодня наш удивительно талантливый мастер имеет за плечами опыт сотрудничества с британским ювелирным домом Annoushka, швейцарским часовым брендом Bovet (фото ниже), в качестве лектора в парижской школе Van Cleef&Arpels, громкие продажи своих изделий на аукционах Christie's и Bonham's. И это несмотря на то, что на пути к успеху его поджидали многочисленные предательства, ограбление и потеря мастерской, но бесконечная вера в себя, трудолюбие и желание творить подарили миру уникального для нашего времени мастера.
Сегодня наш удивительно талантливый мастер имеет за плечами опыт сотрудничества с британским ювелирным домом Annoushka, швейцарским часовым брендом Bovet (фото ниже), в качестве лектора в парижской школе Van Cleef&Arpels, громкие продажи своих изделий на аукционах Christie's и Bonham's. И это несмотря на то, что на пути к успеху его поджидали многочисленные предательства, ограбление и потеря мастерской, но бесконечная вера в себя, трудолюбие и желание творить подарили миру уникального для нашего времени мастера.
Но конечно же венец карьеры художника на сегодняшний день — это выставка в Московском Кремле, которая длилась в 2016 году на протяжении четырех месяцев. Последним русским ювелиром удостоившимся такой чести был как раз упомянутый выше Карл Фаберже .
Спасибо за внимание!
Поиграем в бизнесменов?
Одна вакансия, два кандидата. Сможете выбрать лучшего? И так пять раз.
У шедевра завален горизонт, или картина тысячи значений. Разбор «Купание красного коня»
Уверен многие сейчас вспомнили про учебник по истории и все эти «конь – это Россия» и блабла.. Но мы тут собрались обсуждать годноту, правильно?
Толковать картину можно как вам удобно. Сам художник с началом Первой мировой войны сказал: «Так вот почему я написал «Купание красного коня»! А спустя 3 года уже говорили про большевиков и красную Россию.
Хотя есть взгляд на мальчика как на спасителя – он принесет нам возрождение и новые силы.
А третьи вообще говорят, что это изображение человека как частички пространства. Вертите, как хотите, главное – говорить убедительно))
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – «Купание красного коня», 1912
Кстати, заметили, как Петров-Водкин завалил горизонт? Хотя критики и ругали его за это, тут есть своя история. Однажды в юношестве перед будущим художником убили человека. От отчаянья и злости он убежал на холм, где ему было видение – вся планета, сфера пространства, накрытая ночным небом, и все на одном этом холме. Это воспоминание художник потом использовал как вдохновение, поэтому его картины как будто немного сферические.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – «Играющие мальчики», 1911
Важное влияние на художника оказали иконопись. В начале 20 века расчистили множество древних икон, и Петров-Водкин был очень впечатлен. И именно на иконах он увидел красных коней.
Как, например, тут:
Картину впервые показали в 1912 году, потом с началом войны в 1914 она затерялась в Швеции, но спустя почти 50 лет вернулась в Москву и вызвала восторг у нового поколения художников.
А рецепт прост. Возьмите иконописный стиль наших художников, добавьте туда академизма из Европы и потом выложите в стиле модерна. Получится монументальный, авангардный, живой шедевр.
А чтобы преисполниться, сходите в Третьяковку, когда станет безопаснее. Обещаю, энергии наберетесь))
Посмотреть еще интересных историй из мира живописи можно в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
Добра!